Novo trailer de Chad Powers mostra Glen Powell em comédia esportiva repleta de humor e surpresas

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O novo trailer da série Chad Powers, estrelada por Glen Powell, acaba de ser lançado e promete conquistar fãs de comédia e esportes com sua mistura de risadas, emoção e momentos inesperados. O vídeo revela cenas inéditas da trama, mostrando Powell interpretando Russ Holliday, um quarterback universitário em desgraça que se disfarça como Chad Powers para integrar um time de futebol americano do sul do país que enfrenta dificuldades. A série chega ao Disney+ em 30 de setembro, e o trailer já deixa claro que os espectadores terão uma experiência divertida e envolvente. Abaixo, veja o vídeo:

O trailer de 30 segundos consegue transmitir o tom leve e irreverente da série. Desde o primeiro segundo, é possível perceber a tensão e a comédia surgindo das situações de disfarce de Russ. Vemos o quarterback enfrentando treinos desafiadores, interações engraçadas com colegas de time e momentos de puro improviso que tornam sua tentativa de voltar ao futebol americano ao mesmo tempo cômica e emocionante.

Uma história de recomeço e superação

A comédia americana se propõe a contar uma história sobre segundas chances. Russ Holliday não é apenas um atleta tentando reconquistar sua reputação; ele é um homem enfrentando seus erros, aprendendo a lidar com frustrações e tentando se reconectar com o que realmente ama: o futebol americano. A trama explora o equilíbrio entre talento, ego e vulnerabilidade, trazendo à tona uma narrativa humana que vai além do esporte.

Inspiração real

A série é baseada em um episódio real envolvendo Eli Manning, quarterback lendário do New York Giants. Durante uma intertemporada, Manning se disfarçou como Chad Powers e participou de um treino universitário, experiência que viralizou e inspirou a criação da série. Esse toque da vida real dá autenticidade à produção, mostrando que situações inusitadas e divertidas podem acontecer até nos ambientes mais sérios e competitivos.

Elenco e personagens

Glen lidera um elenco diversificado e talentoso, que inclui: Steve Zahn (Saving Grace, Riding in Cars with Boys), Toby Huss (King of the Hill, True Blood), Perry Mattfeld (Charmed, The Night Shift), Wynn Everett (Boardwalk Empire, For All Mankind), Frankie A. Rodriguez (High School Musical: The Musical: The Series), Clayne Crawford (Lethal Weapon, Rectify), Colton Ryan (Dear Evan Hansen, Mare of Easttown), Keese Wilson (Law & Order: SVU), Xavier Mills e Quentin Plair. Cada ator acrescenta camadas de complexidade e charme aos personagens, criando uma dinâmica rica entre colegas de time, treinadores e familiares. Essas interações prometem momentos de comédia, mas também cenas de emoção e reflexão sobre amizade, trabalho em equipe e crescimento pessoal.

A produção é assinada por Glen Powell (Set It Up) e Michael Waldron (Loki, Doctor Strange in the Multiverse of Madness), que também atuam como produtores executivos ao lado de Eli e Peyton Manning. Tony Yacenda (American Vandal, On My Block) dirige a produção, garantindo ritmo e fluidez entre cenas cômicas e momentos de tensão esportiva. A trilha sonora é de Natalie Holt (Loki, Obi-Wan Kenobi), e a edição de Patrick Tuck (WandaVision, American Vandal) mantém a narrativa envolvente. Cada detalhe do cenário e da ambientação foi cuidadosamente pensado para criar a atmosfera autêntica do futebol universitário americano.

Embora a série seja repleta de humor, o riso nunca é gratuito. As situações cômicas surgem do conflito entre identidade, expectativas e habilidades esportivas de Russ/Chad. É uma comédia que também fala sobre empatia, aprendizado e superação, permitindo que o público se identifique com personagens que erram, tentam se reinventar e enfrentam desafios de forma criativa.


Plaza Shopping promove Festival Ilustra Plaza com programação geek e K-pop

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Entre os dias 4 e 14 de setembro, o Plaza Shopping se transforma no ponto de encontro de fãs de cultura geek e K-pop com a primeira edição do Festival Ilustra Plaza. O evento, que tem entrada gratuita, será realizado no Jardim do piso L2 e promete oferecer uma experiência completa, reunindo arte, música, gastronomia e atividades para todas as idades.

O festival surge como evolução do projeto Ilustra Plaza, existente desde 2017, e pela primeira vez ganha corpo de evento completo, com estrutura pensada para acolher artistas e público. Mais de 20 artistas independentes de Recife, João Pessoa e Fortaleza estarão presentes, trazendo HQs, prints, action figures e artes originais, em um verdadeiro corredor de artistas.

De acordo com a produtora Bianca Branco, responsável pela curadoria do evento, “a proposta é criar um espaço de interação entre artistas e público, valorizando o talento local e proporcionando o contato direto com diferentes linguagens artísticas.” Bianca ainda assina a curadoria gastronômica do evento, em parceria com Pedro Figueiredo, idealizador de grandes eventos culturais como a Feira Japonesa e o Festival Orgulho Nerd.

Experiência para toda a família

Segundo a gerente de marketing do Plaza Shopping, Carol Seabra, o festival busca oferecer experiências memoráveis para todos. “Investimos na diversificação de eventos, e o Ilustra Plaza ganha agora uma dimensão maior, trazendo elementos geeks e asiáticos. Queremos encantar o público e valorizar a cultura pop local, oferecendo diversão para toda a família”, afirma.

Além do corredor de artistas, o festival contará com uma game zone repleta de fliperamas, karaokê, quizzes interativos sobre doramas e K-pop, momentos de Just Dance e exibições de AMVs de animes e MVs de K-pop. Tudo isso de forma gratuita, garantindo que fãs de diferentes idades e interesses possam aproveitar o evento.

Música e apresentações ao vivo

A programação musical também promete agitar o festival. Entre as atrações confirmadas estão Faster Z (BTS Cover), Banda Izanagi e Rentaiko – Percussão Japonesa. Com apresentações de quinta a domingo, das 15h às 22h, o palco será ponto de encontro para os fãs, criando um clima de celebração e troca cultural.

Além da música, o palco receberá bate-papos com os ilustradores, momentos de performance K-pop e outras atividades que reforçam a interação entre público e artistas.

Cosplays ganham destaque

O Festival Ilustra Plaza também homenageia a tradição dos cosplays. Os interessados poderão participar de um desfile especial no domingo (14), mas precisam se inscrever para uma triagem inicial no sábado (06), onde jurados avaliarão interpretação, poses e qualidade dos figurinos. Os aprovados terão a oportunidade de subir ao palco e mostrar seu talento.

“Os cosplays são uma maneira de os fãs expressarem sua paixão por personagens de animes, mangás e jogos, além de interagirem com outros entusiastas. É um momento de celebração da criatividade e da cultura pop”, explica Bianca Branco.

Gastronomia inspirada na Ásia

Nenhum festival está completo sem boa comida. O Ilustra Plaza trará opções inspiradas na culinária asiática em estilo street food. Entre os destaques estão Wassabi Sushi Store (onigiri), Hakata (lámen, yakisoba e guioza), Pandas (comida coreana), Tokoyaki Brothers (tokoyaki), Kokay (taiyaki, dango e mochi), Takayuki Sushi (donburi oishi e maguro oishi) e Doce Nuvem (algodão doce).

Essa variedade garante que o público tenha uma experiência completa, unindo arte, música, diversão e sabores típicos do universo asiático.

Lojas especializadas e cultura pop

O festival ainda contará com lojas dedicadas à cultura geek e K-pop, como Geek Mundo, Bakamoon, Korea Shop, Sebo do Anderson, Banca Zapp e Top Games, ampliando a experiência de quem deseja conhecer, comprar ou colecionar produtos relacionados a quadrinhos, games e música.

Artistas confirmados

Entre os artistas que participarão do festival estão Mari Ilustra (@mari_ilustra), Sombras do Recife por Roberta Cirne (@sombrasdorecife), Lais Marques (@mm.lais), Draconnasti (@draconnasti), Ushi no Musume (@leticia_hms), Danielle Jaimes (@danielle.jaimes), Andressa Silva (@dessamore), Deborah Barbosa (@illustriere), Mari Petrovana (@mari_petrovana), Carlos Eduardo Cunha (@ceduardocunha), Mei (@meiru.png), André Santana (@andresantanailustra), Hanny (@hanny.cos), Rico Alencastro (@ricoalencastro), Melyssa Melo (@magrelissa), Ricardo Douglas (@necrogeek_oficial), Isekai Cosmaking (@isekaicosmaking), Corvoraz (@inkmadecorvoraz), Mimontero (@mimontero0) e Rafael Cavalcanti (@befoxl).

A diversidade de estilos e técnicas promete encantar tanto quem já acompanha o trabalho desses artistas quanto quem terá o primeiro contato com suas criações, transformando o festival em um verdadeiro espaço de celebração da arte independente.

Acessibilidade e conforto

O Plaza Shopping reforça o compromisso com a inclusão. Haverá abafadores de ruído disponíveis para empréstimo no Balcão de Informações (piso L3) e área exclusiva para pessoas com deficiência (PCDs) próxima ao palco, garantindo que todos os visitantes possam aproveitar o festival de forma segura e confortável.

Como faço para participar?

A entrada é gratuita, e toda a programação pode ser acompanhada no site oficial do shopping e nas redes sociais do festival. Para quem busca um encontro com arte, música e diversão em um só lugar, essa é uma oportunidade imperdível.

Toque Familiar | A sensível obra-prima sobre memória, velhice e dignidade chega ao Brasil

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O cinema tem o poder de nos conectar com nossas próprias experiências, nossos medos mais íntimos e nossas alegrias silenciosas. Em sua estreia brasileira marcada para 18 de setembro, “Toque Familiar”, longa-metragem de Sarah Friedland, promete exatamente isso: um mergulho visceral na fragilidade humana, nos laços familiares e na complexa relação entre memória e identidade. Vencedor de três prêmios no prestigiado Festival de Veneza em 2024 — Leão do Futuro (Melhor Filme de Estreia), Melhor Direção na seção Orizzonti e Melhor Atriz para Kathleen Chalfant — o filme chega às telas brasileiras com o selo da Imovision, trazendo uma experiência cinematográfica intensa e profundamente tocante.

A obra já havia conquistado público e crítica internacionais. Com 98% de aprovação no Rotten Tomatoes e 88/100 no Metacritic, “Toque Familiar” também foi destaque na 48ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, onde levou o prêmio de Melhor Filme de Ficção, consolidando-se como um dos filmes mais elogiados e comentados do último ano. Mas mais do que números e troféus, o que torna a experiência de assistir ao filme tão impactante é sua humanidade crua e honesta, que se infiltra em cada cena e cada silêncio.

Uma história que reflete nossa própria humanidade

No centro da história está Ruth, uma mulher que enfrenta os primeiros estágios do Alzheimer e é levada a se mudar para uma casa de repouso. A narrativa se desenrola de maneira sensível, quase poética, explorando não apenas os desafios da memória em declínio, mas também os laços que nos conectam à nossa história pessoal, à nossa família e à nossa própria dignidade.

O filme levanta questões fundamentais: o que resta quando a memória se dissolve? Quem somos quando nossas lembranças, que moldaram nossa identidade, começam a desaparecer? Sarah Friedland não oferece respostas fáceis; ela nos convida a refletir sobre a vulnerabilidade do corpo envelhecido, a complexidade das relações familiares e a beleza que ainda pode ser encontrada em uma vida que se transforma a cada momento.

A diretora que conheceu a realidade de perto

Sarah Friedland, nascida em 1994 nos Estados Unidos, não é apenas cineasta — ela é também coreógrafa e estudiosa de cultura moderna e mídia pela Brown University. Antes de dirigir “Toque Familiar”, trabalhou como assistente de grandes nomes do cinema, como Steve McQueen e Kelly Reichardt, experiências que influenciaram sua sensibilidade narrativa e sua atenção aos detalhes do movimento e da corporalidade.

O longa nasceu de uma experiência pessoal profundamente marcante. A diretora acompanhou sua avó durante os estágios de demência e observou como a família passou a tratá-la no verbo passado, como se já tivesse deixado de existir. Essa percepção sobre a linha tênue entre a pessoa que foi e a que ainda permanece em seu corpo físico tornou-se o ponto de partida para a construção do filme. Para aprofundar sua pesquisa e garantir autenticidade, Friedland trabalhou por três anos como cuidadora, convivendo com idosos em casas de repouso, aprendendo seus hábitos, seus medos e, principalmente, suas formas de comunicação não verbal.

Um dos aspectos mais impressionantes do processo criativo de Friedland foi a decisão de envolver residentes reais em oficinas de cinema, na Villa Gardens, em Pasadena. Esses participantes não apenas atuaram, mas tornaram-se co-criadores, contribuindo para uma narrativa genuína, sem estereótipos, e respeitando integralmente a ética e o consentimento.

Kathleen Chalfant: uma performance que transcende o cinema

Se Sarah Friedland construiu um universo sensível e delicado, Kathleen Chalfant foi a artista escolhida para dar vida à protagonista, Ruth. Com uma carreira icônica no teatro americano, especialmente na Broadway, Chalfant entrega aqui o que muitos críticos consideram sua melhor performance no cinema.

O LA Times descreveu sua atuação como “monumental e profundamente humana”, ressaltando a capacidade da atriz de encarnar múltiplas dimensões de Ruth — mãe, amante, profissional, criança e mulher. Cada gesto, cada olhar e até o silêncio da atriz carregam camadas de emoção que conectam o espectador diretamente com a experiência da personagem. A habilidade de Chalfant em humanizar a velhice e a vulnerabilidade de sua memória transforma a narrativa em um espelho que reflete nossas próprias memórias, perdas e relações familiares.

Um filme que se constrói nos detalhes

O filme não se apoia em efeitos grandiosos ou trilhas sonoras convencionais para emocionar o público. Ao contrário, Friedland optou por uma abordagem sensorial mais intimista, utilizando sons ambientes como a verdadeira trilha sonora. O barulho do ar-condicionado, murmúrios, passos e toques se tornam o score natural do filme, permitindo que o público experimente o universo mental de Ruth de forma imersiva.

Outro elemento que chama atenção é a exploração da sexualidade na velhice. Ao retratar flertes, desejos e relacionamentos afetivos entre idosos, o filme desafia estigmas e tabus. Cenas delicadas, que mesclam ciúme, prazer e vulnerabilidade, humanizam personagens que muitas vezes são invisibilizados na narrativa cinematográfica tradicional. É uma abordagem rara e necessária, que mostra que a vida emocional e sexual não se encerra com a idade ou com o declínio cognitivo.

Um percurso de reconhecimento internacional

Desde sua estreia em Veneza, o longa-metragem percorreu diversos festivais ao redor do mundo, incluindo o New York Film Festival e o AFI Fest, gerando debates significativos sobre a representação da velhice, memória e cuidados com idosos. Nos Estados Unidos, o filme ganhou espaço em veículos de prestígio como The New Yorker, onde discussões sobre ética, cinema e empatia foram amplamente destacadas. Além disso, exibições especiais com bate-papos e workshops tornaram a experiência ainda mais enriquecedora, reforçando a importância do filme como ferramenta de reflexão social.

No Brasil, a expectativa é igualmente alta. A Imovision aposta no longa como um dos destaques de 2025, oferecendo ao público brasileiro a oportunidade de vivenciar uma obra que não apenas entretém, mas provoca empatia e introspecção.

Um filme sobre nós, para nós

Mais do que um relato sobre Alzheimer ou velhice, o drama é uma história sobre humanidade, fragilidade e conexão. Cada cena, cada interação e cada silêncio lembram ao público que, por trás da memória, existe a dignidade de cada indivíduo e a necessidade de relações genuínas.

A abordagem de Friedland — ética, respeitosa e profundamente sensível — transforma o filme em uma experiência quase terapêutica. Ele nos força a pensar sobre como tratamos nossos idosos, como lidamos com perdas e como encontramos beleza e significado mesmo em meio à fragilidade humana.

Vitória Strada, Daniel Rocha e Beca Barreto estrelam Recife Assombrado 2, que chega aos cinemas em outubro

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O Recife se prepara para mais uma incursão pelo sobrenatural com a chegada de Recife Assombrado 2: A Maldição de Branca Dias aos cinemas no dia 23 de outubro de 2025. Dirigido por Adriano Portela, o longa promete misturar suspense, história e folclore local, trazendo de volta o protagonista Hermano, interpretado por Daniel Rocha, e apresentando ao público a influenciadora Beca Barreto, que estreia no cinema.

“Sempre sonhei em atuar, e o apoio dos meus seguidores foi fundamental para que isso acontecesse. Estou muito feliz por viver esse desafio”, declarou Beca, que assume um papel central na trama e se prepara para conquistar o público com sua primeira experiência no cinema.

Lendas urbanas ganham vida nas telas

Dando sequência ao sucesso de “Recife Assombrado” (2019), o segundo filme amplia o universo paranormal da primeira produção. Hermano convoca um grupo de jovens pesquisadores para investigar a maldição de uma joia ligada à Branca Dias, uma mulher histórica do século XVI perseguida pela Inquisição.

“Queríamos mergulhar ainda mais nas lendas urbanas do Recife, incluindo uma figura que o público pedia desde o primeiro filme: a Perna Cabeluda. Agora, ela finalmente aparece, e de forma impactante”, revela o diretor Adriano Portela. A produção não apenas revisita o folclore local, mas também conecta o espectador à história da cidade, mostrando que Recife é cenário de mistérios e histórias envolventes que vão muito além do turismo e das paisagens conhecidas.

Elenco diversificado e presença de talentos locais

Além de Daniel Rocha (Segundo Sol, Onde Nascem os Fortes), o filme traz Vitória Strada (Espelho da Vida, Além da Ilusão) no papel da líder da equipe de investigadores, e conta com participações de Aramis Trindade (Amor de Mãe, O Auto da Compadecida), Mônica Feijó (O Outro Lado do Paraíso, Boogie Oogie), Pally Siqueira (Todas as Flores, Malhação) e Gil Paz (Reis, Nos Tempos do Imperador). Combinando atores já consagrados com novos talentos, o longa valoriza o cenário artístico pernambucano, mostrando diversidade de experiências e expressões.

As gravações exploraram o Recife histórico e suas construções icônicas: do Teatro de Santa Isabel, que confere imponência às cenas, ao Arquivo Público Estadual e ao Forte das Cinco Pontas, reforçando a atmosfera de mistério e autenticidade. Em Vicência, na Zona da Mata, uma antiga residência centenária serviu de cenário para o universo de Branca Dias, permitindo que o público mergulhasse no passado da cidade e na construção da narrativa sobrenatural.

Efeitos visuais e tecnologia a serviço do suspense

Produzido pela Viu Cine, o longa apresenta mais de 80 cenas com efeitos visuais, incluindo personagens digitais que interagem com os atores. Parte da produção foi realizada no Estúdio Nahsom, conhecido por seu uso avançado de painéis de LED e cenários 3D, permitindo que cenas complexas fossem criadas com realismo e dinamismo.

“Nosso objetivo é que o público sinta cada emoção: medo, tensão, surpresa e até orgulho de ver Recife representado de forma tão rica no cinema. Cada detalhe, cada cenário e cada efeito foram pensados para transportar o espectador para dentro da história”, afirma o produtor e roteirista Ulisses Brandão.

Uma experiência cinematográfica completa

Combinando suspense, folclore e elementos históricos, o longa-metragem se apresenta como uma experiência cinematográfica única. O público não apenas acompanha uma história de terror, mas também se aproxima da cultura e das lendas pernambucanas, mergulhando em um universo que mistura realidade e sobrenatural.

A estreia, marcada para 23 de outubro, chega em um momento em que o cinema nacional busca destacar histórias regionais e oferecer novas perspectivas sobre a diversidade cultural do país. Para fãs de suspense e curiosos pela história do Recife, o filme promete ser uma viagem intensa e envolvente, capaz de emocionar, assustar e encantar.

aCenaCast | Videocast pernambucano dá voz a artistas e debates culturais locais

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Em Pernambuco, a produção cultural pulsa em cada esquina, nos palcos, nas ruas e nas pequenas casas de artistas independentes. Para dar visibilidade a essas histórias, nasceu o aCenaCast, videocast que estreou em julho de 2025 e já se tornou referência na valorização da arte local. Criado pelo portal aCena Recifense, o projeto reúne artistas, produtores e personalidades para discutir temas que refletem a identidade e a diversidade cultural do estado.

Com exibição quinzenal, o videocast é transmitido ao vivo no YouTube e também está disponível em áudio nas principais plataformas de streaming, como Spotify, Deezer, Amazon Music e YouTube Music. A primeira temporada segue até dezembro, totalizando 12 episódios que exploram diferentes aspectos da cena cultural pernambucana: música, teatro, performances drag, arte queer, eventos independentes e espaços culturais locais. O foco do aCenaCast está em dar voz a artistas marginalizados, como pessoas negras, LGBTQIAPN+ e periféricas, mostrando não apenas suas produções artísticas, mas também suas histórias de vida, desafios e conquistas.

Apresentadores que conectam arte e público

O programa é apresentado por Rodrigo Luz, produtor cultural e fundador do aCena Recifense, e pelo multiartista Andrews Bezerra, que conduzem entrevistas e debates de forma próxima e acessível. Na estreia, o episódio “O Panorama da Arte Drag Pernambucana” trouxe as drag queens Safira Blue e Sayuri Heiwa, que falaram sobre a resistência, a criatividade e os desafios da cena drag em Pernambuco.

Episódios seguintes abordaram a projeção nacional da arte local com Ruby Nox, participante do Drag Race Brasil, a presença de travestis na cena artística com Fabiana Oliveira e Gaby Lima, e o impacto da arte queer no teatro e na televisão com Vagiene Coqueluche e Betty Xuca. Cada episódio reforça a diversidade e o protagonismo artístico da região.

Arte, inclusão e acessibilidade

O aCenaCast vai além de entrevistas: é um espaço seguro de diálogo e reflexão, onde artistas podem compartilhar suas experiências e perspectivas de forma autêntica. O projeto também se destaca pela acessibilidade, oferecendo tradução simultânea em LIBRAS, garantindo que todos os públicos possam acompanhar os debates.

Segundo Rodrigo Luz, “o aCenaCast nasceu da necessidade de criar um espaço onde artistas pudessem falar livremente sobre suas histórias, angústias, conquistas e inquietações. É uma forma de valorizar quem faz a cultura acontecer, muitas vezes à margem da mídia tradicional”.

Próximos episódios: música, eventos e espaços culturais

A programação futura promete explorar ainda mais a música pernambucana, os bastidores de eventos locais e os espaços culturais que fomentam a produção artística no estado. A ideia é mostrar como Pernambuco se mantém vivo, plural e criativo, conectando público e artistas e fortalecendo a cena local.

Como acompanhar

Para assistir aos episódios, basta acessar o canal oficial do aCena Recifense no YouTube. Quem prefere ouvir os programas pode encontrá-los nas plataformas de streaming mencionadas. Atualizações, bastidores e informações sobre episódios futuros estão disponíveis no Instagram do aCena Recifense.

Stefany Borba lança Um Jardim Onde Morrem as Flores e Nascem Segredos e mergulha em mistérios familiares

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Em Um Jardim Onde Morrem as Flores e Nascem Segredos, Stefany Borba oferece mais do que um simples romance de suspense: ela convida o leitor a explorar as complexas relações familiares, os segredos que se acumulam com o tempo e o peso das memórias não ditas. Publicado pela Trend Editora, o livro combina elementos de thriller psicológico com drama familiar, resultando em uma narrativa intensa e envolvente.

A história gira em torno de Maria Isabel, apelidada de Bel, uma jovem que retorna à casa de sua avó recentemente falecida. O que parecia ser uma visita corriqueira para organizar pertences rapidamente se transforma em uma jornada de descobertas e confrontos emocionais. Entre objetos esquecidos, fotografias antigas e lembranças soterradas, Bel começa a perceber que o passado da família guarda mistérios sombrios, capazes de abalar não apenas sua vida, mas também a comunidade ao redor.

O livro inicia com uma pergunta aparentemente simples, mas cheia de significado: “por que alguém que ama flores nunca cuidou do próprio jardim?” A interrogação funciona como fio condutor da narrativa, simbolizando a dualidade entre cuidado e abandono, afeto e silêncio, lembranças doces e traumas dolorosos. À medida que Bel investiga o passado de sua família, ela se depara com desaparecimentos antigos, histórias não contadas e crimes que ainda ecoam pela cidade de Itapetininga, no interior de São Paulo.

O thriller de Stefany Borba se destaca pela construção de personagens autênticos e complexos. Entre avó, mãe e neta, três gerações de mulheres compartilham não apenas laços sanguíneos, mas também dores e legados invisíveis. O livro explora como o silêncio pode ser aprendido como forma de sobrevivência, revelando as marcas deixadas por traumas antigos e decisões difíceis. A narrativa mostra que segredos enterrados tendem a florescer, mesmo nos lugares mais inesperados.

Um dos momentos mais impactantes ocorre quando Bel encontra uma fotografia de 1978: sua avó segura um bebê. Pela expressão e pelos detalhes da imagem, Bel reconhece imediatamente que se trata de Roberta, a irmã mais velha de sua mãe, desaparecida há décadas. A descoberta coloca em movimento uma série de reflexões e investigações que conectam passado e presente, revelando camadas de mistério e suspense psicológico.

Além de suspense e drama, o livro levanta questões sobre papéis sociais, gênero e violência. Stefany Borba mostra, de forma sensível, como as mulheres carregam não apenas os segredos familiares, mas também as expectativas impostas pela sociedade. Entre medo e coragem, luto e perdão, a história evidencia que enfrentar memórias dolorosas é um processo necessário para o crescimento pessoal.

A narrativa também dialoga com o leitor, estimulando-o a refletir sobre sua própria vida. A metáfora do jardim — florescendo em meio a segredos e raízes profundas — simboliza que o crescimento exige coragem para encarar aquilo que está oculto. O livro demonstra que, muitas vezes, é preciso revolver a terra, mesmo sem saber o que será encontrado, para que a verdade venha à tona e as feridas possam ser curadas.

Um Jardim Onde Morrem as Flores e Nascem Segredos combina ritmo ágil com momentos de introspecção profunda, tornando-se um romance que prende do início ao fim. A tensão construída por Stefany Borba não depende apenas de eventos externos, como desaparecimentos ou crimes antigos, mas também do conflito interno dos personagens, que precisam confrontar suas memórias, traumas e medos mais profundos.

Ao longo da leitura, Bel se torna uma espécie de guia para o leitor, mostrando que investigar a própria história familiar exige coragem, paciência e sensibilidade. Cada capítulo revela não apenas segredos do passado, mas também aspectos universais das relações humanas: a dificuldade de perdoar, a necessidade de entender e a inevitável transformação que vem de olhar para dentro.

A obra reforça que segredos, embora enterrados, têm uma maneira de emergir. Stefany Borba não entrega respostas fáceis; ao contrário, convida à reflexão, mostrando que a vida, assim como um jardim, é feita de ciclos de crescimento, florescimento e, às vezes, de flores que não resistem. O thriller é, portanto, uma leitura que combina emoção, mistério e introspecção, lembrando que coragem e autoconhecimento caminham lado a lado.

Pacificador | 2º episódio da série chega à HBO Max e amplia a jornada do anti-herói

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Foto: Reprodução/ Internet

A segunda temporada de Pacificador, série da DC Studios e Warner Bros. Television, continua a conquistar fãs do Universo DC. O segundo episódio foi lançado nesta quinta-feira, 28 de agosto, e já está disponível na HBO Max. A produção mantém o equilíbrio entre ação, humor e drama psicológico, consolidando Christopher “Chris” Smith interpretado por John Cena, como um dos personagens mais complexos do universo de super-heróis da atualidade.

Desde a estreia da segunda temporada, em 21 de agosto, a série vem recebendo elogios da crítica. O lançamento do segundo episódio nesta quinta reforça o entusiasmo do público, que acompanha cada novo capítulo semanalmente. A crítica destaca a evolução da narrativa em relação à primeira temporada, a profundidade do personagem principal e a performance de John, que equilibra momentos cômicos e dramáticos com precisão.

Uma temporada que mergulha no personagem

Diferente de outras produções de super-heróis, a série combina elementos de ação intensa com uma análise profunda da psicologia de Chris Smith. Na segunda temporada, o personagem precisa enfrentar não apenas criminosos, mas também as consequências morais de suas próprias escolhas. A narrativa mostra sua tentativa de evoluir e redefinir sua noção de justiça, enquanto lida com traumas do passado e relações pessoais complicadas.

O segundo episódio exemplifica essa dualidade: ação desenfreada em cenários urbanos se mistura a momentos de vulnerabilidade emocional, permitindo que o público conheça diferentes camadas do protagonista. A escrita de James Gunn continua afiada, equilibrando cenas de comédia física com diálogos carregados de ironia e referências culturais.

Elenco diversificado e novos rostos

Além do retorno de John Cena, o elenco da temporada inclui Danielle Brooks, Jennifer Holland, Freddie Stroma, Steve Agee e Robert Patrick, atores que já conquistaram o público com suas performances na primeira temporada. Nesta nova fase, Frank Grillo, David Denman, Sol Rodríguez e Tim Meadows se juntam à produção, trazendo novos elementos dramáticos e cômicos à história.

A dinâmica entre os personagens principais ganha força graças à química natural do grupo. Enquanto Chris lida com seus dilemas, os colegas e antagonistas adicionam camadas de tensão, humor e emoção, tornando cada episódio imprevisível e envolvente.

Quem está por trás do roteiro?

A força da série vem do envolvimento intenso de James Gunn. Criador e produtor executivo, Gunn escreveu todos os oito episódios da temporada e dirigiu três, incluindo a estreia. Sua visão permite que Pacificador se destaque não apenas pela ação, mas também pelo desenvolvimento emocional do protagonista e pelo cuidado com detalhes que agradam aos fãs de quadrinhos e do público em geral.

Outros diretores da temporada, como Greg Mottola, Peter Sollett e Althea Jones, também contribuem para dar ritmo e estética únicos a cada episódio. A parceria entre Troll Court Entertainment, The Safran Company e Warner Bros. Television garante uma produção visualmente impressionante e narrativamente coesa.

Bastidores e conteúdo exclusivo

Para os fãs que desejam ir além dos episódios, o Pacificador: O Podcast Oficial com James Gunn, disponível no YouTube da HBO Max, oferece conteúdo exclusivo. A cada terça-feira, Gunn compartilha detalhes dos bastidores, curiosidades sobre os personagens e reflexões sobre a produção. O primeiro episódio do podcast já analisa os acontecimentos da estreia da segunda temporada, oferecendo insights sobre escolhas de roteiro e desenvolvimento de personagens.

Qual é a conexão com o universo da DC?

Pacificador nasceu como um spin-off do filme O Esquadrão Suicida (2021) e agora integra o DC Universe (DCU) após o soft reboot do DCEU. A segunda temporada mostra Chris Smith após os eventos de Superman (2025), com pequenas referências que conectam a narrativa da série ao restante do universo cinematográfico. Essa integração proporciona uma experiência mais rica para os fãs, que reconhecem easter eggs e participações especiais, mantendo o universo interligado e consistente.

Ruídos | Terror coreano que conquistou o mundo chega aos cinemas brasileiros

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O cinema sul-coreano volta a conquistar o público brasileiro com a estreia de Ruídos, longa-metragem de terror psicológico que promete elevar a experiência de suspense nos cinemas. Depois de atrair mais de 1 milhão de espectadores na Coreia do Sul, o filme chega ao Brasil com data marcada para 9 de outubro, distribuído pela A2 Filmes, em versões dublada e legendada. Abaixo, confira o trailer do longa-metragem:

Uma trama que explora o suspense e o terror psicológico

A história acompanha Ju-young, um jovem com deficiência auditiva que vê sua vida virar de cabeça para baixo quando sua irmã desaparece misteriosamente. Encontrada pela última vez em seu próprio apartamento, ela deixa apenas indícios enigmáticos que levam Ju-young a investigar por conta própria.

À medida que a busca avança, o protagonista começa a perceber sons estranhos, sussurros e ruídos que desafiam sua compreensão, transformando o que inicialmente parecia ser uma investigação em uma experiência aterrorizante. O diferencial de RUÍDOS está no uso inovador do som como elemento narrativo.

A deficiência auditiva de Ju-young cria uma tensão única: o espectador é colocado no lugar do personagem, experimentando a oscilação entre silêncio absoluto e ruídos inesperados que aumentam a sensação de vulnerabilidade. Cada cena, cada eco ou crepitar do ambiente é cuidadosamente planejado para intensificar a ansiedade e o suspense.

Críticos especializados destacam que o filme consegue gerar medo através do som, mais do que por sustos visuais, aproximando RUÍDOS de clássicos do terror psicológico internacional, mas com uma abordagem original sul-coreana.

Direção e elenco de destaque

O filme marca a estreia de Kim Soo-jin na direção cinematográfica, conhecida anteriormente por trabalhos televisivos como a série “KBS Drama Special”. Com o filme, a diretora explora um estilo visual e sonoro que constrói tensão a partir de detalhes minuciosos do cotidiano, reforçando a imersão do público.

O elenco inclui nomes de destaque do cinema sul-coreano contemporâneo. Lee Sun-bin, conhecida por “Trap” e “Sweet Home”, interpreta Ju-young com nuances emocionais que combinam vulnerabilidade e coragem. Han Soo-a, de “My Name” e “Aposta Fatal”, dá vida à irmã desaparecida, trazendo profundidade ao papel central mesmo com tempo de tela limitado. Kim Min-seok, famoso por “Record of Youth” e “Cidade de Ilusões”, assume um papel secundário, mas crucial, acrescentando complexidade à investigação. Já Joo-young, que participou de “Along with the Gods” e “Vincenzo”, complementa o elenco com uma performance intensa e emocional.

A escolha de um protagonista com deficiência auditiva não apenas diferencia o filme de outras produções de terror, mas também permite que a narrativa explore a percepção sensorial de forma inédita. Cada ruído, cada silêncio prolongado e cada eco nos corredores escuros torna-se um instrumento de medo, amplificando a experiência para quem assiste.

Reconhecimento internacional e festivais

RUÍDOS não ficou restrito ao público sul-coreano. O longa teve destaque em diversos festivais internacionais, incluindo o Toronto International Film Festival (TIFF), o Sitges International Fantastic Film Festival of Catalonia, o Transilvania International Film Festival e o KOSMORAMA Trondheim International Film Festival. Cada exibição recebeu elogios da crítica pelo design de som inovador e pela habilidade em mesclar suspense psicológico com drama humano.

No Rotten Tomatoes, críticos apontaram que Ruídos está entre os melhores filmes de terror do ano, principalmente por sua abordagem única de suspense e por explorar o terror a partir da perspectiva de um personagem com deficiência auditiva. A combinação de tensão sonora, construção de atmosfera e atuação consistente garantiu ao filme reconhecimento global.

Sons inexplicáveis

Durante as filmagens, a diretora Kim Soo-jin compartilhou relatos sobre sons misteriosos que surgiam nos sets, sem origem identificável. Objetos que caíam sozinhos, ruídos eletrônicos sem explicação e sussurros aparentemente sem dono deixaram a equipe intrigada. Essas experiências não só alimentaram a lenda em torno da produção, mas também ajudaram a equipe a manter a atmosfera de medo presente em cada cena.

Além disso, a abordagem técnica do filme é inovadora. A equipe de som trabalhou para criar camadas de áudio que reproduzem o ponto de vista de Ju-young, alternando entre o silêncio absoluto e sons perturbadores. Esse contraste intenso reforça a tensão e transforma a experiência cinematográfica em algo visceral.

O figurino e a ambientação também foram planejados para complementar a atmosfera. Apartamentos estreitos, corredores mal iluminados e objetos cotidianos deslocados reforçam a sensação de insegurança e vulnerabilidade. Cada detalhe visual foi pensado para intensificar o impacto psicológico da narrativa, criando uma experiência completa de terror sensorial.

Inovação na representação da deficiência auditiva

RUÍDOS não apenas usa o som como ferramenta narrativa, mas também abre espaço para discussões sobre representatividade. A escolha de um protagonista com deficiência auditiva não é apenas estética, mas parte integrante da história. Ju-young é apresentado como um indivíduo capaz, resiliente e emocionalmente complexo, evitando estereótipos e reforçando a importância de incluir personagens com limitações físicas de maneira significativa.

A narrativa permite que o público experimente a vulnerabilidade e a sensibilidade do personagem, aproximando os espectadores de uma perspectiva raramente explorada no cinema de terror. Essa abordagem não só amplia o entendimento sobre deficiência auditiva, mas também contribui para criar uma imersão completa, onde cada som e silêncio é sentido com intensidade.

Crepúsculo volta às salas de cinema em evento especial pelo aniversário da franquia

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Foto: Reprodução/ Internet

A saga Crepúsculo retorna ao coração dos fãs com um novo capítulo em sua história cinematográfica. A Lionsgate revelou recentemente um trailer inédito que anuncia o relançamento do primeiro filme da franquia nas salas de cinema dos Estados Unidos, entre os dias 29 de outubro e 2 de novembro, em comemoração ao 20º aniversário da série literária de Stephenie Meyer. Esta celebração marca não apenas a nostalgia de quem cresceu acompanhando Isabella Swan e Edward Cullen, mas também a oportunidade para uma nova geração se encantar com a história que revolucionou o universo dos romances sobrenaturais no cinema.

Lançado originalmente em 21 de novembro de 2008, o filme “Crepúsculo”, dirigido por Catherine Hardwicke e com roteiro de Melissa Rosenberg, rapidamente se tornou um fenômeno cultural. Com Kristen Stewart no papel de Bella Swan e Robert Pattinson como Edward Cullen, a história de amor entre a jovem humana e o vampiro misterioso cativou públicos de todas as idades. A química entre os protagonistas e a tensão sobrenatural presente em cada cena transformou o filme em um ícone do cinema adolescente, consolidando a saga como referência no gênero.

A produção começou sob a batuta da Paramount Pictures, mas, após três anos de desenvolvimento, os direitos foram adquiridos pela Summit Entertainment, que iniciou a pré-produção com foco na fidelidade ao romance de Meyer. As filmagens ocorreram nos estados de Washington e Oregon, capturando a atmosfera chuvosa e melancólica de Forks, cidade que se tornaria tão emblemática quanto os próprios personagens. Cada enquadramento e cada detalhe de cenário foram pensados para criar uma imersão completa no universo sombrio e romântico da saga.

A história que transformou a vida de Bella Swan

A narrativa gira em torno de Isabella Swan, uma jovem de 17 anos que se muda de Phoenix para Forks para morar com seu pai, o chefe de polícia Charlie Swan. De início, Bella é uma adolescente introspectiva e reservada, mas sua vida muda radicalmente ao conhecer os Cullen: Edward, Alice, Emmett, Rosalie e Jasper. A princípio, Edward demonstra comportamento distante e hostil, despertando a curiosidade e o fascínio de Bella. Aos poucos, ela descobre, através de lendas contadas pelo amigo de infância Jacob Black, que a família Cullen são vampiros “vegetarianos”, ou seja, que se alimentam apenas de sangue de animais.

O enredo se intensifica com a ameaça de James, um vampiro rastreador que caça Bella, motivando Edward e sua família a protegerem a jovem. O confronto final ocorre em um estúdio de balé, onde Bella é atacada, mas salva por Edward, reforçando a dimensão romântica e protetora do amor que une os Cullen. A narrativa, carregada de suspense e emoção, explora a complexidade dos sentimentos de Bella e a tensão entre o desejo e o perigo, tornando a saga um marco na cultura pop.

Um elenco que fez história

O sucesso de Crepúsculo se deve em grande parte à força de seu elenco. Kristen Stewart trouxe à Bella Swan uma combinação de vulnerabilidade e determinação, criando uma personagem complexa que ressoou com milhões de fãs. Robert Pattinson, no papel de Edward Cullen, equilibrou o mistério do vampiro com uma intensidade emocional que consolidou sua imagem como ícone romântico.

Além dos protagonistas, o elenco de apoio contribuiu para a construção de uma família de vampiros singular: Peter Facinelli (Carlisle), Elizabeth Reaser (Esme), Ashley Greene (Alice), Jackson Rathbone (Jasper), Nikki Reed (Rosalie) e Kellan Lutz (Emmett). Cada personagem possuía habilidades e personalidades distintas, enriquecendo o universo da saga e permitindo que os espectadores mergulhassem em uma mitologia vampírica inovadora e detalhada.

Desafios e bastidores da produção

O caminho para a tela grande não foi simples. Inicialmente, o roteiro desenvolvido pela Paramount era significativamente diferente do livro, o que gerou discussões sobre a adaptação. Quando a Summit Entertainment assumiu o projeto, a meta passou a ser uma fidelidade maior à obra de Meyer, capturando a perspectiva de Bella e a essência emocional da narrativa. A colaboração entre Hardwicke e Rosenberg foi essencial para manter o equilíbrio entre ação, romance e suspense, garantindo que o filme falasse diretamente aos fãs do livro.

As filmagens enfrentaram desafios logísticos e climáticos, já que a cidade de Forks é conhecida por seu clima chuvoso constante, fator que contribuiu para a atmosfera melancólica do filme, mas também exigiu adaptabilidade da equipe técnica. A atenção aos detalhes – desde o design de produção até a iluminação – reforçou a imersão, tornando Forks quase um personagem por si só, com sua névoa, chuva e florestas densas, elementos essenciais para o tom da história.

Impacto cultural e financeiro

O sucesso de Crepúsculo transcendeu as telas. No primeiro dia de exibição, o filme faturou US$ 35,7 milhões, atingindo US$ 69,6 milhões no fim de semana de estreia, quase dobrando seu orçamento inicial de US$ 37 milhões. Mundialmente, arrecadou US$ 393 milhões, consolidando-se como um dos maiores sucessos de filmes de vampiros da época. A venda de DVDs adicionou US$ 191 milhões, enquanto a trilha sonora se tornou icônica, com músicas que ainda evocam a emoção e a nostalgia do filme.

O impacto cultural vai além das finanças: a saga influenciou moda, comportamento adolescente e até mesmo a forma como histórias de vampiros são contadas no cinema. O conceito dos vampiros “vegetarianos” e a mitologia envolvendo a tribo Quileute trouxeram inovação ao gênero, estabelecendo um universo rico que seria explorado nas sequências e garantindo a fidelidade dos fãs à franquia.

O trailer inédito e a experiência cinematográfica atual

O trailer inédito do relançamento de 2025 traz uma combinação de cenas clássicas e imagens recém-editadas, recriando momentos emblemáticos com uma perspectiva renovada. O público poderá revisitar a primeira vez que Bella e Edward se encontram, os instantes de tensão com James, e a construção gradual do romance que se tornaria referência para várias gerações. A expectativa é que a experiência nas telonas supere a nostalgia, permitindo que novos fãs se apaixonem por Forks e seus moradores sobrenaturais.

A mitologia que conquistou gerações

Um dos grandes diferenciais da saga é a construção de um universo detalhado e coerente. Os vampiros Cullen, com suas regras e códigos de conduta, contrastam com o mito tradicional de vampiros perigosos, enquanto a tribo Quileute introduz a mitologia de metamorfos, ampliando o imaginário dos espectadores. Esses elementos criam uma narrativa rica, que combina romance, aventura e fantasia de forma única, permitindo que a história continue a cativar novas gerações mesmo décadas após seu lançamento.

Além disso, a saga trata de temas universais, como amor, coragem, lealdade e escolhas pessoais, ressoando com públicos de diferentes idades. A jornada de Bella, de uma adolescente insegura a alguém capaz de enfrentar desafios sobrenaturais, inspira identificação e empatia, tornando o filme mais do que uma história de vampiros, mas uma narrativa sobre crescimento e autodescoberta.

MGM+ divulga trailer e confirma data de estreia da nova série Robin Hood

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A MGM+ acaba de anunciar uma de suas maiores apostas para 2025: a série Robin Hood, uma nova releitura da lenda medieval que atravessou séculos como símbolo de justiça e resistência. A produção estreia em 2 de novembro e promete entregar ao público uma mistura de autenticidade histórica, drama psicológico e cenas de aventura que remetem ao espírito original do mito.

Os dois primeiros episódios serão disponibilizados logo no dia da estreia, em 2 de novembro. Depois disso, a série seguirá o formato semanal, com novos capítulos sempre aos domingos. O último episódio da temporada está programado para ir ao ar em 28 de dezembro, fechando o ano com um desfecho épico.

Esse modelo de lançamento cria um clima de expectativa e permite que os fãs acompanhem a trama de forma coletiva, discutindo cada acontecimento semanalmente, como acontecia nas grandes séries da TV tradicional.

Uma lenda recontada com realismo

Ao longo das décadas, Robin Hood já ganhou inúmeras versões — do cavaleiro galante ao fora da lei irreverente. Nesta nova produção, a aposta é em um tom mais sombrio e realista, ambientado na Inglaterra pós-invasão normanda.

O protagonista é apresentado como Rob, filho de um guarda florestal saxão que vê sua comunidade ser dominada pela tirania. Já Marian, filha de um lorde normando, encontra-se dividida entre sua origem aristocrática e a luta por justiça. Enquanto Rob se torna líder de rebeldes, Marian usa sua posição para se infiltrar na corte e colaborar contra a corrupção.

Bastidores: autenticidade e preparação intensa

A produção da série não poupou esforços para criar uma experiência imersiva e autêntica. Desde o início, os produtores definiram que a série teria rigor histórico, o que exigiu meses de pesquisa com especialistas em Idade Média.

As filmagens aconteceram em locações reais na Inglaterra, incluindo florestas preservadas e castelos históricos. A floresta de Sherwood, cenário mítico das histórias de Robin Hood, foi recriada com fidelidade para transmitir a sensação de imersão no século XI.

O elenco também passou por treinamentos intensivos. Jack Patten teve aulas de arco e flecha com arqueiros profissionais e praticou combate corpo a corpo com armas medievais. Lauren McQueen, por sua vez, recebeu treinamento em etiqueta cortesã e estratégias políticas, já que Marian atua dentro da aristocracia.

O legado de Robin Hood no cinema e na TV

Robin Hood é um dos personagens mais adaptados da cultura ocidental. Desde o clássico de Errol Flynn em 1938 até versões recentes com Russell Crowe (2010) e Taron Egerton (2018), o herói já percorreu diversos estilos, do épico romântico ao blockbuster moderno. Na TV, a versão da BBC entre 2006 e 2009 conquistou uma legião de fãs, enquanto a animação da Disney de 1973 transformou o fora da lei em uma raposa carismática.

A nova produção da MGM+ se diferencia por apostar no equilíbrio entre a grandiosidade histórica e a profundidade dramática, buscando dialogar tanto com espectadores que amam aventuras quanto com quem procura narrativas mais reflexivas.

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