Euphoria | Quando estreia o terceiro episódio da 3ª temporada e o que esperar dos próximos capítulos

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Cena da série "Euphoria". Foto: Reprodução/ HBO Max

A terceira temporada de Euphoria já está em exibição e voltou a movimentar o público com sua narrativa intensa, personagens complexos e estética marcante. Depois de um longo período de incertezas e adiamentos nos bastidores, a produção criada por Sam Levinson finalmente ganhou continuidade, trazendo novos desdobramentos para a história que conquistou uma geração.

Quando estreia o próximo episódio da 3ª temporada?

Seguindo o cronograma oficial, a terceira temporada terá oito episódios. Após a estreia e o lançamento do segundo capítulo no dia 26 de abril, o terceiro episódio está previsto para chegar no domingo seguinte, mantendo o horário padrão das 22h (horário de Brasília).

Quem faz parte do elenco principal?

O novo ano mantém boa parte do elenco que ajudou a consolidar o sucesso da série. Zendaya retorna como Rue Bennett, personagem central que segue lidando com conflitos internos e desafios relacionados à dependência química.

Ao seu lado, Hunter Schafer volta como Jules Vaughn, enquanto Jacob Elordi reprisa o papel de Nate Jacobs, mantendo a tensão dramática que envolve seu personagem.

Outros nomes importantes seguem na trama, como Sydney Sweeney (Cassie Howard), Alexa Demie (Maddy Perez) e Maude Apatow (Lexi Howard). O elenco também conta com Eric Dane, Austin Abrams e Dominic Fike, ampliando as possibilidades narrativas.

Por que a terceira temporada demorou tanto para chegar?

A demora entre as temporadas chamou atenção dos fãs e foi resultado de uma combinação de fatores. A produção enfrentou dificuldades logísticas, conflitos de agenda entre os atores e ajustes criativos no roteiro.

Inicialmente planejada para estrear bem antes, a nova temporada acabou sendo adiada diversas vezes. Em determinado momento, o projeto chegou a ficar indefinido, com o elenco liberado para assumir outros compromissos profissionais.

As gravações só foram iniciadas em fevereiro de 2025, o que impactou diretamente o calendário de lançamento. Apesar do atraso, a equipe optou por manter o padrão de qualidade da série, evitando uma produção apressada.

O que esperar da nova fase da história?

A terceira temporada marca uma possível virada na narrativa. Há indícios de que a trama avança no tempo, mostrando personagens em fases diferentes de suas vidas e enfrentando consequências mais concretas de suas escolhas.

Rue deve continuar sendo o eixo emocional da história, enquanto outros personagens ganham mais profundidade em seus arcos. Relações conturbadas, crises pessoais e decisões difíceis seguem como elementos centrais.

A série também deve manter sua abordagem direta sobre temas delicados, como saúde mental, vícios e relacionamentos tóxicos, sem suavizar o impacto das situações apresentadas.

Quem está por trás da produção?

Nos bastidores, a produção segue liderada por Sam Levinson, que continua responsável pela identidade criativa da série. A equipe técnica reúne profissionais que já trabalharam nas temporadas anteriores, garantindo consistência estética.

Ao mesmo tempo, novos nomes foram incorporados, contribuindo para expandir a linguagem visual e narrativa da série. Esse equilíbrio entre continuidade e renovação é visto como essencial para manter o interesse do público após um hiato prolongado.

Onde assistir aos novos episódios?

Os episódios inéditos são exibidos semanalmente na HBO e liberados no mesmo dia na HBO Max. No Brasil, o público acompanha tudo simultaneamente com a exibição original, o que fortalece o engajamento em tempo real.

Temperatura Máxima 10/12/2023 Tomb Raider – A Origem

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No próximo domingo, dia 10/12/2023, os cinéfilos estão convidados a se entregarem a uma tarde eletrizante com a exibição do filme “Tomb Raider – A Origem” na renomada programação da Temperatura Máxima da Rede Globo. Este épico cinematográfico, lançado em 2018 e estrelado pelos talentosos Walton Goggins, Alicia Vikander, Dominic West e Daniel Wu, promete mergulhar o público em uma trama repleta de mistérios e descobertas.

O enredo gira em torno da protagonista Lara Croft, magistralmente interpretada por Alicia Vikander, uma jovem independente de 21 anos e filha de um empresário milionário que misteriosamente desapareceu durante sua adolescência. Apesar de levar uma vida modesta percorrendo as ruas de Londres em sua bicicleta, Lara evita grandes ambições, envolvendo-se apenas ocasionalmente em situações conflituosas.

Determinada a forjar seu próprio destino, Lara recusa-se a assumir o império global deixado por seu pai, Lord Richard Croft (Dominic West), e mantém a esperança de que ele ainda está vivo. Após sete anos lidando com a ausência paterna, ela se sente compelida a desvendar o mistério por trás de sua misteriosa morte.

Ao considerar assumir o controle das empresas deixadas por seu pai para evitar a perda da mansão repleta de lembranças, Lara depara-se com uma descoberta surpreendente. Ela desvenda um segredo que pode revelar o verdadeiro paradeiro de Richard: uma enigmática ilha na costa do Japão. Para embarcar nessa jornada desafiadora, Lara conta com a colaboração de Lu Ren (Daniel Wu), filho do dono do barco que levou seu pai para a misteriosa ilha e que também desapareceu nas águas japonesas.

Curiosidades do filme Tomb Raider – A Origem “Tomb Raider – A Origem” é uma produção cinematográfica de 2018 que explora as raízes da icônica personagem dos videogames, Lara Croft. Dirigido por Roar Uthaug e estrelado por Alicia Vikander, o filme representa uma adaptação inspirada no reboot da série de jogos “Tomb Raider” lançado em 2013, apresentando uma Lara Croft mais jovem e vulnerável antes de se tornar a aventureira destemida conhecida mundialmente.

A dedicação de Alicia Vikander para o papel foi notável, envolvendo um treinamento físico intenso que incluiu aulas de artes marciais, escalada, natação e levantamento de peso. Essa dedicação contribuiu para a autenticidade de sua interpretação, capturando a essência da personagem.

O filme incorpora elementos marcantes dos jogos, incluindo quebra-cabeças desafiadores que são parte integral da experiência “Tomb Raider”. A trama se desenrola com uma abordagem semelhante aos jogos, onde Lara Croft é impelida a resolver enigmas para avançar na história.

Uma cena memorável envolve a dramática quebra de um avião, uma sequência espetacular que tem suas raízes no mundo dos jogos, adicionando uma dimensão emocionante à narrativa. Esta sequência específica exemplifica como o filme captura a essência da experiência “Tomb Raider”.

A escolha de locações reais, com grande parte das filmagens realizadas na África do Sul, contribui para a autenticidade visual do filme. As paisagens deslumbrantes e desafiadoras proporcionam um pano de fundo impressionante para as cenas de ação e aventura.

Além disso, a trama explora a motivação intrínseca de Lara Croft, aprofundando sua relação com seu pai, interpretado por Dominic West. A busca por respostas em torno do desaparecimento do pai é o catalisador que a leva a se aventurar em terras desconhecidas, enfrentando perigos e desafios para descobrir a verdade.

Quanto ao visual da personagem, o filme optou por um traje mais prático e realista em comparação com os trajes clássicos dos jogos anteriores, refletindo uma interpretação contemporânea e coerente com a atmosfera mais realista da narrativa.

A trilha sonora, composta por Junkie XL, acrescenta uma camada adicional de intensidade e emoção ao filme. O renomado compositor, conhecido por seus trabalhos em produções de grande orçamento, contribui para a atmosfera envolvente da história.

Embora “Tomb Raider – A Origem” tenha recebido críticas mistas, a performance notável de Alicia Vikander como Lara Croft e a atenção aos elementos característicos dos jogos contribuíram para uma adaptação cinematográfica que agradou aos fãs e trouxe a personagem de volta aos holofotes de maneira marcante.

Horário de exibição da Temperatura Máxima A emocionante conclusão desta aventura promete desvendar segredos que o mundo preferiria manter ocultos. Não perca a oportunidade de testemunhar essa jornada épica de Lara Croft em busca da verdade e dos mistérios que envolvem o legado de seu pai. Reserve o horário: próximo domingo, às 12h30, durante a Temperatura Máxima, na Rede Globo. Prepare-se para uma experiência cinematográfica que irá cativar e surpreender.

Saiba qual filme vai passar na Sessão da Tarde desta quinta, 15 de janeiro, na TV Globo

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A Sessão da Tarde desta quinta-feira, 15 de janeiro de 2026, promete emocionar o público com a exibição de O Segredo: Ouse Sonhar, um drama romântico que aposta na força da esperança, da fé e na ideia de que nossos pensamentos podem influenciar profundamente os rumos da vida. Inspirado no livro O Segredo, fenômeno editorial mundial, o filme chega à programação da TV Globo como uma opção leve e reflexiva para a tarde, ideal para quem busca uma história acolhedora e cheia de mensagens positivas.

Dirigido por Andy Tennant, o longa apresenta uma narrativa simples, porém carregada de emoção, que dialoga diretamente com o público que acompanha a tradicional faixa vespertina da emissora. Com um elenco conhecido e uma proposta espiritualizada, o filme convida o espectador a desacelerar, refletir e acreditar que mudanças podem acontecer mesmo nos momentos mais difíceis.

Uma protagonista marcada pela perda

A história gira em torno de Miranda Wells, interpretada por Katie Holmes. Ela é uma mulher que tenta reconstruir sua vida após a morte do marido, enquanto enfrenta o desafio de criar sozinha seus três filhos. Miranda vive em constante tensão, dividida entre o luto ainda presente, as dificuldades financeiras e o medo de não conseguir oferecer estabilidade emocional e material à família.

A situação se agrava quando uma forte tempestade atinge sua casa, causando danos estruturais que ela não tem condições de consertar sozinha. É nesse momento de vulnerabilidade que surge a oportunidade para uma transformação inesperada em sua vida.

Um encontro que muda tudo

Para resolver os problemas causados pela tempestade, Miranda contrata Bray Johnson, vivido por Josh Lucas, um trabalhador manual aparentemente comum, mas que carrega uma visão de mundo profundamente otimista. Durante os dias em que passa consertando a casa, Bray vai além do trabalho físico e começa a compartilhar com Miranda e seus filhos sua filosofia de vida.

Ele acredita que o universo responde aos pensamentos e sentimentos que emitimos e que acreditar de verdade em algo pode ser o primeiro passo para torná-lo real. Aos poucos, suas palavras e atitudes começam a provocar mudanças sutis, mas significativas, no ambiente da casa e na forma como Miranda encara seus próprios problemas.

O relacionamento entre os dois se desenvolve de maneira gradual, sem pressa, respeitando o tempo emocional da protagonista. Mais do que um romance imediato, o filme constrói uma conexão baseada na escuta, na empatia e no incentivo à autoconfiança.

A lei da atração como mensagem central

O grande eixo temático de O Segredo: Ouse Sonhar é a chamada lei da atração, conceito que se tornou popular a partir do livro de Rhonda Byrne. No filme, essa ideia é apresentada de forma acessível e cotidiana, sem discursos grandiosos ou explicações complexas. Bray demonstra, por meio de exemplos simples, como pensamentos negativos podem limitar escolhas, enquanto a fé e a gratidão ajudam a enxergar novas possibilidades.

O roteiro não se aprofunda em debates teóricos ou científicos, mas aposta na emoção e na identificação do público com situações reais, como o medo de recomeçar, a dificuldade de confiar novamente e a sensação de que a vida perdeu o rumo após uma grande perda. Essa abordagem torna o filme especialmente próximo do espectador comum, que encontra na história um espelho de suas próprias inseguranças.

Atuações que sustentam a emoção

Katie Holmes entrega uma atuação sensível e contida, transmitindo com naturalidade a exaustão emocional de uma mulher que tenta se manter forte diante dos filhos. Sua interpretação evita exageros e aposta em pequenos gestos e olhares, o que contribui para a atmosfera intimista do filme.

Josh Lucas, por sua vez, confere a Bray uma serenidade quase reconfortante. Seu personagem funciona como um ponto de equilíbrio dentro da narrativa, alguém que não impõe suas crenças, mas as compartilha com gentileza. Jerry O’Connell completa o elenco principal em um papel de apoio que adiciona leveza e dinamismo à trama.

Direção clássica e clima acolhedor

Sob o comando de Andy Tennant, o filme adota uma linguagem visual simples e eficiente. A fotografia prioriza tons quentes e iluminação suave, reforçando a sensação de conforto e segurança que a história busca transmitir. A trilha sonora acompanha esse clima, surgindo de forma discreta e emocionalmente precisa, sem se sobrepor às cenas.

O ritmo é calmo, permitindo que o espectador se envolva com os personagens e absorva a mensagem aos poucos. Essa escolha faz de O Segredo: Ouse Sonhar um filme ideal para a televisão aberta, especialmente para a Sessão da Tarde, que tradicionalmente aposta em histórias que emocionam sem exigir grande esforço do público.

Um lançamento impactado pela pandemia

A trajetória do filme fora das telas de TV também chama atenção. Em novembro de 2019, as distribuidoras Roadside Attractions e Gravitas Ventures adquiriram os direitos de distribuição do longa. A estreia nos cinemas estava prevista para abril de 2020, mas foi cancelada devido à pandemia de COVID-19, que fechou salas de cinema em todo o mundo.

Diante do cenário de incertezas, a produção acabou sendo lançada diretamente em vídeo sob demanda em julho de 2020. Mesmo sem passar pelos cinemas, o filme obteve resultados expressivos nas plataformas digitais, figurando entre os títulos mais alugados em serviços como FandangoNow, Apple TV e iTunes Store durante suas primeiras semanas.

Onde assistir além da TV Globo

Além da exibição na Sessão da Tarde, O Segredo: Ouse Sonhar pode ser assistido atualmente no Prime Video, por meio de aluguel digital, com valores a partir de R$ 11,90. Essa opção é ideal para quem deseja rever o filme ou assisti-lo em outro horário, no próprio ritmo.

Netflix cancela Montando a Banda após uma temporada e encerra reality que marcou a última participação de Liam Payne

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A Netflix decidiu não seguir com uma segunda temporada de Montando a Banda, reality musical lançado em julho de 2025. A produção chegou ao catálogo com uma proposta diferente da maioria dos programas do gênero, mas teve vida curta e foi encerrada após seu primeiro ano.

Criado pela produtora Remarkable Entertainment, do grupo Banijay UK, o programa foi anunciado pela Netflix em maio de 2024 e reuniu artistas ligados a algumas das maiores bandas pop das últimas décadas. O comando ficou com AJ McLean, dos Backstreet Boys. O time de jurados contou com Liam Payne, ex-One Direction, Kelly Rowland, do Destiny’s Child, e Nicole Scherzinger, ex-Pussycat Dolls.

O formato colocava 50 cantores em uma seleção na qual a voz era o único critério na fase inicial. Cada participante se apresentava isolado em uma cabine, sem contato visual com os demais competidores. Depois das apresentações, os artistas distribuíam dez curtidas para aqueles com quem gostariam de formar uma banda.

Os candidatos que recebiam menos de cinco curtidas, ou que dependiam exclusivamente de votos de participantes eliminados, deixavam a disputa ainda na primeira etapa. Ao final desse processo, seis grupos eram formados.

Os integrantes só se encontravam pessoalmente depois da definição das bandas. A competição seguia com ensaios, apresentações e eliminações sucessivas até restar apenas um grupo vencedor, que recebia um prêmio de US$ 500 mil.

As gravações aconteceram durante o verão de 2024. A etapa final foi registrada em Manchester no fim de agosto daquele ano. Pouco tempo depois, em outubro, Liam Payne morreu aos 31 anos, antes mesmo da estreia do reality.

A morte do cantor levantou dúvidas sobre o lançamento da produção. A Netflix chegou a avaliar o futuro do programa, mas decidiu manter a estreia após conversar com a família de Payne. A plataforma optou por preservar sua participação, considerada um dos últimos registros profissionais do artista.

Os episódios foram disponibilizados entre os dias 9 e 23 de julho de 2025. O encerramento da temporada coincidiu com os 15 anos da formação do One Direction, data que deu um significado ainda maior ao último trabalho de Payne na televisão.

Embora tenha despertado curiosidade pelo formato e pelo elenco de jurados, Montando a Banda não alcançou desempenho suficiente para continuar. A Netflix não divulga os critérios específicos utilizados em suas renovações, mas fatores como audiência, retenção de público e custo de produção costumam influenciar essas decisões.

Os SUPERtontos | Final explicado da série da Netflix revela origem sombria dos poderes e destino da cidade de Haeseong

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A primeira temporada de Os SUPERtontos chega ao fim com uma virada que reorganiza completamente o sentido da história. O que parecia uma comédia de superpoderes descontrolados se transforma em uma narrativa mais sombria, centrada na origem dos experimentos humanos e no risco de destruição total da cidade de Haeseong.

Ao longo dos episódios finais, os personagens principais Chae-ni, Ro-bin e Gyeong-hun deixam de ser apenas moradores afetados por habilidades aleatórias e passam a enfrentar diretamente o responsável por tudo o que aconteceu. O cientista Won-bin retorna ao centro da trama como a peça-chave de um experimento que conecta passado e presente de forma explosiva.

O que realmente estava acontecendo em Haeseong?

A reta final da série revela que os superpoderes surgiram a partir de experimentos conduzidos décadas antes por Won-bin, um cientista que sequestrou crianças para testar formas de criação de humanos modificados. Esses testes foram extremamente perigosos e, em muitos casos, resultaram em mortes ou sequelas permanentes.

Entre essas experiências estava Un-jeong, uma das crianças envolvidas nos projetos antigos. A série sugere que parte dos personagens que vemos no presente são consequências diretas desse laboratório, que nunca foi totalmente encerrado, apenas escondido.

Essa revelação muda completamente a forma como os poderes são entendidos dentro da narrativa. Eles deixam de ser algo aleatório e passam a ser o resultado de um projeto contínuo de manipulação humana.

Por que o soro muda tudo no final da temporada?

O ponto de maior tensão surge quando é descoberto que Won-bin desenvolveu um novo soro capaz de conceder superpoderes em massa. O problema é que o processo não é estável e pode matar parte da população durante a transformação.

Esse soro é construído a partir de elementos ligados diretamente ao passado dos experimentos, incluindo o “Coração Eterno”, estrutura biológica associada a Chae-ni. Isso conecta o presente da protagonista ao início de toda a pesquisa do cientista, tornando-a peça central do desfecho.

A ameaça de espalhar esse soro por toda a cidade de Haeseong transforma o conflito em algo muito maior do que a luta entre heróis e vilão. Agora, a própria população está em risco de ser transformada ou eliminada.

Como os protagonistas mudam no final da história?

Chae-ni, Ro-bin e Gyeong-hun deixam de atuar de forma desorganizada e passam a assumir uma posição ativa na tentativa de impedir o plano do cientista. O grupo, que antes era marcado por confusão e instabilidade, passa a funcionar como última linha de defesa da cidade.

Essa mudança acontece principalmente após a descoberta de que os poderes que eles possuem não são acidentes isolados, mas parte de uma cadeia de experimentos antigos. Isso dá aos personagens um senso de responsabilidade que não existia no início da série.

Mesmo assim, a série não transforma os protagonistas em heróis clássicos. Eles continuam lidando com limitações, erros e decisões impulsivas, o que mantém o tom instável da narrativa até o último episódio.

O que acontece com Won-bin no desfecho?

No final da temporada, Won-bin finalmente coloca em prática seu plano de transformar Haeseong em um grande experimento coletivo. Ele acredita que o soro representa uma evolução inevitável da humanidade, mesmo que isso custe vidas no processo.

A execução do plano provoca o colapso total da cidade, forçando os protagonistas a agir de forma imediata para impedir a disseminação do composto. A série sugere que o cientista não enxerga suas ações como cruéis, mas como parte de um projeto maior de “evolução controlada”.

Essa visão distorcida da realidade reforça o contraste entre ele e os personagens principais, que lutam não apenas pela sobrevivência, mas pela preservação da própria identidade humana.

Qual é o significado do final de Os SUPERtontos?

O encerramento da temporada deixa claro que o verdadeiro conflito da série não é apenas a luta contra um vilão, mas o impacto irreversível da manipulação científica sobre pessoas comuns. Os poderes deixam de ser vistos como algo divertido ou desejável e passam a ser uma consequência perigosa de experimentos não éticos.

A destruição iminente de Haeseong funciona como metáfora para um sistema que saiu do controle, onde decisões do passado continuam afetando o presente de forma irreversível. Mesmo após impedir parte do plano, os personagens percebem que os efeitos dos experimentos não podem ser completamente apagados.

O que fica em aberto para uma possível continuação?

O final não encerra totalmente as consequências dos eventos, deixando claro que o mundo de Os SUPERtontos ainda pode evoluir em novas direções. A existência do soro e os efeitos dos poderes nos protagonistas sugerem que Haeseong ainda está longe de encontrar estabilidade.

Resumo semanal Amor Perfeito 15/09/2023 a 23/09/2023

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amor perfeito

Abaixo, fique por dentro de todos os acontecimentos da próxima semana na emocionante trama de Amor Perfeito, que está programada para ir ao ar às 18h30 na TV Globo de 15/09/2023 a 23/09/2023. Prepare-se para mergulhar ainda mais fundo nas reviravoltas, paixões avassaladoras e intrigas que prometem manter os telespectadores ligados a cada episódio.

Amor Perfeito: Resumo da semana 15 de setembro a 16 de setembro de 2023

Resumo da novela Amor Perfeito de sexta-feira, 15/09/2023 –

Marê fica emocionada ao ver Catarina. Gilda insiste que Benedita repita seu depoimento ao delegado. Silvio e Laura têm uma discussão acalorada, resultando na expulsão de Silvio do quarto do hotel por Wanda. Ione não consegue resistir a Sansão. Anselmo reage com ciúmes ao ver Cândida ser ovacionada ao chegar no Café-Concerto. Beto Pandeiro compartilha com Marê, Júlio e Orlando o que testemunhou no dia do assassinato de Leonel, mas se recusa a depor. Marcelino conversa com Jesus. Júlio decide falar novamente com Beto Pandeiro antes do julgamento. Gaspar fica tenso com a torcida de Cândida pela absolvição de Marê. Odilon encontra um documento que incrimina Gilda. Gilda faz declarações contra Marê em frente ao fórum. O julgamento de Marê começa.

Resumo da novela Amor Perfeito de sábado, 16/09/2023 –

Gaspar é a primeira testemunha a depor contra Marê. Leonel fica furioso com o depoimento de Gilda. Marê fica tensa com o depoimento de Albuquerque. Gilda induz Silvio a protestar contra as perguntas que Júlio faz a Benedita. Todos os presentes ficam surpresos com o depoimento de Madame Chantily. Silvio e Júlio trocam insultos e são repreendidos pelo Juiz. Leonel começa a lembrar do passado durante o julgamento. Silvio tenta difamar Catarina. Gilda passa mal, e Silvio é afastado do julgamento após o depoimento de Laura. Júlio interroga Beto Pandeiro. Frei Severo fica preocupado com o estado de Leonel. Norberto Carreira é chamado para depor. Leonel se recorda do crime e acusa Gilda de tê-lo baleado.

Amor Perfeito: Resumo da semana 18 de setembro a 23 de setembro de 2023

Resumo da novela Amor Perfeito de segunda-feira, 18/09/2023 –

O juiz convoca Leonel para depor, e o empresário acusa Gilda de tentar assassiná-lo. Gilda é presa, e todos ficam chocados com as revelações de Leonel. Marê celebra sua liberdade com Orlando e Marcelino. Gaspar decide deixar a cidade, e Cândida confronta Anselmo sobre sua cumplicidade nos crimes do filho. Wanda pede que Silvio saia de sua casa, e Laura apoia a mãe. Marcelino pede a Orlando e Marê que se casem para que possam adotá-lo. Justino surpreende a família com sua nova vida. Leonel retorna à mansão. Com a ajuda de Júlio, Sônia revela a Marê e Orlando que seu filho pode estar vivo.

Resumo da novela Amor Perfeito de terça-feira, 19/09/2023 –

Sônia compartilha sua história com Orlando e Marê, que estão incertos sobre perdoá-la. Cândida se culpa pelo comportamento de Gaspar. Silvio se muda de casa. Tânia diz a Justino que deseja se formar antes de se casar com ele. Júlio e Aparecida confortam Sônia. Marê suspeita que Marcelino possa ser Ângelo e decide procurar Rosa. Sônia entrega sua carta de demissão a Marê. Após descobrir que Ademar abandonou seu filho com Sônia, Ione termina seu casamento. Leonel humilha Gilda. Marê e Orlando concluem que Ângelo é Marcelino. Eles revelam a Marcelino que são seus pais. Leonel fica emocionado ao saber que Marcelino é seu neto e pede perdão a Orlando e Marê.

Resumo da novela Amor Perfeito de quarta-feira, 20/09/2023 –

Resumo do capítulo não divulgado.

Resumo da novela Amor Perfeito de quinta-feira, 21/09/2023 –

Penúltimo capítulo não divulgado.

Resumo da novela Amor Perfeito de sexta-feira, 22/09/2023 –

Último capítulo não divulgado.

Resumo da novela Amor Perfeito de sábado, 23/09/2023 –

Reprise do último capítulo.

O resumo semanal da novela Amor Perfeito é de total responsabilidade da emissora, estando sujeito a possíveis mudanças na exibição. Fique ligado para acompanhar os próximos capítulos repletos de emoções, reviravoltas e segredos revelados.

No Fantástico deste domingo (22), Felca estreia quadro “Sobre Nós” e discute saúde mental e relações sociais

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Neste domingo, 22 de março, o Fantástico, da TV Globo, apresenta a estreia do quadro “Sobre Nós”, conduzido pelo influenciador digital Felca. A novidade marca o início de uma série de seis episódios que traz à tona discussões sobre saúde mental, emoções e relações sociais, temas que afetam diretamente milhões de famílias brasileiras.

A cada episódio, Felca se aproxima do público de maneira íntima e acessível, misturando entrevistas com especialistas, simulações de situações cotidianas e cenas dramatizadas que ilustram os desafios enfrentados por pessoas que lidam com questões emocionais. A proposta é criar um diálogo que seja ao mesmo tempo educativo e acolhedor, permitindo que o espectador se identifique com os relatos apresentados.

No episódio de estreia, o foco é a ansiedade social. Felca se coloca em cenários nos quais se sente observado e julgado, reproduzindo experiências comuns a quem enfrenta essa condição. A partir dessas dramatizações, especialistas explicam os sinais, causas e formas de tratamento da ansiedade social, oferecendo ferramentas práticas para que os espectadores possam reconhecer e lidar com a situação no dia a dia.

O influenciador explica que o quadro tem forte ligação com sua própria trajetória pessoal. “Esse projeto surgiu da minha experiência. Ele reflete o que senti e consegui superar com ajuda da terapia. Foi quase como revisitar minha própria vida e compartilhar aprendizados com os outros”, afirma Felca. Ele também destaca que escolheu tratar apenas de temas com os quais se identifica profundamente, para que o conteúdo seja verdadeiro e relevante.

Além da ansiedade social, “Sobre Nós” vai abordar outros aspectos do cotidiano emocional e social, como autoestima, comunicação interpessoal, depressão, pressões digitais e isolamento. Cada episódio combina cenas encenadas, depoimentos e orientações de especialistas, criando uma abordagem completa que une informação científica à vivência prática.

A produção destaca a importância de conversar sobre saúde mental e reconhecer quando buscar apoio. Felca reforça: “Falar sobre emoções não é sinal de fraqueza, é uma forma de cuidado. Mostrar nossas dificuldades ajuda a reduzir o estigma e inspira outras pessoas a procurarem ajuda quando necessário.”

O quadro também aposta em recursos audiovisuais que aumentam a empatia do público. As simulações fazem com que os espectadores se coloquem no lugar das situações apresentadas, enquanto os especialistas contextualizam os efeitos emocionais e comportamentais, garantindo que a mensagem seja compreendida de maneira prática e sensível.

Com a estreia de “Sobre Nós”, o Fantástico abre espaço para um debate necessário sobre saúde mental e relações sociais, oferecendo conteúdo educativo que alia entretenimento, reflexão e acolhimento. A série promete inspirar mudanças na forma como famílias e indivíduos lidam com emoções, promovendo autoconhecimento, empatia e cuidado consigo mesmo e com os outros.

Felca se apresenta não apenas como mediador do quadro, mas como alguém que compartilha experiências reais, criando identificação com o público e tornando o programa uma ferramenta de conscientização e aprendizado. Cada episódio pretende reforçar que é possível falar sobre sentimentos, compreender as próprias emoções e buscar ajuda sem medo ou julgamento.

Opinião – Até que ponto os relançamentos no cinema fazem sentido?

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O cinema sempre teve uma relação íntima com a nostalgia. Rever um clássico na tela grande pode ser uma experiência poderosa — uma ponte entre gerações, uma chance de ver o que antes só existia em fitas VHS ou nos catálogos de streaming. No entanto, nos últimos anos, o que antes era um gesto de celebração à história do cinema vem ganhando contornos cada vez mais comerciais. Relançamentos tornaram-se parte da estratégia de marketing das distribuidoras, mas nem sempre com propósito real.

Quando o relançamento faz sentido

Há casos em que o relançamento é justificado, e até bem-vindo. Quando uma franquia está prestes a ganhar uma continuação ou uma nova adaptação, revisitar o filme original pode servir como aquecimento e reforço de contexto. É o caso, por exemplo, de Wicked, que terá seu segundo capítulo lançado em 19 de novembro e, dias antes, verá o primeiro filme retornar aos cinemas. Essa é uma decisão estratégica e compreensível: além de refrescar a memória do público, cria-se uma atmosfera de expectativa e pertencimento, especialmente para os fãs que desejam reviver a experiência no cinema antes da estreia da sequência.

Esse tipo de relançamento cumpre uma função narrativa e comercial legítima — conecta o público com o universo da história, fortalece a marca e valoriza a jornada dos personagens. É diferente de simplesmente empurrar um filme antigo de volta às salas para “preencher” uma janela de programação ou tentar arrancar mais alguns milhões de bilheteria em nome da nostalgia.

O problema da banalização

O que causa incômodo — e até cansaço — é o uso indiscriminado dos relançamentos como ferramenta de lucro rápido. Muitas vezes, o público é convidado a pagar o mesmo preço de um ingresso atual para ver um filme que está disponível em alta definição nas plataformas de streaming, sem qualquer conteúdo adicional ou nova experiência que justifique o retorno à tela grande.

Quando o relançamento perde o sentido artístico e se transforma em produto reciclado, o cinema deixa de ser um espaço de celebração da arte e se torna apenas mais uma vitrine comercial. É o mesmo fenômeno que vemos em outros setores culturais: remakes e reboots feitos às pressas, versões “definitivas” de álbuns e relançamentos de games que, na prática, pouco oferecem de novo.

O público percebe quando há sinceridade e quando há oportunismo. E isso afeta diretamente a credibilidade das distribuidoras — porque o cinema, mesmo sendo uma indústria, ainda é um espaço de emoção, memória e pertencimento. Quando a nostalgia é usada de forma forçada, ela perde a magia.

O impacto sobre o público e o mercado

Outro ponto relevante é o impacto dos relançamentos sobre o calendário cinematográfico. Com cada vez mais estúdios disputando espaço nas salas, o relançamento de títulos antigos pode acabar reduzindo as chances de exibição de produções independentes ou de filmes novos que poderiam conquistar seu público se tivessem mais tempo de tela.

Além disso, a repetição de títulos conhecidos tende a criar uma falsa sensação de sucesso nas bilheteiras, mascarando o fato de que o cinema precisa de renovação — de histórias novas, de vozes diferentes. Relançar ad infinitum o que já deu certo pode até garantir lucro momentâneo, mas não constrói futuro.

Há uma diferença entre celebrar a história do cinema e viver dela. Os grandes clássicos merecem ser revistos, sim — mas dentro de um contexto especial, como aniversários de lançamento, restaurações cuidadosas ou eventos comemorativos. Fora disso, o relançamento perde o caráter de homenagem e se torna apenas uma manobra para “encher sala”.

Quando a nostalgia é bem usada

Existem exemplos inspiradores de relançamentos feitos com propósito. O retorno de “Titanic” aos cinemas, em 2023, por exemplo, marcou o aniversário de 25 anos do filme, com nova remasterização e exibição em 3D. O resultado foi uma experiência aprimorada que respeitou o público e valorizou a obra. Casos assim mostram que o relançamento pode, sim, ter mérito — quando existe um motivo artístico, técnico ou histórico por trás.

Da mesma forma, reexibir clássicos de animação da Disney ou filmes icônicos como “O Senhor dos Anéis” em versões restauradas pode aproximar novas gerações dessas obras, algo que tem valor cultural genuíno. Mas isso é diferente de simplesmente “relançar por relançar”.

Maluma lança “Bronceador” e embala o verão com batida latina quente

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Maluma está de volta. E como só ele sabe fazer: em grande estilo, com calor tropical, romance e ritmo que hipnotiza. Sua nova faixa, “Bronceador”, é mais do que um lançamento musical — é um convite ao prazer, ao sol e ao reencontro com suas origens caribenhas.

Produzida pelos renomados Mad Musick, Ily Wonder e Los Jaycobz, a música é uma explosão de energia latina. Tem sabor de brisa salgada, cheiro de pele bronzeada e o som das ruas quentes de Cartagena, onde o clipe foi filmado — um cartão-postal vivo da alma colombiana. Acompanhado pela modelo internacional Ariadna Gutiérrez, Maluma encena um flerte intenso e visualmente deslumbrante, sob a direção cinematográfica de Cesar Pimienta, o “Tes”.

Mas o que mais chama atenção não é só o ritmo dançante ou o visual de tirar o fôlego. É a vontade de se reconectar com a própria essência. Maluma olha para o mar e enxerga nele não apenas um cenário, mas um espelho. “Bronceador” não é só sobre o verão. É sobre pertencimento.

Juan Luis antes de Maluma

Antes do glamour, dos clipes milionários e dos prêmios internacionais, existia Juan Luis Londoño Arias — um menino de Medellín, nascido em 28 de janeiro de 1994, que dividia seu tempo entre a bola de futebol e o violão.

Durante a infância e adolescência, o futebol era seu primeiro amor. Passou pelas categorias de base do Atlético Nacional e La Equidad, clubes tradicionais da Colômbia. Mas, paralelamente, escrevia músicas, participava de concursos e se emocionava com as reações das pessoas às suas letras.

Aos 15 anos, ao gravar a canção “No Quiero” como presente de aniversário, percebeu que havia algo ali. Algo maior que o esporte. Algo que tocava os outros e a si mesmo de forma profunda. Foi quando nasceu Maluma — um nome criado a partir da combinação dos nomes de sua mãe (Marlli), pai (Luis) e irmã (Manuela). Um tributo silencioso à base de tudo: a família.

A partir de 2010, Maluma começou a dar passos firmes na indústria. O single “Farandulera” ganhou as rádios locais e logo chamou a atenção da Sony Music Colômbia. Em pouco tempo, vieram “Loco”, “Obsesión”, e hits como “La Temperatura”, com Eli Palacios, que abriu as portas da América Latina.

O primeiro álbum, Magia (2012), consolidou sua imagem de galã latino de voz suave e ritmo envolvente. Já Pretty Boy, Dirty Boy (2015) foi o divisor de águas: um trabalho onde Maluma assumia sem pudores sua dualidade — o lado romântico e o sedutor. Foi ali que o mundo passou a reconhecê-lo como um dos principais nomes da nova música latina.

Da glória às críticas — e o amadurecimento

Nem só de aplausos se faz uma carreira. Em meio ao sucesso estrondoso, vieram também as polêmicas. A letra de “Cuatro Babys” (2016) foi duramente criticada por associações feministas e setores da mídia por seu conteúdo sexual e supostamente misógino. Maluma, embora tenha defendido sua liberdade artística, passou a demonstrar maior cuidado nas mensagens de suas canções.

Ao mesmo tempo, ele amadurecia como artista e homem. Canções como “Felices los 4” e “HP” misturam ousadia com camadas mais densas. As colaborações também se tornaram mais frequentes — de Shakira a Madonna, de Ricky Martin a J Balvin, e até mesmo com Anitta, em uma parceria que consolidou sua conexão com o Brasil.

Um artista de múltiplas telas

Além de dominar os palcos e estúdios, Maluma soube explorar outras linguagens. Foi coach em The Voice Kids, lançou o documentário Lo Que Era, Lo Que Soy, Lo Que Seré, e deu um passo ousado rumo a Hollywood ao atuar no filme Marry Me (2022), ao lado de Jennifer Lopez.

No cinema, revelou carisma e versatilidade. No documentário, abriu as portas da própria intimidade: suas dúvidas, angústias e fé. Mostrou que por trás da estética impecável do pop star, há um ser humano em permanente construção.

O latino que o mundo aprendeu a ouvir

Com mais de 40 milhões de ouvintes mensais no Spotify e clipes com bilhões de visualizações, Maluma é hoje um símbolo da globalização da música latina. Sua mistura de reggaeton, pop, dancehall e romantismo conquistou mercados antes difíceis para artistas latinos — como Europa e Ásia.

Ele se apresentou nas maiores premiações do mundo, venceu Latin Grammy, Billboard e MTV Awards, e fez turnês internacionais com ingressos esgotados. Em 2018, foi a voz latina oficial da Copa do Mundo com “Colors”, em parceria com Jason Derulo. Maluma não é mais apenas colombiano. É global.

A alma por trás do artista

Mesmo com tanto sucesso, Maluma nunca escondeu sua conexão com as raízes. Ele ainda fala com orgulho de Medellín, da educação que recebeu, da fé que carrega. Seu Instagram está cheio de registros com a mãe, o pai, a irmã — e mais recentemente, com sua filha recém-nascida, fruto do relacionamento com a arquiteta Susana Gomez.

A paternidade, aliás, parece ter despertado uma nova sensibilidade. Em entrevistas recentes, ele fala sobre a importância de dar o exemplo, sobre criar uma filha em um mundo mais justo e igualitário. Sobre ser melhor como homem e como artista.

“Bronceador” como rito de passagem

“Bronceador” chega em um momento simbólico. Após mais de uma década de carreira, Maluma retorna à fonte de onde tudo surgiu: o ritmo quente da costa caribenha. Mas com um olhar diferente — mais maduro, mais consciente, mais inteiro.

A música traz influências do reggaeton raiz, mas com uma produção moderna e refinada. As letras falam de desejo, claro, mas também de entrega, de conexão com o presente. É como se Maluma estivesse dizendo: “ainda sou aquele menino de Medellín, mas agora sei exatamente quem sou e para onde vou”.

Um futuro com sabor tropical

Enquanto “Bronceador” invade playlists, rádios e pistas de dança, o mundo percebe que o verão latino está longe de acabar. E Maluma continua como um de seus maiores embaixadores.

O futuro da música latina passa por nomes que sabem se reinventar, que honram suas raízes e ousam no presente. E Maluma faz isso como poucos. Seu legado vai além dos charts. Está no modo como tornou a sensualidade latina uma linguagem universal. No jeito como conectou Medellín a Tóquio, Cartagena a Paris, com uma batida.

Você tem coragem de encarar Art, o Palhaço? Terrifier vira casa mal-assombrada no Halloween Horror Nights da Universal

Publicado por
Esdras Barbosa
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Foto: Reprodução/ Internet

Já sentiu aquele arrepio que não vem do frio, mas de um pressentimento? Uma sensação de que algo — ou alguém — está prestes a te encontrar no escuro? Pois prepare o psicológico: Art, o Palhaço, aquele mesmo que você jurou que nunca mais queria ver nem em sonho, está voltando. E agora ele tem uma nova casa: a Funhouse do terror abre as portas no Halloween Horror Nights, no Universal Orlando Resort a partir de 29 de agosto, e no Universal Studios Hollywood em 4 de setembro.

Sim, o vilão mais sádico e silenciosamente insano do terror contemporâneo acaba de sair das telas e ganhar vida em um labirinto físico, sujo, barulhento, grotesco — e deliciosamente assustador. Inspirada na franquia Terrifier, a nova atração promete uma experiência que vai muito além do susto: ela te coloca no epicentro do medo, onde a única certeza é que ninguém sai ileso (nem em paz).

Um parque de diversões onde o riso morre na garganta

A casa mal-assombrada recria o universo retorcido de Terrifier 2, com destaque para a Funhouse, o “parquinho” favorito de Art. Esqueça algodão-doce e roda-gigante: aqui, o espetáculo são as mortes brutais, os cheiros de carne queimada, os gritos abafados, as paredes que sangram. Cada corredor é um teste de nervos — e uma ode ao cinema de horror sem censura.

Os visitantes encontrarão Vicky, marcada pelas cicatrizes da sobrevivência, e a inquietante garotinha pálida, que parece ter saído direto de um delírio febril. O caos reina no Clown Café, o pavor ganha forma em um banheiro onde nem o espelho quer olhar pra você, e o Natal — aquele símbolo de aconchego — vira um desfile grotesco de desespero.

Terrifier: mais que terror — é desconforto com assinatura

Criada por Damien Leon e a Dark Age Cinema, a franquia Terrifier nasceu em 2008 e foi crescendo como um monstro que ninguém conseguiu ignorar. Com três filmes lançados e um quarto em produção, Art, o Palhaço (sem falas, sem explicações, só horror), se tornou um ícone do cinema underground — não pelo susto fácil, mas pela coragem de ir onde outros não vão.

Agora, ele vai ainda mais longe: do cinema para o seu pesadelo real. Porque no Halloween Horror Nights, a plateia não está segura na poltrona. Ela caminha. Respira o mesmo ar do monstro. E reza para sair dali inteira.

📍 Onde o terror acontece:
🎃 Universal Orlando Resort – a partir de 29 de agosto
🎃 Universal Studios Hollywood – a partir de 4 de setembro

🎢 Parte do evento Halloween Horror Nights
🎬 Inspirado na franquia Terrifier (Damien Leon)
🧟‍♂️ Personagens: Art, o Palhaço | Vicky | Garotinha Pálida | Clown Café | Natal Sinistro

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