HERBIE ganha balde temático em estreia de novo Quarteto Fantástico: Primeiros Passos

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Em um encontro preciso entre marketing afetuoso, memória afetiva e a redescoberta de ícones esquecidos, a rede de cinemas AMC revelou nesta semana uma peça que vai além do simples consumo de pipoca: um balde interativo inspirado em H.E.R.B.I.E., o simpático robô do Quarteto Fantástico. A ação faz parte da campanha de lançamento de Quarteto Fantástico: Primeiros Passos e sinaliza não apenas a reestreia da equipe nas telonas, mas também o zelo da Marvel Studios em se reconectar com sua própria história.

Sim, é só um balde de pipoca. Mas também é muito mais do que isso. Com rodinhas móveis, sensores de luz e uma cabeça giratória, HERBIE não apenas carrega pipoca — ele carrega consigo décadas de história da cultura pop, um carinho inesperado por personagens “secundários” e o símbolo de um novo momento criativo para o estúdio.

A volta triunfal da primeira família da Marvel

Criado por Stan Lee e Jack Kirby em 1961, o Quarteto Fantástico não foi apenas o ponto de partida do universo Marvel moderno — eles foram pioneiros ao humanizar super-heróis. Ao contrário dos semideuses que vieram antes, Reed, Sue, Johnny e Ben discutiam, amavam, erravam. Eram heróis, sim, mas também família. Essa dimensão íntima, tão inovadora nos anos 60, é o que o estúdio quer resgatar agora.

Após anos de tentativas frustradas — incluindo o reboot criticado de 2015 — e depois da aquisição da Fox pela Disney, o caminho estava aberto para uma reinterpretação definitiva. Kevin Feige, arquiteto do MCU, sabia o que tinha nas mãos: era preciso fazer justiça à primeira família da Marvel. E, ao que tudo indica, a aposta agora é certeira.

First Steps: muito além do título

O nome Quarteto Fantástico: Primeiros Passos não é apenas um indicativo de recomeço. É uma reverência direta à exploração espacial, às promessas tecnológicas do século XX e, claro, ao célebre “pequeno passo para o homem” dito por Neil Armstrong em 1969. O filme se ambienta em um universo alternativo retrofuturista, situado nos anos 1960 — um mundo visualmente inspirado por Stanley Kubrick, pelos Beatles, pela corrida espacial e pela estética elegante e industrial da época.

Segundo o diretor Matt Shakman, a proposta foi ousada: “E se, em vez de Armstrong e Aldrin, fossem os Storms, Ben Grimm e Reed Richards os primeiros humanos na Lua?”. A ideia ganha corpo em cenários práticos, figurinos meticulosamente desenhados e uma direção de arte que homenageia desde 2001: Uma Odisseia no Espaço até os anúncios de revistas Life da década de 60.

E, no centro disso tudo, está HERBIE — o robô que deveria ser coadjuvante, mas acabou roubando os holofotes.

HERBIE: de substituto animado a ícone de cultura pop

HERBIE nasceu da necessidade. Em 1978, por questões legais, o Tocha Humana não pôde ser usado na série animada do Quarteto. Para preencher a lacuna, surgiu o robô: branco, redondinho, inteligente e com uma pitada de sarcasmo. Era para ser provisório. Virou eterno.

Agora, em Primeiros Passos, HERBIE é reimaginado com tecnologia de ponta — uma fusão de animatrônicos e efeitos visuais, com a dublagem afiada de Matthew Wood, conhecido por dar vida ao General Grievous em Star Wars. Segundo Shakman, HERBIE é “abusado, mas adorável”. Ele não é apenas o alívio cômico da trama. É peça central da equipe — uma espécie de elo emocional entre os personagens. E, claro, o novo alvo do merchandising.

O balde temático lançado pela AMC nos Estados Unidos celebra isso com um carinho raro em ações promocionais. HERBIE se movimenta, acende luzes, gira a cabeça — e, inevitavelmente, vai conquistar fãs de todas as idades. É o “Baby Groot” do Quarteto. É o “Grogu” da nova geração Marvel.

Um elenco para reescrever a história

O filme reúne um elenco afiado, com nomes que transitam entre o prestígio dramático e a cultura pop.

Pedro Pascal, queridinho do momento após brilhar em Quarteto Fantástico, interpreta Reed Richards, o Senhor Fantástico. Em entrevistas, Pascal revela que seu Reed é um gênio à beira da autossabotagem — uma mistura entre Einstein, Steve Jobs e Robert Moses. Inteligente, mas falho. Brilhante, mas solitário.

Vanessa Kirby dá vida a Sue Storm, a Mulher Invisível, agora grávida e mais complexa emocionalmente. Kirby explorou nuances da versão “Malice” da personagem nos quadrinhos, e seu retrato foge do estereótipo da “mãe protetora”. Ela é, de fato, a líder da Fundação Futuro.

Já Ebon Moss-Bachrach (reconhecido por The Bear) assume o papel de Ben Grimm, o Coisa, com humanidade comovente. Judeu como o personagem original, Moss-Bachrach incorpora a ancestralidade de Ben com respeito e profundidade. E sim, ele será trazido à vida por meio de captura de movimento, com inspiração visual em rochas do deserto americano.

Joseph Quinn — o Eddie de Stranger Things — fecha o time como Johnny Storm, o Tocha Humana. Sua versão abandona o arquétipo mulherengo e entrega um Johnny mais sensível, porém ainda impetuoso. Um jovem em busca de identidade, que brilha — literalmente e metaforicamente.

Galactus vem aí — e não está sozinho

O perigo em Primeiros Passos é proporcional à grandeza da equipe: Galactus. Interpretado por Ralph Ineson (A Bruxa), o devorador de mundos aparece em toda sua glória cósmica, com armadura roxa, voz cavernosa e presença que ecoa mais como uma força da natureza do que como vilão tradicional.

Mas ele não está sozinho. A Surfista Prateada também marca presença — e dessa vez, em versão feminina. Julia Garner (de Ozark) interpreta Shalla-Bal, a clássica parceira de Norrin Radd nos quadrinhos, aqui reimaginada como arauta de Galactus. A personagem traz uma sensibilidade melancólica que promete cenas arrebatadoras.

Bastidores e renascimento criativo

A trajetória até esse novo filme foi, no mínimo, turbulenta. Desde o fracasso do reboot de 2015, passando pela compra da Fox pela Disney, a franquia parecia esquecida num limbo criativo. Diversos projetos foram cogitados — incluindo um longa focado em Franklin e Valeria, filhos de Reed e Sue, e até um filme solo do Doutor Destino por Noah Hawley.

A escolha de Matt Shakman, que encantou o estúdio com seu trabalho em WandaVision, mudou o jogo. Ao apresentar sua filha recém-nascida numa reunião com executivos da Marvel, Shakman mostrou que queria contar uma história sobre família, legado, pertencimento. Não apenas uma aventura espacial — mas um drama humano com capas e raios cósmicos.

O roteiro passou pelas mãos de Jeff Kaplan, Ian Springer, Josh Friedman, Eric Pearson e Peter Cameron. A ideia foi unir ficção científica com emoção sincera, e humor com relevância temática. A Marvel, neste projeto, quer emocionar — não apenas entreter.

O impacto que está por vir

Primeiros Passos não é só mais um capítulo. Ele é o prólogo da nova fase do MCU. A equipe já está confirmada nos vindouros Avengers: Doomsday (2026) e Avengers: Secret Wars (2027). E, segundo rumores persistentes, Victor von Doom — o lendário Doutor Destino — aparecerá discretamente numa cena pós-créditos, interpretado por ninguém menos que Robert Downey Jr.

Isso mesmo: Tony Stark pode voltar, agora não como herói, mas como ameaça. Uma inversão ousada que pode redefinir o futuro da franquia.

O merchandising como afeto

Além do balde interativo de HERBIE, a campanha promocional inclui copos colecionáveis com cada membro do Quarteto, roupas com visual retrô, action figures e uma linha de brinquedos licenciados que miram tanto em crianças quanto em adultos nostálgicos.

E HERBIE, ao que tudo indica, é o novo fenômeno em potencial. Um robô de olhos grandes, falas sarcásticas e design que parece saído de um museu do futuro. Não seria surpresa vê-lo estampando camisetas, mochilas, cadernos — e, claro, prateleiras de colecionadores mundo afora.

James Gunn comenta polêmica aparição de Henry Cavill em Adão Negro e o recomeço do Superman

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Por mais de oito décadas, o Superman é muito mais do que um personagem de quadrinhos ou cinema: ele é um ícone cultural, símbolo de esperança, justiça e coragem. No entanto, como todo símbolo que atravessa gerações, sua representação não está imune a transformações — algumas suaves, outras tão profundas que redefinem sua essência para novos públicos.

Nos últimos anos, a jornada cinematográfica do Homem de Aço viveu um período turbulento, marcado por altos e baixos, mudanças de liderança, decisões polêmicas e o desafio de se reinventar diante de um público que se tornou mais crítico e diversificado. Dois momentos recentes ilustram essa transição com clareza cristalina: a inesperada e controversa aparição de Henry Cavill como Superman no filme Adão Negro (2022) e o lançamento do novo filme Superman (2025), dirigido por James Gunn e estrelado por David Corenswet.

Esses dois eventos, aparentemente desconexos, na verdade revelam os bastidores de uma mudança de era, uma metamorfose que toca tanto o personagem quanto o universo cinematográfico que o sustenta. Nesta matéria, vamos explorar o que motivou essas decisões, como elas impactaram a indústria e os fãs, e o que o futuro reserva para o herói mais emblemático da DC Comics.

O Superman nos cinemas

Antes de entendermos o contexto recente, é importante compreender a magnitude do desafio que é retratar o Superman no cinema. Desde sua estreia nas telas em 1941 com a série de curtas-metragens, passando pela icônica atuação de Christopher Reeve na década de 1970, até as versões mais recentes de Brandon Routh e Henry Cavill, o personagem sempre foi um reflexo do espírito de sua época.

Christopher Reeve construiu uma imagem clássica do herói — idealista, puro e quase imbatível — que influenciou várias gerações. Décadas depois, Zack Snyder e Henry Cavill trouxeram uma versão mais complexa, sombria e humana, enfrentando dilemas existenciais e morais, em filmes como O Homem de Aço (2013), Batman vs Superman (2016) e Liga da Justiça (2017/2021).

Mas, mesmo com a consagração da trilogia de Cavill, o universo compartilhado da DC enfrentava problemas: mudanças de direção, roteiro, conflitos criativos, expectativas elevadas e uma crítica que muitas vezes não foi benevolente. Esse cenário culminou na entrada de James Gunn e Peter Safran na liderança criativa da DC Studios, com a missão de reorganizar e reiniciar o universo cinematográfico, preservando o legado, mas estabelecendo novas bases para o futuro.

O último suspiro da era Cavill?

Quando Henry Cavill reapareceu como Superman em Adão Negro, filme de 2022 protagonizado por Dwayne “The Rock” Johnson, a reação foi imediata: surpresa, entusiasmo, mas também confusão. A cena parecia sinalizar a continuidade da era Cavill, ou ao menos manter uma ponte entre filmes e universos. Porém, nos bastidores, a situação era mais complexa. James Gunn revelou que a aparição foi uma decisão da Warner Bros. sem sua aprovação, tomada em um momento de transição e vácuo criativo na DC Films.

Para Gunn, a cena representava um movimento mal planejado, tentando manter uma continuidade que já não fazia mais sentido para o novo planejamento. Ele descreveu o episódio como uma “infelicidade” e expressou empatia pelo ator, que foi colocado em uma situação delicada, “coitado deste cara”. Essa cena tornou-se, para muitos, o símbolo de uma era que precisava terminar para que uma nova pudesse começar, de forma mais coesa e planejada. As informações são do Omelete.

O recomeço com James Gunn

Para compreender melhor a decisão de Gunn, é essencial olhar para o panorama corporativo que cerca a DC Films e Warner Bros. Nos últimos anos, a Warner Bros. passou por diversas mudanças internas, fusões e disputas que impactaram diretamente as produções da DC. Sem um comando unificado, muitos projetos foram cancelados, adiados ou tiveram mudanças drásticas.

A escolha de James Gunn — conhecido por seu sucesso na Marvel com Guardiões da Galáxia — e Peter Safran foi estratégica. Eles assumiram em 2022 a responsabilidade de reestruturar a DC Studios, com a missão de criar um universo cinematográfico sólido, integrado e consistente, que pudesse rivalizar com a Marvel Studios. Um dos passos fundamentais dessa nova etapa foi reiniciar a cronologia do universo, um movimento que exige abrir mão de partes do passado e construir uma nova narrativa do zero.

O novo Superman já está nos cinemas

O filme Superman, lançado em 11 de julho de 2025, representa muito mais do que o retorno do Homem de Aço aos cinemas. Ele é o marco inicial do chamado “Capítulo 1: Deuses e Monstros”, o reboot oficial do Universo DC (DCU). Dirigido e roteirizado por James Gunn, com produção de Peter Safran, o filme traz David Corenswet no papel de Clark Kent/Superman, Rachel Brosnahan como Lois Lane e Nicholas Hoult no papel de Lex Luthor. Essa nova encarnação do Superman aposta numa abordagem mais jovem, realista e emocionalmente complexa, focando não apenas em suas façanhas heroicas, mas também em seus conflitos internos, seu senso de justiça em um mundo dividido e sua vulnerabilidade diante das ameaças políticas e midiáticas.

David Corenswet: O Novo Superman para uma Nova Geração

David Corenswet, conhecido por seu trabalho em séries de televisão e com um perfil crescente em Hollywood, foi escolhido para ser o novo rosto do Superman. Sua interpretação aposta na humanidade do personagem: um Clark Kent que ainda está descobrindo seu lugar no mundo, equilibrando sua vida como repórter em Metrópolis com a responsabilidade de ser o protetor do planeta. A caracterização busca trazer um Superman acessível, que reflete os valores e dilemas contemporâneos, incluindo a luta contra a desinformação, a manipulação política e a polarização social.

Rachel Brosnahan e o Papel Fundamental de Lois Lane

Lois Lane, personagem histórica da mitologia do Superman, ganhou uma nova dimensão com Rachel Brosnahan — atriz premiada e reconhecida por sua profundidade dramática. Na trama, Lois é mais que interesse romântico: ela é uma jornalista corajosa, ética e fundamental na luta para revelar a verdade contra as mentiras de Lex Luthor. Essa representação fortalece a importância das vozes femininas e da luta pelo jornalismo independente num mundo saturado por fake news.

Lex Luthor e Ultraman: Vilões que Refletem o Caos do Mundo Atual

O vilão Lex Luthor, papel de Nicholas Hoult, é um antagonista multifacetado, cuja manipulação das mídias e dos poderes econômicos representa as ameaças reais enfrentadas por nossa sociedade. O uso de um clone — Ultraman, uma versão corrompida e distorcida do Superman — para incriminar o herói traz uma metáfora poderosa: o confronto entre a verdade e a falsidade, a luz e a sombra. Essa dinâmica dialoga com a era digital, onde a percepção pública pode ser facilmente manipulada, criando um campo de batalha psicológico além do físico.

A Liga da Justiça: Novos Rumos e Novas Alianças

O filme também introduz a Liga da Justiça em sua nova configuração, com a inclusão do Metamorfo e o fiel cão kryptoniano Krypto, ampliando o universo e preparando terreno para futuras histórias. Essa nova formação sinaliza uma abordagem mais diversificada e colaborativa, onde o coletivo é tão importante quanto o indivíduo.

O Futuro do Superman e do Universo DC

A jornada do Superman no cinema é a jornada de um símbolo que se reinventa para permanecer relevante. Com James Gunn e Peter Safran à frente, a DC mostra compromisso com uma narrativa planejada, coerente e conectada com o público do século XXI. O lançamento do novo Superman representa não só a renovação do personagem, mas a esperança de que o universo DC possa finalmente construir seu caminho com estabilidade, criatividade e respeito ao legado. Para os fãs, é um convite para olhar para frente sem esquecer o que veio antes — mesmo que isso signifique deixar para trás aparições inesperadas como a de Henry Cavill em Adão Negro.

Anna Toledo lança “Proibido” e inaugura uma nova fase artística marcada pela leveza e autenticidade

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No dia 18 de julho de 2025, a cantora, atriz e dramaturga Anna Toledo apresentou ao público seu mais novo trabalho: a faixa “Proibido”, que é também a canção-título do seu primeiro DVD gravado ao vivo. Esse lançamento marca um momento muito especial em sua carreira, uma virada que traz a potência da maturidade aliada à leveza de quem já conhece bem o próprio caminho artístico.

A produção audiovisual, realizada em Goiânia em abril deste ano, contém 13 faixas inéditas e é um projeto que revela, de forma vibrante e autêntica, o universo musical e emocional da artista. Mais do que um DVD, “Proibido” é um convite para que o público se conecte com a própria força interior, com o corpo, as emoções e a verdade que cada um carrega.

Uma música que é manifesto de autocuidado e liberdade

A faixa “Proibido” transita entre o ritmo dançante e a mensagem profunda de autocuidado. É uma música que celebra a festa e a liberdade, mas que também deixa claro um alerta delicado: é hora de desligar o celular, olhar para dentro, evitar recaídas emocionais. Em outras palavras, convida o ouvinte a se reconectar consigo mesmo e com o momento presente.

Anna explica que cada canção do DVD foi pensada como parte de uma narrativa emocional, e que “Proibido” fecha esse ciclo com uma mensagem poderosa, porém leve, sobre força interior e resistência. Sua voz, envolvente e cheia de nuances, reforça essa ideia de que a música pode ser um veículo para cura, autoconhecimento e celebração da vida, mesmo nos seus momentos mais delicados.

Uma produção que reflete autenticidade e contemporaneidade

O projeto musical e visual do DVD “Proibido” foi pensado para ser acessível, mas sem abrir mão da sofisticação que sempre caracterizou a trajetória da artista. Com produção musical de Marcelo Cheba e direção artística de Thiaguinho Lopes, o trabalho traz uma roupagem pop vibrante, que dialoga com as tendências atuais sem perder o toque pessoal de Anna.

Gravado ao vivo, o DVD reflete a energia de um encontro real com o público, com emoção verdadeira e interpretações que respiram a vida. As 13 faixas inéditas formam um repertório que funciona quase como um roteiro emocional, onde cada canção se conecta com a outra, compondo um mosaico de histórias, afetos e superações.

Uma trajetória multifacetada que se traduz em versatilidade

Para entender a importância desse momento na carreira de Toledo, é fundamental conhecer seu percurso, marcado pela multiplicidade de talentos e pela dedicação às artes. Nascida em Curitiba em 1970, Anna iniciou sua carreira no teatro musical ainda jovem, em 1988, e desde então construiu uma sólida trajetória em múltiplas linguagens artísticas.

Ela transitou com facilidade entre o teatro musical, a ópera, o jazz, a MPB e a música erudita, além de se destacar como dramaturga, autora de vários musicais, como Vingança, Nuvem de Lágrimas e Tarsila, a Brasileira. No teatro, Anna viveu personagens inesquecíveis em grandes produções, como O Fantasma da Ópera, My Fair Lady, Godspell, A Noviça Rebelde e Cabaret.

Na música, lançou discos autorais e projetos que exploram diferentes gêneros, indo do samba-canção ao jazz. Essa trajetória multifacetada explica a riqueza e a profundidade de sua interpretação no DVD “Proibido”, que representa, de certa forma, a soma de suas experiências acumuladas ao longo de décadas.

Uma nova fase que resgata a conexão direta com o público

Com este DVD, Anna escolheu se aproximar de uma sonoridade mais direta e contemporânea, que dialoga de maneira mais imediata com o público popular, sem perder a sofisticação que sempre permeou sua obra. Ela mesma afirma que “Proibido” representa uma nova fase em que se sente livre para dizer o que quer em cada letra, sem filtros, e para criar melodias que convidam tanto à escuta quanto ao movimento do corpo.

A canção-título funciona quase como um manifesto pessoal, no qual a artista, em sua maturidade, afirma saber o que precisa e o que não precisa — um convite para que seus ouvintes também reflitam sobre suas próprias escolhas e limites. Essa maturidade e clareza se traduzem em uma força serena, que não precisa de grandes artifícios para causar impacto.

A arte de transformar emoções em música

Anna, que já emocionou plateias com sua atuação em palcos teatrais, revela aqui uma faceta diferente: a da mulher que não tem medo de mostrar suas vulnerabilidades, que canta sobre quedas, levanta e segue adiante. A sinceridade da sua voz vem da experiência de vida e da entrega completa ao que interpreta.

O lançamento do DVD também é um reencontro com um público que a acompanha há anos, seja na música ou no teatro. Fãs que a conhecem do jazz e do samba-canção agora descobrem sua pulsação mais pop e atual, em um diálogo harmonioso entre todas as fases da sua carreira.

Repertório que emociona e convida ao movimento

Além das já conhecidas “Proibido” e “Tem o Molho”, o DVD traz outras canções que serão apresentadas ao público nas próximas semanas. O trabalho combina uma estética visual potente com uma energia contagiante, mas sem perder a sensibilidade que permeia cada composição.

Esse projeto nasceu no tempo certo, conforme destaca Anna. Ela poderia ter lançado algo semelhante anos atrás, mas reconhece que a maturidade artística e pessoal que tem hoje deu a consistência e a profundidade que o trabalho exige. É a certeza de quem sabe quem é, o que quer e para onde vai.

Resiliência e transformação: a marca de uma carreira

A cantora é um exemplo claro de que é possível reinventar-se sem perder a essência. Sua carreira, que atravessa várias décadas, linguagens e estilos, é marcada por uma entrega incansável à arte, pela busca constante de significado e pela coragem de se renovar.

“Proibido”, tanto como DVD quanto como canção, representa essa síntese de uma trajetória que valoriza o passado, mas olha para o futuro com esperança e criatividade. É um passo firme, que reforça o prazer de criar e de compartilhar arte com autenticidade.

Com o lançamento do DVD, Anna inicia uma nova temporada de sua carreira, marcada por uma sonoridade mais solar e dançante, mas sempre com o compromisso de entregar uma obra que emociona e faz pensar. O registro ao vivo é, portanto, muito mais que um lançamento — é um momento de transição e afirmação.

Maluma lança “Bronceador” e embala o verão com batida latina quente

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Maluma está de volta. E como só ele sabe fazer: em grande estilo, com calor tropical, romance e ritmo que hipnotiza. Sua nova faixa, “Bronceador”, é mais do que um lançamento musical — é um convite ao prazer, ao sol e ao reencontro com suas origens caribenhas.

Produzida pelos renomados Mad Musick, Ily Wonder e Los Jaycobz, a música é uma explosão de energia latina. Tem sabor de brisa salgada, cheiro de pele bronzeada e o som das ruas quentes de Cartagena, onde o clipe foi filmado — um cartão-postal vivo da alma colombiana. Acompanhado pela modelo internacional Ariadna Gutiérrez, Maluma encena um flerte intenso e visualmente deslumbrante, sob a direção cinematográfica de Cesar Pimienta, o “Tes”.

Mas o que mais chama atenção não é só o ritmo dançante ou o visual de tirar o fôlego. É a vontade de se reconectar com a própria essência. Maluma olha para o mar e enxerga nele não apenas um cenário, mas um espelho. “Bronceador” não é só sobre o verão. É sobre pertencimento.

Juan Luis antes de Maluma

Antes do glamour, dos clipes milionários e dos prêmios internacionais, existia Juan Luis Londoño Arias — um menino de Medellín, nascido em 28 de janeiro de 1994, que dividia seu tempo entre a bola de futebol e o violão.

Durante a infância e adolescência, o futebol era seu primeiro amor. Passou pelas categorias de base do Atlético Nacional e La Equidad, clubes tradicionais da Colômbia. Mas, paralelamente, escrevia músicas, participava de concursos e se emocionava com as reações das pessoas às suas letras.

Aos 15 anos, ao gravar a canção “No Quiero” como presente de aniversário, percebeu que havia algo ali. Algo maior que o esporte. Algo que tocava os outros e a si mesmo de forma profunda. Foi quando nasceu Maluma — um nome criado a partir da combinação dos nomes de sua mãe (Marlli), pai (Luis) e irmã (Manuela). Um tributo silencioso à base de tudo: a família.

A partir de 2010, Maluma começou a dar passos firmes na indústria. O single “Farandulera” ganhou as rádios locais e logo chamou a atenção da Sony Music Colômbia. Em pouco tempo, vieram “Loco”, “Obsesión”, e hits como “La Temperatura”, com Eli Palacios, que abriu as portas da América Latina.

O primeiro álbum, Magia (2012), consolidou sua imagem de galã latino de voz suave e ritmo envolvente. Já Pretty Boy, Dirty Boy (2015) foi o divisor de águas: um trabalho onde Maluma assumia sem pudores sua dualidade — o lado romântico e o sedutor. Foi ali que o mundo passou a reconhecê-lo como um dos principais nomes da nova música latina.

Da glória às críticas — e o amadurecimento

Nem só de aplausos se faz uma carreira. Em meio ao sucesso estrondoso, vieram também as polêmicas. A letra de “Cuatro Babys” (2016) foi duramente criticada por associações feministas e setores da mídia por seu conteúdo sexual e supostamente misógino. Maluma, embora tenha defendido sua liberdade artística, passou a demonstrar maior cuidado nas mensagens de suas canções.

Ao mesmo tempo, ele amadurecia como artista e homem. Canções como “Felices los 4” e “HP” misturam ousadia com camadas mais densas. As colaborações também se tornaram mais frequentes — de Shakira a Madonna, de Ricky Martin a J Balvin, e até mesmo com Anitta, em uma parceria que consolidou sua conexão com o Brasil.

Um artista de múltiplas telas

Além de dominar os palcos e estúdios, Maluma soube explorar outras linguagens. Foi coach em The Voice Kids, lançou o documentário Lo Que Era, Lo Que Soy, Lo Que Seré, e deu um passo ousado rumo a Hollywood ao atuar no filme Marry Me (2022), ao lado de Jennifer Lopez.

No cinema, revelou carisma e versatilidade. No documentário, abriu as portas da própria intimidade: suas dúvidas, angústias e fé. Mostrou que por trás da estética impecável do pop star, há um ser humano em permanente construção.

O latino que o mundo aprendeu a ouvir

Com mais de 40 milhões de ouvintes mensais no Spotify e clipes com bilhões de visualizações, Maluma é hoje um símbolo da globalização da música latina. Sua mistura de reggaeton, pop, dancehall e romantismo conquistou mercados antes difíceis para artistas latinos — como Europa e Ásia.

Ele se apresentou nas maiores premiações do mundo, venceu Latin Grammy, Billboard e MTV Awards, e fez turnês internacionais com ingressos esgotados. Em 2018, foi a voz latina oficial da Copa do Mundo com “Colors”, em parceria com Jason Derulo. Maluma não é mais apenas colombiano. É global.

A alma por trás do artista

Mesmo com tanto sucesso, Maluma nunca escondeu sua conexão com as raízes. Ele ainda fala com orgulho de Medellín, da educação que recebeu, da fé que carrega. Seu Instagram está cheio de registros com a mãe, o pai, a irmã — e mais recentemente, com sua filha recém-nascida, fruto do relacionamento com a arquiteta Susana Gomez.

A paternidade, aliás, parece ter despertado uma nova sensibilidade. Em entrevistas recentes, ele fala sobre a importância de dar o exemplo, sobre criar uma filha em um mundo mais justo e igualitário. Sobre ser melhor como homem e como artista.

“Bronceador” como rito de passagem

“Bronceador” chega em um momento simbólico. Após mais de uma década de carreira, Maluma retorna à fonte de onde tudo surgiu: o ritmo quente da costa caribenha. Mas com um olhar diferente — mais maduro, mais consciente, mais inteiro.

A música traz influências do reggaeton raiz, mas com uma produção moderna e refinada. As letras falam de desejo, claro, mas também de entrega, de conexão com o presente. É como se Maluma estivesse dizendo: “ainda sou aquele menino de Medellín, mas agora sei exatamente quem sou e para onde vou”.

Um futuro com sabor tropical

Enquanto “Bronceador” invade playlists, rádios e pistas de dança, o mundo percebe que o verão latino está longe de acabar. E Maluma continua como um de seus maiores embaixadores.

O futuro da música latina passa por nomes que sabem se reinventar, que honram suas raízes e ousam no presente. E Maluma faz isso como poucos. Seu legado vai além dos charts. Está no modo como tornou a sensualidade latina uma linguagem universal. No jeito como conectou Medellín a Tóquio, Cartagena a Paris, com uma batida.

Na TV Aparecida, Sula Miranda é a convidada do “Terra da Padroeira” deste domingo (20/07)

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Neste domingo, 20 de julho de 2025, às 9h da manhã, a TV Aparecida exibe mais uma edição especial do programa “Terra da Padroeira”, apresentado por Kleber Oliveira, Tonho Prado e Menino da Porteira. Desta vez, o palco da atração matinal será ocupado por grandes nomes da música sertaneja e por grupos que celebram a tradição do interior do Brasil. Entre os destaques da semana está Sula Miranda, a eterna Rainha dos Caminhoneiros, que retorna ao programa com todo o carisma e repertório que marcaram gerações.

A atração, já tradicional na grade da emissora, segue firme na missão de valorizar os artistas que mantêm viva a música de raiz, as expressões culturais do campo e o jeito autêntico do povo caipira de ser. Com um clima de festa e acolhimento, a edição deste domingo promete emocionar o público com nostalgia, talento e cultura popular.

Sula Miranda: a Rainha dos Caminhoneiros volta ao palco do Terra

A presença de Sula Miranda no programa é motivo de celebração para os fãs da música sertaneja. Com mais de quatro décadas de carreira, Sula iniciou sua trajetória artística no final dos anos 1970 ao lado das irmãs em um grupo que se tornou um verdadeiro fenômeno: As Melindrosas. Com uma estética ousada e músicas animadas, o trio conquistou o Brasil e foi responsável por abrir caminhos para a presença feminina na música popular da época.

Mas foi no universo sertanejo que Sula construiu sua identidade artística mais forte. Em 1986, lançou seu primeiro disco solo e, com ele, a canção “Caminhoneiro do Amor” — um hino que lhe rendeu o título carinhoso de Rainha dos Caminhoneiros, reconhecimento que ela carrega com orgulho até hoje.

No “Terra da Padroeira”, Sula promete interpretar esse e outros sucessos de sua carreira, como “Seu Olhar”, “Com o Pé na Estrada”, “Filme Triste” e “Rumo Certo”. Carismática e experiente, ela também deve compartilhar um pouco de sua história com os apresentadores, em um bate-papo descontraído e cheio de afeto com o público.

Alcino Alves: talento de compositor e guardião da música de raiz

Outro nome de peso na edição deste domingo é Alcino Alves, cantor, compositor e produtor musical paranaense que fez história na música sertaneja. Nascido em São Sebastião da Amoreira (PR), Alcino integrou a famosa dupla Teodoro & Sampaio, com quem gravou de 1996 a 2010. Após a separação da dupla, formou o duo Alcino Alves & Rocha, que permaneceu ativo até 2015.

Além de intérprete, Alcino é dono de um acervo impressionante de composições. São mais de 600 músicas gravadas, entre elas clássicos como “As Andorinhas”, “Vestido de Seda” e “E Se a Casa Cair” — faixas que se tornaram referência no repertório sertanejo romântico e raiz. No palco da TV Aparecida, ele reencontra o público com sua voz marcante e canções que atravessam gerações.

Com a serenidade de quem conhece a estrada da música como poucos, Alcino deve emocionar com sua interpretação sincera e suas histórias de bastidores. Mais do que um show, sua presença é uma aula de história da música sertaneja brasileira.

Lucas & Luan: irmãos que marcaram o sertanejo romântico dos anos 90

A dupla Lucas & Luan também marca presença no “Terra da Padroeira”. Naturais de Guará (SP), os irmãos José Lucas de Ângelo e Josué de Ângelo começaram cedo na música, vencendo festivais e gravando discos regionais. O reconhecimento nacional veio em 1996, quando lançaram a música “Horizonte Azul”, que rapidamente se tornou uma das mais tocadas daquele ano em todo o Brasil — exceto, curiosamente, em São Paulo e Rio de Janeiro.

Desde então, a dupla se consolidou no circuito sertanejo, com agenda cheia de shows e um repertório que combina romantismo e estilo próprio. No palco da TV Aparecida, Lucas & Luan devem reviver seus maiores sucessos e aquecer a manhã dos fãs nostálgicos.

A sonoridade marcante da dupla, somada à sintonia de irmãos que cantam juntos há décadas, faz deles um dos grandes representantes do sertanejo romântico dos anos 90, um estilo que até hoje emociona o público.

Raízes do Catira: tradição e cultura passadas de geração em geração

Completando o elenco do programa, o grupo Raízes do Catira chega diretamente de Atibaia (SP) com sua proposta de preservar e divulgar a cultura caipira através da música e da dança. O projeto é mantido pelo Centro de Tradições Caipiras da cidade e envolve artistas e famílias que se dedicam à valorização de um dos estilos mais autênticos do interior paulista.

Sob a liderança de Gustavo Maiolli e de seu avô Marcelino Ribas, o grupo apresenta músicas caipiras clássicas acompanhadas por coreografias características do catira, dança marcada por sapateados e palmas, passada de pai para filho há gerações. O repertório inclui composições eternizadas por duplas como Vieira & Vieirinha, entre outros ícones da música rural.

A apresentação promete ser uma aula viva de tradição, reforçando o compromisso do “Terra da Padroeira” com a preservação das raízes culturais brasileiras. É uma oportunidade para o público conhecer — ou reencontrar — as expressões culturais que mantêm pulsando o coração do interior.

Celebração da fé, da música e do Brasil profundo

O “Terra da Padroeira” não é apenas um programa de televisão — é um espaço de encontro entre gerações, estilos e histórias. Com uma linguagem leve e respeitosa, a atração valoriza os artistas que, longe dos holofotes comerciais, mantêm viva a cultura popular, especialmente aquela ligada à fé, ao campo e às tradições familiares.

Neste domingo, a união entre nomes consagrados e novos protagonistas da cena sertaneja reafirma o compromisso da TV Aparecida com um conteúdo que respeita o público, promove a identidade brasileira e emociona quem assiste.

Educação financeira na Amazônia: Malu Lira leva conhecimento e autonomia às margens dos rios

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Foto: Reprodução/ Internet

No coração da Amazônia, onde o som dos rios guia o cotidiano e as árvores centenárias sussurram histórias ancestrais, um novo capítulo está sendo escrito — literalmente — por uma adolescente que decidiu mudar o futuro por meio da educação. Seu nome é Malu Lira. Aos 15 anos, ela já carrega um currículo que surpreende pela precocidade e profundidade: autora de 20 livros, palestrante em eventos nacionais e criadora do projeto Malu Finanças na Escola, presente em mais de 100 instituições de ensino em todo o Brasil. Agora, Malu retorna ao seu estado natal para uma missão que transcende os números: transformar a relação das crianças e jovens com o dinheiro em uma ferramenta de autonomia e realização.

De 21 a 25 de julho de 2025, Malu lidera a Turnê em Rica Amazônia, uma expedição educativa que passa por Manaus, Iranduba, Tabatinga, Benjamin Constant e Santo Antônio do Içá — cidades escolhidas não apenas por sua importância geográfica e cultural, mas também por abrigarem comunidades que, historicamente, foram deixadas à margem dos grandes debates nacionais sobre educação e inclusão econômica.

“Não estou levando fórmulas prontas. Estou levando conversas, escuta, afeto e ferramentas para que essas crianças descubram que seus sonhos são possíveis e merecem um caminho real para acontecer”, explica Malu com a tranquilidade de quem encontrou cedo o propósito da própria jornada.

Educação financeira como instrumento de cidadania

A iniciativa da jovem escritora parte de uma premissa clara: falar sobre dinheiro é falar sobre poder de escolha, sobre independência, sobre a possibilidade de transformar realidades — inclusive as mais vulneráveis. No Brasil, onde a educação financeira formal ainda engatinha, principalmente nas escolas públicas, Malu encontrou um vazio pedagógico que a motivou a agir.

Seu projeto Malu Finanças na Escola nasceu da observação de que crianças e adolescentes crescem sem entender como lidar com o dinheiro, como planejar, como poupar ou como transformar pequenas escolhas cotidianas em estratégias para alcançar objetivos de longo prazo. Ela percebeu que o problema não era só econômico, mas emocional e estrutural. A ausência de educação financeira reproduz desigualdades, limita horizontes e impede que jovens enxerguem a si mesmos como protagonistas de suas histórias.

“Falar de educação financeira não é só ensinar a guardar dinheiro. É ensinar a ter consciência de onde você está, onde quer chegar e como pode traçar esse caminho com inteligência e coragem”, afirma.

Da sala de aula à beira do rio: um itinerário de escuta e troca

A Turnê em Rica Amazônia foi desenhada como uma travessia. Em cada cidade visitada, Malu realiza oficinas, rodas de conversa, palestras interativas e vivências com alunos, professores e líderes comunitários. A proposta é adaptar o conteúdo ao contexto local, valorizando os saberes ancestrais e as formas tradicionais de economia que já fazem parte da cultura amazônica — como o escambo, a agricultura familiar e a partilha comunitária.

Em Benjamin Constant, por exemplo, a escritora se encontra com estudantes da etnia Ticuna, a maior população indígena do Brasil. A oficina, desenvolvida em parceria com educadores indígenas, propõe uma reflexão sobre como os conhecimentos tradicionais podem dialogar com noções contemporâneas de planejamento financeiro, sem que uma lógica substitua a outra. Ao contrário: a proposta é que se complementem.

“Eu não estou aqui para ensinar, estou aqui para trocar. A Amazônia é uma professora. Eu venho com ferramentas, mas volto com sabedoria”, diz Malu, que leva cadernos, livros ilustrados e jogos educativos, todos desenvolvidos por ela com linguagem acessível e sensível às diferentes realidades regionais.

A potência da juventude na transformação social

A cada encontro, Malu semeia mais do que conceitos: planta esperança e reforça a crença no poder da juventude. Ao compartilhar sua própria história — de autodidata curiosa à escritora reconhecida —, ela inspira outras meninas e meninos a acreditarem que podem construir um futuro diferente, mesmo que enfrentem dificuldades no presente.

“Você não precisa nascer em um lugar fácil, precisa acreditar que pode fazer algo com o que tem. E buscar ferramentas. O conhecimento é uma ponte. Ele me trouxe até aqui, e pode levar qualquer um mais longe do que imagina”, afirma, olhando nos olhos de uma plateia que, muitas vezes, nunca havia ouvido alguém falar de dinheiro com empatia, leveza e propósito.

Além dos encontros com estudantes, a turnê promove formações com professores e gestores escolares, deixando um legado que vai além da sua passagem. Cada escola visitada recebe um kit pedagógico com materiais de apoio e acesso a uma plataforma digital, onde o conteúdo pode ser expandido e atualizado ao longo do tempo.


Sonhos como projeto de vida

Mais do que falar de finanças, Malu fala de sonhos. Em uma de suas oficinas, ela propõe uma atividade simples e reveladora: cada criança escreve em um papel o que gostaria de ser ou realizar no futuro. Depois, juntas, discutem quais passos, escolhas e recursos seriam necessários para chegar lá. A ideia é mostrar que sonhos não são abstrações distantes, mas projetos possíveis — desde que se compreenda como estruturá-los.

“Eu quero ser médica e cuidar do meu povo”, escreve uma adolescente Ticuna de 14 anos. “Quero abrir um restaurante de peixe na beira do rio”, diz um garoto de 12, de Iranduba. Malu escuta, sorri e começa a construir com eles o caminho do sonho. “Tudo isso é possível. Só não te ensinaram como começar. É isso que estou aqui pra fazer”, afirma.

O dinheiro como ferramenta de liberdade, não de opressão

Ao contrário do que muitos ainda pensam, educação financeira não é elitista — é libertadora. A proposta de Malu é justamente desconstruir essa ideia de que falar de dinheiro é algo distante da vida de quem vive com pouco. “Quem tem menos é quem mais precisa entender como usar bem o que tem. É sobre isso. Não é sobre enriquecer. É sobre sobreviver com dignidade e, a partir disso, crescer”, explica.

A abordagem da escritora é centrada em valores como autonomia, responsabilidade e solidariedade. Ela fala sobre consumo consciente, sobre não cair em armadilhas financeiras, sobre respeitar o próprio tempo e sonhar com os pés no chão. E, acima de tudo, fala com quem nunca foi ouvido.

Um projeto com raízes e asas

A Turnê em Rica Amazônia é fruto de um compromisso pessoal de Malu com sua terra, mas também um chamado coletivo para que a educação seja, de fato, inclusiva e transformadora. O projeto é realizado pelo Grupo Malu Finanças, com apoio de educadores locais e parcerias comunitárias. A intenção é que, nos próximos anos, ele percorra outras regiões do Brasil, sempre respeitando as especificidades culturais e sociais de cada território.

“O Brasil é grande demais para uma única resposta. Cada lugar tem seu ritmo, sua linguagem, suas dores e potências. Meu papel é escutar, adaptar e oferecer ferramentas que façam sentido. Quero que a floresta, as favelas, os sertões saibam que podem, sim, falar de dinheiro — e, mais que isso, usá-lo a seu favor”, conclui Malu.

O futuro que se constrói agora

Ao final de cada oficina, uma frase é repetida por todas as crianças em voz alta: “Eu posso sonhar, eu posso planejar, eu posso conquistar”. É mais do que um bordão. É um pacto simbólico com a ideia de que o futuro não precisa ser uma espera passiva, mas uma construção ativa, consciente e coletiva.

“A Profissional” leva ação implacável ao Cine Maior deste domingo (20/07), na tela da Record TV

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Foto: Reprodução/ Internet

Neste domingo, 20 de julho de 2025, os espectadores da Record TV terão um encontro marcado com a tensão, a adrenalina e a vingança no ar. O “Cine Maior” exibe o eletrizante A Profissional (The Protégé), filme dirigido por Martin Campbell (007 – Cassino Royale) e estrelado por um trio de peso: Maggie Q, Samuel L. Jackson e Michael Keaton. Com uma trama que mistura ação afiada, drama pessoal e jogos mentais, o longa mergulha fundo no universo dos assassinos profissionais e da busca por justiça pessoal.

Mas A Profissional é mais do que apenas balas cruzando o ar: é também uma história sobre vínculos improváveis, traumas de infância, sobrevivência e o preço de viver à margem da humanidade. O filme, lançado originalmente em 2021, conquistou fãs do gênero e agora ganha uma nova chance de impactar o público brasileiro em rede nacional, ao alcance do controle remoto.

Anna: a assassina que aprendeu a viver nas sombras

De acordo com a sinopse do AdoroCinema, no centro da narrativa está Anna (Maggie Q), uma matadora de aluguel fria, inteligente e letal, que foi resgatada ainda criança no Vietnã pelo lendário assassino Moody (Samuel L. Jackson). Moody não apenas salvou sua vida — ele moldou seu destino, tornando-se seu mentor e a única figura paterna que ela conheceu. A relação entre os dois, embora permeada por uma rotina de violência, é de profunda cumplicidade e afeto. Eles compartilham segredos, memórias e um modo de viver à margem, onde a confiança é uma moeda rara.

Quando Moody é brutalmente assassinado, Anna vê seu mundo ruir. A dor da perda se transforma em fúria e determinação. Ela parte então em uma jornada de vingança que a coloca no caminho de Michael Rembrandt (Michael Keaton), um enigmático e perigoso homem de negócios que guarda mais segredos do que aparenta. Entre os dois nasce uma estranha conexão — um jogo de sedução e ameaça, de igual para igual, que desafia suas convicções e os empurra para uma espiral cada vez mais perigosa.

A mente por trás da câmera: Martin Campbell

Martin Campbell é um nome conhecido entre os amantes da ação. Neozelandês de nascimento e britânico por formação, Campbell foi o responsável por revitalizar a franquia James Bond em duas ocasiões: com GoldenEye (1995) e Cassino Royale (2006). Sua assinatura está nos enquadramentos elegantes, nas coreografias de luta realistas e na construção de heróis que sangram, falham e se reinventam.

Em A Profissional, Campbell abandona o glamour dos espiões e mergulha em um submundo sujo, onde a moral é cinzenta e a violência tem um peso emocional. O diretor opta por cenas de ação menos estilizadas e mais cruas, dando ao filme uma atmosfera mais sombria, quase melancólica. Não é à toa: em seu cerne, o longa fala sobre orfandade, luto e identidades forjadas sob extrema violência.

Protagonismo feminino em um gênero masculino

Maggie Q, nascida Margaret Denise Quigley, é uma atriz que tem no currículo papéis marcantes em produções como Missão: Impossível 3, Divergente e na série Nikita. Em A Profissional, ela entrega sua performance mais complexa até então, equilibrando a frieza letal de uma assassina com momentos de fragilidade emocional intensos. Anna não é uma heroína no sentido clássico — ela é uma sobrevivente. E Maggie Q domina cada nuance dessa condição, seja nas lutas corpo a corpo meticulosamente coreografadas ou nos silêncios onde o olhar diz mais do que qualquer linha de diálogo.

O protagonismo feminino em filmes de ação ainda é um terreno em disputa. Embora nomes como Charlize Theron (Atômica), Uma Thurman (Kill Bill) e Angelina Jolie (Salt) tenham consolidado personagens memoráveis, o espaço ainda é dominado por homens. Anna se junta a esse seleto grupo com mérito e personalidade própria, sem apelar para estereótipos nem romantizações.

Samuel L. Jackson: o mentor que se tornou lenda

Figura onipresente no cinema americano das últimas décadas, Samuel L. Jackson interpreta Moody com seu já conhecido carisma — mas também com uma inesperada ternura. Moody é duro, sim, mas vê em Anna algo que ele mesmo perdeu: uma chance de redenção, de deixar um legado que não seja apenas morte. Sua morte prematura na trama é o catalisador de toda a jornada de Anna, mas sua presença paira sobre o filme inteiro. É como se ele fosse o fantasma que orienta seus passos — ou que cobra sua promessa.

Michael Keaton: vilão ou vítima?

Michael Keaton entrega uma de suas performances mais ambíguas como Rembrandt, um antagonista que nunca é completamente definido como vilão. Ele é tão letal quanto Anna, mas também fascinantemente eloquente, inteligente e… sedutor. A química entre os dois personagens é estranha, tensa e carregada de subtexto. Em vários momentos, o espectador é levado a se perguntar: eles se desejam? Se odeiam? Se entendem? Ou tudo isso ao mesmo tempo?

Essa complexidade é mérito do roteiro de Richard Wenk (O Protetor, Os Mercenários 2), que foge do maniqueísmo e constrói diálogos carregados de ironia, cinismo e dilemas morais. Rembrandt não é um simples vilão de filme de ação — ele é um espelho de Anna, um “e se” de sua própria trajetória.

Bastidores e filmagens: de Bucareste ao Vietnã

As filmagens de A Profissional começaram em janeiro de 2020 e percorreram locações em Bucareste, Londres e Da Nang, no Vietnã. O cenário internacional reforça o caráter global da trama, com suas tramas de conspiração e operações secretas. A direção de fotografia aposta em tons escuros, ambientes urbanos sufocantes e cenários minimalistas, dando ao filme uma estética noir moderna.

Durante a produção, o filme passou por mudanças de título: inicialmente chamado Ana, depois The Asset, até ser lançado como The Protégé. Essas mudanças refletem as diferentes camadas da narrativa, que é tanto uma história de vingança quanto de identidade.

Recepção crítica: entre elogios e ressalvas

Na época de seu lançamento, The Protégé recebeu críticas mistas. Enquanto parte da imprensa especializada elogiou a performance de Maggie Q e a direção eficiente de Campbell, outros apontaram que a trama não traz grandes inovações ao gênero. Ainda assim, o filme conquistou um público fiel — especialmente entre os amantes de thrillers com protagonistas femininas fortes.

O consenso entre os críticos foi que o filme é competente, bem dirigido, com cenas de ação sólidas e atuações acima da média. Seu desempenho modesto nas bilheteiras (US$ 8 milhões arrecadados) pode ser atribuído à concorrência acirrada na época e ao cenário ainda afetado pela pandemia.

Impacto e legado: um novo clássico cult?

Desde então, A Profissional tem sido redescoberto por meio das plataformas de streaming como Telecine, Paramount+ e Prime Video. Sua exibição pela Record TV marca uma nova fase de popularização do filme no Brasil — especialmente entre os espectadores que buscam filmes de ação mais densos e bem construídos.

O longa também entrou na pauta de discussões sobre representatividade asiática em Hollywood, já que Maggie Q é uma das poucas atrizes de ascendência vietnamita a protagonizar uma grande produção de ação nos Estados Unidos. Sua performance é frequentemente citada como uma das mais subestimadas do gênero na década.

Cine Maior: ação com propósito na TV aberta

O “Cine Maior” da Record TV vem se destacando por trazer títulos de ação que não apenas entretêm, mas também provocam o público. Em um cenário onde o streaming domina a atenção, a TV aberta ainda desempenha um papel crucial ao democratizar o acesso a produções de alto nível. Filmes como A Profissional ganham uma nova vida ao atingir públicos diversos, muitos dos quais podem estar vendo Maggie Q ou Michael Keaton pela primeira vez.

Caldeirão com Mion aquece o inverno com estreia especial direto de Foz neste sábado (19/07)

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Foto: Reprodução/ Internet

O Brasil tem muitos rostos, sotaques, ritmos e histórias. E quando um programa de entretenimento se propõe a reunir tudo isso sob o mesmo céu — e, neste caso, sob o mesmo véu de névoa das Cataratas do Iguaçu — o resultado é mais do que um show: é um retrato emocional do país real. É com essa proposta que o “Caldeirão de Inverno” estreia sua nova temporada neste sábado, dia 19 de julho de 2025, diretamente de Foz do Iguaçu, no Paraná. Sob o comando carismático de Marcos Mion, o programa ganha uma roupagem especial, com cenário natural impactante, presença de figuras locais, homenagens musicais e aquele toque de emoção que virou marca registrada da atração.

A nova temporada do “Caldeirão” chega com frescor e, ao mesmo tempo, com o calor humano que aquece as tardes de sábado do público da TV Globo. Mas, desta vez, tudo ganha um novo significado. Foz do Iguaçu, cidade símbolo de diversidade cultural, religiosa e linguística, se torna o ponto de partida para uma jornada que pretende revelar mais do que paisagens: quer mostrar a alma dos brasileiros.

O próprio Marcos Mion define a proposta

“A gente adora fazer essas viagens e levar o ‘Caldeirão’ para dentro do Brasil e o Brasil para dentro do ‘Caldeirão’. Mostrar a riqueza de um lugar que vai além da beleza natural. A ideia é emocionar, contar histórias que nos conectam”.

O palco é a natureza

Instalado com vista privilegiada das Cataratas do Iguaçu, o estúdio montado para as gravações mistura o impacto visual das quedas d’água com o dinamismo de um programa que une jogos, convidados famosos e histórias de gente comum. O efeito é cinematográfico. A sensação de grandiosidade da natureza aliada à leveza dos quadros do programa cria uma estética única: espetáculo e intimismo convivem lado a lado.

As belezas naturais não são só pano de fundo — são protagonistas. A produção fez questão de incluir imagens aéreas captadas por drones e helicópteros, aproveitando o cenário para compor vinhetas, transições e até momentos poéticos entre um quadro e outro.

Diversidade como essência

Foz do Iguaçu é conhecida por abrigar mais de 80 etnias convivendo em harmonia. É uma cidade que respira pluralidade, onde brasileiros, paraguaios, argentinos, muçulmanos, católicos, budistas e tantos outros compartilham o mesmo espaço com respeito e convivência.

Essa pluralidade está refletida no “Caldeirão de Inverno”. A produção mergulhou no cotidiano local e trouxe para a tela personagens que representam essa miscigenação, como Dona Evelina, guia turística há mais de 60 anos, que tem a mesma idade de existência do Parque Nacional do Iguaçu. Ela narra, com doçura e orgulho, a evolução da região, a chegada dos turistas, e, principalmente, o amor pela terra.

“Cada gota das Cataratas conta uma história”, diz Evelina, emocionada em um dos momentos mais tocantes do programa.

Música para aquecer corações

A estreia traz também uma homenagem memorável ao grupo Roupa Nova, ícone da música brasileira. A performance emociona e faz o público cantar junto hits como “Dona”, “Volta pra Mim” e “Sapato Velho”, que atravessam gerações. Para além do entretenimento, é uma forma de reforçar a memória afetiva do público com canções que embalaram amores, festas, despedidas e recomeços.

Os músicos, visivelmente comovidos, celebraram o momento como uma oportunidade rara de unir cenário, público e trajetória:

“Cantar com esse fundo das Cataratas e sentir essa energia é como renovar a fé na música e no Brasil”, disse Nando, um dos integrantes do grupo.

Quadros clássicos com tempero regional

O “Caldeirão de Inverno” também adapta seus quadros tradicionais para o clima local. No “Sobe o Som”, por exemplo, uma onça de pelúcia — símbolo da fauna da região — entra em cena para dar dicas aos participantes, que precisam adivinhar qual música está tocando.

Na estreia, os convidados são Gil do Vigor e Sarah Andrade, que disputam com as atrizes Giovana Cordeiro e Kenya Sade. A brincadeira flui entre risadas, improvisos e memórias musicais. Giovana, por exemplo, se emociona ao lembrar de quando foi a um show do Roupa Nova com a mãe, fã incondicional da banda.

“É impossível ouvir essas músicas e não lembrar da minha infância. Tem cheiro, tem memória, tem carinho”, comentou.

Desde que assumiu o comando do “Caldeirão”, Marcos Mion trouxe uma nova identidade ao programa. Mais do que um apresentador, ele se posiciona como um mediador afetivo entre o público e as histórias contadas ali. Ele escuta, reage, brinca, acolhe. E isso se torna ainda mais visível em uma temporada fora do eixo Rio-São Paulo.

“Fazer o ‘Caldeirão’ em Foz do Iguaçu é valorizar o Brasil fora dos holofotes. É sair da bolha e mostrar que há vida, emoção e talento em todo canto do país”, afirma Mion.

Para que essa conexão entre paisagem, emoção e espetáculo aconteça de maneira fluida, há uma equipe por trás que orquestra cada detalhe. A direção artística é de Geninho Simonetti, a produção é comandada por Tatynne Lauria e Matheus Pereira, enquanto a direção de gênero da TV Globo é assinada por Monica Almeida.

Essa estrutura técnica foi responsável por transformar as gravações em uma experiência imersiva. Cada câmera posicionada nas margens das Cataratas, cada plano sequência entre as árvores e passarelas do parque, foi pensada para fazer o público sentir que também está lá.

A proposta do “Caldeirão de Inverno” vai além da diversão. Ele assume o papel de catalisador de orgulho nacional. Em tempos em que o noticiário pesa, que as redes sociais saturam, que o tempo corre, assistir a um programa que desacelera e celebra o afeto, a cultura e o riso torna-se um gesto de resistência.

É como se o sábado ganhasse um novo significado. Não apenas mais um dia para descansar, mas uma oportunidade de se reconectar com o país, com a música, com as histórias reais. E, quem sabe, até com um pouco da própria esperança.

Sabadou com Virginia deste sábado (19/07) recebe Os Barões da Pisadinha e o humosorista Gui Santana

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Neste sábado, dia 19 de julho de 2025, o programa Sabadou com Virginia volta à tela do SBT com mais uma edição recheada de convidados especiais, muita música, emoção e aquele toque característico de irreverência que já virou marca registrada da atração. Sob o comando da influenciadora e empresária Virginia Fonseca, o programa receberá no palco nomes de peso como a dupla Os Barões da Pisadinha, o humorista Gui Santana e a apresentadora de games Nyvi Estephan. A dupla Lucas Guedez e Margareth Serrão completa o time com sua energia contagiante.

Os Barões da Pisadinha celebram novo momento da carreira

Destaque absoluto no cenário do forró eletrônico, Os Barões da Pisadinha chegam ao Sabadou para apresentar seus maiores hits e também relembrar o início da trajetória que conquistou o país. Rodrigo Barão compartilhou um pouco do começo da parceria musical com Felipe: “Conheci o Felipe tocando guitarra. Passou um tempo e ele me chamou para montar um grupo. O nome era Barões do Forró Prime e, graças a Deus, foi dando certo”.

Felipe Barão, por sua vez, falou sobre o lançamento do novo projeto da dupla. “Lançamos o Forró & Desmantelo, nosso quinto DVD, voltado para o São João, com a proposta de resgatar a origem dos Barões”. O projeto, que mistura sonoridade tradicional com batidas modernas, tem sido bem recebido pelo público e reforça o espaço da dupla na cena musical nacional.

Gui Santana relembra início no humor e passagem pela MTV

Outro destaque da noite é a participação do humorista Gui Santana, que ficou conhecido pelas hilárias imitações no programa Pânico na TV. No bate-papo com Virginia, ele volta às origens e conta que tudo começou ainda na infância. “Minha primeira imitação foi do Zacarias. Eu tinha uns 5 ou 6 anos, mas não conseguia fazer a voz dele porque era muito novinho. Só fazia a carinha. Depois fui crescendo e comecei a fazer direitinho”, relembra com carinho.

Gui também falou sobre a estreia na televisão. “Minha primeira oportunidade na TV foi na MTV, no programa do Marcos Mion e do Cazé Peçanha, o Quinta Categoria. Era um show de calouros com comediantes, um misto de improviso com humor. Fiz a imitação do William Bonner”.

O humorista promete boas gargalhadas no programa, com quadros e dinâmicas que exploram o seu talento para personagens e improvisos.

Nyvi Estephan e o desafio de ser mulher no mundo gamer

A apresentadora e streamer Nyvi Estephan, referência no universo dos games, também marca presença no Sabadou. Em conversa com Virginia, ela fala sobre os desafios de consolidar uma carreira na área de eSports em um mercado que ainda enfrenta preconceitos.

“É muito inusitado. Até hoje eu ainda tenho que explicar que esse é o meu trabalho. A profissão de apresentadora de games não é algo comum para o público geral, mas aos poucos isso vem mudando”, relata Nyvi, que já comandou grandes transmissões de torneios internacionais e festivais do segmento.

Com estilo próprio e uma comunicação leve, Nyvi se tornou um nome forte na interseção entre entretenimento digital e jogos eletrônicos, sendo inspiração para muitas mulheres que desejam ingressar nesse universo.

Quadros inusitados garantem leveza e entretenimento

Como já é de praxe, o Sabadou com Virginia aposta em quadros que mesclam humor, emoção e um toque de romance. Um dos destaques da noite é o “Sabadou Tem Que Beijar”, que traz uma história curiosa: Vanessa, participante do quadro, inscreveu o próprio pai, Marcelo, em busca de um novo amor.

Outros quadros da noite incluem o sempre divertido “Em Busca do Corte Perfeito”, que viraliza nas redes sociais com cortes hilários, e o irreverente “Se Beber Não Fale”, onde os convidados precisam manter o jogo de cintura mesmo diante das perguntas mais inusitadas.

Virginia e sua força como comunicadora

Virginia Fonseca, que iniciou sua carreira como influenciadora digital, vem mostrando um amadurecimento profissional notável à frente do Sabadou. Com naturalidade, ela transita entre momentos cômicos, emocionantes e descontraídos, criando uma conexão real com os convidados e com o público.

Além disso, Virginia tem conseguido imprimir sua identidade no formato do programa, o que tem sido um diferencial importante para o sucesso da atração. Entre danças, interações e papos sinceros, ela demonstra segurança e carisma – ingredientes essenciais para o entretenimento aos sábados à noite.

Um programa para toda a família

Com uma linguagem leve, mas contemporânea, o Sabadou com Virginia tem conseguido dialogar com diferentes faixas etárias. Da criança que se diverte com os desafios ao avô que se emociona com as histórias de superação dos participantes, o programa constrói pontes geracionais a partir de algo essencial: a autenticidade.

Neste sábado, a promessa se repete: um programa alto astral, com música de qualidade, boas risadas e momentos para aquecer o coração. Do forró eletrônico à nostalgia dos anos 2000, passando pelo universo gamer e pelas piadas de improviso, o Sabadou segue celebrando a diversidade do entretenimento brasileiro.

Miles Morales só em 2027: “Homem-Aranha: Além do Aranhaverso” tem estreia adiada mais uma vez

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Foto: Reprodução/ Internet

Na manhã desta sexta-feira (18), os fãs do universo do Homem-Aranha acordaram com uma notícia agridoce: a aguardada continuação “Homem-Aranha: Além do Aranhaverso” foi oficialmente adiada — de novo. Agora, o terceiro capítulo da aclamada trilogia animada chega aos cinemas em 25 de junho de 2027, três anos após a data inicialmente prevista, que era março de 2024.

A notícia, divulgada durante evento promocional exclusivo da Sony Pictures, veio acompanhada de imagens inéditas e um teaser fechado para convidados, reacendendo o entusiasmo — e também a ansiedade — em torno de uma das franquias mais queridas dos últimos anos.

Uma espera que já dura anos

A sequência direta de “Spider-Man: Across the Spider-Verse” (2023), o novo filme é mais do que apenas mais um capítulo de uma franquia de super-heróis. Para milhões de pessoas ao redor do mundo, ele representa um marco emocional, cultural e até geracional. A nova data, marcada para meados de 2027, adia novamente o encontro do público com Miles Morales, personagem que redefiniu o que significa ser o Homem-Aranha no século XXI.

“É frustrante, claro, mas eu prefiro esperar e ver algo incrível do que receber algo apressado”, disse Beatriz Monteiro, fã da trilogia desde o primeiro filme de 2018. “O Aranhaverso é mais do que entretenimento, ele conversa com quem somos, com nossas dúvidas, com o peso de fazer escolhas.”

O impacto do Aranhaverso

Desde o lançamento de “Homem-Aranha no Aranhaverso” (2018), a abordagem ousada da animação — tanto visual quanto narrativa — estabeleceu um novo padrão para o gênero. O longa ganhou o Oscar de Melhor Animação e foi amplamente celebrado por sua inovação, representatividade e potência emocional.

Miles Morales, o jovem negro e latino que assume o manto de Homem-Aranha após a morte de Peter Parker em sua realidade, se tornou um ícone instantâneo. Sua história ressoou entre jovens e adultos por falar sobre identidade, pertencimento e responsabilidade em um mundo cada vez mais complexo e fragmentado.

“Ele é o primeiro Homem-Aranha que se parece comigo”, afirmou André Ribeiro, estudante de design. “É mais do que representatividade estética, é sobre ter alguém que sente o mesmo peso que a gente sente, mesmo sendo um super-herói.”

Produção marcada por desafios

A jornada até “Além do Aranhaverso” foi turbulenta. O filme começou a ser desenvolvido ainda antes do lançamento do primeiro, com planos ambiciosos de expansão do universo e exploração de múltiplos estilos de animação. Com o sucesso do segundo filme em 2023, que terminou com um suspense de tirar o fôlego, a expectativa pelo terceiro capítulo cresceu exponencialmente.

Contudo, a produção sofreu um duro golpe com a greve da SAG-AFTRA em 2023, que suspendeu os trabalhos de dublagem e comprometeu o cronograma original. A greve terminou em novembro do mesmo ano, mas o atraso causado foi suficiente para empurrar o filme para o segundo semestre de 2027.

Um elenco poderoso, um universo ainda maior

O novo filme promete continuar a história a partir do ponto exato onde o anterior terminou: com Miles Morales preso na Terra-42, confrontando uma versão alternativa e sombria de si mesmo.

O elenco de dubladores traz novamente Shameik Moore como Miles Morales, Hailee Steinfeld como Gwen Stacy, e Jason Schwartzman como o ameaçador vilão O Mancha, cujo corpo é coberto por portais interdimensionais.

Além disso, o longa contará com a volta de Karan Soni como Pavitr Prabhakar (Homem-Aranha Índia), e Jharrel Jerome, que dá voz à versão Gatuno de Miles G. Morales. A direção continua nas mãos do trio Joaquim Dos Santos, Kemp Powers e Justin K. Thompson, garantindo a mesma sensibilidade e inventividade que marcaram os dois primeiros filmes.

Expectativas e o fardo de continuar algo grandioso

Com o terceiro filme, os cineastas enfrentam o peso de concluir uma das trilogias animadas mais ambiciosas e emocionantes da história recente do cinema. Para muitos fãs, o adiamento é um sinal de que os estúdios estão dispostos a priorizar a qualidade — uma raridade em tempos de cronogramas apertados e lançamentos em série.

“Depois do final do segundo filme, eu passei meses pensando no que viria a seguir”, conta a professora de artes visuais Daniela Guimarães. “A história do Miles me inspira como educadora, como artista e como mulher negra. Saber que teremos que esperar mais dois anos é doloroso, mas acho que também é uma chance de preparar o coração.”

O legado em construção

Mesmo com a nova data, “Homem-Aranha: Além do Aranhaverso” já se consolida como um dos lançamentos mais aguardados da década. A expectativa não gira apenas em torno de efeitos visuais impressionantes ou de participações especiais, mas do que a história tem a dizer sobre amadurecimento, identidade e o eterno dilema de “quem somos quando ninguém está olhando?”.

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