O cinema de sobrevivência extrema ganhará um novo capítulo em 2026 com A Queda 2, prometendo superar os limites de tensão e testar a resistência emocional e física de seus personagens. A produção dará continuidade à narrativa iniciada em 2022, quando duas mulheres ficaram presas no topo de uma torre de 600 metros, enfrentando não apenas a gravidade, mas também o medo, a culpa e o luto.
O primeiro longa, dirigido por Scott Mann, destacou-se por equilibrar suspense físico com drama psicológico, conquistando tanto público quanto crítica. A trama original combinava isolamento extremo, riscos reais e soluções engenhosas, criando momentos memoráveis que permaneceram na memória dos espectadores.
Harriet Slater, conhecida por Outlander: Sangue do Meu Sangue, assume o papel de Jax, irmã da personagem falecida, cuja morte marca o ponto de partida da sequência. Ao lado dela, Arsema Thomas (Queen Charlotte: A Bridgerton Story) interpreta Luce, amiga próxima de Hunter, que se une a Jax em uma jornada de superação e sobrevivência. Tom Brittney (Grantchester) completa o trio principal, trazendo experiência dramática e presença em cena.
A escolha de atores jovens e talentosos garante performances capazes de transmitir vulnerabilidade, medo e coragem de forma convincente. A relação entre Jax e Luce adiciona profundidade emocional, criando tensão não apenas pelo perigo físico, mas também pelo vínculo que se estabelece em situações extremas.
Cenário e produção realista
A Tailândia foi escolhida como locação para as filmagens, com o Monte Kwan servindo de palco para a “caminhada de prancha”, sequência que promete tensão contínua. Penhascos íngremes, trilhas instáveis e ventos fortes transformam cada passo em uma ameaça real, enquanto a natureza funciona como antagonista silencioso, imprevisível e letal.
Os irmãos Michael e Peter Spierig, conhecidos por Jogos Mortais: Jigsaw e O Predestinado, assumiram a direção, trazendo experiência em criar suspense intenso e atmosferas sombrias. O roteiro é resultado da colaboração entre Scott Mann e Jonathan Frank, garantindo continuidade narrativa e incorporando novos elementos que aumentam a complexidade dos desafios enfrentados pelos protagonistas.
A História e os desafios
No enredo, Jax e Luce enfrentam um deslizamento de pedras que as deixa presas em uma prancha instável a 910 metros de altura. O perigo físico se combina com o peso emocional da perda de Hunter, forçando a protagonista a confrontar medos profundos e tomar decisões críticas para garantir a sobrevivência de ambas.
A narrativa mantém a tradição do primeiro longa ao mesclar suspense físico com tensão psicológica. A combinação de cenários extremos e estratégias improvisadas reforça a sensação de risco constante, enquanto o relacionamento entre as personagens proporciona momentos de vulnerabilidade e humanização.
Suspense e estratégia
O primeiro filme destacou-se por soluções criativas diante do perigo. Momentos icônicos, como o uso do corpo de Hunter para enviar um sinal de socorro, mostraram como a narrativa conseguia equilibrar tensão, drama e engenhosidade. A continuação mantém essa abordagem, adicionando riscos naturais imprevisíveis, falhas de terreno e desafios ambientais que exigem raciocínio rápido e coragem.
Além da ação física, o longa explora a dimensão psicológica da sobrevivência. Luto, confiança e resiliência são temas centrais, lembrando que o suspense não depende apenas de cenários vertiginosos, mas também da capacidade humana de lidar com medo e perda.
No resumo do capítulo da novela As Filhas da Senhora Garcia de sexta, 5 de setembro de 2025, Arturo se aproxima de Valeria com determinação, reacendendo a chama de um romance que parecia perdido. Cada gesto entre eles carrega uma tensão irresistível, enquanto Nicolás sofre em segredo, consumido por uma dor silenciosa que ninguém percebe, mas que corrói seu coração a cada momento.
Valeria visita o apartamento que será seu novo lar, sentindo o peso das escolhas que se acumulam em sua vida, entre desejos e responsabilidades. Rocío tenta se inserir, procurando Valeria para se aproximar de Nicolás e Arturo, mas Valeria mantém distância, decidida a não interferir em um território tão frágil e repleto de sentimentos intensos.
A proximidade entre Arturo e Valeria desperta emoções proibidas, e a presença silenciosa de Nicolás transforma cada olhar e cada gesto em um campo minado de paixão, ciúme e arrependimento. Nada mais será como antes: corações se confrontam, segredos vêm à tona e escolhas dolorosas ameaçam mudar tudo para sempre.
Nos próximos capítulos da novela As Filhas da Senhora Garcia
Luis exige que Ofélia trate Mar com respeito e cesse qualquer forma de maltrato, impondo limites claros na convivência. Valeria encontra Nicolás no prédio e, com um sorriso confiante, lhe avisa que agora serão vizinhos, despertando reações inesperadas. Paula assume seu papel de mentora e leva Mar para compras, dando conselhos sobre como ser uma boa esposa para Luis, enquanto sua armadilha começa a se desenrolar.
Rocío descobre que a mulher que pensava ser Glória é, na verdade, Ofélia, e se surpreende com a revelação. Os filhos de Luis reclamam dos excessos de Mar, mas Luis não hesita em estabelecer regras, reforçando sua autoridade. A grande soma de dinheiro de Ofélia levanta suspeitas sobre a verdadeira humildade e as intenções de Mar, deixando a família em dúvida.
O plano de Paula se revela perfeito: Luis expulsa Ofélia de casa, e Mar precisa se adaptar à decisão sem questionamentos. Paula destrói o quadro de Cecília e engana todos, fazendo a família acreditar que a responsabilidade é de Ofélia. Mais tarde, Paula e Leonardo confessam a Luis que encontraram o quadro destruído, consolidando sua manipulação.
Enquanto isso, Valéria e Arturo celebram o novo lar com um brinde, e ele expressa seu orgulho dela. Nicolás visita o túmulo da mãe, buscando força para lidar com seus sentimentos confusos.
Ofélia conversa com Rocío, e juntas começam a planejar uma vingança contra Luis Portilla, deixando claro que sua determinação está apenas começando. Amparo, por sua vez, revela a Valéria que seus avós venderam sua mãe e que ela permaneceu em silêncio por medo e lealdade, abrindo feridas do passado. Valéria, emocionada, garante a Mar todo o seu apoio, reforçando os laços de amizade e confiança em meio às intrigas e traições que se acumulam.
O Plaza Shopping se transforma a partir de hoje, 4 de setembro, em um verdadeiro ponto de encontro da cultura pop. Começa oficialmente a primeira edição do Festival Ilustra Plaza, evento que promete encantar fãs de cultura geek, animes, doramas e K-pop, reunindo arte, música, gastronomia e experiências interativas até o dia 14 de setembro. E o melhor: a entrada é totalmente gratuita.
O festival é a evolução do projeto Ilustra Plaza, que vem acontecendo desde 2017, e ganha agora uma estrutura completa, pensada para acolher tanto o público quanto os artistas com conforto e variedade de atrações. Mais de 20 ilustradores e artistas independentes de Recife, João Pessoa e Fortaleza participam do evento, oferecendo quadrinhos, prints, action figures e obras originais, em um espaço que se transforma em um verdadeiro corredor de criatividade e inspiração.
Segundo Bianca Branco, produtora e responsável pela curadoria do festival, “o objetivo é criar um ambiente de interação direta entre artistas e público, valorizando o talento local e mostrando a diversidade da arte contemporânea”. Ela também é responsável pela curadoria gastronômica do evento, ao lado de Pedro Figueiredo, conhecido por organizar eventos culturais de grande porte, como a Feira Japonesa e o Festival Orgulho Nerd.
Entretenimento diversificado para todas as idades
O evento contará com uma game zone equipada com fliperamas clássicos e modernos, karaokês, quizzes interativos sobre doramas e K-pop, desafios de Just Dance e exibições de AMVs de animes e MVs de K-pop. Tudo isso de maneira gratuita, permitindo que fãs de diferentes idades e interesses aproveitem cada atração.
Palco ao vivo com música e performances
O palco do festival será um dos principais pontos de encontro, com apresentações de quinta a domingo, das 15h às 22h. Entre as atrações confirmadas estão Faster Z (BTS Cover), Banda Izanagi e Rentaiko – Percussão Japonesa, garantindo um mix de música ao vivo que agrada aos fãs de diferentes estilos. Além disso, o espaço também receberá bate-papos com ilustradores, performances de dança K-pop e atividades interativas, promovendo a aproximação entre público e artistas.
Cosplays: expressão e criatividade
O Festival Ilustra Plaza também dá destaque à tradição dos cosplays. Os interessados podem participar de um desfile especial marcado para o domingo, 14 de setembro. Antes disso, haverá uma triagem no sábado, 6 de setembro, para avaliar interpretação, figurino e performance. Os aprovados terão a oportunidade de subir ao palco e mostrar toda a criatividade e paixão pelos personagens.
“Os cosplays são uma forma de expressão artística e cultural, permitindo que os fãs compartilhem sua paixão por animes, mangás, games e K-pop, além de interagir com outros entusiastas”, afirma Bianca Branco.
Gastronomia asiática para completar a experiência
O Ilustra Plaza também investe em uma experiência gastronômica completa, inspirada na culinária asiática em formato street food. Entre os destaques estão Wassabi Sushi Store (onigiri), Hakata (lámen, yakisoba e guioza), Pandas (culinária coreana), Tokoyaki Brothers (tokoyaki), Kokay (taiyaki, dango e mochi), Takayuki Sushi (donburi oishi e maguro oishi) e Doce Nuvem (algodão doce). A diversidade de sabores garante que o público desfrute de uma verdadeira imersão nos sabores do universo geek e asiático.
Lojas especializadas e produtos geek
O festival também contará com lojas dedicadas à cultura pop, como Geek Mundo, Bakamoon, Korea Shop, Sebo do Anderson, Banca Zapp e Top Games, oferecendo quadrinhos, action figures, jogos e produtos de K-pop para colecionadores e fãs de todas as idades.
Uma experiência completa
Com arte, música, performances, gastronomia e atividades interativas, o Festival Ilustra Plaza chega para consolidar o Plaza Shopping como um ponto de encontro da cultura pop e geek no Recife. O evento começa hoje, e quem passar pelo shopping poderá vivenciar uma programação intensa e diversificada, perfeita para reunir amigos, família e fãs em torno da cultura geek e asiática.
A Universal Pictures acaba de liberar o trailer oficial de O Telefone Preto 2, sequência do sucesso de terror que conquistou o mundo em 2022. O vídeo já mostra por que a franquia se tornou um fenômeno: cenas intensas, suspense crescente e uma atmosfera de puro horror que promete deixar o público à beira do assento.
O vídeo divulgado enfatiza o crescimento do terror psicológico. As primeiras cenas mostram Gwen, interpretada por Madeleine McGraw, recebendo ligações misteriosas em sonhos, enquanto Finn (Mason Thames) ainda lida com os traumas do sequestro sofrido quatro anos antes.
O primeiro longa arrecadou mais de 160 milhões de dólares globalmente, consolidando a história de Joe Hill como um dos grandes sucessos recentes do gênero. Agora, com estreia marcada para 16 de outubro nos cinemas brasileiros, o segundo filme traz de volta Ethan Hawke no papel do aterrorizante Sequestrador, conhecido também como O Agarrador, ampliando o universo sombrio criado na primeira produção.
Retorno do elenco e novos reforços
Além de Ethan Hawke (Antes do Amanhecer, A Bruxa de Blair 2, Uma Vida Melhor), Mason Thames (O Telefone Preto, Old), e Madeleine McGraw (O Telefone Preto, The Black Phone: Curta-metragem), Jeremy Davies (O Patriota, Lost, O Telefone Preto), e Miguel Cazarez Mora (O Telefone Preto, Resgate Implacável) reprisam seus papéis, enquanto novas adições como Demián Bichir (Uma Vida Melhor, A Freira), Arianna Rivas (Resgate Implacável), Maev Beaty (Beau Tem Medo), e Graham Abbey (Em Nome do Céu) prometem elevar a intensidade da narrativa.
A química entre os irmãos Finn e Gwen continua sendo um ponto central, enquanto Hawke mantém sua interpretação perturbadora e ameaçadora, consolidando O Agarrador como uma das figuras mais icônicas do terror contemporâneo.
Um olhar sobre a produção
O longa é dirigido por Scott Derrickson, que também assina o roteiro ao lado de C. Robert Cargill, ambos com experiência consolidada em histórias de suspense e horror. A produção executiva de Jason Blum e Joe Hill garante que a sequência mantenha o tom sombrio e a essência da obra original.
Antecedentes da sequência
A ideia para este segundo filme surgiu logo após o sucesso do primeiro. Joe Hill compartilhou com Derrickson conceitos que expandiam o universo do Agarrador, e o sucesso de bilheteria do original impulsionou a produção da sequência. As filmagens ocorreram em Toronto entre novembro de 2024 e janeiro de 2025, sob o título provisório Mysterium.
Segundo Derrickson, o trailer reflete não apenas o crescimento do terror, mas também o aprofundamento dos personagens, mostrando que o medo pode deixar marcas duradouras e transformá-los de maneiras inesperadas.
Expectativas com o lançamento
Com estreia marcada para 16 de outubro no Brasil e em Portugal, O Telefone Preto 2 se prepara para se tornar um dos filmes de terror mais aguardados do ano. O trailer, com sua atmosfera tensa e visuais arrepiantes, já cria expectativas de sustos, reviravoltas e momentos de pura adrenalina.
Nesta quinta-feira, 4 de setembro, O Retorno chega aos cinemas brasileiros, trazendo uma releitura intensa e humana da última etapa da clássica obra de Homero, A Odisseia. O filme marca um momento especial para a distribuidora O2 Play, braço da O2 Filmes, que lança pela primeira vez um longa internacional em cópias dubladas e legendadas, permitindo que o público escolha como deseja vivenciar a experiência.
O destaque do elenco fica por conta da reunião de Ralph Fiennes e Juliette Binoche, que contracenam juntos quase 30 anos após o sucesso de “O Paciente Inglês”, filme que rendeu um Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante a Binoche. A dupla, porém, já havia compartilhado as telas em “O Morro dos Ventos Uivantes”, em 1992, consolidando uma parceria que atravessa décadas.
Um retorno marcado pelo tempo e pelo trauma
Dirigido por Uberto Pasolini, conhecido por trabalhos como Ou Tudo ou Nada e Bel Ami – O Sedutor, o longa acompanha Odisseu retornando a Ítaca depois de vinte anos longe, após a guerra de Troia. Ele encontra um reino em ruínas, com pretendentes disputando a mão de sua esposa, Penélope, e ameaçando a vida de seu filho, Telêmaco.
Distante e abalado, Odisseu aparece nu nas praias de sua terra natal, simbolizando a vulnerabilidade de um homem marcado pela guerra. Ele é cuidado por aliados fiéis, Eumeu e Iias, que testemunharam o declínio da ilha enquanto ele lutava fora. A produção aposta em uma abordagem mais humanizada, evitando a presença de deuses ou criaturas míticas, e foca nas cicatrizes físicas e psicológicas do protagonista.
Penélope e Telêmaco: força e resistência diante do caos
Enquanto Odisseu retorna, Penélope lida com a pressão incessante dos pretendentes, que acreditam na morte do marido e desejam tomar o poder. Ela se mantém firme, tecendo a mortalha de seu sogro e recusando-se a se casar antes que a peça esteja pronta, simbolizando resistência, inteligência e paciência.
Telêmaco, por sua vez, enfrenta ameaças de morte enquanto tenta proteger a mãe e manter a integridade de seu lar. A relação entre pai e filho é um dos elementos centrais do filme, revelando dor, ressentimento e eventual reconciliação, mostrando que mesmo heróis lendários precisam lidar com conflitos familiares e responsabilidades.
Testes de coragem e identidade
Uma das cenas mais memoráveis é o reencontro de Odisseu com seu cão, Argos, que reconhece o dono após anos de espera e morre, reforçando a passagem do tempo e a perda. Disfarçado como um velho soldado, Odisseu é humilhado pelos pretendentes, mas demonstra inteligência e força ao derrotar um adversário e manter sua identidade em segredo.
A descoberta de sua verdadeira identidade por Euricléia, ama fiel da família, adiciona emoção e tensão, confirmando que lealdade e memória são temas fundamentais da narrativa. A presença de Telêmaco ao lado do pai nas cenas de combate reforça o aprendizado e a maturidade do jovem, que testemunha o poder, mas também a responsabilidade de um governante.
A prova do arco e a retomada do trono
O ponto alto do filme ocorre quando Penélope propõe um desafio aos pretendentes: apenas aquele capaz de encordoar o arco de Odisseu e disparar flechas com precisão terá direito à sua mão. Nenhum consegue, abrindo caminho para o retorno triunfante do rei. Odisseu demonstra coragem, habilidade e liderança, eliminando os pretendentes enquanto seus aliados impedem qualquer fuga.
Essa sequência combina ação e emoção, reforçando a reconstrução da ordem em Ítaca e o reencontro do herói com sua família. A tensão dramática entre Odisseu e Telêmaco, que inicialmente questiona o abandono do pai, é resolvida através de diálogo, compreensão e perdão, oferecendo uma das passagens mais humanas do longa.
Uma direção sensível e uma narrativa intimista
Uberto Pasolini equilibra ação e introspecção com maestria, evitando excessos visuais e concentrando-se na experiência emocional dos personagens. O roteiro, escrito por John Collee e Edward Bond, privilegia diálogos e cenas que exploram o trauma da guerra, a lealdade familiar e a reconstrução de laços.
A cinematografia é outro ponto alto, capturando a beleza áspera das praias de Ítaca e o contraste entre o luxo decadente do palácio e a simplicidade da vida cotidiana. Cada enquadramento reforça a passagem do tempo e a intensidade das emoções, enquanto a trilha sonora intimista contribui para imergir o público na narrativa.
Reflexões sobre guerra, poder e família
O Retorno provoca reflexões sobre os efeitos da guerra, as marcas deixadas pelo poder e a importância da família e da identidade. Odisseu, vulnerável e humano, mostra que até heróis enfrentam perdas e traumas, enquanto Penélope simboliza resistência e inteligência diante das pressões externas.
O filme também destaca a jornada de Telêmaco, que precisa compreender seu papel e responsabilidade dentro do legado familiar. Essa narrativa moderna e humanizada transforma o épico grego em uma história universal sobre coragem, lealdade e reconciliação.
No dia 21 de setembro de 2025, os fãs de dramas policiais terão um encontro marcado com uma das produções mais comentadas dos últimos anos. O serviço de streaming da Paramount prepara o lançamento da terceira temporada de Tulsa King, que atualmente é a sua série de maior impacto recente, e o trailer oficial já antecipou que o clima será ainda mais intenso, sombrio e imprevisível.
O retorno da trama é cercado de expectativas porque a produção não apenas consolidou audiência global em suas primeiras fases, mas também se tornou um fenômeno cultural ao colocar Sylvester Stallone no centro de uma narrativa televisiva de longo formato pela primeira vez em sua carreira.
O sucesso inesperado que virou fenômeno
Quando a série foi anunciada em 2022, havia curiosidade e até ceticismo. Afinal, como um astro acostumado a liderar franquias cinematográficas de ação reagiria ao ritmo de episódios semanais, recheados de diálogos densos, construção de personagens e arcos dramáticos mais longos?
O resultado surpreendeu. Logo no lançamento, a produção se destacou não só nos Estados Unidos, mas também em mercados internacionais, quebrando recordes de estreia e atraindo milhões de assinantes para a plataforma. Ao final da segunda temporada, o projeto já estava consolidado entre os mais assistidos em todo o mundo, registrando números impressionantes: mais de 21 milhões de visualizações globais apenas no episódio de estreia e interações nas redes sociais que cresceram quase 900% em relação ao ano anterior.
Esses dados não são apenas estatísticas: representam a prova de que o público abraçou a série de maneira apaixonada, transformando-a em assunto recorrente em grupos, fóruns e veículos especializados.
Um protagonista em reinvenção
A figura central da trama é Dwight Manfredi, apelidado de “The General”. Após passar 25 anos atrás das grades, o mafioso nova-iorquino é enviado para Tulsa, em Oklahoma, como parte de um acordo interno da organização criminosa. Longe das conexões que tinha em sua cidade natal, ele precisa recomeçar do zero em território hostil.
Esse deslocamento é o grande motor da narrativa: acompanhar um homem envelhecido, que já não encontra espaço em um mundo que mudou drasticamente, tentando reconstruir sua influência em um ambiente dominado por novas regras. Em Tulsa, Dwight recruta aliados improváveis, como um jovem motorista, o dono de um bar decadente e até um comerciante de maconha, que inicialmente foi vítima de extorsão e depois se tornou parceiro de negócios.
A cada episódio, o público mergulha não apenas em disputas violentas, mas também em dilemas pessoais: as tentativas frustradas de retomar laços familiares, o envolvimento amoroso com uma agente federal e a luta interna entre repetir os erros do passado ou buscar uma redenção tardia.
Foto: Atsushi Nishijima/Paramount+
A nova ameaça: os Dunmires
Na terceira temporada, os desafios de Dwight chegam ao ponto mais perigoso. O império que ele construiu começa a chamar atenção de forças muito maiores. Entre elas, surge a família Dunmire, clã poderoso e bilionário, acostumado a controlar Tulsa com métodos nada convencionais. Diferente da velha escola da máfia, eles não seguem regras, o que torna o confronto ainda mais imprevisível.
O enredo promete colocar Dwight diante de decisões extremas: lutar com todas as armas para preservar o que construiu ou aceitar que a cidade talvez seja grande demais para ele. Essa tensão promete render alguns dos episódios mais intensos já produzidos pela equipe.
Elenco de veteranos e novos talentos
O grupo de atores que dá vida à história é outro trunfo da produção. Nomes como Martin Starr, Jay Will, Annabella Sciorra, Neal McDonough, Robert Patrick, Beau Knapp, Bella Heathcote e Frank Grillo voltam a aparecer, mantendo a química que conquistou os fãs.
Além disso, a presença de Garrett Hedlund e Dana Delany adiciona mais densidade às tramas paralelas, explorando dilemas morais e relações familiares complexas.
Mas a grande novidade está na participação especial de Samuel L. Jackson, que viverá Russell Lee Washington Jr., personagem que servirá de ponte para o spin-off ambientado em Nova Orleans. Essa conexão amplia o universo da série e confirma a aposta da Paramount em expandir o projeto para além de uma única história.
A construção de um universo expandido
Assim como outras criações de Taylor Sheridan, a série ganhou força não apenas pelo arco principal, mas pela possibilidade de se tornar um ecossistema narrativo. O spin-off, batizado de NOLA King, já está em desenvolvimento e promete mostrar um novo recorte do submundo criminoso, explorando os contrastes culturais da Louisiana.
Essa estratégia segue o mesmo caminho de Yellowstone, que deu origem a produções derivadas de grande sucesso. A ideia é criar um conjunto de histórias que se complementam, mantendo o público sempre engajado e garantindo vida longa à franquia.
Bastidores e mudanças criativas
Nem tudo foi simples no desenvolvimento da produção. A primeira temporada contou com Terence Winter como showrunner, mas divergências criativas com Sheridan provocaram alterações. Na segunda fase, a direção criativa passou por ajustes e, agora, quem assume o comando é Dave Erickson, conhecido por trabalhos em séries de suspense e drama.
Essa transição nos bastidores mostra a busca por equilíbrio entre manter a essência original e oferecer novidades narrativas capazes de prender a atenção de uma audiência já acostumada a reviravoltas.
Outro detalhe interessante é a mudança de locações: enquanto a primeira temporada foi gravada em Oklahoma City, a segunda transferiu as filmagens para Atlanta, oferecendo maior estrutura de produção e variedade de cenários.
Recepção da crítica e dos fãs
Embora parte da imprensa tenha apontado fragilidades nos diálogos, o consenso é de que a atuação de Stallone elevou o nível da série. Sua entrega ao personagem, equilibrando brutalidade e vulnerabilidade, foi destacada como um dos pontos mais fortes.
O público, por sua vez, transformou a produção em culto. Grupos no Reddit, teorias no Twitter e vídeos no TikTok mantêm a narrativa viva mesmo fora da tela. A série já conquistou indicações em premiações importantes e figura constantemente nas listas de recomendações de dramas imperdíveis da atualidade.
O futuro
Com a nova temporada prestes a estrear e um spin-off já em desenvolvimento, fica claro que o universo iniciado em 2022 ainda tem muito a oferecer. A Paramount já sinalizou interesse em uma quarta temporada, o que indica que a trajetória de Dwight e de seus aliados deve continuar rendendo boas histórias.
Seja enfrentando velhos rivais, seja encarando novos inimigos, o certo é que o público terá muitos motivos para continuar acompanhando cada capítulo dessa saga.
Onde posso assistir?
Para quem ainda não conhece a trajetória de Dwight Manfredi, as duas primeiras temporadas estão disponíveis para maratonar. Para os fãs de longa data, setembro promete ser um mês de tensão, surpresas e, acima de tudo, de ver Stallone brilhar em um papel que já entrou para a história da TV contemporânea.
O novo pôster oficial de Rental Family foi divulgado nesta quarta-feira, 3 de setembro, e se destaca pelo clima intimista. Na imagem, Brendan Fraser aparece sentado em um banco dentro de um vagão de metrô em Tóquio, rodeado por outros personagens que compartilham o mesmo espaço, como se formassem uma família improvisada. Não há abraços nem gestos de afeto — apenas expressões contidas, cada uma carregando uma história silenciosa. Essa composição simples, mas carregada de significado, antecipa o coração do longa: a busca por pertencimento e conexão em um mundo cada vez mais solitário.
No filme, Fraser interpreta um ator americano decadente que, vivendo em Tóquio, acaba encontrando trabalho em um serviço real e curioso: o de “familiar de aluguel”. Nele, pessoas podem contratar atores para desempenhar papéis de parentes — pai, irmão, marido — e assim preencher temporariamente o vazio da solidão. O pôster, portanto, não apenas apresenta os personagens, mas também traduz em uma só imagem a essência dessa trama que mistura comédia dramática, melancolia e descobertas inesperadas.
Embora Brendan Fraser seja o rosto principal do pôster e o grande nome da produção, o elenco ao seu lado tem papel fundamental para dar vida à história. Cada personagem traz consigo uma forma de lidar com a ausência de vínculos reais, e o time de atores foi escolhido a dedo para representar essas diferentes perspectivas.
Depois de conquistar o Oscar com A Baleia (2022), Brendan retorna ao cinema em uma fase marcante da carreira. Em Rental Family, ele interpreta um ator estrangeiro que não encontra mais espaço em Hollywood e acaba em Tóquio, aceitando trabalhos improváveis para sobreviver. Seu personagem mistura fracasso, humor e ternura, e o pôster já antecipa essa atmosfera: um homem deslocado, cercado por pessoas que não conhece, mas que precisa fingir amar como se fossem de sua própria família. Fraser promete entregar uma performance intimista, em que a solidão se mistura com a redescoberta do afeto.
Conhecido internacionalmente por trabalhos como Giri/Haji (2019) e Snake Eyes (2021), Takehiro Hira interpreta um cliente que contrata o serviço de familiares de aluguel para simular uma vida que ele não tem. No pôster, sua presença é discreta, mas sua expressão sugere alguém que esconde mais do que mostra. Seu papel promete explorar o peso das aparências e a pressão social que muitos japoneses enfrentam para manter uma “família ideal” diante dos outros.
A atriz japonesa, que participou de Pachinko (2022) e da série Monarch: Legacy of Monsters (2023), vive uma mulher que recorre a Fraser para representar laços que perdeu ao longo da vida. Yamamoto é reconhecida por sua capacidade de transmitir vulnerabilidade com olhar e silêncio, e aqui terá a chance de aprofundar um drama humano que conversa diretamente com o tema central do filme: a dificuldade de lidar com a ausência. No pôster, sua postura fechada ao lado dos outros já dá sinais de sua solidão.
Com uma carreira em ascensão, Shannon Mahina Gorman representa o elo mais jovem da trama. Sua personagem recorre ao serviço de aluguel para encontrar um apoio emocional que não encontra em casa. A presença dela no pôster reforça a ideia de que a solidão não atinge apenas adultos pressionados pelo trabalho ou pelas convenções sociais, mas também jovens que, mesmo cercados de gente, não conseguem construir conexões verdadeiras.
Veterano do cinema japonês, Akira Emoto é um dos grandes destaques do elenco. Conhecido por filmes como Dr. Akagi (1998) e Warm Water Under a Red Bridge (2001), ele interpreta um homem idoso que se relaciona com os familiares de aluguel de uma maneira quase afetuosa, como se quisesse reconstruir laços que se perderam ao longo da vida. Sua presença no pôster traz peso emocional e também simboliza uma geração que cresceu em meio à tradição, mas hoje encara a solidão como uma sombra inevitável.
Quando o filme chega aos cinemas?
Rental Family ainda não tem uma data oficial de estreia confirmada. A previsão é que o longa chegue aos cinemas apenas em 2026, após percorrer o circuito de festivais e ganhar força na temporada de premiações. Essa espera prolongada aumenta a expectativa do público, especialmente porque o projeto marca o reencontro de Brendan Fraser com papéis de forte carga emocional.
Desde seu surgimento, a franquia Invocação do Mal conquistou um espaço sólido no cinema de terror contemporâneo, combinando investigações paranormais com histórias humanas que vão além do simples susto. Inspirada em casos reais, a série se tornou referência ao equilibrar fenômenos sobrenaturais com dramas emocionais, algo que diferenciou seus primeiros filmes de produções mais genéricas do gênero.
Dirigido por James Wan, o filme inaugural impressionou ao criar um universo de tensão constante, mantendo o público engajado não apenas pelo horror, mas também pelo impacto psicológico e pela construção de personagens críveis. Com o passar dos anos, no entanto, a franquia apresentou altos e baixos: enquanto algumas sequências conseguiram ampliar a complexidade e o terror da saga, outras pareciam depender apenas da reputação da marca, resultando em roteiros pouco inspirados e cenas previsíveis.
O lançamento de O Último Ritual em 2025 chegou com uma responsabilidade dupla: encerrar a trajetória dos Warrens com dignidade e, ao mesmo tempo, tentar recuperar o frescor que parecia ter se perdido após o terceiro filme, A Ordem do Demônio (2021). A expectativa era alta, e a crítica estava atenta a cada detalhe, ciente de que uma saga com mais de uma década precisava de um fechamento que justificasse sua longevidade.
Encerrando uma saga complexa
Finalizar uma franquia tão estabelecida é sempre um desafio. Os dois primeiros filmes não apenas consolidaram o tom sombrio da série, mas também construíram a importância emocional de Ed e Lorraine Warren, interpretados com consistência e empatia por Patrick Wilson e Vera Farmiga. O casal se tornou o eixo central da narrativa, oferecendo humanidade em meio ao caos sobrenatural e garantindo que o público se conectasse com mais do que apenas o medo.
Em O Último Ritual, essa relação continua sendo a âncora do filme. A dupla mantém a química natural que conquistou os espectadores, e sua presença ajuda a sustentar a narrativa mesmo quando o roteiro se perde em subtramas pouco desenvolvidas. Contudo, o longa evidencia que a fórmula da franquia começa a mostrar sinais claros de desgaste: sustos previsíveis, interrupções na tensão e o excesso de personagens secundários tornam a experiência menos envolvente do que nos primeiros filmes.
Os Warrens continuam firmes, mas o elenco secundário oscila
Patrick Wilson e Vera Farmiga continuam sendo o destaque, mas os coadjuvantes, incluindo Mia Tomlinson como Judy Warren e Ben Hardy como Tony Spera, não recebem espaço suficiente para cativar o público. Suas histórias adicionam novas camadas familiares à trama, mas são pouco exploradas e não geram a empatia necessária para fortalecer o drama. O efeito é que, embora os Warrens permaneçam sólidos e cativantes, as novas adições parecem mais funcionais do que realmente integradas à narrativa central.
O restante do elenco — Rebecca Calder, Elliot Cowan e Kíla Lord Cassidy, entre outros, interpretando os Smurl — cumpre seu papel, mas não consegue salvar as falhas do roteiro. Participações de personagens clássicos da franquia, como Carolyn Perron e Cindy Perron, funcionam mais como elementos nostálgicos para fãs do que como contribuições significativas à história. Um ponto interessante é a presença real de Tony Spera e Judy Warren, que acrescenta autenticidade à narrativa, ainda que de forma limitada.
Produção, roteiro e desafios narrativos
O roteiro de Ian Goldberg, Richard Naing e David Leslie Johnson-McGoldrick, coautorado por James Wan, tenta equilibrar a fidelidade aos casos reais com a necessidade de entregar um desfecho cinematográfico satisfatório. Inspirado em acontecimentos como a investigação da família Smurl, o filme oscila entre cenas de terror visualmente impactantes e momentos de drama que, infelizmente, não recebem o aprofundamento necessário. A direção de Michael Chaves, embora competente e capaz de gerar sequências tensas, não alcança o mesmo nível de criatividade e tensão que Wan estabeleceu nos primeiros filmes, deixando algumas passagens menos memoráveis do que o esperado.
Visualmente, o filme mantém a identidade da franquia. A fotografia cuidadosa, os contrastes marcantes e a iluminação estratégica ajudam a criar a atmosfera de medo, mantendo a continuidade estética da série. No entanto, técnica e estilo não bastam: o excesso de subtramas e a dependência de sustos já vistos limitam o impacto geral da produção.
O legado da franquia e o desafio do encerramento
Não há como negar a importância de Invocação do Mal para o cinema de terror moderno. A franquia redefiniu expectativas ao combinar horror psicológico, elementos sobrenaturais e personagens com profundidade emocional. O problema é que, em seu quarto capítulo, a série demonstra que nem mesmo nomes consolidados e cenários familiares conseguem compensar um roteiro que repete fórmulas e se apoia mais na nostalgia do que na inovação.
O Último Ritual entrega um fechamento coerente e respeitoso com o universo construído ao longo de mais de uma década, mas falha em oferecer algo realmente surpreendente. Para os fãs de longa data, a presença dos Warrens e a conclusão das histórias podem trazer satisfação e nostalgia. Para espectadores casuais, entretanto, a experiência pode parecer previsível, arrastada e pouco ousada.
Em análise, o filme cumpre o papel de fechar a saga, mas deixa claro que o verdadeiro legado da franquia está nos primeiros filmes, onde o equilíbrio entre horror e humanidade foi explorado com originalidade. O Último Ritual respira dentro do universo The Conjuring, mas não consegue elevar o padrão do gênero nem entregar o impacto que seu histórico prometia. É um encerramento funcional, mas sem brilho, que deixa a sensação de oportunidade perdida.
A segunda temporada de Wandinha terminou deixando o público com o coração na mão e a cabeça cheia de teorias. Lançado em 3 de setembro de 2025 na Netflix, o Volume 2 encerrou o segundo arco da série e já abriu pequenas brechas para o que vem na terceira temporada, que já foi oficialmente confirmada. Com Jenna Ortega no papel principal, a série continua a mesclar suspense, humor ácido e drama adolescente, criando um universo sombrio, mas ao mesmo tempo envolvente, capaz de conquistar tanto fãs de longa data quanto novos espectadores.
O confronto mais marcante desta temporada ocorreu entre Wandinha e sua mãe, Mortícia (Catherine Zeta-Jones), contra o vilão Isaac Night (Owen Painter). O antagonista tinha um plano sinistro: usar Feioso (Isaac Ordonez) como sacrifício para impedir que Tyler (Hunter Doohan) dominasse sua transformação em Hyde. Entre revelações inesperadas e segredos do passado, descobrimos ainda que Mãozinha, a icônica mão ambulante dos Addams, tinha uma ligação surpreendente com Isaac, trazendo uma carga emocional intensa para a trama.
O momento de maior tensão aconteceu quando Mortícia precisou cortar a mão de Isaac para proteger Gomez, reafirmando a ideia de que, para a família Addams, a união vem antes de tudo. Com o vilão finalmente derrotado, a Academia Nunca Mais entra em um período de calmaria, mas Wandinha não consegue descansar por muito tempo. Ela agora precisa encontrar Enid (Emma Myers), que assumiu a forma de um lobisomem Alfa e corre o risco de nunca mais voltar à sua vida normal. A amizade entre as duas será testada, e essa nova missão promete ainda mais mistério, drama e suspense para a terceira temporada.
Mistérios da Família Addams
A temporada também revelou que Ophelia, irmã de Mortícia, não está morta, como todos imaginavam. Ela foi mantida trancada pela avó Hester (Joanna Lumley) em um calabouço secreto, e no final aparece pintando a frase “Wandinha deve morrer” com sangue. Essa descoberta adiciona uma camada de mistério e promete ser um dos pontos centrais da terceira temporada, mostrando que, além das ameaças sobrenaturais, Wandinha terá que lidar com conflitos familiares muito profundos.
Tyler e a Jornada de Autoconhecimento
Depois da morte da mãe, Tyler recebe um convite da professora Capri (Billie Piper), que também é lobisomem, para participar de um grupo de apoio destinado a humanos que se transformam em Hyde. A ideia é ajudá-los a lidar com a maldição sem depender de um mestre, mas as intenções de Capri ainda são incertas. Essa subtrama mostra como a série consegue abordar questões de identidade, aceitação e convivência com diferenças, mesmo dentro de um contexto sobrenatural.
Um elenco que brilha
Jenna Ortega se destaca como a protagonista sombria, equilibrando sarcasmo, inteligência e momentos de vulnerabilidade que tornam a personagem extremamente cativante. Catherine Zeta-Jones é Mortícia, poderosa e elegante, enquanto Luis Guzmán dá vida a Gomez, misturando humor e ternura. Fred Armisen, como tio Chico, oferece momentos de leveza sem perder a atmosfera sombria da série.
Emma Myers interpreta Enid de forma sensível, mostrando a complexidade de sua transformação em lobisomem Alfa, e Hunter Doohan dá profundidade ao Tyler, dividindo-se entre medo e coragem. Participações especiais, como Joanna Lumley e Christina Ricci, ajudam a conectar a série às versões clássicas da Família Addams, trazendo nostalgia sem atrapalhar a narrativa moderna.
Tim Burton e a Estética Única
A direção e produção executiva de Tim Burton conferem à série seu estilo inconfundível. Cenários góticos, castelos sombrios e figurinos detalhados criam uma atmosfera perfeita para a história. As filmagens na Romênia, entre setembro de 2021 e março de 2022, aproveitaram paisagens e construções antigas que reforçam o clima de mistério e magia da série.
Sucesso de crítica e público
Desde sua estreia mundial em 23 de novembro de 2022, a série alcançou números impressionantes de audiência. Pouco tempo depois, tornou-se a terceira série em inglês mais assistida na Netflix e, posteriormente, ultrapassou a quarta temporada de Stranger Things, tornando-se a produção mais vista da plataforma em língua inglesa.
Crítica e público também reconheceram a qualidade do trabalho de Ortega, que recebeu indicações ao Globo de Ouro como Melhor Atriz em Série de Televisão – Musical ou Comédia. A produção foi indicada como Melhor Série de Televisão do mesmo gênero e ainda conquistou quatro prêmios Primetime Emmy, provando que Wandinha vai muito além de um sucesso passageiro.
A história até aqui
Tudo começa quando Wandinha é expulsa de um colégio tradicional por um incidente envolvendo piranhas, uma vingança contra os valentões que perseguiam seu irmão Feioso. Gomez e Mortícia então a matriculam na Escola Nunca Mais, um internato para jovens com habilidades sobrenaturais.
Ali, a filha da família Addams enfrenta desafios tanto dentro quanto fora da escola. Sua personalidade fria e observadora a faz entrar em conflito com colegas e professores, mas suas habilidades psíquicas a ajudam a desvendar mistérios e a lidar com ameaças sobrenaturais, criando uma narrativa repleta de suspense, humor e emoção.
O que podemos esperar da próxima temporada?
A terceira temporada promete ainda mais ação, mistério e desenvolvimento de personagens. A busca por Enid, a ameaça de Ophelia e o grupo de apoio de Tyler sugerem novos desafios, alianças inesperadas e conflitos emocionais mais profundos.
Além disso, a série deve explorar ainda mais os segredos da família Addams e a dinâmica entre os personagens secundários, garantindo que cada episódio traga surpresas e reviravoltas. Para os fãs, é a promessa de mais humor ácido, mistério sobrenatural e drama familiar, mantendo a essência que tornou a série um fenômeno mundial.
O clássico da literatura inglesa O Morro dos Ventos Uivantes, escrito por Emily Brontë em 1847, ganha uma nova adaptação cinematográfica, trazendo uma abordagem gótica e psicológica para os cinemas. A obra é reconhecida por suas intensas emoções, conflitos familiares e paixões arrebatadoras que atravessam gerações. Com o primeiro trailer já lançado, a produção desperta grande expectativa entre fãs do livro e do cinema dramático.
A narrativa se concentra em duas famílias – os Earnshaw e os Linton – cujas vidas se entrelaçam de forma turbulenta. A história é apresentada pelo Sr. Lockwood, inquilino de Thrushcross Grange, que conhece os acontecimentos de Wuthering Heights através da governanta Nelly Dean. O cerne da trama é o amor intenso e conturbado entre Heathcliff, um órfão adotado pelo Sr. Earnshaw, e Catherine Earnshaw, filha da família. Entre amor, ódio e vingança, os protagonistas enfrentam dilemas que moldam não apenas suas vidas, mas também o destino das famílias ao seu redor, tudo ambientado na paisagem tempestuosa de Yorkshire, quase um personagem à parte na história.
A adaptação é escrita, dirigida e produzida por Emerald Fennell (Promising Young Woman, Saltburn), cineasta conhecida por seu olhar sensível e provocador, que combina drama psicológico e intensidade emocional. Fennell promete uma versão fiel ao espírito do romance, mas com uma linguagem cinematográfica contemporânea que conecta o público moderno à obra do século XIX.
Elenco principal
No papel de Catherine Earnshaw, Margot Robbie (O Lobo de Wall Street, Barbie) lidera o elenco, trazendo não apenas sua experiência como atriz, mas também seu papel como produtora pelo selo LuckyChap Entertainment. Robbie já demonstrou parceria com Emerald Fennell em Promising Young Woman e Saltburn, garantindo alinhamento criativo e uma interpretação profunda da protagonista, entre inocência, força e vulnerabilidade.
Jacob Elordi (Euphoria, Saltburn) interpreta Heathcliff, personagem central da trama. Conhecido por sua intensidade dramática, Elordi encara o papel do órfão que cresce sob traumas e desenvolve um amor obsessivo por Catherine. Sua escolha gerou debate, já que Heathcliff é descrito no livro como de pele escura, mas a diretora Emerald Fennell enfatizou a prioridade de explorar a química emocional entre os protagonistas.
A jovem Charlotte Mellington assume a versão infantil de Catherine, dando vida à inocência, curiosidade e primeiras descobertas da personagem. Ao lado dela, Owen Cooper interpreta o jovem Heathcliff, retratando as origens de seu caráter complexo e a semente do amor e do ressentimento que marcarão sua vida. Ambos são estreantes no cinema, trazendo frescor e naturalidade à narrativa.
Hong Chau (O Grito do Silêncio, The Whale) vive Nelly Dean, a governanta que conhece todos os segredos das famílias Earnshaw e Linton e funciona como narradora da história. Sua interpretação promete equilibrar empatia e firmeza, conduzindo o público pelos dramas que se desenrolam em Wuthering Heights. Vy Nguyen, que faz sua estreia cinematográfica, interpreta a jovem Nelly, revelando a origem da personagem e seu vínculo com as famílias que serve.
Entre os Linton, Shazad Latif (Star Trek: Discovery, Homeland) assume Edgar Linton, personagem refinado, sensível e educado, contrapondo-se ao temperamento intenso de Heathcliff. Sua atuação promete evidenciar o lado mais racional e emocionalmente contido da história. Alison Oliver (Saltburn) interpreta Isabella Linton, irmã de Edgar, cuja trajetória e escolhas impactam diretamente a relação entre as famílias e a evolução do conflito central.
Complementando o elenco, Martin Clunes e Ewan Mitchell trazem experiência e presença aos papéis de figuras secundárias, mas essenciais para o desenvolvimento do enredo. Seus personagens adicionam profundidade às relações familiares e servem como contrapontos às paixões intensas de Catherine e Heathcliff.
Produção e desenvolvimento
Emerald Fennell anunciou o projeto em julho de 2024, revelando seu interesse em trazer uma adaptação cinematográfica intensa e fiel ao romance. Em setembro do mesmo ano, Margot Robbie e Jacob Elordi foram confirmados como protagonistas, consolidando uma parceria de confiança que já havia se mostrado bem-sucedida em Saltburn (2023). Robbie, além de atuar, assume a produção do filme, garantindo alinhamento entre visão artística e execução.
A disputa pelos direitos de distribuição chamou atenção em outubro de 2024, quando a Netflix ofereceu US$ 150 milhões. No entanto, Fennell e Robbie optaram por um lançamento tradicional nos cinemas, buscando uma experiência completa para o público. A Warner Bros. Pictures venceu a disputa com US$ 80 milhões, atendendo à exigência da diretora e da produtora de garantir uma campanha de marketing significativa e ampla distribuição.
Filmagens e locações
A fotografia principal aconteceu no Reino Unido entre janeiro e abril de 2025, utilizando câmeras VistaVision de 35 mm, que captam detalhes e cores de forma impressionante. O diretor de fotografia, Linus Sandgren (La La Land, Nope), trabalhou na construção de imagens que refletem a intensidade emocional dos personagens e a dramaticidade do cenário natural.
O filme foi rodado em locações icônicas nos Yorkshire Dales, incluindo os vales de Arkengarthdale e Swaledale, a vila de Low Row e o Parque Nacional Yorkshire Dales. As paisagens reforçam a atmosfera gótica do romance, com ventos uivantes, colinas sombrias e casas isoladas que contribuem para a sensação de isolamento e tensão emocional. Além disso, os Sky Studios Elstree receberam cenas internas, permitindo um design detalhado que contrasta a austeridade de Wuthering Heights com a elegância de Thrushcross Grange.
Trilha sonora e identidade sonora
A trilha sonora do filme será composta por Anthony Willis, responsável por criar ambientes sonoros que reforçam o drama e a tensão das cenas. Para adicionar um toque contemporâneo, Charli XCX contribuirá com canções originais, estabelecendo uma conexão entre passado e presente. A música, elemento essencial em filmes góticos e dramáticos, promete intensificar a experiência emocional do público, tornando cada cena ainda mais impactante.
Desafios e relevância da adaptação
Adaptar O Morro dos Ventos Uivantes é um desafio devido à densidade do romance e à complexidade de seus personagens. A obra de Brontë é conhecida por suas múltiplas camadas narrativas, incluindo a intercalada história do Sr. Lockwood e de Nelly Dean, que exige atenção para não perder coerência na tela. Fennell precisou equilibrar fidelidade ao texto com linguagem cinematográfica moderna, criando uma experiência envolvente para o público contemporâneo.
A escolha de Jacob Elordi como Heathcliff, apesar de gerar debate sobre representatividade racial, demonstra a prioridade da diretora em explorar a intensidade emocional e a química entre os protagonistas, aspectos centrais para contar esta história de amor e ódio
