LARA lança “Nossa Estrela” e nos convida a acreditar no amor — mesmo quando tudo parece incerto

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Tem música que chega de mansinho, sem fazer alarde, e mesmo assim toma conta da gente. Vai entrando pelos ouvidos, mas é no coração que ela se instala. Foi exatamente isso que aconteceu com “Nossa Estrela”, novo single da cantora e compositora LARA, lançado nesta quinta-feira, 1º de agosto, nas plataformas digitais. As informações são do Gshow.

A canção é daquelas que parecem ter sido escritas sob a luz fraca de um abajur, entre um suspiro e outro, num fim de tarde calmo. Com um toque romântico e uma entrega que só quem já amou de verdade entende, LARA mostra mais uma vez por que tem sido apontada como uma das artistas mais promissoras da nova geração da música brasileira. E olha que o álbum ainda nem saiu.

Um passo de cada vez — mas todos no caminho certo

“Nossa Estrela” chega como o terceiro lançamento dessa fase atual da artista. Antes vieram “Quase Tudo Se Encaixa” — aquela que apresentou sua nova estética musical — e “Romance Postiço”, lançada em junho, onde as camadas emocionais ficaram mais intensas, mais profundas.

Agora, com esse novo single, a cantora dá um passo sereno, mas firme, em direção ao seu primeiro álbum de estúdio, previsto para agosto de 2025. E se você ainda não tinha se conectado com ela, essa talvez seja a música ideal para começar.

Porque “Nossa Estrela” não fala só de amor romântico. Fala de encontro. De pertencimento. Da sorte rara de achar, no meio do caos do mundo, uma pessoa que te entende, te acolhe, te lembra por que tudo vale a pena. Como ela mesma diz: “A música é um convite pra gente acreditar e vibrar que mesmo diante de tanta violência, tantos desencontros, a união e o amor é o que dá sentido e faz a vida valer mesmo a pena.”

É bonito, né? Mas mais bonito ainda é ouvir isso cantado por ela.

Autoral de verdade – e isso faz diferença

Uma das coisas que mais impressionam na trajetória de LARA é que ela mete a mão na massa em absolutamente tudo: compõe, participa da produção, escolhe arranjos, afina cada detalhe do que entrega ao público. E isso não é só controle criativo — é amor mesmo.

Dá pra sentir que cada verso, cada melodia, foi cuidadosamente esculpido pra contar uma história. Não é música feita pra agradar o algoritmo. É música feita pra tocar alguém de verdade. Como ela mesma descreve, “Nossa Estrela” nasceu de uma reflexão profunda sobre a força que a gente encontra quando sente que pertence a alguém — ou a algum lugar.

Menos gritos, mais afeto

No meio de um mercado musical onde todo mundo parece gritar por atenção, a artista faz o contrário. Ela fala baixo. Sussurra. Entrega um tipo de emoção que não precisa de efeito especial. Ela confia no poder de uma letra bem escrita, de uma melodia sincera, de um arranjo que não precisa de pirotecnia pra ser bonito. A verdade é que ela não está competindo com ninguém. LARA está construindo um universo próprio, onde amor, dúvida, descoberta, saudade e esperança convivem com a mesma delicadeza com que ela segura cada nota. E quem entra nesse universo entende rapidinho: o que ela faz vai muito além de cantar. É quase uma experiência emocional. Quase uma conversa de alma pra alma.

O que esperar do álbum?

Por enquanto, o que temos são pistas. Três músicas já lançadas que mostram diferentes nuances dessa nova fase: a leveza de “Quase Tudo Se Encaixa”, a densidade de “Romance Postiço”, e agora o romantismo esperançoso de “Nossa Estrela”. Se seguir essa linha — e tudo indica que vai — o álbum de estreia deve ser um grande mergulho emocional, costurado por violões suaves, letras bem cuidadas e arranjos que abraçam. Ainda não tem nome divulgado, mas já dá pra sentir que não será apenas um disco de canções: será uma espécie de diário musical. Um retrato honesto de uma mulher que está descobrindo o mundo, o amor e a si mesma com coragem e poesia.

Uma artista que cresce devagar — e isso é bom

LARA não é dessas que explodem de uma hora pra outra. Ela vem crescendo como uma planta bem cuidada, devagar, mas com raízes fortes. E isso talvez seja o que mais a diferencia: a escolha por construir uma carreira sólida, verdadeira, sem pressa. Seja no palco pequeno de um festival alternativo ou num estúdio montado na sala de casa, ela canta com a mesma entrega. E talvez por isso cada vez mais gente esteja se conectando com sua música.

Terra da Padroeira | Programa deste domingo (03/08) celebra o sertanejo raiz com Irmãs Freitas, Moysés Rico e jovens promessas

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O domingo amanhece com cheiro de café passado na hora, pão de queijo na mesa e a certeza de que a boa música sertaneja tem lugar garantido na televisão brasileira. No dia 3 de agosto, a partir das 9h da manhã, o programa Terra da Padroeira abre suas portas – ou melhor, sua porteira – para mais uma edição recheada de grandes nomes da nossa música de raiz, entre veteranos consagrados e jovens promessas que carregam a alma do interior na voz e no coração.

Comandado com carisma por Kleber Oliveira, Tonho Prado e Menino da Porteira, o programa segue encantando o público com seu formato afetivo e acolhedor, que mistura talento, histórias emocionantes e um respeito profundo pela tradição sertaneja. E neste domingo, não será diferente.

As Irmãs Freitas: quatro décadas de trajetória e um legado que resiste ao tempo

Quem abre a manhã musical no palco da TV Aparecida é uma dupla que carrega no nome um pedaço da história da música brasileira: as Irmãs Freitas. Direto de Anápolis, em Goiás, elas trazem mais que melodias — carregam memórias vivas, trajetórias corajosas e a força feminina no sertanejo, gênero tantas vezes dominado por vozes masculinas.

Desde o lançamento do disco Canoeira do Araguaia, em 1978, as Irmãs Freitas vêm marcando presença em palcos de festivais, programas de rádio, televisão e na memória afetiva de fãs por todo o Brasil. Com passagens por formações diferentes, mas sempre mantendo a essência musical e o romantismo do campo, elas construíram uma carreira que ultrapassa 44 anos. Gravaram com nomes importantes, como o sanfoneiro Voninho, e conquistaram prêmios, discos de ouro e seguidores fieis nas redes sociais, que acompanham cada novo passo com carinho e admiração.

Moysés Rico: herança, respeito e renovação do legado de Zé Rico

Outro momento especial do programa será protagonizado por Moysés Rico, filho do inesquecível Zé Rico, da dupla Milionário & Zé Rico. Em um país onde as heranças musicais emocionam e inspiram, Moysés tem se destacado não apenas pelo sobrenome que carrega, mas pelo talento com que mantém viva a história do pai.

Persistente, apaixonado pela música e com uma identidade própria, o artista vem conquistando espaço ao reverenciar os grandes clássicos da lendária dupla e, ao mesmo tempo, criando sua própria trajetória. Já dividiu o palco com Milionário e se tornou uma das vozes mais promissoras do chamado “sertanejo raiz”. Para os fãs que cresceram ouvindo as canções que embalaram amores, despedidas e reencontros, ouvir Moysés é como reencontrar um velho amigo.

“Vozes da Terra”: a nova geração que carrega a força da música caipira

Como de costume, o quadro “Vozes da Terra” chega para mostrar que o futuro do sertanejo está em boas mãos. Nesta edição, o programa recebe dois nomes que têm emocionado o público e movimentado as redes sociais com suas vozes potentes e interpretações de arrepiar: a dupla Dilmar & Diogo e o cantor Júlio Torres.

Direto de Goiânia, Dilmar & Diogo têm surpreendido pela semelhança vocal com a icônica dupla Zezé Di Camargo & Luciano. Jovens, mas com um gosto apurado pelos clássicos, os dois vêm ganhando fãs pela forma respeitosa e apaixonada com que interpretam modas antigas e novas, mantendo viva a conexão com as origens do gênero.

Já Júlio Torres conquistou notoriedade na internet após um vídeo em que sua voz — surpreendentemente parecida com a de Bruno, da dupla Bruno & Marrone — viralizou. Mas ele não é só semelhança: dono de uma presença marcante e carisma natural, Júlio tem se firmado como cantor e compositor, com músicas autorais como “O Playboy e o Cowboy”, ao lado de Edson & Hudson, além dos sucessos “Empatado” e “Aô Moçada”, que somam milhões de plays nas plataformas digitais.

Fica Com a Gente | Edu Guedes volta à TV com Ana Hickmann após cirurgia

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Algumas presenças na televisão atravessam os anos como velhos amigos que nunca deixam de fazer parte da nossa rotina. Edu Guedes é uma dessas figuras. Seu sorriso sereno, sua voz tranquila, o jeito de ensinar receitas como quem oferece um abraço. Na próxima terça-feira, 5, esse reencontro com o público ganha um novo significado: o chef está de volta ao “Fica Com a Gente”, na RedeTV!, após um delicado período de recuperação. E não estará sozinho.

Ao seu lado, no estúdio, estará Ana Hickmann. Não só colega de profissão e ex-companheira de bancada nos tempos do Hoje em Dia, mas agora, oficialmente, sua companheira de vida. Os dois vão cozinhar juntos, sim — mas, mais do que isso, vão dividir o momento com quem sempre esteve com eles, mesmo de longe: o público.

“Eu senti cada palavra que me mandaram”

Nos últimos meses, quem acompanha Edu pelas redes sociais percebeu um silêncio respeitoso. Um silêncio que dizia muito: ele estava se cuidando, enfrentando, respirando fundo. E, aos poucos, dividiu com os fãs a razão de seu afastamento: um câncer no pâncreas, descoberto após uma crise renal. As informações são da BBC.

Foi um susto. Para ele, para a família, para todos que o acompanham há tantos anos. Mas mesmo em meio à incerteza, Edu fez o que sempre soube fazer bem: acolheu o momento com leveza, gratidão e esperança. “Cada palavra de carinho, força e apoio chegou aqui com muita intensidade e fez toda a diferença”, escreveu, em uma de suas mensagens mais tocantes.

Houve dor, claro. Houve medo. Mas também houve amor — muito amor. Nas mensagens, nas orações, nos comentários cheios de fé. Edu não enfrentou a doença sozinho. E talvez seja isso que torne seu retorno tão especial.

Um reencontro que vai além da tela

Na terça-feira, o estúdio da RedeTV! será mais do que um cenário. Será quase um lar. Porque, ao lado de Edu, estará Ana — mulher que entrou em sua vida primeiro como parceira de trabalho, depois como amiga, e hoje, como amor e alicerce. Juntos, eles superaram feridas antigas, reencontraram um no outro o que a vida tem de mais bonito: recomeços. O pedido de casamento aconteceu há poucos meses, durante uma viagem a Portugal. Foi discreto, íntimo, como tudo que é verdadeiro costuma ser. E agora, esse amor amadurecido ganha espaço também diante das câmeras. No programa, eles vão cozinhar juntos. Mas os ingredientes principais serão outros: cumplicidade, afeto, superação.

A cozinha como lugar de cura

Para Edu, a cozinha nunca foi apenas trabalho. Sempre foi lar, memória, saudade de vó, cheiro de infância. Foi onde aprendeu a escutar o mundo em silêncio, mexendo panelas, observando a reação das pessoas diante de um prato bem feito. É ali, com as mãos nos temperos e o coração nos detalhes, que ele se sente inteiro. Por isso, voltar à TV tem tanto peso emocional. Não é sobre audiência. É sobre vida. Depois da cirurgia, depois da cicatriz, depois do susto, ele está de volta ao seu lugar. E leva com ele tudo o que viveu nesse tempo de ausência. Não para esconder — mas para dividir.

Uma jornada feita de quedas e recomeços

Edu Guedes nunca escondeu suas fragilidades. Em 2020, um acidente grave o fez perder, temporariamente, o movimento do braço esquerdo. Canhoto, precisou reaprender a cozinhar com a mão direita. Um desafio que ele enfrentou com calma e determinação. Agora, mais uma vez, a vida lhe pede força. E ele entrega. Não como herói, mas como ser humano. Com dúvidas, com medo, mas também com coragem e fé. Entre idas e vindas na TV, mudanças de emissora e reinvenções, Edu sempre manteve a essência: alguém que olha no olho, que não tem medo do simples, que trata o público como gente da casa.

Um gesto de amor diante das câmeras

A edição especial do programa não é apenas o retorno de um apresentador. É um rito de passagem. Um reencontro entre quem já passou pelo vale e agora enxerga o topo da montanha. Um agradecimento coletivo, silencioso e emocionado. Ana e Edu vão cozinhar, sim. Mas vão também celebrar a vida. E convidar o público a fazer o mesmo.

One Punch Man | Garou domina o novo pôster e JAM Project volta para o tema de abertura

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Se você é fã de animes e histórias que misturam ação com uma boa dose de humor e reflexão, pode preparar o coração: a terceira temporada de One Punch Man está chegando — e com ela, muitas surpresas que prometem agitar a comunidade. O novo pôster que acaba de ser divulgado traz Garou, um dos personagens mais carismáticos e complexos da série, em destaque, mostrando que ele terá um papel fundamental nessa nova fase. Abaixo, confira a imagem:

Além disso, uma notícia que deixou os fãs ainda mais animados foi a confirmação do retorno da banda JAM Project para o tema de abertura. A energia e a força que eles imprimem às músicas são praticamente parte da alma do anime, e saber que estarão de volta já é motivo para celebrar.

Quem é Garou e por que ele merece tanto destaque?

Garou é um daqueles personagens que quebram qualquer ideia de vilão tradicional. Com uma filosofia própria, ele questiona o sistema de heróis e busca uma justiça que, para ele, faz sentido — mesmo que para a sociedade pareça fora da lei. O que o torna tão interessante não é só sua força impressionante, mas a humanidade que está por trás das suas escolhas. O novo pôster, que o coloca em evidência, dá um spoiler visual de que essa temporada vai mergulhar fundo nas motivações dele e no impacto que ele provoca na Associação dos Heróis. É uma oportunidade para a série explorar dilemas morais e emocionais que vão além das pancadarias.

A trilha sonora que a gente já ama vai continuar

Não tem como pensar em One Punch Man sem lembrar daquele tema de abertura que nos enche de energia para o que vem pela frente. O JAM Project tem um lugar especial no coração dos fãs por trazer exatamente isso: música poderosa, que combina perfeitamente com o clima épico das lutas. Embora ainda não tenha sido confirmado se Ricardo Cruz, o vocalista brasileiro que participou da segunda temporada, estará na terceira, a volta do JAM Project já é uma vitória. Eles sabem exatamente como dar o tom certo para acompanhar Saitama e seus desafios, e isso faz toda a diferença na experiência de assistir ao anime.

Uma história que conquistou o mundo de forma inesperada

One Punch Man começou de um jeito bem simples: uma webcomic criada por One, que logo chamou atenção pela sua proposta diferente. Ao invés do herói que enfrenta dificuldades para vencer seus inimigos, Saitama já começa invencível — e isso, ao invés de diminuir a história, abre espaço para explorar o lado humano por trás do “herói perfeito”. O que vemos é alguém que enfrenta o tédio da invencibilidade, a busca por propósito e o desejo de ser reconhecido, mesmo quando parece não precisar disso. Essa abordagem fez com que a série ganhasse fãs de todos os lugares, ultrapassando o nicho dos animes tradicionais.

Mangá e anime: duas faces que complementam a jornada

Com os traços incríveis de Yusuke Murata, a versão mangá de One Punch Man deu vida às cenas de ação e aos personagens de uma forma que impressiona até hoje. O anime, por sua vez, foi responsável por levar essa história para as telas do mundo, com produção de alta qualidade e sequências de tirar o fôlego. O sucesso das duas primeiras temporadas criou uma base sólida e fez crescer ainda mais a expectativa pelo que vem a seguir. E a terceira temporada promete não decepcionar, trazendo o mesmo estúdio do segundo ano, J.C. Staff, para manter a qualidade.

O que esperar da nova temporada?

Para os fãs, a terceira temporada é uma chance de ver a história se aprofundar, principalmente no que diz respeito a Garou e à Associação dos Heróis. Os conflitos vão ganhar mais intensidade, e Saitama, mesmo invencível, terá seus próprios desafios. Além das lutas espetaculares e do humor característico, é uma temporada que pode trazer questionamentos sobre justiça, poder e o que realmente significa ser um herói em um mundo cheio de complexidades.

Saiba qual filme é destaque no Cinema em Casa deste sábado (02/08)

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Neste sábado, 2 de agosto de 2025, o Cinema em Casa, no SBT, traz uma história de tirar o fôlego direto para a sua casa. O filme Na Selva (Jungle), dirigido por Greg McLean e estrelado por Daniel Radcliffe, é muito mais do que uma aventura comum — é uma prova do que o espírito humano é capaz quando colocado à prova nas condições mais extremas. Se você gosta de histórias reais de coragem, superação e contato com a natureza, esse longa vai ser uma ótima pedida.

A história começa simples: Yossi Ghinsberg, interpretado por Daniel Radcliffe, é um jovem israelense apaixonado por explorar o mundo e viver experiências fora do comum. Ele, junto com três amigos, decide embarcar numa expedição para a Floresta Amazônica, um dos lugares mais ricos em biodiversidade do planeta, mas também um dos mais perigosos.

No início, tudo parece fascinante — o verde intenso das árvores, o som dos animais, o ar fresco (ou quase isso, dado o calor). O grupo está animado, cheio de planos e expectativas. Mas o que era para ser uma aventura incrível rapidamente vira um desafio brutal, quando eles se perdem no meio da mata densa da selva boliviana.

A selva amazônica, embora linda, não é um lugar para amadores. A qualquer momento, as coisas podem ficar complicadas — rios imprevisíveis, animais selvagens, a falta de comida e de água potável. No filme, a gente sente o peso dessa realidade, porque o roteiro não poupa detalhes sobre as dificuldades enfrentadas. Yossi e seus amigos começam a perceber que confiar apenas na sorte e na coragem não é suficiente. Cada passo é uma aposta, cada decisão pode significar a diferença entre a vida e a morte. O medo, o cansaço, a fome e o isolamento são uma companhia constante.

O filme é baseado no livro autobiográfico de Yossi Ghinsberg, que conta em primeira mão essa experiência terrível e emocionante que viveu em 1981. Isso faz toda a diferença, porque o roteiro respeita a veracidade dos acontecimentos, sem exagerar no melodrama. Ao longo da trama, vemos não só a luta pela sobrevivência física, mas também o impacto psicológico de estar sozinho em um ambiente tão hostil. A narrativa mostra como o medo pode paralisar, mas também como a esperança e a fé em si mesmo podem ser combustível para continuar.

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Se você cresceu assistindo Harry Potter e ainda o associa só a esse personagem, vai se surpreender com o quanto Daniel Radcliffe evoluiu como ator. Em Na Selva, ele abandona a fantasia para mostrar um lado muito mais realista e vulnerável.

Sua atuação é intensa e sem exageros. Radcliffe consegue transmitir toda a complexidade de Yossi — desde o otimismo do começo, passando pelo desespero, até a força que ele encontra para seguir adiante mesmo nas horas mais difíceis. É uma entrega que faz a gente sentir cada dor, cada decisão, cada momento de dúvida. Esse papel prova que o ator está disposto a se arriscar e a explorar personagens bem diferentes do que fez no passado, ganhando ainda mais respeito no meio artístico.

Outro personagem que acrescenta muita tensão ao filme é o guia Karl Ruprechter, vivido por Thomas Kretschmann. Karl aparece como uma figura misteriosa e enigmática, que promete levar o grupo a um lugar seguro. Mas a personalidade dele e algumas atitudes levantam dúvidas — será que ele realmente sabe o que está fazendo? Pode-se confiar nele?

Essa dúvida cria um clima de suspense constante, porque a floresta já é um lugar assustador por si só, e a incerteza em relação ao guia só piora as coisas. O espectador fica sempre na expectativa, sem saber o que pode acontecer a seguir.

Recriar a Floresta Amazônica para as telas foi uma missão quase tão complicada quanto a própria história. As filmagens aconteceram entre março e abril de 2016, em locações que simulavam bem a umidade, o calor e a densidade da vegetação da região.

Os atores e a equipe técnica tiveram que lidar com essas condições difíceis para garantir que o filme fosse o mais realista possível. E essa escolha fez toda a diferença: o resultado é um filme que realmente nos coloca dentro da selva, fazendo a gente sentir o desconforto e o perigo.

O diretor Greg McLean, conhecido por filmes de suspense e terror, soube equilibrar o visual impressionante da natureza com a tensão da narrativa, sem deixar o filme cansativo ou previsível.

A fotografia, assinada por Stefan Duscio, foi indicada ao Prêmio AACTA — e com razão, já que a câmera capta tanto a beleza quanto a ameaça da floresta, dando um clima pesado e sufocante, que faz a gente entender o que os personagens estão passando.

O longa-metragem é uma mistura de aventura, drama e biografia, que consegue prender o espectador do começo ao fim. Tem cenas de ação e suspense, mas também momentos de silêncio e reflexão, quando a gente sente o impacto psicológico da experiência.

Por que assistir Na Selva?

Se você curte aventuras cheias de emoção e histórias baseadas em fatos reais, vai se identificar com essa produção. É um convite para pensar sobre a nossa relação com a natureza, a importância da preparação e o que a coragem pode fazer quando tudo parece perdido. Além disso, ver Daniel Radcliffe em um papel tão diferente do que estamos acostumados é um bônus para quem gosta de cinema e quer acompanhar a carreira de um ator em transformação.

Onde e quando assistir?

Você pode conferir o filme neste sábado, 2, no Cinema em Casa, no conforto da sua casa. E se preferir, o filme está disponível para aluguel no Prime Video por cerca de R$ 11,90, com opção de assistir em alta definição, quando quiser.

Curiosidades do filme

Daniel Radcliffe foi confirmado no elenco em fevereiro de 2016 e se preparou bastante para representar fielmente a experiência de Yossi, tanto fisicamente quanto emocionalmente.

A equipe de filmagem encarou o clima quente e úmido da selva para dar realismo ao filme.

O diretor Greg McLean teve o cuidado de não transformar a história em um espetáculo exagerado, focando no suspense e na emoção real.

Stefan Duscio, diretor de fotografia, recebeu uma indicação importante pelo trabalho de capturar a essência da selva e a tensão da narrativa.

Amores à Parte | Sucesso em Cannes, comédia estreia no Brasil em 21 de agosto

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Se relacionar nunca foi tão confuso — e, ao mesmo tempo, tão necessário.
É entre silêncios incômodos, risadas fora de hora e tentativas falhas de reconexão que se desenrola Amores à Parte, comédia dramática escrita, dirigida e estrelada por Michael Angelo Covino e Kyle Marvin. A estreia nos cinemas brasileiros acontece no próximo dia 21 de agosto, com distribuição da Diamond Films — e promete abalar (com charme e desconforto) a forma como enxergamos nossos vínculos mais íntimos.

Depois de uma passagem elogiadíssima pelo Festival de Cannes, onde arrancou risadas, suspiros e até algumas lágrimas silenciosas da plateia, o longa chega por aqui carregando não apenas credenciais de prestígio, mas um tema que ecoa com cada vez mais força no mundo contemporâneo: o que acontece quando o amor não é mais suficiente para manter uma relação de pé?

Do casamento ao caos em poucos minutos

A história gira em torno de Carey (Kyle Marvin), um homem na casa dos 40 anos, que tem a vida desmoronada num piscar de olhos. Sua esposa, Ashley (Adria Arjona), comunica de forma direta, quase prática, que quer o divórcio. Sem escândalos ou explicações longas. Apenas a constatação de que acabou. Carey, ainda preso ao ideal de que o amor deve durar para sempre, mergulha num mar de negação, buscando amparo emocional no casal de amigos aparentemente mais bem resolvido que conhece: Paul (Michael Covino) e Julie (Dakota Johnson).

Mas logo descobre que nem tudo ali é tão sólido quanto parece. Paul e Julie vivem um relacionamento aberto, com suas próprias regras e flexibilidades. Uma decisão que, longe de parecer libertadora, mais parece uma gambiarra emocional para adiar o inevitável: a necessidade de encarar suas insatisfações.

A delicadeza do riso amargo

O que poderia facilmente escorregar para a caricatura ou para o moralismo barato se transforma, nas mãos da dupla Covino e Marvin, num retrato sutil e honesto das contradições humanas.
A comédia aqui é desconfortável. Ela surge nos momentos em que a personagem diz o que não deveria, ou quando tenta parecer controlada mas sua voz treme. É o riso que vem depois da dor — ou com ela.

Em uma das cenas mais emblemáticas, Carey tenta um encontro amoroso com uma desconhecida em um bar, mas termina chorando no banheiro antes do jantar começar. É engraçado. E devastador. E é exatamente isso que torna o filme tão especial: ele sabe que o amor, mesmo falido, ainda nos importa.

Michael Covino e Kyle Marvin: o bromance por trás da câmera

Amigos de longa data e parceiros criativos desde A Subida (The Climb, 2019), Covino e Marvin sabem construir personagens masculinos que escapam do arquétipo do “homem que sofre em silêncio”. Eles sofrem, sim — mas falam disso. Riem disso. E se olham com compaixão.

Em entrevistas recentes, os dois revelaram que a ideia de Amores à Parte surgiu de conversas pessoais sobre suas próprias inseguranças e fracassos amorosos. “A gente não queria fazer um filme sobre o ‘casamento que deu errado’, mas sim sobre a tentativa desesperada de entender o que sentimos quando tudo que idealizamos se desfaz”, contou Covino ao site IndieWire.

Essa autenticidade se reflete na tela. A química entre os atores, especialmente entre Covino e Marvin, é o motor da narrativa. Eles não precisam de diálogos rebuscados para expressar a intimidade emocional que compartilham — basta um olhar, um silêncio constrangedor ou uma piada mal colocada para dizer tudo.

Dakota Johnson, Adria Arjona e os vínculos femininos na crise

Enquanto os homens se debatem tentando entender seus sentimentos, as mulheres do filme já estão um passo à frente — ainda que também perdidas. Dakota Johnson, como Julie, é o grande contraponto emocional da trama. Sua personagem é perspicaz, contida, e ao mesmo tempo vulnerável. Uma mulher que topou abrir o relacionamento, mas que não sabe ao certo se isso a libertou ou a silenciou.

Adria Arjona, por sua vez, interpreta Ashley com uma maturidade rara. Ao pedir o divórcio, ela não explode. Apenas reconhece, com dor contida, que não pode continuar fingindo. Sua personagem é menos sobre a ruptura, e mais sobre o resgate de si mesma.

Ambas as atrizes escapam de estereótipos fáceis e entregam interpretações delicadas, carregadas de subtexto. São mulheres reais, lidando com homens que não sabem como lidar com suas próprias emoções — um espelho que, infelizmente, segue atual.

Relações modernas ou desculpas velhas?

Um dos méritos de Amores à Parte está em não tomar partido. O filme não vende a ideia de que relacionamentos abertos são a solução, nem que o casamento tradicional está falido. Ele apenas observa. E isso, hoje em dia, já é revolucionário.

Na era dos aplicativos, dos vínculos descartáveis e das conversas por mensagens, o longa mostra que, independentemente do formato do relacionamento, as questões fundamentais continuam as mesmas: como lidar com o ego, o medo de rejeição, a solidão, a culpa, o desejo por controle e a dificuldade de escutar o outro.

Não há lições de moral. Mas há muitos espelhos — e talvez essa seja a melhor forma de provocar o público.

Do riso ao reconhecimento: o impacto emocional

É impossível sair do cinema sem se identificar com pelo menos um dos personagens. Quem nunca tentou parecer forte diante de uma separação? Quem nunca se questionou se estava fazendo tudo errado? Quem nunca quis apertar o botão de reiniciar na vida amorosa?

Amores à Parte toca fundo porque não quer ser genial — quer ser humano. E isso é raro.

A trilha sonora discreta, a fotografia naturalista, a direção sensível e os diálogos que parecem retirados de conversas reais criam um ambiente íntimo, quase confessional. Em certos momentos, parece que estamos assistindo a um documentário sobre gente comum tentando seguir em frente.

De Cannes ao Brasil: uma estreia que vale o ingresso

Com estreia agendada para 21 de agosto nos cinemas brasileiros, o longa chega ao país após boa repercussão internacional. Sua participação no Festival de Cannes garantiu não só elogios da crítica especializada, mas também um burburinho espontâneo nas redes sociais, onde internautas compartilharam trechos do trailer com comentários como: “é assim que meus amigos lidam com o divórcio” ou “finalmente uma comédia romântica sem romance idealizado”.

Max Oliver: O Protetor das Galáxias | Jonatas Aragão fala sobre como transformou a dor em ficção e esperança

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Por trás de lutas intergalácticas e um multiverso recheado de inteligência artificial, mitologia e desigualdade social, Max Oliver: O Protetor das Galáxias guarda algo muito mais íntimo: a história de um homem que usou a imaginação como forma de sobrevivência. Escrita por Jonatas Aragão, a saga não nasceu em meio ao conforto de um escritório silencioso, mas sim em um porão improvisado, onde a esperança era o único alicerce possível.

Na conversa a seguir, Jonatas compartilha como deu vida ao seu protagonista em um dos momentos mais difíceis da própria trajetória — e como a ficção virou abrigo, motivação e caminho de transformação. Max, afinal, não é apenas um herói de fantasia. É reflexo da luta de quem, mesmo sem superpoderes, decide continuar tentando.

Como nasceu o universo de Max Oliver? Há quanto tempo essa história te acompanha?

Tudo começou entre 2019 e 2020, quando me mudei para São Paulo em busca de uma vida melhor. Chegando na Baixada Santista, enfrentei uma realidade dura: desemprego, dificuldades financeiras e, mais tarde, a pandemia, que agravou ainda mais a situação. Como meu relacionamento com a esposa do meu pai não era bom, acabei sendo expulso de casa.

Passei a viver em um porão, dormindo em uma cama feita de blocos de cimento e pedaços de madeira, coberta por uma espuma fina. Me sentia completamente derrotado.

Foi num desses dias tristes que ouvi, pelo celular emprestado do dono da casa, a música Tente Outra Vez, de Raul Seixas. Aquela canção despertou algo dentro de mim — um desejo quase esquecido de recomeçar. Ao lado da cama, havia um caderno velho. Peguei uma caneta e rabisquei os primeiros personagens: um garoto com dois braceletes e uma menina misteriosa. Eles viriam a ser Max Oliver e Sarah Blake.

Ali, naquele instante, eu entendi que a escrita poderia me resgatar. Aquela história se tornaria minha força. Assim nasceu o primeiro volume da saga, que hoje sei que terá doze. Foi o meu jeito de transformar dor em criação.

Seu livro mistura multiversos, desigualdade, IA e mitologia. Como costurou tudo isso sem perder o lado emocional?

A desigualdade social foi o ponto de partida. No primeiro volume, ela está muito presente. Me inspirei no bairro do Bronx, nos EUA — lugar de abandono e sobrevivência. Max é um garoto criado no pior bairro de Nova York, vivendo com a mãe, Bárbara, uma mulher guerreira. Do outro lado da balança está Sarah Medellín Blake, uma jovem multibilionária de uma das famílias mais influentes do mundo. A distância entre eles não é só financeira — é um abismo de experiências.

Mas não queria contar apenas uma história sobre contrastes sociais. Quis sonhar maior. Quis criar um multiverso onde tudo fosse possível: raças inéditas, tecnologias imaginárias, culturas próprias e até civilizações inteiras.

A mitologia entrou depois, por sugestão do coautor Jorge Miguel, que viu na mitologia um elo simbólico capaz de aprofundar ainda mais a trama. Ela trouxe camadas, significados, pontes entre passado e futuro.

Apesar da variedade de elementos, a emoção sempre foi meu norte. Queria tocar o coração das pessoas — crianças, adultos ou idosos. Escrevo de forma simples, direta, mas com espaço para quem quiser mergulhar fundo.

A nostalgia geek é muito presente. Qual foi o papel das referências dos anos 90 e 2000 na construção da saga?

Essas referências foram fundamentais. Não como adorno, mas como essência. As produções geek da minha infância e adolescência — Ben 10, Liga da Justiça, Super Choque, Homem-Aranha, Batman do Futuro — todas elas me ensinaram valores.

Mais do que ação, elas falavam sobre coragem, empatia, sacrifício, amizade. Eram verdadeiras aulas de humanidade disfarçadas de aventura.

Ao colocar essas influências em Max Oliver, meu objetivo foi duplo: prestar uma homenagem afetiva e apresentar essas vibrações a uma nova geração. Muitos jovens de hoje não conheceram essas obras, então quis trazer, com minha própria linguagem, um pouco daquela mágica de volta.

Qual é, no fim das contas, a mensagem que você gostaria que os leitores levassem de Max Oliver?

Espero que os leitores entendam que Max Oliver é mais do que ficção científica — é uma história sobre gente. Sobre nós. Sobre dor, escolhas e recomeços.

Quero que cada pessoa que leia o livro perceba que também carrega dentro de si um potencial enorme, ainda que adormecido. E que esse potencial, às vezes, só desperta nos momentos mais escuros da vida.

Não são os superpoderes que tornam alguém especial. São as decisões que tomamos quando tudo parece perdido. Max não é invencível. Ele sofre, erra, cai. Mas segue em frente — e isso o transforma.

No fim, meu desejo é que Max Oliver seja, para quem lê, o que ele foi para mim: uma fagulha de esperança. Uma lembrança de que ainda dá pra tentar. Ainda dá pra recomeçar.

Aniversário de 22 anos da Cinesystem traz descontos e surpresas para os cinéfilos

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Completar mais de duas décadas de história no mercado do entretenimento não é para qualquer um. A Cinesystem, uma das maiores redes de cinemas do Brasil, está comemorando seus 22 anos em grande estilo — e a festa é para todo mundo que ama a experiência de assistir a um filme na telona.

Em um momento em que os cinemas voltam a encher as salas e o público cresce a cada mês, a rede aproveita para agradecer a confiança dos espectadores com uma série de promoções que valem para todo o mês de agosto, até o dia 27. É a chance de curtir cinema de qualidade pagando pouco e ainda ganhar brindes especiais.

Mais que cinema: uma experiência que conecta pessoas

Para o fundador e CEO da Cinesystem, Marcos Barros, a rede sempre teve um propósito claro: “Não queremos apenas vender ingressos, queremos criar momentos que ficam na memória. Por isso investimos em conforto, tecnologia e atendimento. Ver o público crescendo e vibrando nas salas é a maior recompensa.”

E essa conexão com o público se reflete nos números: a Cinesystem teve um crescimento acima da média do setor, com mais de 21% de aumento no público só no primeiro semestre de 2025, mostrando que apostar na qualidade e inovação faz toda a diferença.

Promoções para todos os gostos e horários

Se você é fã de cinema e quer aproveitar o melhor do audiovisual pagando menos, a “Festa do 22” é uma oportunidade imperdível.

O Combo G, que traz uma pipoca grande e um refrigerante de 700 ml, sai por apenas R$ 22 — perfeito para quem quer acompanhar o filme com um lanchinho caprichado.

Para quem gosta de sessões noturnas, todas as exibições que começarem às 22h terão ingressos promocionais a R$ 10, tornando a saída para o cinema uma ótima pedida até mesmo depois de um dia cheio.

E para os membros do programa de fidelidade Clube da Pipoca, tem um mimo extra: a cada visita durante o período da festa, eles ganham 22 pontos adicionais, acelerando as recompensas e mostrando que a rede valoriza seus clientes fiéis.

A clássica Quinta do Beijo ganha um toque especial

Uma das promoções mais divertidas da Cinesystem, a Quinta do Beijo, também faz parte das comemorações. Para celebrar, a rede baixou o preço do par de ingressos para R$ 22.

A mecânica continua simples e cheia de afeto: basta que duas pessoas troquem qualquer tipo de beijo em frente à bilheteria — seja um selinho, beijo na testa, na mão ou até entre amigos — e garantem o desconto na hora.

É uma forma carinhosa de espalhar afeto e celebrar a cumplicidade, mostrando que o cinema pode ser espaço para amor em todas as formas.

Surpresas que ainda estão por vir

Além das promoções já anunciadas, a empresa promete novidades ao longo de agosto. A ideia é manter o público animado e envolvido, com ações que valorizem a cultura, o entretenimento e o acesso democrático ao cinema.

“Nossa missão é levar cinema de qualidade para cada vez mais pessoas, por isso estamos sempre pensando em como tornar essa experiência mais acessível e marcante”, explica Barros.

Histórias que marcam o cinema brasileiro

Ao longo desses 22 anos, a Cinesystem coleciona histórias de sucesso e criatividade. Entre as ações mais memoráveis estão campanhas que conectaram o cinema à cultura pop e à vida real, como quando deram ingressos gratuitos para quadrigêmeos no lançamento de Quarteto Fantástico, ou a ação que premiou o dono do cachorro mais parecido com Krypto, o cão do Superman, com cinema grátis por um ano.

Também destacam-se campanhas temáticas, como descontos para clientes com nomes olímpicos, ingressos para quem se vestiu a caráter em datas comemorativas e descontos especiais para quem participou de eventos fantasiado.

Essas iniciativas mostram que a Cinesystem não é apenas uma rede de salas, mas um espaço vivo, conectado à comunidade e às emoções de seu público.

Um Amor Mais que Perfeito | Maria Fernanda Leite conta a história de uma jovem princesa em busca de si mesma

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Foto: Reprodução/ Internet

Nem sempre a vida é como imaginamos — especialmente quando se carrega o peso de um legado e a responsabilidade de um reino. É nesse contexto que a escritora Maria Fernanda Leite apresenta sua nova obra, Um amor mais que perfeito, um romance cristão que fala sobre os desafios da juventude, o processo de amadurecimento e as decisões que moldam nosso destino.

A protagonista da história é Leticia, uma jovem princesa que vive no luxuoso castelo de Alandy. Ela é a futura rainha do reino e enfrenta uma rotina pesada de estudos para estar à altura das expectativas que recaem sobre seus ombros. Tudo parecia estar seguindo um caminho perfeito — até que a morte súbita da mãe a coloca diante de um vazio imenso.

O impacto da perda e a busca por sentido

A morte da mãe de Leticia não é apenas um acontecimento triste; é um divisor de águas na vida da jovem. A dor do luto faz com que ela se questione quem é e onde quer chegar, principalmente porque toda a sua existência até então fora guiada por obrigações e decisões alheias à sua vontade. Com o pai assumindo um papel rígido e autoritário, Leticia se sente presa entre o amor familiar e as expectativas do reino. É neste cenário que a busca por sua própria identidade começa, uma caminhada nem sempre fácil, cheia de dúvidas e confrontos internos.

Entre o dever e o amor: um casamento arranjado

A pressão aumenta quando o rei anuncia que Leticia será prometida em casamento ao príncipe Peter, herdeiro da coroa do Canadá, numa tentativa de fortalecer alianças políticas entre os dois países. A notícia não agrada Leticia, que vê nesse acordo uma ameaça à sua liberdade. Peter, por sua vez, chega ao castelo com uma postura que inicialmente irrita a princesa. Ele é visto como arrogante e mimado, e os dois acabam travando uma relação marcada por desentendimentos e resistência.

Corações em conflito: o surgimento de um novo amor

Mas o destino reserva surpresas. A entrada de um músico na vida de Leticia mexe com seus sentimentos e traz uma nova perspectiva sobre o que é o amor de verdade. Diferente do compromisso imposto, esse relacionamento surge de forma espontânea, despertando nela emoções genuínas e a esperança de um futuro diferente. A narrativa acompanha essa luta interna, onde a princesa precisa decidir entre seguir o caminho esperado ou ouvir o que seu coração realmente deseja.

Uma história para os jovens que buscam seu lugar no mundo

Mais do que um romance, o filme é uma reflexão sobre os dilemas enfrentados por muitos jovens — a dificuldade de encontrar autonomia, o peso das expectativas familiares e sociais, e a coragem necessária para fazer escolhas que desafiem o status quo. Maria Fernanda escreve com sensibilidade e realismo, mostrando que mesmo aqueles que parecem ter uma vida perfeita também enfrentam conflitos profundos e precisam aprender a lidar com suas emoções.

Um convite à fé e à esperança

No meio das provações, o livro traz uma mensagem de fé e esperança. Para leitores cristãos e para todos que valorizam histórias de superação, a obra oferece um olhar inspirador sobre como a fé pode ser um apoio fundamental para atravessar momentos difíceis e encontrar um propósito renovado.

Saiba qual filme vai passar no Supercine deste sábado (02/08)

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Foto: Reprodução/ Internet

É difícil assistir a Queen & Slim – Os Perseguidos e sair ileso. O filme, que vai ao ar neste sábado, 2 de agosto de 2025, no Supercine da TV Globo, é o tipo de obra que te agarra pelo colarinho, sacode as emoções e te obriga a encarar o espelho da realidade – mesmo quando o que se vê ali incomoda.

Sob a direção vibrante de Melina Matsoukas (a mesma mente criativa por trás de clipes icônicos de Beyoncé), e com roteiro assinado por Lena Waithe, o longa-metragem mistura romance, crítica social e tensão de thriller em um combo emocional de tirar o fôlego. Tudo começa com um encontro – um date despretensioso, como tantos outros. Mas basta uma única noite para virar a vida do casal do avesso. As informações são do AdoroCinema.

Um encontro como qualquer outro. Até que não é mais.

Angela (interpretada com intensidade por Jodie Turner-Smith) é uma advogada criminal, direta, séria, calejada. Ernest, ou simplesmente Slim (Daniel Kaluuya, no melhor estilo silenciosamente magnético), é um cara tranquilo, religioso, quase introspectivo. Eles se encontram por um aplicativo e saem para jantar. A química não explode de imediato. São dois desconhecidos, cada um com sua bagagem, suas feridas e suas formas de resistir ao mundo.

Na volta para casa, o inesperado: eles são parados por um policial branco por uma infração de trânsito banal. O que deveria ser só mais uma abordagem vira um momento tenso, violento – e trágico. Em legítima defesa, Slim mata o policial. A cena é gravada por um celular, viraliza na internet, e, em questão de horas, Queen e Slim se tornam alvos da polícia e símbolos involuntários da luta contra a violência racial nos Estados Unidos.

Foto: Reprodução/ Internet

Fuga, amor e identidade

A partir daí, o filme se transforma em uma jornada de fuga – mas também de descoberta. Sem saber exatamente para onde ir, o casal embarca em uma espécie de road trip pela América profunda, cruzando cidades, encontrando aliados e enfrentando perigos. Aos poucos, o que era uma relação marcada pelo estranhamento vai se transformando em algo maior: um amor nascido da urgência, da vulnerabilidade e da conexão diante do abismo.

Mas Queen & Slim nunca deixa o espectador esquecer: esse não é só um romance. É um retrato cru da experiência negra em um país onde o simples ato de existir pode ser uma ameaça. A perseguição que o casal sofre não é apenas literal — ela representa séculos de opressão, silenciamento e medo.

Um filme com algo a dizer — e que diz com força

A beleza do filme está na forma como ele combina poesia e brutalidade. A fotografia é deslumbrante: estradas vazias, pores do sol quentes, silhuetas recortadas contra o horizonte — tudo embalado por uma trilha sonora arrebatadora, que vai de hip hop a soul, passando por momentos de absoluto silêncio que falam mais do que mil diálogos.

A diretora Melina Matsoukas, em seu primeiro longa-metragem, não economiza em estilo, mas também não sacrifica o conteúdo. O filme tem uma estética que lembra videoclipes — cortes rápidos, cenas coreografadas com precisão, uma atenção quase religiosa à luz e à textura da imagem. Mas essa beleza nunca suaviza o que está sendo contado: o peso da violência policial, a herança do racismo estrutural, o poder das redes sociais em moldar narrativas e o risco de ser transformado em símbolo quando só se quer sobreviver.

Daniel Kaluuya e Jodie Turner-Smith: química sob pressão

Grande parte da força do filme vem da atuação do casal protagonista. Daniel Kaluuya, que já havia impressionado o mundo com seu papel em Corra!, entrega aqui um personagem contido, mas profundo. Seu Slim é gentil, quase passivo, até que o mundo exige outra postura. Já Jodie Turner-Smith estreia com força: sua Queen é dura, estratégica, mas não menos sensível. Juntos, eles formam uma dupla que cresce a cada cena — e carrega o filme nas costas.

A química entre os dois vai surgindo aos poucos, sem pressa. Eles não se apaixonam “à primeira vista” — e talvez nem tenham tempo de se apaixonar como gostaríamos. Mas há algo entre eles que é real: um laço forjado sob pressão, que se torna íntimo porque é urgente. Porque não há garantias de um amanhã.

Símbolos, heróis e sacrifícios

É interessante perceber como o filme joga com a ideia de “mártires” e “heróis”. Queen e Slim não queriam ser ícones. Eles não tinham um plano político. Apenas queriam voltar para casa vivos. Mas a internet, a mídia, os protestos — tudo isso os transforma. Vemos cenas de pessoas celebrando o casal, fazendo grafites com seus rostos, tratando-os como símbolos da resistência negra. Mas também vemos o peso que isso impõe: ser transformado em símbolo é, muitas vezes, deixar de ser humano.

O roteiro de Lena Waithe acerta ao mostrar a dualidade disso tudo. Há beleza no levante popular, nos atos de solidariedade, no orgulho comunitário. Mas há também tristeza — porque essa idolatria vem sempre depois da dor. Depois da perda. Depois da violência.

Não é um final feliz. Mas é necessário.

Sem dar spoilers, vale dizer que a trama não entrega um desfecho típico de Hollywood. Não há final amarrado, nem promessas de redenção fácil. O filme termina como começou: com um retrato honesto e, às vezes, duro da realidade. Mas essa honestidade é o que torna o filme tão necessário.

É impossível não se emocionar. É impossível não refletir. E, talvez, seja justamente essa a proposta: fazer a gente parar, nem que por duas horas, e pensar sobre o que significa existir em um mundo onde o racismo ainda mata — direta ou indiretamente.

Uma obra atual, mesmo anos depois

Lançado em 2019, o longa não perdeu a força — pelo contrário. Em 2025, com os debates sobre justiça racial, inteligência artificial e responsabilidade social ganhando novos contornos, a produção americana continua sendo um lembrete do que está em jogo. É um filme sobre escolhas difíceis, sobre amor em tempos sombrios, e sobre como, às vezes, a simples decisão de seguir em frente pode ser um ato revolucionário.

Onde posso assistir?

Além da exibição na TV aberta, o filme também está disponível em plataformas digitais. No Prime Video, você pode alugá-lo a partir de R$ 6,90, oferecendo uma opção acessível para quem prefere assistir no conforto de casa, no horário que quiser. Basta acessar o serviço, buscar pelo título e iniciar a reprodução com poucos cliques.

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