Vale a pena assistir Eddington? O faroeste pandêmico de Ari Aster com Joaquin Phoenix e Pedro Pascal que virou sensação

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Esdras Ribeiro
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Quando Ari Aster anuncia um filme novo, boa parte do público — especialmente aquele com estômago forte para o desconforto — já se ajeita na cadeira com a certeza de que vem algo estranho, provocativo e difícil de rotular. Depois de incendiar o terror contemporâneo com Hereditário e Midsommar, e dividir opiniões com Beau Tem Medo, o diretor retorna agora com um projeto que carrega seu DNA de inquietação, mas brinca com outros territórios: humor negro, caos social e uma estética de faroeste moderno.

O resultado é Eddington, um filme que se passa em maio de 2020, em plena pandemia de Covid-19, e que transforma uma pequena cidade do Novo México em um microcosmo de paranoia, rivalidades políticas e violência latente. Estrelado por Joaquin Phoenix, Pedro Pascal, Emma Stone, Austin Butler e um grande elenco de apoio, o longa já chega ao público cercado de expectativas — e de perguntas. A maior delas é simples:

Vale a pena assistir?

A resposta, como quase tudo na obra de Aster, é complexa.

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Um faroeste dentro da pandemia — e a pandemia dentro de nós

A premissa pode soar absurda à primeira vista: um xerife e um prefeito entram em uma disputa política e pessoal no auge da crise sanitária, e essa desavença se espalha como pólvora pela comunidade. Mas é exatamente essa mistura de absurdo e realismo que torna Eddington tão singular.

O filme se passa em maio de 2020, no momento em que as incertezas eram tantas que qualquer decisão parecia capaz de acender fósforos em terreno seco. Na cidadezinha fictícia de Eddington, o xerife Joe Cross (Joaquin Phoenix) e o prefeito Ted Garcia (Pedro Pascal) — ambos competentes, ambos difíceis, ambos inflamáveis — vivem um impasse que ninguém mais consegue administrar.

Aster transforma essa rixa em um evento quase mitológico: o primeiro olhar torto, a primeira acusação pública, o primeiro rumor exagerado… e de repente vizinhos estão se dividindo em lados, famílias são colocadas uma contra a outra e a suposta tranquilidade da cidade evapora.

Como em um faroeste clássico, o duelo moral entre homens poderosos puxa a cidade inteira para o abismo. Só que aqui o abismo é feito de máscaras, falsas virtudes, grupinhos de WhatsApp e um vírus invisível que, de tão presente, se torna quase um personagem adicional.

O xerife que desmorona diante dos nossos olhos

Joaquin Phoenix prova mais uma vez que atores raramente encontram zonas de conforto. Seu Joe Cross é meio herói, meio vítima, meio provocador — um homem que tenta proteger a cidade, mas que carrega traumas mal resolvidos, frustrações acumuladas e uma vulnerabilidade crescente.

Phoenix entrega um personagem cansado, desconfiado, pressionado e frequentemente patético, mas ainda assim humano o suficiente para que o público se identifique com sua queda.

Seu trabalho — cheio de pausas, olhares inquietos e acessos de fúria contida — encaixa perfeitamente no humor negro da narrativa, transformando o xerife em alguém que desperta empatia e riso, às vezes ao mesmo tempo.

Um prefeito carismático, contraditório e perigosamente sedutor

Do outro lado do duelo, Pedro Pascal vive Ted Garcia, o prefeito em busca de reeleição, que tenta equilibrar crise de saúde pública, pressão política e uma vaidade que o torna imprevisível. O personagem é ao mesmo tempo irônico, sorridente e explosivo — e Pascal navega entre essas nuances com carisma natural.

É ele quem traz leveza a várias cenas que poderiam descambar para o melodrama, mas também é quem entrega alguns dos momentos mais intensos do filme. Quando Phoenix e Pascal dividem a tela, o filme atinge seu ápice: a química é elétrica, desconfortável, às vezes até cômica, como se os dois personagens fossem reflexos distorcidos um do outro.

Emma Stone e Austin Butler

Emma Stone, interpretando Louise Cross, esposa de Joe, tem menos tempo de tela do que Phoenix ou Pascal, mas suas cenas são fundamentais para mostrar o desgaste emocional da família do xerife. Louise funciona como âncora emocional — e ao mesmo tempo como espelho das tensões domésticas que a pandemia trouxe à superfície em tantas casas reais.

Austin Butler, por sua vez, interpreta Vernon Jefferson Peak, um personagem enigmático que parece estar sempre no lugar errado na hora certa — ou vice-versa. Butler surge como um dos catalisadores do caos crescente, mas também como figura simbólica do colapso emocional coletivo.

O elenco de apoio, que inclui Luke Grimes, Deirdre O’Connell, Micheal Ward, Clifton Collins Jr., Amélie Hoeferle e outros nomes, completa o retrato de uma comunidade à beira do colapso moral.

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A direção de Ari Aster

Esse é o filme mais “híbrido” da carreira de Aster. Ele não abandona suas marcas registradas: o desconforto crescente, os enquadramentos que revelam mais do que mostram, a trilha inquietante de Bobby Krlic (retornando após Midsommar e Beau Tem Medo), e as situações que começam normais e terminam absurdas.

Mas Eddington abraça novas linguagens:

  • O humor negro, muitas vezes situado perto da crueldade.
  • O faroeste moderno, com paisagens áridas e tensão permanente.
  • A sátira social, especialmente no retrato da paranoia pandêmica.

Nada disso é gratuito. Aster parece interessado em investigar como comunidades pequenas, aparentemente pacíficas, podem abrigar tensões profundas — tensões que só precisam de um empurrão para explodir.

Uma produção marcada por insistência, ambição e tempestades criativas

O caminho até Eddington foi longo. Ari Aster já tinha escrito um roteiro de faroeste contemporâneo anos antes, e chegou a considerar que esse seria seu primeiro filme. Mas Hereditário o puxou para outro lado, e o faroeste foi guardado na gaveta.

Somente depois de Beau Tem Medo ele decidiu revisitar a ideia — agora com a pandemia como elemento central. Foi nesse momento que a história ganhou novo fôlego, novas camadas, novos conflitos.

A produção, comandada pela Square Peg e pela A24, foi intensa e ambiciosa. Phoenix e Aster chegaram a explorar locais juntos no Novo México meses antes das filmagens, enquanto Emma Stone e Christopher Abbott foram inicialmente escalados em 2023 — Abbott acabou deixando o projeto, que passou o papel para Austin Butler.

As filmagens ocorreram entre março e maio de 2024 em Albuquerque e Truth or Consequences, cidades que emprestam à trama a beleza áspera do deserto americano. Em abril de 2025, Bobby Krlic foi anunciado como responsável pela trilha — uma decisão que reforça o clima emocional e psicológico do filme.

Mas afinal: vale a pena assistir?

A resposta depende do tipo de cinema que você busca, mas aqui vão argumentos honestos e humanizados:

Vale a pena se…

  • Você gosta de filmes que misturam gêneros e quebram expectativas.
  • Você aprecia humor negro, sátiras sombrias e comentários sociais implícitos.
  • Você admira o trabalho de Joaquin Phoenix, Pedro Pascal ou Ari Aster.
  • Você quer ver um filme que aborda a pandemia sem cair no didatismo ou na exploração gratuita.
  • Você gosta de histórias sobre pequenas comunidades que se despedaçam por dentro.

Pode não ser sua praia se…

  • Você prefere narrativas lineares e de fácil digestão.
  • Você tem dificuldade com filmes que misturam drama e comédia de maneira agressiva.
  • Você espera um terror tradicional: este NÃO é um filme de terror, apesar da tensão psicológica constante.
  • Você ainda se sente sensível para revisitar o clima emocional da pandemia de 2020.

Criada por Dick Wolf, 8ª temporada da série americana FBI estreia em 12 de outubro

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A premiada série F.B.I., criada por Dick Wolf, retorna às telas americanas em 12 de outubro de 2025 com sua aguardada oitava temporada. Reconhecida por retratar com intensidade o cotidiano dos agentes especiais do FBI em Nova York, a produção segue conquistando público ao mesclar investigação rigorosa com nuances humanas, consolidando-se como um dos principais dramas policiais da atualidade.

Nesta nova fase, a trama se aprofunda a partir de um ataque a bomba que abala a cidade, desencadeando uma complexa teia de conspirações. O caso não só desafia a capacidade técnica e estratégica dos agentes liderados por Maggie Bell (Missy Peregrym) e Omar Adom “OA” Zidan (Zeeko Zaki), mas também expõe seus limites emocionais e éticos. A série acerta ao humanizar seus protagonistas, mostrando que, por trás do uniforme, existem pessoas sujeitas a dúvidas, falhas e conflitos.

Contudo, apesar do sucesso contínuo e da fórmula eficiente, F.B.I. precisa enfrentar o desafio de evitar a repetição de clichês típicos do gênero policial, oferecendo frescor em roteiros e personagens. A expectativa é que essa temporada traga uma narrativa mais robusta e crítica, capaz de ir além da adrenalina das operações para discutir questões institucionais e sociais pertinentes à realidade contemporânea.

No Brasil, ainda sem data oficial para a estreia, a série mantém uma base sólida de fãs, ávidos por acompanhar o desenrolar das investigações que já viraram referência em entretenimento televisivo. Se a oitava temporada conseguir manter o equilíbrio entre ação e profundidade emocional, F.B.I. reafirmará sua posição no concorrido universo dos dramas policiais.

“Quilos Mortais” desta sexta (25/07) emociona com a jornada dos irmãos John e Lonnie Hambrick na Record TV

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À primeira vista, pode parecer que “Quilos Mortais” é mais um reality sobre perda de peso. Mas basta assistir a poucos minutos para entender que o programa vai muito além de números na balança. A cada episódio, o público é convidado a entrar na vida de pessoas que, além de lutarem contra a obesidade extrema, enfrentam cicatrizes invisíveis – aquelas que não aparecem nos exames, mas que moldam cada escolha, cada recaída, cada tentativa de mudança.

Nesta sexta-feira, 25 de julho de 2025, às 22h45, a Record TV exibe um capítulo especialmente tocante da série. O foco está na história dos irmãos John e Lonnie Hambrick – dois homens que chegaram ao programa carregando mais do que excesso de peso. Eles vinham, na verdade, de uma longa trajetória de afastamento, mágoas e silêncios entre irmãos que já foram próximos, mas que a vida – e seus traumas – afastou.

Do isolamento ao reencontro: uma jornada que começa com 270 e 300 kg

John iniciou sua participação no programa com cerca de 300 kg. Lonnie, com 270 kg. Ambos já não conseguiam realizar tarefas básicas do dia a dia, como se levantar sozinhos, subir escadas ou até mesmo sair de casa sem ajuda. Mas talvez o peso mais insuportável fosse outro: a vergonha, o abandono, o sentimento de fracasso que os mantinha presos a um ciclo vicioso de culpa e compulsão.

A decisão de buscar ajuda veio de forma independente, mas foi dentro do programa – e com o auxílio do rígido e respeitado Dr. Nowzaradan – que os irmãos se reencontraram. E reencontrar, aqui, não é apenas no sentido físico. Eles se reconheceram como iguais. Como sobreviventes. Como filhos de uma mesma dor.

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Dr. Now e a importância de tratar o que não se vê

Quem já acompanha o programa sabe que o Dr. Nowzaradan é um profissional conhecido por sua franqueza. Ele não floreia. Diz o que precisa ser dito – e, às vezes, com certa dureza. Mas sua abordagem também é profundamente humana, especialmente quando reconhece que a cirurgia bariátrica é apenas uma ferramenta. O verdadeiro trabalho está na mente.

“A psicologia associada ao vício em comida é tão fundamental quanto o procedimento cirúrgico”, afirma o médico durante o episódio. E ele está certo. Em um país como os Estados Unidos, onde a obesidade é um problema de saúde pública, raramente se discute o quanto traumas emocionais alimentam compulsões. Comer, para muitos, é um mecanismo de sobrevivência emocional.

No caso dos irmãos Hambrick, ficou claro que não bastava mudar a alimentação ou perder peso. Era preciso olhar para dentro. Curar o que os havia separado. Encerrar ciclos de dor, ressentimento e abandono. E isso, como o episódio mostra, é o mais desafiador de tudo.

Uma irmandade reconstruída entre lágrimas e perseverança

À medida que o tratamento avança, John e Lonnie passam a conviver mais de perto. Dividem o mesmo espaço, as mesmas refeições restritas, os mesmos desafios. E, aos poucos, vão aprendendo a confiar novamente um no outro.

Há momentos de tensão – como não haveria? – mas também há cenas genuínas de afeto, cuidado e companheirismo. Um ajuda o outro a caminhar. Um segura a barra quando o outro quer desistir. Um escuta, mesmo quando é difícil. É nesse vai-e-vem de fragilidade e coragem que a relação entre eles ganha um novo contorno: não mais como dois homens tentando emagrecer, mas como irmãos redescobrindo o que significa ter alguém ao lado.

Em uma das cenas mais emocionantes, John desabafa: “A gente passou tanto tempo longe, com vergonha, com medo… E agora, só de ter meu irmão aqui, parece que tudo é mais possível.” É um daqueles momentos em que a TV deixa de ser espetáculo e vira espelho.

Muito além da balança: a obesidade como questão social e emocional

O episódio desta sexta também nos convida a pensar na obesidade para além da lógica da culpa individual. John e Lonnie representam uma multidão de pessoas que, por razões diversas, acabam se refugiando na comida como única forma de alívio. Não é preguiça. Não é desleixo. É dor crônica. É falta de acesso. É trauma. É abandono.

A narrativa dos irmãos joga luz, ainda, sobre o tabu da saúde mental entre homens. Quantos homens você conhece que se sentem à vontade para dizer que estão sofrendo? Que choram? Que pedem ajuda? John e Lonnie fazem isso em rede nacional. Se expõem. Sofrem. Mas também mostram que há saída. Que vulnerabilidade é, sim, força.

O que o episódio nos ensina

No fim das contas, este episódio de “Quilos Mortais” não é apenas sobre dois irmãos obesos tentando emagrecer. É sobre dois homens tentando se salvar. Tentando se perdoar. Tentando viver. Eles enfrentam recaídas. Têm medo da cirurgia. Discutem. Mas também dançam, riem, choram e comemoram cada pequeno avanço. A perda de peso é significativa – dezenas de quilos ao longo de um ano – mas o que realmente muda é o modo como se olham, como se veem, como se entendem.

Por que vale a pena assistir

Se você busca uma história real, sem roteiros pré-fabricados, este episódio é para você. Se você já enfrentou seus próprios fantasmas – ou conhece alguém que esteja nessa batalha –, a jornada dos irmãos Hambrick pode tocar fundo. Não porque oferece fórmulas mágicas, mas porque escancara o que é ser humano em sua forma mais crua.

Fuzil, o irreverente ‘Herói do Brasil’, é o convidado do “The Noite com Danilo Gentili” desta quarta (23/07)

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Na noite desta quarta-feira, 23 de julho de 2025, o palco do The Noite com Danilo Gentili recebe um convidado que carrega não apenas anos de estrada no rádio e na TV, mas também uma trajetória marcada por reinvenções, tropeços, afetos e a rara habilidade de rir de si mesmo. Fuzil, o “herói do Brasil” — como ficou conhecido entre os fãs do Pânico —, retorna ao centro das atenções para uma conversa que promete ser tão hilária quanto tocante. As informações são do SBT.

Mais do que uma figura popular entre os ouvintes e telespectadores brasileiros, Fuzil é símbolo de um tipo de comunicador que nasce da rua, cresce entre o povo e constrói sua força com carisma e vulnerabilidade. A entrevista, gravada nos estúdios do SBT, irá ao ar à meia-noite e promete trazer à tona lembranças do passado, detalhes de sua vida longe dos holofotes e os bastidores de seu aguardado retorno à televisão. Mas quem é o homem por trás do apelido? E por que sua presença no The Noite gera tanta expectativa?

O radialista que virou personagem – e depois virou pai, filho e sobrevivente

Para muitos, Fuzil é aquele repórter irreverente que corria pelas ruas com um microfone na mão, distribuía perguntas provocativas e arrancava gargalhadas com situações inusitadas. Mas por trás da persona sempre esteve um comunicador de alma popular, formado na escola da observação direta, da escuta e do improviso. Natural de São Paulo, ele iniciou a carreira no rádio ainda jovem, em meio à efervescência dos anos 1990. Passou por diversos programas e emissoras até ganhar projeção nacional como repórter de rua do Pânico, tanto no rádio quanto na TV. Era o tempo da zoeira desmedida, do humor físico, dos quadros em que ele se jogava — muitas vezes literalmente — de paraquedas, no chão, no ridículo.

Fuzil virou personagem. E como acontece com tantos personagens cômicos, sua dor pessoal era muitas vezes invisível por trás da máscara. “Quando você trabalha com humor, muita gente acha que sua vida é leve. Mas não é. Às vezes, é exatamente o oposto. Você precisa ser forte pra continuar fazendo os outros rirem quando você mesmo tá em pedaços”, já declarou em entrevistas anteriores.

Um tempo de silêncio: o luto que mudou tudo

Nos últimos anos, Fuzil esteve mais recluso, longe das câmeras. O que poucos sabiam é que esse afastamento foi provocado por uma perda devastadora: a morte de seu pai. O luto o tirou de cena por algum tempo. Não por falta de trabalho ou talento, mas por necessidade emocional. “Era como se o mundo tivesse ficado sem cor”, contou recentemente nas redes sociais. “Você perde o chão. E quando você vive do riso, fica difícil achar qualquer graça nas coisas.”

Essa fase marcou um ponto de virada em sua vida. Foi quando, segundo pessoas próximas, ele passou a rever sua relação com a fama, com o corpo, com o tempo e, principalmente, com sua filha. Fuzil se redescobriu como pai e entendeu que a presença afetiva precisava ser mais forte do que a presença pública. Essa redescoberta também incluiu cuidar de si — física e emocionalmente. “Eu passei a me olhar com mais carinho. Não só por fora, com estética, mas por dentro também. Era hora de me dar um novo começo”, confidenciou.

O convite de Emílio Surita: um bilhete para o recomeço

Foi em meio a esse redemoinho emocional que chegou o convite que mudaria o rumo de sua trajetória. Emílio Surita, apresentador e um dos idealizadores do Pânico, o chamou para retornar à nova versão do programa — agora no YouTube e nas redes sociais, com o frescor de um novo formato e a essência de sempre.

“Eu nem estava esperando. Tinha acabado de enterrar meu pai. Estava num dos momentos mais tristes da minha vida. E aí, dois dias depois, chega a mensagem do Emílio. Achei que era brincadeira”, revelou em entrevista a um podcast recente.

O reencontro com os antigos colegas de bancada não foi apenas profissional. Foi emocional. Foi o resgate de uma identidade, de uma voz que parecia ter sido engolida pela dor e pelo tempo. O retorno também o colocou diante de um público renovado, jovem, ávido por humor — mas também por verdade.

“Hoje eu não tenho mais vergonha de mostrar meu lado humano. Antes, eu achava que precisava ser o piadista o tempo todo. Agora não. Agora eu sou o Fuzil por inteiro.”

O Herói do Brasil: por que esse apelido continua fazendo sentido

Durante os anos em que participou do Pânico, Fuzil ganhou o apelido de “Herói do Brasil”. O nome nasceu do humor — um herói atrapalhado, quase uma paródia —, mas, com o tempo, passou a carregar outro significado. Ser herói, no caso de Fuzil, nunca foi sobre força física, nem sobre superpoderes. Era sobre coragem emocional. Sobre acordar no meio do caos e ainda assim tentar fazer alguém sorrir. Sobre não desistir quando tudo diz que sim. Sobre viver de improviso — como tantos brasileiros fazem.

E é por isso que, mesmo depois de tantos anos, ele continua sendo chamado assim. “Eu acho que virei herói porque sobrevivi”, brinca. “E sobrevivi com humor. Que é a maior arma que a gente tem.”

Expectativas para a entrevista no The Noite

O programa promete ser mais do que uma simples entrevista. Será um reencontro. Não só de Fuzil com a TV aberta, mas do público com uma figura que, mesmo longe das telas, permaneceu no imaginário afetivo de gerações. Segundo a produção, a conversa trará bastidores da carreira, histórias inéditas do rádio e da TV, curiosidades sobre sua rotina e, claro, momentos de puro humor — marca registrada de ambos os lados da bancada.

Gentili, conhecido por conduzir entrevistas com leveza e ironia, teria se emocionado em alguns trechos, especialmente ao tocar em temas como paternidade e saúde mental. “É uma honra conversar com alguém que representa tanto a resistência da comunicação popular brasileira”, adiantou o apresentador nos bastidores.

Além do programa: os próximos passos de Fuzil

A volta aos holofotes não se resume ao The Noite. Fuzil já está envolvido em novos projetos: conteúdos no TikTok e YouTube, participação em podcasts, possíveis quadros no novo Pânico e até um documentário sobre sua trajetória. Além disso, há planos de um livro, no qual ele pretende contar os bastidores da fama, os momentos de escuridão e os aprendizados de quem aprendeu a rir mesmo quando tudo parecia desabar. “A vida nunca me deu nada fácil. Mas eu também nunca pedi moleza. Só pedi pra não ser esquecido. E acho que, de algum jeito, o público nunca me esqueceu.”

Roda a Roda Jequiti 01/06/2025 apresenta novos ganhadores

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RODA A RODA

Neste domingo, 01 de junho de 2025, prepare-se para uma noite de pura emoção, diversão e muitos prêmios no Roda a Roda Jequiti, que vai ao ar logo após o Programa Eliana, a partir das 19h no SBT. Sob o comando carismático de Patricia Abravanel e Rebeca Abravanel, o game show mais tradicional do país retorna com um episódio especial que promete agitar os lares brasileiros com adrenalina, surpresas e a chance de transformar vidas.

Com uma energia contagiante e muitas risadas garantidas, as irmãs Abravanel trazem à atração o carisma que já conquistou milhões de fãs. E não é só o público que está empolgado: os participantes da semana chegam com tudo, sonhando alto — afinal, as cobiçadas barras de ouro estão em jogo, prontos para serem levados para casa por quem girar a roda com sorte e estratégia.

🎯 Rodadas de tirar o fôlego e reviravoltas inesperadas

Cada giro da roda é uma nova oportunidade de mudar de vida. O suspense domina o estúdio a cada letra escolhida, enquanto os competidores tentam desvendar as palavras misteriosas e evitar as temidas casas “perde tudo”. As rodadas vão ficando cada vez mais emocionantes, com desafios crescentes e muita torcida, tanto dentro do estúdio quanto nas redes sociais.

O programa deste domingo promete reviravoltas, momentos hilários e aquela tensão deliciosa que só o Roda a Roda consegue proporcionar. Quem será que vai levar os maiores prêmios da noite? A disputa promete ser acirrada!

💡 Quer participar? É simples!

Além de assistir, você também pode se tornar parte dessa festa! Os consultores Jequiti já participam automaticamente ao fazer seus pedidos, acumulando cupons. E os clientes da marca também têm vez: basta procurar os cupons nas embalagens dos produtos, preencher corretamente com seus dados e enviar para a Caixa Postal 05947-960.

Com um pouco de sorte, você pode ser um dos sortudos que vão rodar a roda ao vivo no palco mais disputado da televisão brasileira.

✈️ Tudo pago para São Paulo: viva a experiência do programa

Já pensou em viver a emoção de participar do programa de pertinho? Os escolhidos para o palco do Roda a Roda Jequiti ganham uma viagem com tudo pago para São Paulo, onde passam por uma verdadeira imersão no universo do SBT.

Além de disputar prêmios incríveis, os participantes têm a chance de conhecer os bastidores da TV, fazer novas amizades e se emocionar com a receptividade de Patricia e Rebeca Abravanel, que sempre recebem o público com carinho, simpatia e aquele toque único de humor da família mais amada da televisão.

🏆 Prêmios, alegria e a torcida do Brasil inteiro

O cenário vibrante e colorido do Roda a Roda Jequiti será palco de mais uma noite de disputas acirradas, sorrisos largos e histórias inspiradoras. Mais do que um programa de prêmios, a atração se tornou um momento de encontro para as famílias, que torcem, vibram e se emocionam com cada participante.

Seja pelas barras de ouro, pelos momentos engraçados ou pela esperança estampada no rosto de quem gira a roda, o programa continua sendo um fenômeno de audiência e uma vitrine de oportunidades para quem acredita que a sorte pode bater à porta.

🗓 Anote aí: domingo é dia de girar a sorte!

Não perca: neste domingo, 11 de maio, às 19h, sintonize no SBT para conferir mais uma edição eletrizante do Roda a Roda Jequiti. Comandado por Patricia e Rebeca Abravanel, o programa está recheado de emoções, prêmios valiosos, boas risadas e histórias que vão aquecer seu coração.

Pegue seus cupons, convoque a família, prepare a torcida e embarque nessa roda da sorte — porque o próximo grande vencedor pode ser você!

Sequência confirmada! Guy Ritchie assume continuação de Matador de Aluguel com Jake Gyllenhaal

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Depois de conquistar os assinantes do Prime Video, Matador de Aluguel vai ganhar uma sequência — e com um reforço de peso nos bastidores. O renomado cineasta Guy Ritchie, conhecido por sucessos como Snatch: Porcos e Diamantes (2000), Sherlock Holmes (2009) e O Agente da U.N.C.L.E. (2015), foi escalado para dirigir o novo capítulo da história, segundo apuração da Variety.

Ritchie entra no projeto para substituir Doug Liman, diretor do remake original lançado neste ano. Liman, vale lembrar, demonstrou publicamente sua insatisfação com a decisão da Amazon de lançar o longa direto no streaming, sem exibição nos cinemas. Apesar da polêmica, o filme estrelado por Jake Gyllenhaal surpreendeu com ótima repercussão e audiência, o que pavimentou o caminho para uma sequência — agora sob a batuta de um diretor com estilo marcante e muita experiência em ação.

Ainda não há detalhes sobre a trama do novo longa, nem informações sobre quem mais do elenco original retorna ao lado de Gyllenhaal. Mas é certo que a expectativa está alta, especialmente após o sucesso da nova versão, que deu uma cara moderna ao clássico cult dos anos 1980.

Para quem não lembra, Matador de Aluguel (2024) é uma releitura do longa de 1989 estrelado por Patrick Swayze, um ícone do cinema da época. Na nova versão, Gyllenhaal interpreta Dalton, um ex-lutador do UFC que aceita trabalhar como segurança de um bar violento na Flórida, e acaba se envolvendo em uma rede de perigos, corrupção e ação desenfreada. O remake conseguiu equilibrar homenagem e inovação, entregando cenas de luta intensas, carisma e um bom ritmo narrativo.

Com o talento visual e narrativo de Guy Ritchie à frente do próximo capítulo, os fãs podem esperar sequências ainda mais estilizadas, diálogos afiados e, claro, muita pancadaria coreografada com classe. Resta saber agora se a continuação seguirá no streaming ou se a Amazon, diante do sucesso, vai repensar sua estratégia e levar o filme também para as telonas.

Enquanto novidades não chegam, você pode assistir ao Matador de Aluguel no Prime Video — e começar a se preparar para o que vem por aí. Guy Ritchie promete agitar a franquia!

Martin Lawrence troca o riso pelo medo em “Gaiola Mental”, filme da “Super Tela” deste sábado (02/08)

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Você conhece Martin Lawrence pelas gargalhadas. Pelas caretas em “Vovó… Zona”, pelos gritos e explosões em “Bad Boys”. Mas neste sábado, 2 de agosto de 2025, a Super Tela da Record TV traz uma face quase desconhecida do ator: a do medo. No suspense, o comediante americano abandona o humor para mergulhar em um universo sombrio, onde arte e morte se entrelaçam em um jogo psicológico inquietante.

Com John Malkovich e Melissa Roxburgh no elenco, o longa americano não é só mais um thriller criminal. É uma experiência claustrofóbica sobre obsessão, fé distorcida e a linha tênue entre justiça e loucura. O filme chega à TV aberta dois anos depois de ser redescoberto pelo público nas plataformas digitais — e carrega uma nova camada de interesse: a curiosidade em ver Lawrence em um papel dramático, frio, silencioso.

Entre quadros e cadáveres: o enigma começa

Na trama, uma série de assassinatos estilizados começa a chamar atenção: os corpos surgem em cenas que mais parecem instalações artísticas de horror. São crimes assinados por um imitador, que recria obras macabras inspiradas em um serial killer preso, conhecido como “O Artista”. Para deter essa nova onda de mortes, os detetives Jake Doyle (Lawrence) e Mary Kelly (Roxburgh) decidem recorrer ao próprio assassino original — interpretado com brilhantismo gélido por John Malkovich.

É nesse triângulo de tensão que o filme se desenrola: um veterano cansado, uma investigadora em busca de redenção e um monstro preso, mas longe de estar domado. O resultado é um diálogo constante entre racionalidade e delírio, com cada passo levando os personagens (e o espectador) a um labirinto mental sem saída fácil.

Martin Lawrence, um estranho no ninho sombrio

Lawrence é o elemento surpresa do filme. Sem piadas, sem exageros, sem alívio cômico. Seu detetive Doyle é introspectivo, ferido, alguém que já viu coisas demais e confia de menos. E é justamente por isso que sua presença funciona. O peso da desconfiança está em cada gesto, cada silêncio, cada olhar que não quer se envolver, mas precisa.

Em entrevistas após o lançamento, Lawrence revelou que buscava “um desafio que o tirasse da zona de conforto” e encontrou neste roteiro “um convite para o desconforto”. Missão cumprida. Sua performance é contida, mas firme — e, para muitos fãs, reveladora de um talento ainda inexplorado.

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Malkovich e o vilão que não grita

O grande vilão do filme não grita. Não corre. Não aparece com faca em punho. John Malkovich cria um personagem que aterroriza com pausas, com palavras escolhidas, com teorias que fazem sentido demais. “O Artista” é um assassino culto, que cita versículos bíblicos e compara seus crimes a atos divinos. O tipo de figura que perturba não só pela violência, mas por parecer… logicamente coerente.

Suas conversas com a detetive Mary são como partidas de xadrez verbais, cheias de armadilhas escondidas. E é aí que Melissa Roxburgh brilha: sua personagem entra nesse mundo como quem pisa em terreno sagrado — e cada vez mais contaminado.

Trilha sombria e atmosfera pesada

Gravado no Arkansas, com produção marcada por dificuldades técnicas e protocolos de segurança da pandemia, o filme opta por um visual carregado: luzes frias, sombras constantes, planos fechados e uma trilha sonora que mais provoca calafrios do que emoção. O diretor Mauro Borrelli, conhecido por trabalhos visuais em grandes blockbusters, aqui foca em simbologia: tudo na tela tem um duplo sentido. A cruz em segundo plano, o reflexo no espelho, a pintura rasgada. Nada é gratuito.

Essa estética reforça a sensação de aprisionamento — mental e físico — que envolve os personagens e, de certa forma, também o público. O filme não quer ser confortável. Ele quer que você respire com dificuldade junto com os detetives.

Da rejeição à redenção: o fenômeno do streaming

No lançamento, em 2022, o filme não teve a recepção calorosa que seus produtores esperavam. A crítica foi dura: no Rotten Tomatoes, o índice de aprovação foi de apenas 18%. Muitos apontaram semelhanças óbvias com clássicos do gênero, como “Seven” e “O Silêncio dos Inocentes”, mas sem a mesma sofisticação.

Mas a história não acabou ali. Em 2024, quase do nada, longa-metragem entrou no radar da Netflix e explodiu: alcançou o Top 10 em vários países e acumulou milhões de horas assistidas. O público pareceu finalmente perceber o que o marketing inicial não soube vender: o filme não é uma reinvenção do gênero, mas um retrato curioso da fragilidade humana diante da monstruosidade racional.

Onde assistir?

Se você não viu o longa-metragem nos cinemas ou deixou passar no streaming, agora tem uma nova oportunidade: o suspense vai ao ar neste sábado, às 23h15. É a chance perfeita de conferir gratuitamente uma trama intensa e cheia de reviravoltas, direto da sua televisão. E, caso prefira assistir em outro momento, o filme também está disponível para aluguel digital no Prime Video, a partir de R$ 14,90, além de outras plataformas de vídeo sob demanda — basta conferir nos catálogos da sua operadora ou serviço favorito.

O filme vale a pena?

É verdade: “Gaiola Mental” não inventa a roda. Mas não precisa. Seu valor está no que ele provoca: a curiosidade de ver um comediante em sua versão mais soturna, o desconforto diante de um vilão que fala com calma demais, e aquela sensação de que a arte pode ser tão perigosa quanto uma arma.

David Garrett lança “Millennium Symphony” e anuncia turnê mundial com show em São Paulo

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David Garrett é um nome que há muito transcende o universo clássico para se tornar sinônimo de inovação, talento e ousadia musical. Ao longo de mais de 30 anos de carreira, ele tem sido um dos raros artistas a atravessar fronteiras entre estilos musicais, conquistando fãs tanto nas salas de concerto quanto nas maiores arenas do mundo. Agora, o violinista alemão lança seu mais audacioso projeto até hoje: o álbum Millennium Symphony, que transforma os maiores hits dos últimos 25 anos em verdadeiras sinfonias contemporâneas.

Mais do que um lançamento discográfico, essa obra marca o início de uma nova fase para Garrett, que acaba de firmar um contrato global com a gigante Live Nation, garantindo uma turnê mundial em arenas — um verdadeiro espetáculo visual e sonoro que promete revolucionar a forma como o violino é apresentado ao público. A América Latina está no roteiro, com shows confirmados no México, Peru, Argentina, Brasil e Colômbia.

Para os fãs brasileiros, a expectativa é ainda maior, pois São Paulo receberá o artista e sua banda no dia 30 de novembro, na moderna Suhai Music Hall. Os ingressos já estão disponíveis, com opções que facilitam a compra, incluindo parcelamento sem juros e bilheteria oficial sem taxa de conveniência, garantindo acessibilidade para o público.

Garrett construiu uma carreira marcada pela busca constante de novas linguagens musicais. Com 17 álbuns lançados e dezenas de hits nas paradas europeias e americanas, ele não é apenas um violinista clássico, mas um verdadeiro camaleão da música. Seus álbuns Rock Symphonies e cinco trabalhos consecutivos de música clássica alcançaram o topo das listas, revelando sua capacidade única de conectar públicos variados.

A popularidade de Garrett é impressionante: mais de cinco milhões de CDs vendidos, 5,6 bilhões de streams e cerca de 1.600 shows pelo mundo, que já encantaram mais de quatro milhões de pessoas. Isso faz dele um dos artistas solo mais vendidos e assistidos na atualidade, mesclando a técnica apurada do violino clássico com a energia e o ritmo da música popular.

O conceito do Millennium Symphony é audacioso e inovador. Garrett reinventa sucessos de artistas globais como Taylor Swift, Rihanna, Ed Sheeran, The Weeknd e David Guetta, trazendo-os para um cenário sinfônico grandioso e moderno. É uma celebração dos últimos 25 anos da música pop, contada por meio de arranjos orquestrais envolventes e a técnica virtuosa do violinista.

O show ao vivo, portanto, será muito mais do que uma simples apresentação: será uma experiência imersiva, onde a paixão pela música se une à inovação tecnológica, criando uma atmosfera única para o público. Garrett promete surpreender tanto os fãs de música clássica quanto aqueles que acompanham os hits do pop contemporâneo, quebrando barreiras e convidando todos a celebrar a música em sua forma mais vibrante.

Em São Paulo, a noite do dia 30 de novembro promete ser inesquecível, com um artista que continua a redefinir o papel do violino no cenário mundial e a inspirar gerações com sua habilidade de contar histórias musicais de forma emocionante e original.

Dollhouse | Shinobu Yaguchi estreia no terror japonês com suspense psicológico intenso

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Esdras Ribeiro
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Nesta quinta-feira, 6 de novembro, o público brasileiro poderá conhecer Dollhouse, o primeiro filme de terror do diretor Shinobu Yaguchi. Conhecido por comédias como Waterboys e Swing Girls, Yaguchi se aventura no universo do J-Horror com uma história que mistura suspense, perda e obsessão, oferecendo uma experiência intensa e perturbadora para os fãs do gênero.

O filme acompanha Kae Suzuki, uma mãe que ainda carrega a dor pela morte da filha de cinco anos, Mei. Durante uma visita a um mercado de antiguidades, ela encontra uma boneca assustadoramente parecida com a menina e, em sua solidão, começa a tratá-la como se fosse um membro da família. A princípio, o objeto parece trazer conforto, mas o que seria um refúgio emocional rapidamente se transforma em fonte de tensão.

Com o nascimento da segunda filha de Kae, Mai, a boneca começa a ser esquecida, mas estranhos acontecimentos passam a assombrar a casa. Aya, como a boneca é chamada, mostra-se resistente a qualquer tentativa de ser afastada, transformando o cotidiano da família em uma experiência de terror psicológico. Entre sustos e acontecimentos inexplicáveis, o longa-metragem explora os limites entre memória, culpa e o medo do desconhecido.

O diretor Shinobu Yaguchi comenta que sempre foi fascinado por histórias de medo e queria criar um filme que prendesse a atenção do público do começo ao fim. “Quis transformar a experiência do cinema em um verdadeiro parque de diversões de terror. Meu objetivo é que, ao sair da sessão, o público sinta aquele arrepio e diga: ‘Ainda bem que foi só um filme’”, declarou.

Além do suspense, o filme se destaca pela produção cuidadosa: a trilha sonora de Yaffle, combinada com a música tema “Katachi” da banda Zutomayo, intensifica a atmosfera perturbadora, enquanto o elenco — liderado por Masami Nagasawa, Koji Seto e Aoi Ikemura — entrega performances que equilibram emoção e tensão de forma impressionante.

Dollhouse estreia em várias cidades do Brasil, incluindo São Paulo, Campinas, Rio de Janeiro, Salvador, Brasília, Goiânia, Curitiba e Boa Vista, e será exibido em japonês com legendas em português. A duração de 110 minutos garante tempo suficiente para que o público mergulhe na história sem alívio, vivenciando cada momento de suspense e ansiedade.

Steal ganha trailer intenso e promete suspense psicológico no Prime Video

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Esdras Ribeiro
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A Prime Video divulgou o primeiro trailer de Steal, sua nova série de suspense que promete tensão psicológica, jogos de poder e um roubo bilionário no centro da narrativa. A produção estreia no dia 21 de janeiro de 2026, com todos os seis episódios disponíveis de uma só vez no catálogo da plataforma.

Protagonizada por Sophie Turner, conhecida mundialmente por viver Sansa Stark em Game of Thrones, a série acompanha Zara, funcionária de uma poderosa empresa de investimentos ligada a fundos de pensão. O que começa como uma rotina corporativa aparentemente comum se transforma em um pesadelo quando a personagem é forçada a colaborar com uma equipe de criminosos que invade a instituição para executar um assalto de proporções bilionárias. Presa entre a lealdade profissional, o medo e a sobrevivência, Zara se torna peça-chave em um plano perigoso e imprevisível.

Do outro lado da história está Rhys, interpretado por Jacob Fortune-Lloyd (O Gambito da Rainha), um inspetor-chefe da polícia encarregado de liderar a investigação do crime. Obsessivo e meticuloso, o personagem mergulha profundamente no caso enquanto enfrenta uma batalha pessoal: uma recaída em seu antigo vício por jogos de azar, o que ameaça tanto sua carreira quanto sua estabilidade emocional. A série explora como decisões impulsivas podem ser tão destrutivas quanto crimes planejados.

O elenco de Steal é liderado por Sophie Turner, que ganhou projeção internacional ao interpretar Sansa Stark em Game of Thrones, papel que a acompanhou ao longo de oito temporadas. No cinema, a atriz também se destacou como Jean Grey na franquia X-Men (X-Men: Apocalipse e X-Men: Fênix Negra), além de atuar em produções como “Do Revenge” (Netflix) e “Heavy”, reforçando sua versatilidade entre o drama e o suspense.

Ao lado dela está Archie Madekwe, ator em ascensão que chamou atenção em “Midsommar”, “Gran Turismo: De Jogador a Corredor”, “Saltburn” e na série “See”, da Apple TV+. Já Jacob Fortune-Lloyd, que interpreta o inspetor-chefe Rhys, ficou conhecido por seu trabalho como Townes em O Gambito da Rainha, além de participações em séries como “Industry”, “Medici” e “Wolf Hall”.

A direção e produção de parte dos episódios ficam a cargo de Sam Miller, conhecido por seu trabalho em séries como Luther e I May Destroy You. As filmagens tiveram início em maio de 2024, em Londres, reforçando a atmosfera urbana e sofisticada que o trailer já antecipa.

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