Crítica | Kleber Mendonça Filho reinventa o cinema político e a memória brasileira em O Agente Secreto

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Esdras Barbosa
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Kleber Mendonça Filho consolida sua posição como um dos cineastas mais audaciosos do Brasil contemporâneo em O Agente Secreto, apresentado na Competição Oficial deste ano. Ao contrário de diretores que dialogam com gêneros cinematográficos clássicos de maneira convidativa, como Paul Thomas Anderson ou Richard Linklater, Mendonça adota um caminho mais instigante: suas referências não existem para confortar o público, mas para desestabilizá-lo, provocar reflexão e despertar curiosidade. O cineasta cria um cinema de intensidade calculada, em que cada elemento — da narrativa à ambientação — participa de uma teia de significados que desafiam a percepção imediata do espectador.

O longa se passa em Recife, cidade já simbólica na filmografia de Mendonça Filho, aqui recriada em 1977, um período marcado por tensões políticas e sociais no Brasil. No centro da narrativa está um ex-acadêmico em conflito com o governo, inicialmente apresentado como Marcelo e depois revelado como Armando. Essa ambiguidade nomeia o tom da obra: um filme que se recusa a ser facilmente categorizado, que opera em um espaço de incertezas, misturando memória, política e cinema de gênero. O próprio enredo, estruturado quase como um mosaico, recusa linearidade: cada personagem, evento e detalhe histórico atua como fragmento de uma realidade maior, conduzindo o espectador por camadas de significado que exigem atenção e reflexão.

Com uma duração próxima de duas horas e quarenta minutos, O Agente Secreto apresenta um universo densamente povoado, entrelaçando narrativas secundárias que, à primeira vista, parecem dispersas, mas que se articulam para criar uma representação vívida de uma época. Mendonça Filho demonstra maestria em integrar elementos de cenário, como o carnaval, a imprensa local e referências cinematográficas da década de 1970, sem reduzi-los a meros indicadores temporais. Pelo contrário, cada detalhe contribui para a construção de uma textura narrativa própria, rica e polifônica.

O filme se distingue também pela inserção inesperada do presente na narrativa, promovendo uma reflexão sobre memória política e social. Essa estratégia, que já aproxima o longa de obras como Ainda Estou Aqui (2024), de Walter Salles, vai além da comparação: enquanto Salles oferece compreensão e contextualização, Mendonça Filho provoca desconforto e frustração, recusando o prazer didático do cinema baseado em fatos reais. O espectador é constantemente desafiado a decifrar nuances, subtextos e ambiguidades, tornando a experiência cinematográfica ativa e exigente.

Sequências como a perseguição de Armando por assassinos de aluguel ilustram o domínio do diretor sobre a tensão narrativa. Ao subverter expectativas — desviando o clímax e negando a catarse tradicional do thriller — Mendonça reafirma seu compromisso com um cinema politicamente engajado e formalmente inventivo. Essa recusa deliberada ao conforto emocional e narrativo não é apenas um recurso estilístico, mas um posicionamento crítico que atravessa toda a obra.

Além disso, o diretor manipula habilmente os códigos do cinema de gênero. O que poderia se tornar uma narrativa linear e previsível, adequada a formatos de streaming convencionais, é transformado em um cinema de subversão e complexidade. Cada desvio, cada pausa, cada corte inesperado funciona como um recurso expressivo, ampliando camadas de significado e mantendo o filme vivo na memória do espectador muito depois da exibição.

O Agente Secreto é um cinema de tensão e reflexão, que se recusa a ser facilmente consumido. Desafiador e repleto de arestas, o filme convida o público a perder-se para, paradoxalmente, encontrar uma representação profunda de uma época e um espelho crítico do presente. Mendonça Filho reafirma sua singularidade, articulando memória, política e cinefilia em um longa que confirma seu lugar como um dos autores mais originais e relevantes do cinema brasileiro contemporâneo.

Resenha – Sedução e Morte no Judiciário é um retrato incômodo da justiça quando o poder corrompe o silêncio

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Esdras Barbosa
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Sedução e Morte no Judiciário se impõe como um thriller jurídico que vai além da trama criminal e assume, de forma clara, uma posição crítica diante das estruturas do sistema de justiça brasileiro. Wadih Habib, advogado baiano com longa trajetória profissional, estreia na ficção apostando menos no espetáculo do crime e mais na exposição das zonas cinzentas onde ética, ambição e sobrevivência se confundem. O resultado é um romance inquietante, que desafia o leitor a abandonar visões idealizadas sobre o Judiciário.

O cuidado editorial da Editora Farol da Barra reforça essa proposta desde o primeiro contato. A capa com acabamento em foil brilhante cria um contraste simbólico entre o brilho institucional e a obscuridade moral que atravessa a narrativa. A diagramação é limpa, funcional e respeita o ritmo do texto, favorecendo uma leitura fluida e contínua. Trata-se de um projeto gráfico que entende o livro como objeto narrativo e não apenas como suporte físico.

No centro da história está Severino, personagem construído com densidade e contradições. Oriundo do sertão baiano, ele representa a promessa da ascensão social por meio do estudo e da disciplina. No entanto, Habib evita qualquer romantização dessa trajetória. Severino carrega marcas do passado, inseguranças e uma ambição silenciosa que o coloca, progressivamente, em rota de colisão com os próprios princípios. Sua jornada não é heroica, mas profundamente humana.

O ponto de ruptura da narrativa ocorre em uma noite no Rio Vermelho, em Salvador. Um encontro aparentemente banal se transforma no estopim de uma cadeia de acontecimentos marcada por um segredo inconfessável e decisões irreversíveis. A partir desse momento, o romance mergulha em um território de tensão crescente, onde cada escolha carrega consequências éticas e jurídicas cada vez mais graves.

Um dos aspectos mais fortes do livro está na forma como ele retrata o Judiciário como um espaço de disputas simbólicas e políticas. Magistrados, agentes federais e figuras de poder não surgem como vilões caricatos, mas como indivíduos moldados por um sistema que privilegia conveniências, silêncios estratégicos e acordos implícitos. Habib constrói uma crítica firme sem recorrer ao maniqueísmo, expondo um ambiente onde a retórica da justiça frequentemente convive com práticas que a esvaziam.

A sedução presente no título extrapola o campo do desejo pessoal e se manifesta como fascínio pelo poder, pela influência e pela sensação de impunidade. Já a morte assume um caráter simbólico, representando a erosão gradual da ética, da inocência e da confiança nas instituições. Nesse sentido, o romance funciona como uma reflexão amarga sobre os custos morais de se manter dentro de um sistema que exige concessões constantes.

Do ponto de vista literário, a escrita de Wadih Habib é sóbria e direta. A opção por uma narrativa clássica e linear contribui para a clareza da trama, embora em alguns momentos limite um aprofundamento mais intenso de personagens secundários. Ainda assim, essa contenção estilística dialoga com o universo jurídico retratado, reforçando o tom realista e evitando excessos dramáticos artificiais.

Em determinados trechos, a proximidade do autor com o meio jurídico se torna evidente, especialmente na exposição de procedimentos e bastidores institucionais. Para alguns leitores, isso pode soar excessivamente técnico. Por outro lado, é justamente essa familiaridade que confere ao romance sua credibilidade e sua força crítica, sustentando a sensação de que a ficção se ancora em experiências concretas.

Sedução e Morte no Judiciário não busca oferecer respostas fáceis nem finais confortáveis. Ao contrário, encerra sua trajetória deixando o leitor diante de questionamentos incômodos sobre ética, poder e responsabilidade individual. Trata-se de uma estreia literária madura e consciente de seu papel, que utiliza o suspense como ferramenta para provocar reflexão e expor as fragilidades de um dos pilares mais sensíveis da sociedade brasileira.

Resenha – Fernão e a Epopeia da Coluna dos Pretos transforma guerra em memória e espiritualidade em resistência

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Esdras Barbosa
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Fernão e a Epopeia da Coluna dos Pretos não é um romance que busca agradar. Ele se impõe. Ao fundir ficção e acontecimentos históricos do século XIX no Cone Sul, a obra constrói uma narrativa que confronta o leitor com um passado marcado por violência, apagamento e luta constante por dignidade. Trata-se de uma história que entende a guerra não como espetáculo, mas como consequência direta de um sistema que se sustentou pela exclusão e pelo racismo estrutural.

A trama acompanha Fernão e Abubakar, líderes do quilombo da Taperinha, que assumem o comando da chamada Coluna dos Pretos em meio aos conflitos que atravessam o Brasil imperial e seus desdobramentos regionais. A marcha rumo à guerra não nasce do desejo de conquista, mas da impossibilidade de permanecer neutro. Desde o início, o livro deixa claro que a sobrevivência, para corpos negros naquele contexto, é sempre política.

Fernão surge como uma figura moldada pela guerra. Associado a Ogum, orixá do ferro e do combate, ele carrega uma liderança que não se confunde com heroísmo romântico. Seu papel é atravessado por responsabilidade coletiva, cansaço e consciência histórica. A força que o move não é a glória, mas a necessidade de proteger aquilo que ainda resiste. Em contraste, Abubakar, ligado a Oxóssi, opera em outra frequência: estratégia, observação e precisão. Seu arco sagrado funciona tanto como arma quanto como símbolo de equilíbrio, lembrando que resistir também exige cálculo e silêncio.

A presença da espiritualidade afro-brasileira é um dos elementos centrais da narrativa. Os orixás não aparecem como abstrações mitológicas, mas como referências vivas que orientam decisões, sustentam identidades e organizam o mundo simbólico dos personagens. A fé, aqui, não é escapismo; é estrutura. Ela sustenta a travessia física e emocional dos personagens diante de um cenário que constantemente ameaça desumanizá-los.

O romance acerta ao não romantizar o conflito. As batalhas são descritas com dureza, e o custo da guerra se impõe a cada avanço. Mortes, perdas e dilemas morais atravessam a narrativa, lembrando que resistir não elimina a dor — apenas a torna necessária. Os desaparecimentos, as derrotas e as cicatrizes funcionam como marcas permanentes, e não como obstáculos passageiros a serem superados.

As personagens femininas desempenham um papel decisivo na sustentação da história. Zabelê e Justina não ocupam espaços periféricos; elas garantem a continuidade da comunidade, preservam a fé e mantêm viva a memória coletiva enquanto os homens marcham. Sua resistência se manifesta no cuidado, na palavra e na permanência. O livro reconhece, com acerto, que a guerra não se vence apenas no confronto armado, mas também na capacidade de manter laços e identidade.

A escrita é direta, densa e consciente de seu peso histórico. Não há excesso de ornamentos nem tentativas de suavizar a violência do período retratado. O ritmo é deliberado, exigindo atenção do leitor, sobretudo nos momentos em que a narrativa se volta para os dilemas internos dos personagens. Essa escolha reforça o caráter reflexivo da obra, que prefere provocar a oferecer conforto.

Fernão e a Epopeia da Coluna dos Pretos se estabelece como um romance que reivindica espaço no debate sobre memória histórica e representação. Ao centrar a narrativa na resistência negra e integrar espiritualidade, política e identidade, o livro atua como gesto literário e político. Não busca respostas fáceis nem finais redentores. Seu maior mérito está em lembrar que a história não é neutra — e que narrá-la também é um ato de resistência.

Crítica – A Odisseia transforma a fantasia de Homero em um doloroso e fascinante acerto de contas de Matt Damon consigo mesmo

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Louam Leone
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A Odisseia, dirigido por Christopher Nolan, foi alvo de estranheza e desconfiança do público desde seu anúncio. Afinal, uma história envolvendo mitologia grega, fantasia, deuses e criaturas mitológicas nas mãos desse diretor não parecia a escolha mais óbvia. Por mais excelência que ele possua em seus trabalhos, como no recente Oppenheimer, A Odisseia não soava como um filme que poderia ter sua fantasia preservada sem ser filtrada pelo realismo, sua marca registrada. Entretanto, mesmo com a fantasia reduzida como esperado, Nolan surpreende. Ele entrega não só um dos melhores filmes do ano, mas também um dos trabalhos mais ambiciosos de sua carreira. Um verdadeiro espetáculo visual em IMAX, sustentado por um elenco à altura. A Odisseia não é apenas um filme, mas uma experiência cinematográfica que dificilmente passa despercebida.

A trama acompanha Odisseu (Matt Damon) tentando retornar ao seu lar, Ítaca, após a queda de Tróia. Os deuses, no entanto, não estão contentes com ele. Depois de uma sequência de infortúnios, o herói leva mais de quinze anos para conseguir voltar para casa. Nesse caminho, enfrenta criaturas monstruosas, a ira de Poseidon e, principalmente, o maior obstáculo da própria história: o seu ego.

Longe dali, acompanhamos Penélope (Anne Hathaway), esposa de Odisseu, que durante todos esses anos rejeita pretendentes interessados em assumir o trono de Ítaca por meio do casamento. A personagem carrega uma dor silenciosa que sustenta o filme nos momentos em que Odisseu está distante. Entre esses pretendentes, o destaque fica para Antinous, vivido por Robert Pattinson, que transita com precisão entre a inveja e a covardia, criando um antagonista incômodo sem precisar recorrer a exageros.

Ao mesmo tempo, o filho de Penélope e Odisseu, Telêmaco (Tom Holland), que nunca conheceu o pai, decide partir em busca de respostas sobre seu paradeiro. É uma escolha interessante de elenco, embora Holland demore para encontrar o ritmo do personagem. No início, ele parece deslocado e jovem demais para o peso da história, mas, conforme a narrativa avança, encontra o equilíbrio necessário.

Nolan transforma A Odisseia em um épico que vai além da aventura mitológica. O diretor utiliza a história de Homero para discutir uma questão bastante humana: a capacidade do homem de construir a própria ruína sem perceber. O filme coloca esse conflito dentro de Odisseu e acompanha sua queda através de uma narrativa não linear, na qual passado e presente se conectam aos poucos. Tudo funciona como um quebra-cabeça, mas a grande diferença é que cada peça desperta interesse imediato.

Odisseu é um personagem dominado pelo próprio orgulho. Seu ego não apenas coloca sua vida em risco, como também destrói aqueles que caminham ao seu lado. A história se distancia da ideia simples de acompanhar um herói enfrentando monstros em uma aventura fantástica e prefere observar a batalha interna de um homem tentando lidar com as consequências das próprias escolhas. Nolan conduz esse caminho com segurança, principalmente graças à atuação de Matt Damon, que entrega uma das performances mais fortes de sua carreira.

A Odisseia não depende de uma única cena marcante. O impacto vem do conjunto, de momentos que continuam ecoando depois que os créditos começam. Isso não significa que o filme seja perfeito. A longa duração pesa em alguns trechos, principalmente na metade do segundo ato, quando algumas sequências poderiam ser encurtadas para manter o ritmo mais constante.

Ainda assim, Nolan entende exatamente como conduzir os sentimentos dos personagens. A solidão de Penélope depois de tantos anos de espera é evidente, assim como a dor de Telêmaco, que cresceu sem conhecer o próprio pai. Esse peso emocional atinge seu ponto máximo em uma das cenas mais tristes da obra, quando o cachorro de Odisseu aguarda o retorno do dono a Ítaca durante anos e finalmente parte após acreditar até o fim que ele voltaria.

Visualmente, Nolan trabalha dentro de uma estética que já faz parte da sua identidade: imagens grandiosas construídas com elementos reais, fotografia marcada e uma forte presença física dos cenários. A fotografia é um dos maiores destaques do longa. O diretor posiciona personagens e ambientes com precisão, criando composições que valorizam tanto a escala épica quanto os momentos mais íntimos.

O longa alterna tons azulados nos momentos de melancolia envolvendo Telêmaco com cores mais intensas nas sequências de maior tensão. A utilização das cores chama atenção pela forma como contrasta estados emocionais: os tons frios acompanham a ausência e a perda, enquanto as cores quentes aparecem em momentos de isolamento, como quando Odisseu se encontra sozinho sob o sol em uma praia iluminada por tons alaranjados.

Em diversos momentos, o filme se aproxima do terror. Isso fica evidente na chegada do Ciclope, no ambiente de Hades e, principalmente, quando Circe transforma homens em porcos, uma das sequências mais perturbadoras da produção. Nolan acerta ao tratar a magia como algo físico e desconfortável, utilizando efeitos práticos para criar uma transformação que causa estranhamento sem depender apenas da computação gráfica.

Por outro lado, quando o diretor aposta exclusivamente no CGI, o resultado perde força. O monstro marinho Cila é um exemplo disso. A criatura tenta seguir uma linha fantasiosa mais realista, mas acaba sem o mesmo impacto visual e narrativo de outros momentos do filme.

O extremo oposto acontece com o Ciclope. O visual da criatura é impressionante e assustador, um dos grandes trabalhos práticos do longa. Mesmo com possíveis complementos digitais, o personagem possui uma presença física que torna sua aparição uma das sequências mais tensas da produção. Quando Odisseu e seus companheiros conseguem feri-lo, fica claro que o retorno para Ítaca acaba de se tornar ainda mais difícil. Afinal, o Ciclope pede ajuda ao pai, e esse pai é Poseidon.

A direção de arte é outro ponto de destaque. Tudo parece existir de forma concreta dentro daquele mundo, resultado da decisão de Nolan de evitar o uso excessivo de tela verde. Isso dá ao filme uma sensação de realidade mesmo quando ele mergulha no fantástico. Os figurinos podem não seguir uma reprodução histórica rigorosa, mas essa nunca parece ser a proposta da obra. Estamos diante de uma adaptação mitológica, e não de uma reconstrução documental.

Entre os detalhes visuais, o traje de Agamenon, interpretado por Ben Safdie, merece atenção especial. O personagem praticamente nunca revela o rosto, mas sua armadura possui uma presença impressionante, reforçando a imponência de sua posição dentro da narrativa.

Mesmo com alguns momentos mais lentos, Nolan conduz o longa-metragem até um terceiro ato poderoso, no qual todas as questões levantadas ao longo da história encontram seu ponto de encontro. O reencontro entre Odisseu e Penélope revela o verdadeiro conflito do personagem: ele entende que o maior obstáculo nunca esteve apenas nos monstros ou nos deuses, mas dentro dele próprio. Retornar para casa não era o encerramento da jornada, mas o começo de uma transformação.

Apesar das dúvidas iniciais sobre como Nolan lidaria com uma obra tão ligada à fantasia, o diretor encontra uma forma de adaptar A Odisseia sem abandonar sua própria linguagem. Ele transforma uma aventura mitológica em uma história sobre culpa, orgulho e redenção, colocando o maior confronto da narrativa dentro da mente de seu protagonista.

No fim, acompanhamos Odisseu enfrentar batalhas físicas e emocionais, e quando a história termina, a sensação é de que ainda existe muito a explorar naquele mundo. A Odisseia mantém a grandiosidade da fantasia, mas encontra sua verdadeira força no retrato de um homem tentando encarar o próprio reflexo. O maior monstro que ele precisa enfrentar não está nas profundezas do oceano, mas dentro de si mesmo.

Resenha – O Coração de Uma Mulher é uma Jornada poética e profunda

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Esdras Barbosa
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No cenário literário, algumas obras se destacam não apenas pela envolvente narrativa, mas também pela capacidade de transcender as fronteiras da ficção e tocar a essência da experiência humana. É exatamente essa proeza que Maya Angelou alcança em seu mais recente trabalho, “O Coração de Uma Mulher“. Recebi o livro com antecedência para resenhá-lo e, sob a chancela da Editora Astral Cultural, ele promete ser um marco na literatura contemporânea.

A narrativa, habilmente entrelaçada com referências culturais e históricas significativas, mergulha na jornada de uma mulher em busca de sua identidade, navegando pelas complexidades da vida, do amor e da liberdade. Maya Angelou nos conduz por uma viagem que se torna, de certa forma, a jornada de muitas mulheres, revelando os desafios sociais, as dores e os triunfos que moldam suas vidas.

Partindo da Califórnia em direção à efervescente cidade de Nova York, acompanhamos a protagonista em sua imersão na sociedade e no mundo dos artistas e escritores negros. É no seio desse ambiente pulsante que ela encontra não apenas camaradagem, mas também engajamento político, integrando-se à luta pelos direitos dos afro-americanos. Angelou, com sua prosa poética e visceral, retrata não apenas o panorama cultural da época, mas também as profundezas da alma feminina e os dilemas enfrentados por uma mãe negra nos Estados Unidos.

Um dos aspectos mais cativantes do livro é a maneira como Angelou tece sua narrativa em torno das relações humanas. O leitor é apresentado a uma galeria de personagens marcantes, desde figuras históricas como Billie Holiday e Malcolm X até indivíduos fictícios que ecoam a vida em suas mais diversas nuances. É nesse intricado tecido de relações que se desenrola a jornada da protagonista, pontuada por encontros e despedidas, amores e desilusões.

No entanto, não são apenas os personagens que conferem profundidade à trama. A própria escrita de Angelou, carregada de emoção e lirismo, é um convite à reflexão sobre temas como identidade, pertencimento e resistência. Em suas páginas, encontramos passagens que nos transportam para além do tempo e do espaço, fazendo-nos sentir como se estivéssemos imersos na própria pele da protagonista.

É verdade que, em alguns momentos, a narrativa pode parecer superficial, deixando questões importantes apenas esboçadas. No entanto, essa aparente lacuna é compensada pela riqueza de detalhes e pela intensidade das emoções que permeiam cada página. Maya Angelou nos brinda com uma obra que, mesmo em seus momentos mais fugazes, ressoa com a autenticidade da experiência humana.

“O Coração de Uma Mulher” é mais do que um simples relato de vida; é um testemunho poderoso da resiliência e da determinação feminina, uma ode à força que reside no âmago de cada mulher. Maya Angelou, com sua prosa magistral, convida-nos a mergulhar nas profundezas do ser feminino e a descobrir, através das palavras, a beleza e a complexidade de uma jornada compartilhada.

Uma obra que transcende as fronteiras do tempo e do espaço, tocando o cerne da experiência humana de forma poética e profunda. Maya Angelou prova ser uma voz marcante da atualidade, oferecendo-nos um vislumbre da alma feminina e convidando-nos a refletir sobre o que significa ser mulher em um mundo repleto de desafios e possibilidades.

Crítica – “Como Treinar o Seu Dragão” é a aventura que conquista mais pelo coração do que pela batalha

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Esdras Barbosa
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Num vilarejo viking cercado por montanhas, neve e ataques constantes de dragões, Como Treinar o Seu Dragão poderia muito bem ser só mais uma aventura animada cheia de ação. Mas não é. É uma história que surpreende pela delicadeza, pela coragem de ser sensível — e por lembrar que nem toda bravura precisa de uma espada.

O protagonista é Soluço, um garoto que parece ter nascido no lugar errado, na época errada. Frágil aos olhos da comunidade, ele não tem o porte de guerreiro que seu pai, o imponente chefe Stoico, gostaria. Enquanto os outros jovens treinam para matar dragões, ele prefere inventar engenhocas e observar o mundo ao redor com olhos mais curiosos do que combativos.

E é justamente esse olhar que transforma tudo.

Numa noite qualquer, Soluço faz o impensável: derruba um lendário Fúria da Noite. Mas ao encontrar a criatura caída na floresta, em vez de cumprir o papel de herói que tanto esperavam dele, ele escolhe algo raro — e revolucionário: a empatia. E é assim que nasce a amizade com Banguela, o dragão mais carismático que o cinema já nos apresentou.

A conexão entre os dois é construída com uma beleza silenciosa, quase mágica. Sem palavras, sem promessas — só respeito, escuta e curiosidade mútua. A partir dessa relação improvável, o filme propõe algo muito maior do que uma simples história de amizade: uma reflexão sobre o que nos ensinaram a temer, sobre o que significa coragem e, principalmente, sobre quem somos quando deixamos de seguir expectativas para ouvir a própria verdade.

Claro, tudo isso vem embalado por um espetáculo visual deslumbrante. As cenas de voo são de tirar o fôlego, com trilha sonora de John Powell que emociona até o mais cético. Mas o que realmente faz Como Treinar o Seu Dragão alçar voo é sua alma. É o jeito como trata crianças e adultos com o mesmo respeito, oferecendo uma narrativa rica, divertida e profundamente humana.

Astrid, Bocão, Stoico — todos os personagens passam por transformações reais, e o filme nos mostra que crescer não é apenas mudar por fora, mas aprender a ver de um jeito novo. E, às vezes, o mais difícil não é enfrentar um dragão, mas olhar para dentro e admitir que nossos medos nem sempre estão do lado de fora.

No fim das contas, essa não é só uma animação. É um lembrete. De que ser diferente não é fraqueza. De que sentir é um ato de coragem. E de que, às vezes, tudo o que precisamos é soltar as rédeas, subir nas costas de quem confiamos… e voar.

Crítica – Superman de James Gunn recupera a essência do herói com emoção e humanidade

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Ariel Silva
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Foto: Reprodução/ Internet

Após meses de antecipação, teorias e imagens de bastidores que incendiaram as redes sociais, Superman — primeiro capítulo oficial do novo DCU sob a liderança criativa de James Gunn — finalmente chega às telonas com a difícil missão de reintroduzir o herói mais icônico da cultura pop. O filme não reinventa a roda nem estabelece um novo padrão técnico ou estético para o gênero de super-heróis. Mas talvez isso nem fosse necessário. Em vez de buscar grandiosidade ou rupturas, Superman acerta justamente ao olhar para trás com sensibilidade e seguir em frente com o coração.

James Gunn, conhecido por sua estética irreverente e personagens excêntricos, entrega aqui um trabalho mais contido e respeitoso. Ele compreende o que o Superman representa — não apenas como símbolo de poder, mas como arquétipo de esperança, de nobreza moral e de humanidade em tempos sombrios. Sua abordagem não é cínica nem revisionista. Pelo contrário, o diretor opta por uma leitura clássica e idealista do personagem, ainda que ancorada nas ansiedades do presente: desinformação, crises institucionais, tensões geopolíticas e um mundo cada vez mais cético.

Um Superman de carne, osso e compaixão

No papel do novo Clark Kent, David Corenswet se destaca por uma entrega honesta, que foge da grandiloquência tradicional dos super-heróis. Seu Superman é gentil, vulnerável e, sobretudo, movido por empatia. É um homem que sente antes de agir, que se deixa afetar pelas dores do mundo e que, mesmo com todos os poderes, continua buscando seu lugar entre os humanos.

Sua atuação resgata o espírito de Christopher Reeve, mas com um toque mais introspectivo. Não é apenas um herói solar — é alguém que hesita, que se questiona, que erra. E é nesse espaço entre o mito e o homem que o filme encontra sua força emocional mais genuína.

A força simbólica diante do caos

Gunn acerta ao reposicionar o Superman em um contexto mais turbulento e ético. Os obstáculos que Clark enfrenta não são apenas físicos ou intergalácticos — são morais. Como agir diante da complexidade de um mundo que já não acredita em figuras puras ou verdades absolutas? Como ser um símbolo de esperança sem cair no messianismo ou na ingenuidade?

O roteiro evita o didatismo, apostando numa construção equilibrada entre ação, introspecção e dilemas sociais. Ainda assim, não escapa de algumas armadilhas.

Quando o universo se impõe sobre o protagonista

O maior problema de Superman é estrutural: a tentativa de introduzir um leque extenso de personagens e subtramas que acabam diluindo a jornada do protagonista. Presenças como a Mulher-Gavião e o Lanterna Verde — por mais interessantes que sejam em conceito — pouco acrescentam à trama central e funcionam mais como acenos ao futuro do DCU do que como elementos orgânicos do filme.

Essa pulverização narrativa também afeta a relação entre Superman e seu principal antagonista, Lex Luthor. [Nome do ator], em um desempenho contido e gelado, oferece um vilão que funciona em termos de ameaça, mas não em profundidade emocional. A rivalidade entre os dois, que deveria carregar o peso dramático da história, carece de camadas e conflito interno. O embate se torna quase burocrático, o que destoa da densidade emocional construída ao redor do protagonista.

Gunn mais maduro — e mais contido

Para os que esperavam o tom debochado e colorido de Guardiões da Galáxia ou O Esquadrão Suicida, o novo Superman pode soar surpreendentemente sóbrio. James Gunn demonstra aqui uma faceta menos espalhafatosa e mais madura, claramente ciente da responsabilidade simbólica de dirigir um personagem com tanta bagagem cultural e emocional.

Há espaço para humor e leveza — elementos que humanizam o longa sem comprometer seu coração dramático. Mas a grande virtude do filme está na sua modéstia emocional: ao evitar a tentação de fazer do longa uma vitrine para o novo universo compartilhado, Gunn opta por construir algo mais íntimo e centrado.

Veredito

Superman não é um divisor de águas no gênero nem o blockbuster definitivo que alguns talvez esperassem. Mas é, com todas as letras, um acerto. Um filme que entende a alma de seu personagem, que não tem medo de ser sincero em sua mensagem e que valoriza aquilo que tornou o Superman eterno: sua fé inabalável nas pessoas.

Talvez estejamos tão acostumados à ironia, à violência e ao cinismo, que ver um herói agir com genuína compaixão pareça revolucionário. Mas Superman não tenta ser revolucionário — ele só quer nos lembrar que ser bom ainda é uma escolha possível. E necessária.

Resenha — Em Memória é um lembrete de que o amor, às vezes, é o ato mais corajoso em meio à guerra

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Esdras Barbosa
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Foto: Reprodução/ Almanaque Geek

Há livros que falam de guerra, e há livros que falam daquilo que a guerra arranca da gente. Em Memória, da escritora britânica Alice Winn, lançado no Brasil pela Astral Cultural, é um desses. À primeira vista, parece mais uma história sobre jovens soldados e trincheiras da Primeira Guerra Mundial — mas logo o leitor percebe que o campo de batalha mais cruel está dentro dos próprios personagens.

Amor em tempos de pólvora

Henry Gaunt e Sidney Ellwood são dois garotos de 17 anos, colegas de um internato britânico, que dividem uma amizade cheia de subtextos e silêncios. Gaunt tenta negar o óbvio: está apaixonado pelo melhor amigo. E Ellwood, com seu jeito sonhador e poético, sente o mesmo — mas num tempo em que amar outro homem era quase uma sentença de exílio.

Quando a guerra começa e Gaunt é pressionado pela mãe a se alistar, ele vê na farda uma espécie de fuga dos próprios sentimentos. Só que o plano dá errado: Ellwood, movido por amor e medo de perdê-lo, segue seu caminho até o front. E é aí que o romance se transforma — não em uma simples história de amor proibido, mas em uma meditação sobre sobrevivência, memória e o preço de ser humano num mundo em colapso.

A dor como testemunha

O mérito de Alice Winn está em equilibrar a brutalidade da guerra com a delicadeza dos sentimentos. Ela escreve com um lirismo que corta — não há nada de romântico nas trincheiras, mas há beleza nos pequenos gestos: uma carta escrita às pressas, um olhar que diz tudo o que a boca não pode.

A autora não poupa o leitor das cenas mais viscerais: corpos mutilados, medo constante, perda de inocência. Mas também não deixa que a narrativa se resuma à tragédia. “Em Memória” é sobre como o amor insiste em existir — mesmo quando o mundo inteiro parece empenhado em destruí-lo.

Uma memória (literalmente) astral

O título brasileiro e o nome da editora formam uma coincidência curiosa: Em Memória, pela Astral Cultural. E, de certa forma, essa soma diz muito sobre o espírito do livro. É uma história que fala de lembrar — não só os mortos da guerra, mas tudo o que foi silenciado pelo medo e pelo preconceito.

Winn cria um universo quase “astral”, no sentido mais poético do termo: o amor entre Gaunt e Ellwood parece pairar acima da lama e do sangue, como uma centelha de humanidade que teima em brilhar.

Entre o épico e o íntimo

Se você gosta de livros que misturam intensidade emocional e contexto histórico, este é daqueles que te desmontam e te fazem pensar. Não é uma história “fácil” — e nem deveria ser. Alice Winn escancara a hipocrisia de uma sociedade que exalta o heroísmo masculino, mas reprime qualquer sinal de sensibilidade.

O relacionamento dos protagonistas nunca é idealizado: há culpa, medo, silêncio e até momentos em que o amor parece mais uma maldição. Mas é justamente essa imperfeição que o torna tão real.

Por que ler?

Porque Em Memória não é só um romance sobre dois rapazes na guerra — é sobre o que resta da gente depois que a guerra (qualquer guerra) acaba. Sobre como a lembrança se transforma em resistência. E sobre como, mesmo nas piores condições possíveis, ainda há espaço para a ternura.

Crítica – Zootopia 2 entrega maturidade narrativa e aprofunda debates sociais com sensibilidade e coragem

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Renato Almeida da Silva
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Zootopia 2 chega aos cinemas carregando o peso de suceder uma das animações mais marcantes da última década. O filme original, lançado em 2016, conquistou o público ao combinar humor, aventura e uma crítica social ampla, situando seus personagens em uma metrópole vibrante onde conviviam diversidade e tensão. Agora, a continuação retoma esse universo de forma mais complexa, emocionalmente mais elaborada e disposta a expandir discussões que permanecem urgentes. A nova trama acompanha Judy Hopps e Robert Wilde em um ponto delicado de suas jornadas, revelando como feridas antigas influenciam não apenas o vínculo entre eles, mas a maneira como cada um encara suas convicções mais profundas.

A história ganha novo fôlego com a introdução da influente Família Lynxley, guardiã do Diário de Fundação, peça histórica que preserva a versão oficial das origens da cidade. Quando o artefato é roubado por Gary, uma cobra pertencente a uma espécie historicamente marginalizada após um episódio distorcido e mal interpretado, o filme deixa de lado qualquer expectativa de aventura convencional. O roubo funciona como catalisador para uma investigação maior: uma reflexão sobre memória, apagamento e a forma como versões oficiais moldam identidades coletivas. Nada é apresentado como mera coincidência; cada gesto aponta para feridas abertas e disputas por narrativas que definem quem pertence e quem permanece à margem.

Nibbles, especialista em répteis e relações interespécies, surge para equilibrar o enredo com frescor e profundidade. Sua presença cria conexões onde antes existiam muros, instigando Judy, Robert e o próprio público a enxergar além das tensões superficiais. Mais do que uma coadjuvante, ela funciona como mediadora em um debate sobre convivência e responsabilidade histórica. O grupo formado por Judy, Robert, Gary e Nibbles ressignifica o filme como uma travessia de escuta e reconciliação, destacando que conflitos sociais raramente são fruto de indivíduos isolados, mas sim de estruturas que perpetuam silêncios e desigualdades.

Apesar de lidar com temas densos, Zootopia 2 mantém o humor afiado que caracteriza a franquia. As cenas cômicas surgem no momento certo, oferecendo respiro emocional sem comprometer o impacto do drama. E é justamente no drama que o filme encontra seu núcleo mais pulsante, discutindo ancestralidade, identidades reprimidas, políticas de coexistência e a necessidade de revisar o passado com honestidade. A narrativa não idealiza a história da cidade; pelo contrário, questiona ativamente quem construiu essas memórias e por que algumas vozes foram excluídas.

Ao invés de tentar superar o primeiro filme em grandiosidade, a continuação opta por amadurecer. Reconhece que seu público cresceu e ajusta o tom para acompanhar essa evolução. A obra abraça silêncios, incertezas e recomeços, entendendo que histórias verdadeiras se fortalecem quando enfrentam suas próprias sombras. É um filme que se permite desacelerar para aprofundar, ao invés de acelerar para impressionar.

No desfecho, a continuação se revela não apenas competente, mas necessária. Judy e Robert emergem mais complexos e vulneráveis, enquanto Gary e Nibbles ampliam o escopo emocional e político da trama com novas perspectivas. Zootopia, sempre vibrante, mostra que ainda possui muito a aprender sobre si mesma. A obra reafirma que memórias não devem ser apagadas, mas revisitadas e reconstruídas com responsabilidade. O resultado é um filme que não se limita a continuar uma história, mas a expandi-la com propósito e sensibilidade.

Crítica | Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba – Castelo Infinito é um espetáculo visual que nem sempre equilibra a narrativa

Publicado por
Esdras Barbosa
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Kimetsu no Yaiba: Castelo Infinito confirma por que a franquia se tornou um dos maiores fenômenos da animação japonesa moderna. Sob a direção meticulosa da Ufotable, o filme entrega um espetáculo visual impressionante, elevando o padrão técnico da indústria. Cada quadro é cuidadosamente elaborado, com cores vibrantes, efeitos de luz dinâmicos e movimentos de câmera que conferem profundidade e realismo às batalhas, transformando cada confronto em um evento cinematográfico que vai muito além do que se espera de um anime. A atenção aos detalhes é quase obsessiva: respingos de sangue, chamas, respirações e expressões faciais são animados com precisão quase hipnótica, criando uma imersão rara mesmo para os padrões japoneses mais elevados.

Ação intensa, mas às vezes excessiva

A ação é o ponto alto do filme. Cada combate é coreografado com perfeição, unindo velocidade, impacto e criatividade visual. As técnicas de luta se misturam a efeitos estilizados que ressaltam a força e a determinação dos personagens. Entretanto, essa intensidade quase contínua pode se tornar cansativa. A sequência de batalhas, embora eletrizante, gera um ritmo acelerado que deixa pouco espaço para respiro, tornando o filme potencialmente desgastante para espectadores que buscam um equilíbrio entre narrativa e ação.

Personagens secundários subaproveitados

Um dos pontos críticos do filme é a subutilização de personagens secundários. Embora a história seja fiel ao mangá, muitos personagens que poderiam enriquecer a trama com camadas emocionais e interações significativas acabam relegados a papéis funcionais ou participações rápidas. Esse desequilíbrio evidencia que, por mais espetaculares que sejam as cenas de luta, o desenvolvimento humano e as relações interpessoais ficaram em segundo plano, criando uma sensação de potencial não totalmente explorado.

Tanjiro: o coração emocional do filme

Mesmo assim, Tanjiro brilha como o eixo central da narrativa. Sua evolução emocional, marcada por empatia, determinação e crescimento moral, cria um fio condutor que sustenta o enredo. Momentos de vulnerabilidade, cenas familiares e atos de coragem diante do perigo proporcionam respiros dramáticos que equilibram o ritmo frenético das batalhas. É nesse contraste entre ação e emoção que o filme encontra sua força, permitindo que o público se conecte com os dilemas e triunfos do protagonista.

O Castelo Infinito como personagem

O filme também se destaca ao expandir a escala épica do universo de Kimetsu no Yaiba. O próprio Castelo Infinito funciona quase como um personagem vivo: seus labirintos, armadilhas e inimigos aumentam a sensação de perigo e urgência. A montagem ágil, a trilha sonora envolvente e o design de som detalhado reforçam a tensão e a emoção, mantendo o público imerso mesmo em cenas longas de combate. A construção do espaço, com suas camadas visuais e desafios constantes, amplia a sensação de aventura e ameaça que permeia todo o filme.

Fidelidade ao mangá e impacto emocional

Em termos de fidelidade à obra original, o filme preserva os elementos centrais do mangá — amizade, coragem, superação e sacrifício — ao mesmo tempo em que entrega sequências visuais que superam qualquer expectativa. Apesar da narrativa comprimida e do ritmo intenso, o impacto emocional das batalhas e o desenvolvimento de Tanjiro tornam o filme memorável. Mesmo com seus pontos críticos, “Castelo Infinito” demonstra como a Ufotable domina a arte de transformar uma obra em experiência cinematográfica, consolidando Kimetsu no Yaiba como um fenômeno cultural incontestável.

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