Hoje Eu Quero Voltar Sozinho ganha edição em quadrinhos pela Editora Seguinte em 2026 e renova o alcance de sua história marcante

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Poucas histórias brasileiras conseguiram atravessar o tempo com tanta delicadeza quanto Hoje Eu Quero Voltar Sozinho. O longa, lançado em 2014, marcou jovens e adultos com sua abordagem sensível sobre amadurecimento, amizade, amor e descoberta da própria identidade. Agora, mais de uma década depois, a narrativa renasce em um novo formato: uma versão em quadrinhos que será publicada pela Editora Seguinte em maio de 2026. A adaptação reúne o diretor e roteirista Daniel Ribeiro, autor do texto original, e o ilustrador Bruno Freire, que assume a missão de traduzir para imagens uma história que vive até hoje no imaginário de milhares de fãs.

A notícia do lançamento mexeu com a memória afetiva de muita gente que viu o filme ainda adolescente e hoje, mais velha, reconhece o quanto a obra ajudou a abrir portas para conversas sobre diversidade, acessibilidade e afetos juvenis. Há algo profundamente simbólico no fato de a história retornar pelas mãos de seu próprio criador: é como se Daniel Ribeiro revisitasse uma parte importante de sua trajetória artística e emocional, agora com o desafio de recriar Leo, Gabriel e Giovana para uma nova geração.

O reencontro com Leo, um personagem que nunca deixou de existir no coração do público

Uma das razões pelas quais Hoje Eu Quero Voltar Sozinho se tornou tão especial está na humanidade de Leo. Ele é um adolescente cego que deseja as mesmas coisas que qualquer jovem: autonomia, liberdade, pequenas aventuras e, claro, a chance de viver o primeiro amor. Mas a grande força da narrativa sempre foi o fato de que Leo não é definido por sua deficiência. Ele é curioso, às vezes inseguro, um pouco tímido, teimoso e cheio de sonhos. Seu mundo é feito de sensações, sons, amizades verdadeiras e medos comuns a qualquer pessoa que está tentando encontrar seu lugar no mundo.

Na versão em quadrinhos, essa sensibilidade ganha contornos novos. Bruno Freire ilustra a história com um olhar que não tenta substituir o cinema, mas sim expandi-lo. As páginas prometem mostrar o cotidiano de Leo com delicadeza, priorizando o gestual dos personagens, a atmosfera das ruas, a forma como a luz atravessa os momentos e a textura emocional de cada cena. Há algo de profundamente íntimo no ritmo dos quadrinhos: o leitor percorre cada quadro no seu tempo, guarda detalhes, revisita páginas e vive pequenas pausas que ampliam o significado da narrativa.

Uma história que continua necessária, dez anos depois

O filme de Daniel Ribeiro foi um marco, não apenas para o cinema brasileiro, mas para a representação LGBTQIA+ na juventude. Na época, poucas produções tratavam o amor entre dois garotos com tanta autenticidade, sem espetacularizar o conflito nem transformar o romance em uma tragédia. Hoje Eu Quero Voltar Sozinho fala sobre amor com inocência, poesia e verdade — e esse tipo de representação sempre foi escassa.

A decisão de trazer a obra para o universo dos quadrinhos reforça a importância de continuidade dessa discussão. Em um mercado editorial que tem aberto cada vez mais espaço para histórias com protagonistas diversos, a HQ chega como um gesto de carinho e também como um convite: é hora de relembrar o que nos tocou lá atrás, mas também é tempo de apresentar a história a quem não viveu aquele lançamento em 2014.

Em um período em que redes sociais moldam comportamentos, em que jovens convivem com medos e expectativas diferentes das gerações anteriores, a história de Leo, Gabriel e Giovana permanece atual. Ela fala sobre coragem de se descobrir, sobre o medo de não ser aceito e sobre o valor de ser visto por quem realmente importa — e isso é universal.

A força dos quadrinhos na reinvenção da narrativa

Transformar um filme tão sensorial em quadrinhos é um desafio artístico e emocional. Mas é exatamente aqui que a união entre Daniel Ribeiro e Bruno Freire se torna especial. O diretor conhece intimamente cada detalhe da história, enquanto o ilustrador acrescenta um olhar contemporâneo, mais próximo da linguagem visual consumida pelos jovens de hoje.

Os primeiros materiais divulgados mostram um trabalho cuidadoso, com personagens expressivos, paleta acolhedora e cenas que misturam simplicidade e profundidade. A HQ não pretende apenas adaptar, mas ressignificar. Como se Leo, dessa vez, estivesse contando sua história com outras palavras, outros gestos, outras cores — mas com o mesmo coração.

O formato permite ainda brincar com a subjetividade. Passagens que no filme são rápidas, como toques, silêncios e risadas contidas, podem ganhar páginas inteiras. A relação entre Leo e Gabriel pode ser vista com mais calma, mais detalhes, mais intimidade. A amizade com Giovana também encontra mais espaço para revelar nuances que talvez no longa tenham ficado apenas sugeridas.

Há, portanto, uma chance real de esta HQ ampliar o que o filme começou.

Uma sinopse que toca fundo sem precisar exagerar

A nova edição acompanha as férias de Leo, que parecem iguais a todas as outras: ele divide o tempo entre a piscina da vizinhança e conversas com Giovana, que vive acreditando que algo grandioso vai acontecer a qualquer momento. Leo, por sua vez, sonha com a ideia de fazer um intercâmbio, mas duvida que seja possível viajar sozinho, considerando o excesso de proteção da mãe e as dificuldades que enfrenta para conquistar autonomia.

A volta às aulas traz antigos problemas — o bullying dos colegas, o incômodo de ser visto apenas como “o menino cego”, a pressão da família — mas também traz Gabriel, o novo aluno, dono de um sorriso tranquilo e de uma curiosidade sincera. A aproximação entre os dois surge de forma espontânea. São conversas no caminho da escola, tardes compartilhadas e pequenas revelações que fazem Leo perceber um sentimento que nunca tinha experimentado antes.

É nesse percurso que a história encontra seu tom mais doce: a sensação de descobrir o mundo através do afeto, de ser reconhecido para além das expectativas e limitações que os outros projetam.

O legado do filme

Embora Hoje Eu Quero Voltar Sozinho tenha conquistado diversos prêmios internacionais, incluindo o FIPRESCI no Festival de Berlim, e tenha sido o escolhido para representar o Brasil na corrida pelo Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, seu impacto vai além dos troféus. O que realmente permaneceu foi o carinho do público, os relatos de jovens que se viram pela primeira vez numa narrativa assim, o afeto que a obra despertou em pessoas que precisavam daquela história para entender a si mesmas.

O filme ocupou um espaço que até então estava vazio. E por isso ele não parou no tempo: circula em escolas, clubes de leitura, cineclubes universitários, grupos LGBTQIA+, salas de aula e até hoje é recomendado como referência nas discussões sobre inclusão.

A chegada da HQ reforça essa permanência.

Na Tela Quente, Globo exibe Barbie nesta segunda (1º): Fenômeno cultural que marcou 2023 e segue conquistando públicos

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Foto: Reprodução/ Internet

A noite desta segunda-feira, 1º de dezembro, promete ser cor-de-rosa na Globo. A emissora exibirá Barbie, o fenômeno cinematográfico de 2023 que ultrapassou a barreira das bilheterias e se consolidou como um dos acontecimentos culturais mais marcantes da última década. Dirigido por Greta Gerwig, o filme chegou aos cinemas com espírito de blockbuster e alma de manifesto pop, conquistando públicos muito além do infantil. Agora, chega à Tela Quente para repetir a força do impacto dentro de milhões de lares brasileiros.

No longa, acompanhamos a versão estereotipada de Barbie, interpretada com carisma por Margot Robbie. Ela vive em Barbieland, um universo colorido, meticulosamente organizado e aparentemente perfeito, onde todas as Barbies são felizes e realizadas em suas profissões. Quando pensamentos existenciais passam a interferir em sua rotina impecável, trazendo inseguranças inéditas e falhas em sua aparência idealizada, a personagem se vê diante de uma crise que abala sua posição dentro daquele mundo. Embora não seja expulsa de forma literal, o afastamento de sua própria perfeição a coloca em um limbo dentro de Barbieland. Em busca de respostas e de uma noção mais autêntica de felicidade, ela parte para o mundo humano acompanhada de Ken, interpretado por Ryan Gosling em uma atuação que equilibra humor, fragilidade e intensidade.

É nesse contraste entre fantasia e realidade que o filme floresce. Greta Gerwig constrói uma narrativa que, à primeira vista, pode parecer ingênua, mas que se revela precisa ao abordar padrões de beleza, inseguranças, machismo estrutural e, principalmente, a busca por um propósito pessoal em meio a tantas expectativas externas. A diretora transforma a franquia Barbie em um discurso vibrante sobre identidade e pertencimento, sem abrir mão do humor e do espetáculo visual.

A marca autoral de Gerwig está em cada detalhe. Conhecida por trabalhos como Lady Bird e Adoráveis Mulheres, ela utiliza o universo da boneca mais famosa do mundo como plataforma para reflexão e diálogo. Ao lado do corroteirista Noah Baumbach, cria uma narrativa madura e complexa, capaz de dialogar com diferentes gerações. A diretora assume riscos estéticos e narrativos que, em mãos menos sensíveis, poderiam soar artificiais, mas que aqui funcionam como um convite para reflexões profundas sobre o que significa ser mulher em um mundo que exige perfeição, ser homem em um ambiente que molda masculinidades frágeis e, em última instância, o que significa ser humano. Essas inquietações emergem tanto em diálogos cheios de humor quanto em cenas emocionalmente potentes, como o monólogo de America Ferrera, que rapidamente se tornou um dos momentos mais lembrados do filme por tratar de forma direta as expectativas que recaem sobre as mulheres.

O elenco, diverso e carismático, abraça com entusiasmo a proposta de Gerwig. Além de Margot Robbie e Ryan Gosling, estão presentes America Ferrera, Kate McKinnon, Issa Rae, Simu Liu, Michael Cera e tantas presenças que enriquecem a experiência. No Brasil, a dublagem reforça essa energia vibrante com nomes como Angélica Borges, Manolo Rey, Carina Eiras, Mariana Dondi, Flávia Saddy e Ariana Greenblatt. Gosling se destaca ao interpretar um Ken que transita entre o cômico e o vulnerável, responsável tanto por algumas das cenas mais hilárias quanto pelas mais melancólicas. Não à toa, recebeu indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante. Já Margot Robbie entrega uma Barbie cheia de nuances, delicada, assertiva e profundamente humana ao descobrir que ser imperfeita pode ser libertador.

A trajetória de Barbie até chegar às telas também é digna de destaque. O projeto de uma adaptação live-action começou ainda em 2009, inicialmente nas mãos da Universal. Depois seguiu para a Sony, com diferentes versões de roteiro e atrizes ligadas à produção. A transformação definitiva ocorreu quando o longa chegou à Warner Bros. Em 2019, Margot Robbie foi confirmada como protagonista e produtora, e em 2021 veio a escolha que mudaria os rumos da narrativa: Greta Gerwig assumiu a direção e o roteiro, ao lado de Noah Baumbach. As filmagens começaram em 2022, nos estúdios da Warner em Leavesden, na Inglaterra. A produção chamou atenção pela recriação detalhada de Barbieland, resultado do trabalho de equipes robustas de design e construção, responsável por entregar um universo visualmente impactante que combina nostalgia, modernidade e elementos de musical, comédia e fantasia.

O lançamento, em julho de 2023, transformou o filme em um fenômeno global. A première em Los Angeles já dava indícios da recepção calorosa que viria pela frente. Em poucas semanas, Barbie se tornou uma avalanche cultural. O longa ultrapassou a marca de 1 bilhão de dólares ainda em seu terceiro fim de semana e transformou Greta Gerwig na primeira diretora solo a alcançar tal marca. A crítica elogiou a ousadia da narrativa, o humor inteligente e a maneira como o filme equilibra leveza e relevância social.

Entre prêmios e indicações, Barbie conquistou oito nomeações ao Oscar, incluindo Melhor Filme, Melhor Ator Coadjuvante para Ryan Gosling e Melhor Atriz Coadjuvante para America Ferrera. A música What Was I Made For?, de Billie Eilish, venceu como Melhor Canção Original ao transformar em melodia a essência emocional do longa. O filme também recebeu dois Globos de Ouro, incluindo a categoria de Realização Cinematográfica e de Bilheteria. No total, encerrou sua passagem pelos cinemas com mais de 1,446 bilhão de dólares arrecadados, tornando-se a maior bilheteria da história da Warner Bros.

Aparecida Sertaneja desta segunda (1º) reúne Guito, The Fevers e Wesley & Conrado em noite de música e boas histórias

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Nesta segunda-feira, 1º de dezembro, às 19h30, o Aparecida Sertaneja apresenta uma edição marcada por diversidade musical e histórias de artistas que seguem construindo suas trajetórias com autenticidade. Sob a condução de Mariangela Zan, o programa recebe Guito, The Fevers e a dupla Wesley & Conrado, cada um representando um segmento importante da música nacional.

O primeiro convidado da noite é Guito, cantor e ator que ganhou projeção nacional após interpretar Tibério no remake de Pantanal, exibido pela TV Globo em 2022. Natural de Araxá, Minas Gerais, ele leva para o palco influências que remetem ao interior do país, unindo elementos do folk à sonoridade da viola caipira. Em apresentações ao vivo, Guito costuma tocar diversos instrumentos simultaneamente, incluindo violão, viola, gaita e uma mala adaptada como bumbo. Seu estilo se destaca pelo uso de timbres tradicionais combinados a arranjos contemporâneos, resultando em músicas que preservam a identidade rural sem abrir mão de linguagem atual.

Em seguida, o programa recebe The Fevers, grupo formado no Rio de Janeiro e considerado uma referência histórica da Jovem Guarda. Na ativa desde os anos 1960, a banda conquistou público com canções como Vamos Dançar o Letkiss e Não Vivo na Solidão. Ao longo da carreira, realizaram turnês pelos Estados Unidos, Canadá e Europa, consolidando reconhecimento internacional. Nos anos 1980, voltaram às paradas após emplacarem temas em trilhas sonoras de novelas da Rede Globo. A passagem deles pelo Aparecida Sertaneja deve revisitar fases marcantes desse percurso, reforçando o papel do grupo como um dos ícones da música pop brasileira.

Fechando as apresentações, o programa recebe a dupla Wesley & Conrado, que iniciou sua trajetória movida pelo interesse comum na música sertaneja. Juntos, percorreram diversas cidades com shows que buscam equilibrar repertório atual e referências clássicas do gênero. Em estúdio, lançaram o EP Chama na Moda e o projeto Marco Zero, que conta com participações de outros artistas do cenário sertanejo. Para Conrado, esta fase representa uma reconstrução após o acidente que vitimou seu antigo parceiro, Aleksandro, em 2022. A retomada ao lado de Wesley estabelece um novo capítulo profissional, com foco na consolidação da dupla e na ampliação do público.

Street Fighter | Reboot ganha primeiro trailer oficial e promete reinventar a franquia nos cinemas

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O aguardado reboot de Street Fighter finalmente revelou seu primeiro trailer oficial durante o TGA 2025, deixando fãs e curiosos em clima de euforia. A nova adaptação, dirigida por Kitao Sakurai (Bad Trip) e roteirizada por Dalan Musson (Falcão e o Soldado Invernal), marca a terceira incursão da franquia em live-action e representa o quarto longa-metragem inspirado na icônica série de videogames da Capcom. Desta vez, a proposta é clara: revisitar as raízes, modernizar o universo e entregar uma experiência cinematográfica que traduza a grandiosidade e o impacto cultural que Street Fighter conquistou ao longo das últimas décadas.

No elenco, Andrew Koji (Warrior) interpreta Ryu, trazendo para o papel uma mistura de precisão em artes marciais, presença cênica e profundidade dramática. Ao seu lado está Noah Centineo (Adão Negro), que surpreende na pele de Ken Masters. Longe do estilo leve e romântico que marcou boa parte de sua carreira, o ator surge mais maduro e emocionalmente complexo. Callina Liang (Avatar: A Lenda de Aang, Netflix) vive Chun-Li, que no trailer aparece como a figura determinante para reunir os protagonistas e impulsionar a narrativa.

Além do trio central, o elenco conta com nomes de peso como Jason Momoa (Aquaman), Joe “Roman Reigns” Anoa’i (Velozes & Furiosos 10), Vidyut Jammwal (Commando), David Dastmalchian (O Esquadrão Suicida), Curtis “50 Cent” Jackson (Power), Cody Rhodes (WWE), Andrew Schulz (You People) e Eric André (The Eric André Show). A variedade de estilos, talentos e presenças físicas reflete o compromisso do filme em celebrar a diversidade dos lutadores que sempre fez parte da essência da franquia. Cada ator parece ocupar um papel essencial no mosaico narrativo, aumentando ainda mais as expectativas do público.

A história é ambientada em 1993 e acompanha Ryu e Ken, lutadores afastados por motivos ainda mantidos em segredo. A aparição de Chun-Li os puxa de volta a um mundo que acreditavam ter deixado para trás. A partir desse reencontro, ambos são conduzidos ao Torneio Mundial de Guerreiros, uma competição marcada por confrontos brutais e histórias individuais carregadas de dor, orgulho e esperança. O trailer deixa claro que o torneio será o eixo principal do filme, mas também dá indícios de que existe uma ameaça maior atuando nas sombras, capaz de levar os lutadores ao limite físico e emocional.

O percurso da produção foi cheio de reviravoltas. Desde abril de 2023, quando a Legendary Entertainment assumiu os direitos de adaptação, as expectativas se tornaram cada vez maiores. Danny e Michael Philippou (Fale Comigo) foram anunciados como diretores iniciais, mas deixaram o projeto em junho de 2024 por conflitos de agenda e visão criativa. Em fevereiro de 2025, Kitao Sakurai assumiu o comando, trazendo uma nova perspectiva que uniu estética, intensidade e humanidade.

A escolha do elenco foi realizada entre maio e julho de 2025. Noah Centineo, Andrew Koji, Jason Momoa e Roman Reigns iniciaram as negociações logo nas primeiras semanas, sendo posteriormente confirmados junto a novos nomes que também se somaram ao longa. Callina Liang, David Dastmalchian e Curtis Jackson reforçaram a lista, enquanto Vidyut Jammwal e Cody Rhodes concluíram o grupo ao longo de julho.

As filmagens aconteceram na Austrália entre 18 de agosto e 12 de novembro de 2025, sob o título provisório de Punch. O diretor de fotografia Ken Seng (Deadpool) foi o responsável pela estética visual do projeto, que combina realismo cru com influências estilizadas dos golpes icônicos da franquia. O visual mistura cenários dos anos 1990 com uma abordagem moderna de iluminação e câmera, equilibrando nostalgia e novos ares.

A recepção ao trailer tem s

O Cavaleiro dos Sete Reinos ganha clipe inédito e amplia o legado de Game of Thrones com uma nova era de aventuras em Westeros

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O universo de Game of Thrones segue mais vivo do que nunca. Depois do sucesso de A Casa do Dragão, a HBO acaba de divulgar um novo clipe inédito de O Cavaleiro dos Sete Reinos, série que promete mergulhar o público em uma fase diferente, mais intimista e aventureira de Westeros. Abaixo, confira o vídeo divulgado pelo Omelete:

Com estreia marcada para 18 de janeiro de 2026, a primeira temporada chegará simultaneamente à HBO e à HBO Max, reforçando a estratégia da emissora de consolidar o universo criado por George R. R. Martin como uma das maiores franquias da televisão contemporânea. Enquanto Game of Thrones e A Casa do Dragão permanecem disponíveis no catálogo da plataforma, O Cavaleiro dos Sete Reinos surge como um elo narrativo que conecta passado, presente e futuro desse mundo marcado por disputas de poder, honra e destino.

Diferentemente das intrigas palacianas e batalhas épicas que consagraram a saga original, a nova série aposta em uma abordagem mais próxima do chão de Westeros. A história é uma prequela de Game of Thrones, ambientada cerca de um século antes dos acontecimentos da série exibida entre 2011 e 2019. Trata-se da terceira produção televisiva da franquia As Crônicas de Gelo e Fogo e adapta as novelas Contos de Dunk e Egg, escritas por Martin como uma espécie de contraponto mais leve, porém não menos dramático, ao universo principal.

No centro da trama estão dois personagens improváveis que conquistaram leitores ao redor do mundo: Sor Duncan, o Alto, conhecido como Dunk, e seu jovem escudeiro Egg, que guarda um segredo capaz de mudar o rumo da história. Dunk é interpretado por Peter Claffey, enquanto Dexter Sol Ansell assume o papel de Aegon Targaryen, o futuro rei que, naquele momento, vive como um garoto comum aprendendo sobre o mundo fora dos muros do poder.

O clipe recém-divulgado oferece um primeiro olhar mais sensível sobre essa dinâmica. Sem recorrer a dragões ou grandes exércitos, a prévia aposta em silêncios, olhares e pequenos gestos que revelam a relação de confiança construída entre cavaleiro e escudeiro. A atmosfera é de estrada, poeira e incerteza, com torneios, vilarejos simples e conflitos morais que testam os valores de Dunk em um mundo que nem sempre recompensa a honra.

A escolha por esse tom não é casual. Contos de Dunk e Egg sempre se destacou por apresentar Westeros sob a perspectiva de quem não ocupa o topo da pirâmide social. Dunk é um cavaleiro errante, sem terras ou títulos, que carrega apenas sua espada e um forte senso de justiça. Egg, por sua vez, é curioso, questionador e muito mais perspicaz do que aparenta, oferecendo um contraponto juvenil e, ao mesmo tempo, político à narrativa.

O elenco reforça a ambição da produção. Em abril de 2024, foram confirmados oficialmente os protagonistas, marcando o início de uma divulgação mais intensa da série. Pouco depois, em junho, a HBO anunciou nomes de peso para viver figuras centrais da dinastia Targaryen e de outras casas importantes de Westeros. Finn Bennett interpreta o instável Príncipe Aerion Targaryen, enquanto Bertie Carvel dá vida ao respeitado Príncipe Baelor Targaryen. Tanzyn Crawford assume o papel de Tanselle, personagem que promete trazer uma dimensão artística e emocional à trama.

O elenco ainda conta com Daniel Ings como Sor Lyonel Baratheon, um dos cavaleiros mais carismáticos do período, e Sam Spruell como Príncipe Maekar Targaryen, figura rígida e complexa que exerce grande influência sobre os rumos políticos da história. A presença desses personagens indica que, mesmo em uma narrativa mais contida, o jogo de poder continua pulsando em segundo plano.

Em agosto, novos anúncios ampliaram ainda mais o universo da série. Edward Ashley vive Sor Steffon Fossoway, enquanto Henry Ashton interpreta Daeron Targaryen, um príncipe sonhador e melancólico. Youssef Kerkour aparece como Steely Pate, trazendo uma camada de humor e humanidade, ao lado de Daniel Monks como Sor Manfred Dondarrion. Também integram o elenco Shaun Thomas como Raymun Fossoway, Tom Vaughan-Lawlor como Plummer, e Danny Webb no papel do mentor Sor Arlan de Pennytree, figura fundamental na formação de Dunk.

Outros nomes reforçam o peso dramático da produção, como Ross Anderson interpretando Ser Humfrey Hardyng e Steve Wall como Lorde Leo Tyrell, representante de uma das casas mais influentes de Westeros. A diversidade de personagens sugere uma narrativa rica em encontros, conflitos e dilemas morais, mantendo viva a essência da obra de George R. R. Martin.

A produção da primeira temporada teve início em junho de 2024, em Belfast, na Irlanda do Norte, região já conhecida dos fãs por ter servido de cenário para grande parte de Game of Thrones. As gravações foram concluídas em setembro do mesmo ano, respeitando um cronograma considerado enxuto para os padrões da HBO, mas suficiente para garantir o cuidado técnico e artístico característico da franquia.

Crítica – Um Ombro para Chorar transforma rivalidade em afeto e revela como o amor pode nascer exatamente onde a dor insiste em permanecer

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Um Ombro para Chorar” não é apenas mais um drama romântico juvenil. É uma história sobre pressão, solidão e sentimentos que surgem nos lugares mais inesperados. Disponível para quem busca romances sensíveis e emocionalmente intensos, a série sul-coreana de 2023 adapta o webtoon A Shoulder to Cry On, de Dong Mul, com um olhar atento às fragilidades da juventude e às marcas que o medo de perder tudo pode deixar.

Lee Da Yeol é apresentado como um jovem que carrega o peso de um futuro que não pode falhar. Habilidoso arqueiro, ele conquistou uma bolsa de estudos em uma escola de prestígio, e essa oportunidade representa muito mais do que status: é sobrevivência, reconhecimento e esperança. Da Yeol vive em constante estado de alerta, como se qualquer erro pudesse destruir tudo o que construiu. É nesse cenário de tensão que surge Jo Tae Hyeon, o aluno mais popular da escola, alguém que, à primeira vista, representa exatamente aquilo que Da Yeol não pode se dar ao luxo de enfrentar.

O conflito inicial entre os dois nasce da desconfiança e do medo. Da Yeol vê Tae Hyeon como uma ameaça direta, alguém capaz de colocar sua bolsa em risco e alimentar rumores que podem arruinar sua reputação. Sua reação é o afastamento, quase agressivo, uma tentativa desesperada de se proteger. Mas “Um Ombro para Chorar” é uma série que se constrói a partir da insistência: Tae Hyeon simplesmente não vai embora.

Jo Tae Hyeon é, talvez, o personagem mais interessante da narrativa. Popular, confiante e aparentemente despreocupado, ele esconde uma solidão que só se revela aos poucos. Sua insistência em permanecer ao lado de Da Yeol não é apenas provocação ou curiosidade. Há ali um reconhecimento silencioso de alguém que também carrega dores que não sabe expressar. A série acerta ao não transformar Tae Hyeon em um estereótipo do “garoto perfeito”, permitindo que suas vulnerabilidades apareçam gradualmente.

A relação entre os dois evolui de forma tensa e emocionalmente carregada. O ódio inicial de Da Yeol é palpável, quase físico. No entanto, quanto mais eles convivem, mais essa raiva se mistura com algo difícil de nomear. O olhar que se demora, o silêncio desconfortável, a proximidade que incomoda e conforta ao mesmo tempo. “Um Ombro para Chorar” entende que o amor nem sempre nasce do afeto imediato; às vezes ele surge da convivência forçada, do confronto de feridas e do reconhecimento da dor do outro.

O grande tema da série é justamente essa linha tênue entre amor e ódio. Da Yeol luta contra sentimentos que não quer ter, não apenas por medo de Tae Hyeon, mas por medo de si mesmo. A possibilidade de amar alguém que ele acredita ser uma ameaça abala suas certezas e sua identidade. Já Tae Hyeon parece compreender antes que Da Yeol que essa conexão não é algo a ser combatido, mas acolhido.

A série também se destaca por abordar, ainda que de forma sutil, temas como pressão acadêmica, medo do fracasso, isolamento social e a violência silenciosa dos rumores. O romance não existe separado desses conflitos; ele nasce dentro deles. Amar, aqui, é um risco tão grande quanto errar um alvo no arco e flecha ou perder uma bolsa de estudos

Bling Bling | Novo BL tailandês aposta no glamour do teatro Likay e estreia em 2026

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Foto: Reprodução/ Internet

O cenário das séries BL tailandesas acaba de ganhar uma produção que promete se destacar pela originalidade e pela forte ligação com a cultura local. Foi anunciada “Bling Bling”, nova aposta da produtora Copy A Bangkok, que terá como protagonistas os atores Gunner Nice e Guide Dech. Ambientada no tradicional mundo do Likay, a série tem estreia prevista para 2026.

Diferente de muitos títulos do gênero, que costumam se concentrar em ambientes urbanos contemporâneos, “Bling Bling” escolhe como pano de fundo uma das manifestações artísticas mais populares da Tailândia. O Likay é um tipo de teatro conhecido por suas apresentações intensas, que combinam música, dança, humor e drama, sempre marcadas por figurinos extravagantes, repletos de brilho, e uma maquiagem altamente expressiva. Esse universo visualmente marcante será parte essencial da identidade da série.

A trama acompanha a rotina de atores que integram uma companhia de Likay, explorando não apenas o espetáculo apresentado ao público, mas também os bastidores desse meio artístico. Entre ensaios, apresentações e disputas internas, surgem rivalidades, desafios profissionais e conflitos pessoais. É nesse contexto que se desenvolve o romance central da história, vivido por Gunner Nice e Guide Dech, prometendo uma narrativa que mistura emoção, tensão e sensibilidade.

A escolha de Gunner Nice e Guide Dech como protagonistas reforça a intenção da produção de investir em atuações carismáticas e emocionalmente intensas. A química entre os dois atores é um dos pontos de maior expectativa entre os fãs do gênero, que aguardam um relacionamento construído de forma gradual, marcado por conflitos internos e pela pressão do ambiente competitivo do teatro.

Outro destaque do projeto é a confirmação da cantora tailandesa Mobye no elenco. Sua participação indica que a música terá papel relevante na série, dialogando diretamente com a essência do Likay, onde o canto e a performance ao vivo são elementos fundamentais. A trilha sonora e os números musicais devem contribuir para aprofundar o impacto emocional da narrativa e enriquecer a experiência visual.

A Copy A Bangkok afirma que o projeto pretende respeitar a essência do Likay, valorizando sua estética, seus códigos e sua importância cultural, ao mesmo tempo em que adapta esse universo para uma narrativa moderna e acessível. Temas como ambição, identidade, pertencimento e escolhas pessoais devem se entrelaçar ao romance, criando uma história que vai além do brilho dos figurinos. Ainda sem data exata de estreia ou divulgação completa do elenco de apoio, a trama já desperta atenção por sua proposta diferenciada.

10DANCE | Dança e rivalidade se entrelaçam no filme BL japonês já disponível na Netflix

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Já disponível no catálogo da Netflix, 10DANCE chega como uma produção que ultrapassa rótulos e expectativas. Mais do que um simples romance BL, o filme japonês aposta na dança como linguagem emocional, usando o corpo, o movimento e o silêncio como ferramentas narrativas tão importantes quanto os diálogos. A obra adapta o mangá homônimo criado por Inouesatoh e entrega ao público uma história intensa sobre ambição, identidade, respeito e afeto que nasce de forma inesperada em meio à competição.

Dirigido por Keishi Otomo, cineasta conhecido internacionalmente pelos filmes live-action de Rurouni Kenshin, o longa mergulha no universo rigoroso da dança competitiva, revelando não apenas o brilho dos palcos, mas também a solidão, a pressão e os conflitos internos que acompanham quem vive da performance. A dança em 10DANCE não é apenas espetáculo visual, mas expressão emocional, confronto de egos e, sobretudo, um espaço de transformação pessoal.

A narrativa acompanha dois homens que dividem o mesmo nome, mas vivem em mundos artísticos distintos. Shinya Suzuki é o campeão absoluto da dança latino americana no Japão. Impulsivo, intenso e profundamente expressivo, ele dança movido pela paixão e pelo desejo de se afirmar constantemente. Seu estilo é marcado pela entrega total, pelo suor e pela emoção exposta em cada passo. Suzuki construiu sua carreira com muito esforço e carrega um orgulho que, muitas vezes, funciona como armadura diante das inseguranças.

Em contraste, Shinya Sugiki domina a dança de salão clássica e é reconhecido internacionalmente por sua técnica impecável, disciplina e elegância. Onde Suzuki é explosão, Sugiki é controle. Onde um se move pelo instinto, o outro responde à precisão. Apesar de atuarem em estilos completamente diferentes, os dois são frequentemente comparados por causa do nome em comum, algo que incomoda profundamente Suzuki, que sente sua identidade ser constantemente colocada em segundo plano.

O encontro definitivo entre eles acontece quando Sugiki faz uma proposta inesperada. Ele convida Suzuki para competir ao seu lado nas Dez Danças, um torneio extremamente exigente no qual os casais precisam apresentar cinco danças latinas e cinco danças clássicas. O desafio é claro desde o início: cada um deles domina apenas metade do repertório. Para competir de igual para igual, será necessário ensinar, aprender e, acima de tudo, confiar.

A ideia soa absurda para Suzuki em um primeiro momento. Dividir a pista com alguém que simboliza tudo o que o irrita parece impensável. No entanto, a segurança de Sugiki, misturada a uma provocação quase silenciosa, desperta algo poderoso em Suzuki: a ambição. Aceitar o desafio passa a ser uma questão de honra, de provar que é capaz de ir além do próprio território artístico. Assim, o acordo é selado.

O que começa como um desafio esportivo se transforma rapidamente em uma colaboração intensa. Os treinos são marcados por atritos, frustrações e choques de personalidade, mas também por descobertas importantes. Suzuki ensina a Sugiki a entrega emocional e a expressividade das danças latinas, enquanto aprende com ele o rigor técnico e o controle exigidos pelas danças clássicas. Cada ensaio funciona como um campo de batalha emocional, onde o orgulho é testado e os limites são constantemente empurrados.

É nesse convívio diário, entre corpos cansados, correções firmes e silêncios carregados de significado, que a relação entre os dois começa a mudar. A rivalidade dá espaço ao respeito. A irritação inicial se transforma em admiração genuína. A confiança surge de forma quase involuntária. A dança, que antes era apenas competição, passa a ser diálogo.

Um dos grandes méritos de 10DANCE está em compreender que, em uma história sobre dança, o corpo precisa falar tanto quanto as palavras. O filme constrói seu romance de maneira sutil, apostando em olhares prolongados, na respiração compartilhada após ensaios exaustivos, no toque necessário para ajustar um movimento e que, pouco a pouco, ganha outra dimensão emocional. O afeto não surge de forma abrupta, mas como consequência natural da convivência, do respeito mútuo e da vulnerabilidade compartilhada.

Quando Suzuki começa a perceber que seus sentimentos por Sugiki ultrapassam os limites da rivalidade e da amizade, o espectador já está completamente envolvido nessa jornada. O filme evita exageros melodramáticos e trata o romance com maturidade, permitindo que ele se desenvolva no tempo certo. Dentro do gênero BL, essa abordagem se destaca por fugir de estereótipos fáceis e por apostar em uma construção emocional mais profunda e realista.

As atuações são fundamentais para sustentar essa intensidade. Ryoma Takeuchi, conhecido por Roppongi Class e Black Pean, entrega um Suzuki impulsivo, orgulhoso e profundamente humano. Já Keita Machida, visto em Yu Yu Hakusho e Glass Heart, constrói um Sugiki contido, elegante e emocionalmente complexo. A química entre os dois é evidente, especialmente nas cenas de dança, onde os personagens se comunicam sem palavras e deixam transparecer tudo aquilo que ainda não conseguem dizer.

O mangá 10DANCE, publicado na revista Young Magazine da Kodansha, já era considerado uma obra inovadora dentro do BL ao explorar o universo da dança competitiva com rigor técnico e sensibilidade emocional. Não por acaso, conquistou o prêmio This BL is Amazing em 2019, consolidando-se como uma das histórias mais respeitadas do gênero. A adaptação cinematográfica honra esse legado, traduzindo para a linguagem audiovisual a mesma intensidade e cuidado narrativo.

Resenha — A Sabedoria das Noviças prova que as inquietações modernas já atormentavam mulheres brilhantes há séculos

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À primeira vista, A sabedoria das noviças: Conselhos do século XVI para problemas do século XX pode parecer apenas um exercício curioso de aproximação entre passado e presente. No entanto, o livro de Ana Garriga e Carmen Urbita revela-se muito mais ambicioso: trata-se de uma obra que revisita a história das freiras dos séculos XVI e XVII para desmontar estereótipos, recuperar vozes femininas silenciadas e, sobretudo, demonstrar que as angústias humanas atravessam o tempo com impressionante persistência.

O ponto de partida do livro é provocador. Em vez de apresentar a vida monástica como sinônimo de isolamento, repressão ou santidade inalcançável, as autoras revelam conventos como espaços de pensamento, estratégia, produção intelectual e até negociação de poder. As noviças e freiras retratadas aqui não são figuras passivas, mas mulheres que encontraram, dentro de estruturas rígidas, maneiras engenhosas de existir, criar e influenciar o mundo ao seu redor.

Santa Teresa de Ávila, Sor Juana Inés de la Cruz e Maria de Jesus de Ágreda são algumas das personagens históricas convocadas para esse diálogo improvável com o leitor contemporâneo. Longe de serem tratadas como santas intocáveis, elas surgem como mulheres de carne, ideias e contradições. Seus escritos, escolhas e episódios biográficos são reinterpretados à luz de problemas atuais, como dificuldades financeiras, desafios no ambiente corporativo, comunicação assertiva, ansiedade social e confusões afetivas.

O grande mérito do livro está na forma como essa transposição é feita. Garriga e Urbita não forçam paralelos nem recorrem a comparações artificiais. Ao contrário, constroem analogias inteligentes e bem-humoradas, capazes de iluminar tanto o contexto histórico quanto as tensões do presente. O famoso episódio da bilocação atribuída a Maria de Jesus de Ágreda, por exemplo, é reinterpretado como uma metáfora poderosa para o sentimento contemporâneo de estar sempre atrasado, desconectado ou perdendo algo nas redes sociais.

Sor Juana Inés de la Cruz ocupa um lugar central na narrativa como símbolo de inteligência feminina, resistência intelectual e domínio da palavra. Sua habilidade retórica e sua postura firme diante de autoridades masculinas servem como inspiração direta para situações modernas, como escrever um e-mail profissional sem parecer agressiva ou submissa. O livro acerta ao mostrar que, muito antes das discussões atuais sobre comunicação assertiva, essas mulheres já dominavam a arte de se posicionar em ambientes hostis.

A escrita das autoras é leve, irônica e convidativa. O texto evita o tom acadêmico tradicional e aposta em uma linguagem acessível, repleta de referências à cultura pop, ao universo corporativo e às dinâmicas das relações afetivas contemporâneas. Essa escolha torna a leitura fluida e prazerosa, ainda que, em alguns momentos, sacrifique maior profundidade teórica. Ainda assim, trata-se de uma decisão coerente com a proposta do livro: aproximar, não afastar.

Outro aspecto relevante é a forma como A sabedoria das noviças contribui para a revisão da história sob uma perspectiva feminina. Ao recuperar essas trajetórias, o livro evidencia o quanto a vida monástica foi, paradoxalmente, um dos poucos espaços onde mulheres puderam estudar, escrever, ensinar e exercer algum grau de autonomia intelectual. Essa leitura não romantiza o convento, mas reconhece sua complexidade como espaço de limitação e, ao mesmo tempo, de possibilidade.

Embora o subtítulo mencione problemas do século XX, o diálogo estabelecido pela obra é ainda mais pertinente ao século XXI. Questões como ansiedade, pressão por produtividade, medo de exclusão social e insegurança emocional atravessam o livro de maneira clara e atual. Nesse sentido, a obra funciona menos como um manual de conselhos e mais como um convite à reflexão, usando o humor e a história como ferramentas de acolhimento.

A sabedoria das noviças é um livro que diverte, informa e provoca. Ao transformar figuras históricas em interlocutoras contemporâneas, Ana Garriga e Carmen Urbita constroem uma obra que questiona nossas certezas, relativiza nossos dramas e oferece um olhar surpreendentemente reconfortante sobre o presente. Uma leitura inteligente e criativa, que reafirma que, independentemente da época, as dúvidas humanas seguem as mesmas e que a sabedoria, muitas vezes, já foi escrita há séculos, apenas esperando ser redescoberta.

World Trigger terá novo anime anunciado na Jump Festa 2026 e retomará a história desde o volume 1

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O universo de World Trigger ganhará uma nova adaptação em anime. O anúncio foi feito durante a Jump Festa 2026 e confirmou que a série retornará à televisão com uma proposta clara: adaptar a história do mangá desde o volume 1, apresentando novamente os acontecimentos que deram origem à Agência de Defesa Border e ao conflito entre a humanidade e as criaturas vindas de outra dimensão. A decisão reforça o interesse em consolidar a obra como uma das narrativas de ficção científica mais estratégicas do mangá contemporâneo.

Criado por Daisuke Ashihara, World Trigger se diferencia dentro do gênero shōnen por priorizar raciocínio tático, planejamento coletivo e desenvolvimento psicológico dos personagens, em vez de depender exclusivamente de confrontos baseados em força física. A nova adaptação surge em um contexto de amadurecimento do público e de valorização de histórias com estruturas mais complexas, o que amplia a relevância do anúncio.

A trama se inicia quando um portal interdimensional se abre na Cidade de Mikado, localizada no Japão. A partir desse fenômeno, criaturas desconhecidas começam a invadir o mundo humano. Essas entidades, posteriormente chamadas de Neighbors, possuem resistência total às tecnologias convencionais da Terra, o que provoca um colapso imediato na capacidade de defesa da cidade. Em pouco tempo, Mikado se transforma no epicentro de uma crise que ameaça não apenas a região, mas toda a humanidade.

Diante da incapacidade das forças tradicionais de conter a invasão, um grupo até então desconhecido surge e passa a enfrentar os Neighbors utilizando armamentos específicos baseados na tecnologia dos próprios invasores. Esse grupo se apresenta como a Agência de Defesa Border, uma organização criada com o objetivo exclusivo de proteger a Terra contra ameaças provenientes de outros mundos. Com a implementação de um sistema de defesa eficiente, a Border consegue estabilizar a situação em Mikado e impedir que a invasão se espalhe para outras áreas.

Com o passar do tempo, mesmo com o surgimento ocasional de novos portais, a cidade passa a conviver com uma sensação de normalidade. A presença da Border se torna parte do cotidiano da população, funcionando como uma força de contenção constante e organizada. A história principal se desenvolve quatro anos e meio após a abertura do primeiro portal, período em que a estrutura da organização já está consolidada e dividida em diferentes níveis hierárquicos.

É nesse cenário que o leitor acompanha Osamu Mikumo, um jovem recruta da Border que foge dos arquétipos tradicionais de protagonistas do gênero. Sem habilidades físicas excepcionais ou talentos naturais em combate, Osamu se destaca por sua capacidade analítica, senso de responsabilidade e disposição para aprender. Sua trajetória representa um dos pilares narrativos da obra, ao abordar crescimento pessoal, tomada de decisões sob pressão e o peso das consequências em um ambiente de risco constante.

Ao seu lado está Yūma Kuga, um personagem que carrega uma ligação direta com o mundo dos Neighbors. Dotado de habilidades avançadas e experiência em combate, Yūma introduz uma perspectiva diferente sobre o conflito entre mundos, ampliando o debate sobre moralidade, sobrevivência e identidade. A relação entre os dois personagens é construída de forma gradual e fundamentada na cooperação, elemento central da narrativa de World Trigger.

Outro aspecto que consolidou a reputação da obra é a estrutura de seus combates. As batalhas não se baseiam apenas em confrontos diretos, mas em estratégias elaboradas, leitura do ambiente e coordenação entre equipes. Os chamados Rank Wars exemplificam esse conceito ao apresentar disputas organizadas entre esquadrões da Border, nas quais planejamento e execução têm peso decisivo. Esse formato contribui para uma progressão narrativa consistente e evita soluções simplistas.

O mangá World Trigger, conhecido no Japão como ワールドトリガー, é publicado pela Shueisha e conta atualmente com 29 volumes tankōbon lançados até dezembro de 2025. Mesmo com pausas ocasionais na serialização, a obra manteve estabilidade editorial e uma base de leitores sólida, resultado direto da construção cuidadosa de seu universo e da coerência interna de suas regras.

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