Capítulo da novela Paulo, O Apóstolo– Quarta-feira, 10 de setembro
O imperador Nero finalmente revela seus verdadeiros objetivos a Paulo, surpreendendo todos que observam a trajetória do apóstolo com tensão e apreensão. Com sua autoridade absoluta, Nero apresenta um pedido inesperado, colocando Paulo diante de um dilema moral e espiritual: obedecer ao imperador ou manter sua fé e princípios inabaláveis. Em Jerusalém, antigas ameaças do sinédrio se tornam realidade, e a cidade se enche de rumores e conspirações que testam a coragem dos seguidores de Cristo. O capítulo mostra o contraste entre o poder terreno e a força interior do apóstolo, enfatizando o embate constante entre justiça, fé e autoridade. Cada diálogo, olhar e decisão revela a complexidade de um mundo em que a lealdade a Deus e a sobrevivência humana se chocam.
Capítulo – Quinta-feira, 11 de setembro
Durante uma conversa carregada de tensão com Nero, Paulo recebe um presente inesperado entregue por Popeia, gesto que mistura intriga, simbolismo e astúcia política. Enquanto isso, os sicários revelam toda a sua crueldade: Albino e Ananias são pressionados com ameaças e jogos de poder, obrigando-os a tomar decisões que podem determinar suas vidas. A situação evidencia a constante batalha entre princípios, moral e sobrevivência, e mostra como cada personagem precisa navegar em um ambiente de intrigas e manipulações para proteger a si mesmo e aos outros. O capítulo intensifica o suspense, revelando que fé, estratégia e coragem se entrelaçam de forma inevitável na luta contra a opressão do império.
Capítulo da novela Paulo, O Apóstolo– Sexta-feira, 12 de setembro
Embora o resumo oficial não tenha sido divulgado, o clima sugere que os acontecimentos culminam em momentos decisivos para Paulo e seus seguidores. As tensões entre os fiéis e as autoridades romanas provavelmente atingem um ápice, testando limites de coragem, lealdade e fé. O capítulo promete revelações dramáticas, confrontos morais e desfechos inesperados que marcarão profundamente a trajetória do apóstolo, reforçando os temas de justiça divina, resistência diante da opressão e a força do espírito humano mesmo nos momentos mais sombrios.
Neste domingo, 20 de julho de 2025, às 9h da manhã, a TV Aparecida exibe mais uma edição especial do programa “Terra da Padroeira”, apresentado por Kleber Oliveira, Tonho Prado e Menino da Porteira. Desta vez, o palco da atração matinal será ocupado por grandes nomes da música sertaneja e por grupos que celebram a tradição do interior do Brasil. Entre os destaques da semana está Sula Miranda, a eterna Rainha dos Caminhoneiros, que retorna ao programa com todo o carisma e repertório que marcaram gerações.
A atração, já tradicional na grade da emissora, segue firme na missão de valorizar os artistas que mantêm viva a música de raiz, as expressões culturais do campo e o jeito autêntico do povo caipira de ser. Com um clima de festa e acolhimento, a edição deste domingo promete emocionar o público com nostalgia, talento e cultura popular.
Sula Miranda: a Rainha dos Caminhoneiros volta ao palco do Terra
A presença de Sula Miranda no programa é motivo de celebração para os fãs da música sertaneja. Com mais de quatro décadas de carreira, Sula iniciou sua trajetória artística no final dos anos 1970 ao lado das irmãs em um grupo que se tornou um verdadeiro fenômeno: As Melindrosas. Com uma estética ousada e músicas animadas, o trio conquistou o Brasil e foi responsável por abrir caminhos para a presença feminina na música popular da época.
Mas foi no universo sertanejo que Sula construiu sua identidade artística mais forte. Em 1986, lançou seu primeiro disco solo e, com ele, a canção “Caminhoneiro do Amor” — um hino que lhe rendeu o título carinhoso de Rainha dos Caminhoneiros, reconhecimento que ela carrega com orgulho até hoje.
No “Terra da Padroeira”, Sula promete interpretar esse e outros sucessos de sua carreira, como “Seu Olhar”, “Com o Pé na Estrada”, “Filme Triste” e “Rumo Certo”. Carismática e experiente, ela também deve compartilhar um pouco de sua história com os apresentadores, em um bate-papo descontraído e cheio de afeto com o público.
Alcino Alves: talento de compositor e guardião da música de raiz
Outro nome de peso na edição deste domingo é Alcino Alves, cantor, compositor e produtor musical paranaense que fez história na música sertaneja. Nascido em São Sebastião da Amoreira (PR), Alcino integrou a famosa dupla Teodoro & Sampaio, com quem gravou de 1996 a 2010. Após a separação da dupla, formou o duo Alcino Alves & Rocha, que permaneceu ativo até 2015.
Além de intérprete, Alcino é dono de um acervo impressionante de composições. São mais de 600 músicas gravadas, entre elas clássicos como “As Andorinhas”, “Vestido de Seda” e “E Se a Casa Cair” — faixas que se tornaram referência no repertório sertanejo romântico e raiz. No palco da TV Aparecida, ele reencontra o público com sua voz marcante e canções que atravessam gerações.
Com a serenidade de quem conhece a estrada da música como poucos, Alcino deve emocionar com sua interpretação sincera e suas histórias de bastidores. Mais do que um show, sua presença é uma aula de história da música sertaneja brasileira.
Lucas & Luan: irmãos que marcaram o sertanejo romântico dos anos 90
A dupla Lucas & Luan também marca presença no “Terra da Padroeira”. Naturais de Guará (SP), os irmãos José Lucas de Ângelo e Josué de Ângelo começaram cedo na música, vencendo festivais e gravando discos regionais. O reconhecimento nacional veio em 1996, quando lançaram a música “Horizonte Azul”, que rapidamente se tornou uma das mais tocadas daquele ano em todo o Brasil — exceto, curiosamente, em São Paulo e Rio de Janeiro.
Desde então, a dupla se consolidou no circuito sertanejo, com agenda cheia de shows e um repertório que combina romantismo e estilo próprio. No palco da TV Aparecida, Lucas & Luan devem reviver seus maiores sucessos e aquecer a manhã dos fãs nostálgicos.
A sonoridade marcante da dupla, somada à sintonia de irmãos que cantam juntos há décadas, faz deles um dos grandes representantes do sertanejo romântico dos anos 90, um estilo que até hoje emociona o público.
Raízes do Catira: tradição e cultura passadas de geração em geração
Completando o elenco do programa, o grupo Raízes do Catira chega diretamente de Atibaia (SP) com sua proposta de preservar e divulgar a cultura caipira através da música e da dança. O projeto é mantido pelo Centro de Tradições Caipiras da cidade e envolve artistas e famílias que se dedicam à valorização de um dos estilos mais autênticos do interior paulista.
Sob a liderança de Gustavo Maiolli e de seu avô Marcelino Ribas, o grupo apresenta músicas caipiras clássicas acompanhadas por coreografias características do catira, dança marcada por sapateados e palmas, passada de pai para filho há gerações. O repertório inclui composições eternizadas por duplas como Vieira & Vieirinha, entre outros ícones da música rural.
A apresentação promete ser uma aula viva de tradição, reforçando o compromisso do “Terra da Padroeira” com a preservação das raízes culturais brasileiras. É uma oportunidade para o público conhecer — ou reencontrar — as expressões culturais que mantêm pulsando o coração do interior.
Celebração da fé, da música e do Brasil profundo
O “Terra da Padroeira” não é apenas um programa de televisão — é um espaço de encontro entre gerações, estilos e histórias. Com uma linguagem leve e respeitosa, a atração valoriza os artistas que, longe dos holofotes comerciais, mantêm viva a cultura popular, especialmente aquela ligada à fé, ao campo e às tradições familiares.
Neste domingo, a união entre nomes consagrados e novos protagonistas da cena sertaneja reafirma o compromisso da TV Aparecida com um conteúdo que respeita o público, promove a identidade brasileira e emociona quem assiste.
O cinema de terror tem se reinventado nos últimos anos, resgatando elementos clássicos do gênero e, ao mesmo tempo, inovando em linguagem, narrativa e impacto emocional. Dentro desse movimento, A Hora do Mal, dirigido por Zach Cregger, tem chamado atenção de crítica e público por sua ousadia e refinamento técnico. Nos primeiros dias de lançamento, o longa alcançou a impressionante nota de100% no Rotten Tomatoes— um feito raro, especialmente para um filme de terror lançado na última década.
Mas o que torna esse filme tão especial? Será que ele realmente entrega tudo o que promete? Para responder a essas perguntas, vamos analisar os elementos que fazem de A Hora do Mal um destaque no cinema atual, discutindo sua trama, direção, atuações, estética, e, claro, os temas sociais que ele aborda com sensibilidade e profundidade.
No centro da narrativa está o desaparecimento inexplicável de 17 crianças da mesma turma, tudo na mesma noite — um acontecimento que mergulha uma comunidade inteira em choque, desespero e uma busca frenética por respostas. Acompanhamos a história sob o ponto de vista de Justine Gandy (interpretada brilhantemente por Julia Garner), professora dedicada da turma que desapareceu, cuja dor, frustração e determinação guiam o espectador ao longo do filme.
Este enredo funciona em múltiplos níveis: é um thriller misterioso, um filme de terror com elementos psicológicos e até mesmo um drama social que investiga o lado sombrio de ambientes que parecem, à primeira vista, seguros e acolhedores — como a escola e a comunidade ao redor.
Não se trata apenas de um susto fácil ou de uma sequência rápida de cenas sangrentas. Pelo contrário, a narrativa de “A Hora do Mal” é construída com precisão cirúrgica, oferecendo uma experiência imersiva que mantém o público atento e emocionalmente envolvido.
Para um diretor em seu segundo longa, Zach Cregger apresenta uma maturidade e domínio estético que impressionam. Depois do sucesso do aclamado Barbarian (2022), Cregger não apenas confirma seu talento, mas mostra uma evolução clara. A confiança do diretor é perceptível em cada quadro do filme, refletindo uma linguagem visual viva, articulada e cheia de nuances.
Um dos grandes trunfos de Cregger é seu controle sobre o ritmo narrativo. Ele conduz o espectador por uma verdadeira montanha-russa emocional, sabendo exatamente quando acelerar o suspense, quando dar uma pausa para respirar, e quando revelar uma reviravolta que muda completamente a percepção da trama. Essa capacidade de manipular o tempo e o tom mantém o público sempre tenso, envolvido e ávido por mais.
Além disso, a direção de arte, os movimentos de câmera e a mise-en-scène são todos pensados para criar uma experiência visual pulsante, quase coreografada, que mistura elementos de horror e beleza. As cenas de ação, por exemplo, são impressionantes, com uma fluidez que revela a versatilidade de Cregger, que claramente possui um grande filme de ação no horizonte, mesmo que seu foco atual seja o terror.
Elenco que entrega performances memoráveis
Julia Garner, no papel de Justine Gandy, é a âncora emocional do filme. Sua interpretação traz profundidade à personagem, equilibrando vulnerabilidade, força e uma determinação visceral. É impossível não se conectar com Justine, sentir sua angústia e torcer por sua sobrevivência e justiça.
Ao seu lado, o elenco reúne nomes consagrados como Josh Brolin, Alden Ehrenreich e Austin Abrams, todos em papéis que enriquecem a trama com nuances e complexidade. Cada ator traz autenticidade, evitando clichês e garantindo que mesmo os personagens secundários tenham vida própria e motivos claros para suas ações.
Trilha sonora
Outro destaque essencial no filme é a trilha sonora. Longe de ser apenas um pano de fundo, a música atua como uma força ativa que amplifica a tensão e o desconforto que permeiam o filme. A trilha hipnótica e intensa parece quase uma entidade viva que acompanha a narrativa, aumentando o impacto emocional das cenas, seja na calma antes da tempestade ou nas explosões de terror e violência. Essa sinergia entre imagem e som é parte fundamental do sucesso do longa, fazendo com que o espectador não apenas veja, mas sinta o horror na pele.
Contrastes e críticas sociais
O terror do filme não está restrito a monstros ou sustos fáceis. Como em seu filme anterior, “Barbarian”, Zach Cregger explora de maneira incisiva contrastes sociais e visuais.
A ambientação em um subúrbio de classe média alta cria um cenário aparentemente seguro, perfeito, onde o mal, contudo, se esconde atrás de portas fechadas e sorrisos amigáveis. Essa dualidade — entre a aparência de normalidade e a brutalidade oculta — é uma crítica social perturbadora, que questiona a banalização da violência em ambientes que deveriam ser protetores, especialmente no contexto escolar e juvenil.
Ao trazer à tona essas questões, o filme faz uma reflexão importante sobre o medo coletivo, as falhas do sistema e as sombras que todos preferem ignorar.
Uma estética que impressiona
Visualmente, o filme é um espetáculo. A fotografia pulsante, os enquadramentos ousados e os movimentos de câmera dinâmicos criam uma linguagem cinematográfica energética e vibrante, rara em filmes do gênero.
Há cenas quase coreografadas, em que o horror e a beleza se misturam de forma visceral, criando uma sensação de estranhamento que potencializa a experiência sensorial do público. Em um gênero onde a estética muitas vezes é deixada em segundo plano para privilegiar o choque imediato, o longa-metragem surpreende pelo cuidado e refinamento visual.
Foto: Reprodução/ Internet
Elementos de humor na medida certa
Embora o terror predomine, o filme apresenta momentos pontuais de humor, que surgem naturalmente, sem parecer forçados ou deslocados. Esse equilíbrio ajuda a quebrar a tensão em pontos estratégicos, tornando a experiência menos exaustiva e mais dinâmica.
O humor funciona como um respiro para o público, permitindo que ele se prepare para os próximos sustos ou reviravoltas, sem perder o clima opressivo que sustenta a narrativa.
O que diz a crítica?
O reconhecimento da crítica não é por acaso. Além da nota perfeita no Rotten Tomatoes, baseada em 191 avaliações, o filme mantém uma alta avaliação em outras plataformas, com média de 96% de aprovação.
Os críticos destacam não só a qualidade técnica e a originalidade da trama, mas também a profundidade dos personagens e a habilidade do diretor em construir um suspense que não depende apenas de clichês ou violência gratuita.
A Hora do Mal tem sido apontado como um dos filmes de terror mais promissores desta década, colocado lado a lado com “His House” — outro título que elevou o gênero a outro patamar.
Por que vale a pena assistir?
Para os fãs de terror que buscam mais do que sustos fáceis, A Hora do Mal é um prato cheio. O filme oferece uma experiência completa: terror psicológico, suspense, drama humano, crítica social e uma direção que não deixa nada ao acaso.
Além disso, o elenco forte e a produção caprichada garantem que o filme permaneça na memória do espectador muito depois dos créditos finais. Se você procura um filme que desafia expectativas, que cria um clima de inquietação constante e que entrega reviravoltas inteligentes, este é o título perfeito para sua próxima sessão.
Neste domingo, dia 27 de julho de 2025, a música sertaneja ocupará seu lugar de honra na programação da TV aberta com um episódio especial do Viver Sertanejo, apresentado por Daniel, logo após o Globo Rural. No centro do palco, duas duplas que representam diferentes eras e vertentes do gênero: Di Paullo & Paulino, veteranos da raiz sertaneja com mais de 40 anos de trajetória, e Henrique & Diego, representantes do romantismo moderno que conquistaram o público jovem com letras envolventes e melodias dançantes.
O programa desta semana vai muito além de performances musicais. Ele mergulha em histórias de vida, superações, memórias e afetos que ajudam a entender por que o sertanejo segue como um dos gêneros mais amados do país. E, sobretudo, promove um tributo emocionante à eterna Marília Mendonça, que completaria 30 anos neste mês de julho e cuja presença é sentida em cada acorde, em cada silêncio reverente, em cada verso cantado com alma.
Duas histórias, um mesmo sentimento
De um lado, os irmãos Di Paullo & Paulino chegam com sua trajetória moldada na terra, no rádio AM, nos circos e nas festas do interior de Minas Gerais. De outro, Henrique & Diego, amigos de infância que saíram de Cuiabá e atravessaram os palcos do Brasil com hits que marcaram os anos 2010. Embora suas rotas pareçam opostas — raiz e pop, estrada e streaming, viola e beats —, há um elo invisível e poderoso entre eles: a fidelidade à emoção e à verdade que carregam em suas canções.
O encontro não é só musical, mas simbólico. É o sertanejo se olhando no espelho da própria história e se reconhecendo múltiplo, vivo, em constante renovação. Ao longo do programa, o público é presenteado com performances, conversas íntimas e muitas surpresas que fazem desta edição uma das mais marcantes da temporada.
Di Paullo & Paulino: da infância mineira aos palcos do Brasil
Quem vê Di Paullo & Paulino hoje, com suas camisas xadrez impecáveis, chapéus de feltro e vozes afinadas pelo tempo, talvez não imagine que tudo começou de forma modesta. Naturais de Martinho Campos, Minas Gerais, os irmãos Elias e Geraldo começaram a cantar ainda crianças, influenciados pelo pai, que tocava violão e incentivava a musicalidade dos filhos.
“Nosso pai colocava discos do Tonico & Tinoco pra tocar enquanto cuidava da lavoura”, relembra Paulino, no palco do Viver Sertanejo. “A gente ia pegando no ouvido, treinava escondido. Quando ele viu, já tinha dupla formada.”
A infância simples e o ambiente rural forjaram não só o repertório da dupla, mas também seu modo de ver a música. Cada canção de Di Paullo & Paulino carrega uma melodia quase ancestral, como se cada nota viesse carregada de pó da estrada, cheiro de fogão a lenha e lembranças de amores antigos.
No programa, eles cantam sucessos como “Amor de Primavera”, “Cama Triste” e a clássica “Passarinho do Sertão”, relembrando ainda histórias saborosas dos bastidores dos anos 1980 e 1990. Em um dos trechos mais curiosos da conversa com Daniel, Paulino conta que afinou a viola de Leandro & Leonardo antes de um importante festival em Goiânia. “Eles ganharam aquele dia. Depois disso, quando lancei nosso primeiro disco, fui pedir ajuda pra entrar na gravadora. Eles abriram portas pra gente. É por isso que digo: no sertanejo, gratidão é uma estrada de mão dupla.”
Henrique & Diego: entre o samba, o pagode e o sertanejo pop
Se a trajetória dos veteranos começa em plantações e rádios de pilha, a de Henrique & Diego tem tons mais urbanos e contemporâneos. Nascidos e criados em Cuiabá, ambos tiveram contato com a música em contextos diferentes. Diego veio da escola de samba, onde cantava puxando enredos com apenas 11 anos. Henrique, por sua vez, começou como roadie e depois como backing vocal em bandas locais.
O reencontro dos dois, após uma breve pausa na carreira de Diego para se dedicar aos estudos, foi decisivo. “Eu já tinha desistido. Mas o Henrique me chamou de volta. Disse que via futuro na gente. A partir dali, nunca mais parei”, diz Diego, emocionado.
A dupla fez de tudo no início: tocou em barzinho, em casamentos, em festas universitárias. O sucesso veio em 2011 com “Top do Verão”, mas foi com “Suíte 14”, parceria com MC Guimê, que eles estouraram de vez, alcançando as paradas do Brasil inteiro.
No Viver Sertanejo, eles revisitam esses momentos com leveza e bom humor. Cantam seus maiores hits e falam sobre a importância de manter os pés no chão. “A gente vem do pagode, mas encontrou no sertanejo o jeito mais sincero de se expressar”, diz Henrique. “Aqui a gente fala de amor, de perda, de esperança. É isso que toca as pessoas.”
Marília Mendonça: uma estrela que segue brilhando
O ápice emocional do episódio acontece quando as duas duplas se unem para cantar “Estrelinha”, canção lançada em 2018 por Di Paullo & Paulino com participação de Marília Mendonça. A música, que ganhou enorme projeção após a trágica morte da artista em 2021, virou um hino silencioso da saudade.
No estúdio, as luzes se apagam suavemente. As primeiras notas da viola ecoam como uma oração. Paulino entra com a voz tremendo, Henrique segura a emoção. A plateia se cala. Cada verso é um sopro de memória. Quando Diego entoa o refrão, há lágrimas. Muitas. Em Daniel, nos músicos, nos olhos discretos das câmeras. É mais que uma performance: é um ritual coletivo de saudade, amor e reverência.
Marília completaria 30 anos nesta semana. E, como lembra Daniel, “não há como falar do sertanejo atual sem lembrar da revolução que ela causou.” Jovem, talentosa, combativa e generosa, Marília Mendonça abriu caminhos para mulheres, para compositores, para a emoção crua. Sua ausência é sentida, mas sua presença é constante.
Um programa que respira Brasil
O sucesso do Viver Sertanejo não é acidental. Criado com a missão de resgatar e celebrar a essência da música sertaneja, o programa tem direção artística de Gian Carlo Bellotti, produção executiva de Anelise Franco e produção de Nathália Pinha, sob a direção de gênero de Monica Almeida. A apresentação de Daniel — ele próprio um ícone do gênero — garante não só credibilidade, mas acolhimento, emoção e afeto.
Daniel conduz as conversas com naturalidade, fazendo perguntas certeiras e emocionando-se junto aos convidados. É evidente que ali há troca verdadeira, não apenas roteiro. O cenário intimista, a luz quente e a plateia pequena criam um clima de encontro, e não de espetáculo.
O sertanejo como espelho de um Brasil que sente
Mais do que músicas de sucesso, o episódio deste domingo entrega ao público um mergulho na alma do sertanejo. Um gênero muitas vezes simplificado pelos estereótipos, mas que, na verdade, é complexo, emocional e profundamente ligado às raízes culturais do Brasil.
Ao reunir Di Paullo & Paulino e Henrique & Diego, o programa cria pontes entre o ontem e o hoje. Entre o campo e a cidade. Entre o modão que embala o amanhecer na fazenda e o hit que toca nos fones de ouvido nas metrópoles. E mostra que, mesmo com linguagens diferentes, o que importa é a verdade emocional.
A última Sessão da Tarde do ano promete aquecer os corações e arrancar sorrisos do público. Nesta quarta-feira, 31 de dezembro, a TV Globo exibe “Destinos Traçados” (About Fate), uma comédia romântica que aposta no poder das coincidências, nos tropeços do amor e na velha — e sempre encantadora — ideia de que algumas pessoas simplesmente estavam destinadas a se encontrar. Leve, divertida e com aquele clima acolhedor típico das tardes da Globo, o filme surge como a escolha perfeita para acompanhar o público em um dia marcado por despedidas, reflexões e novos começos.
A história acompanha Margot e Griffin, dois românticos assumidos que acreditam fielmente no amor verdadeiro, mesmo quando a realidade insiste em provar o contrário. Margot trabalha como corretora de imóveis e vive pressionada por expectativas pessoais e familiares. Às vésperas do casamento da irmã, ela sonha em estar noiva de seu namorado Kip, como se isso fosse a confirmação de que sua vida está no caminho certo. Já Griffin é um advogado gentil e sensível, que planeja pedir sua namorada Clementine, uma influenciadora e modelo, em casamento. Ambos têm planos, certezas e uma visão bem definida do futuro — ou pelo menos acham que têm.
O que eles não esperavam era que seus pedidos de noivado se transformassem em momentos constrangedores e frustrantes. Em vez de lágrimas de alegria e alianças brilhando, surgem dúvidas, silêncios desconfortáveis e a dolorosa percepção de que nem sempre o amor corresponde às nossas expectativas. Esses fracassos, que acontecem praticamente ao mesmo tempo, funcionam como o ponto de partida para a reviravolta da história.
Abalado e decidido a esquecer a noite desastrosa, Griffin sai para beber com os amigos na véspera de Ano-Novo. Entre um copo e outro, completamente perdido emocionalmente — e também no sentido literal — ele acaba indo parar no endereço errado. O destino, ou talvez apenas uma grande ironia do universo, faz com que ele chegue justamente à casa de Margot. O encontro entre os dois é tão inesperado quanto embaraçoso, rendendo situações caóticas, diálogos rápidos e um clima de estranhamento que logo se transforma em curiosidade.
É nesse momento que Margot tem uma ideia impulsiva: convida Griffin para fingir ser seu namorado e acompanhá-la ao casamento da irmã. A proposta nasce quase como uma solução prática para evitar explicações desconfortáveis à família, mas rapidamente se transforma em algo maior. O que era para ser apenas um acordo temporário dá início a uma sequência de acontecimentos divertidos, cheios de confusões, mal-entendidos e momentos de aproximação genuína.
À medida que convivem mais de perto, Margot e Griffin passam a se conhecer de verdade. Eles compartilham frustrações, sonhos não realizados, inseguranças e expectativas que nunca tiveram coragem de admitir. O filme acerta ao mostrar que a conexão entre eles não surge de forma instantânea ou idealizada, mas cresce aos poucos, em meio a conversas sinceras e situações absurdas que só a vida — ou uma boa comédia romântica — é capaz de proporcionar.
“Destinos Traçados” não tenta fugir dos clichês do gênero, e esse é justamente um de seus maiores acertos. O longa abraça os elementos clássicos das comédias românticas: encontros por acaso, fingimento que vira sentimento, famílias curiosas, momentos de dúvida e aquela sensação constante de que o amor verdadeiro pode estar mais perto do que imaginamos. Tudo isso é apresentado com leveza e bom humor, sem a pretensão de reinventar o romance, mas com a intenção clara de entreter e emocionar.
O elenco contribui bastante para o charme do filme. Emma Roberts entrega uma Margot carismática, vulnerável e fácil de se identificar, especialmente para quem já se sentiu pressionado pelo tempo ou pelas expectativas alheias. Thomas Mann, no papel de Griffin, foge do estereótipo do galã perfeito e constrói um personagem sensível, gentil e cheio de falhas, o que o torna ainda mais real. Britt Robertson, como Clementine, traz camadas interessantes à história, evitando que sua personagem seja apenas uma vilã romântica. Já Wendie Malick acrescenta experiência e timing cômico, garantindo alguns dos momentos mais espirituosos da trama.
A direção de Marius Vaysberg mantém o ritmo leve e fluido, ideal para uma exibição vespertina. O filme não se arrasta nem tenta aprofundar excessivamente os conflitos, respeitando a proposta de ser um entretenimento confortável, daqueles que podem ser assistidos sem grandes expectativas, mas que acabam surpreendendo pela doçura e pelo clima acolhedor.
Para o público brasileiro, a dublagem também merece destaque. Com vozes conhecidas como Rodrigo Andreatto, Cecília Lemes, Priscila Franco, Thiago Zambrano e Andressa Andreatto, a versão dublada torna a experiência ainda mais acessível e agradável, algo fundamental para o sucesso de um filme exibido na Sessão da Tarde.
Neste sábado, 16 de agosto, o Pequenas Empresas e Grandes Negócios (PEGN) chega com um cardápio variado de histórias que mostram que empreender pode nascer tanto de uma boa ideia quanto de um talento cultivado por anos. Na tela, desfilam desde marcas que unem design e funcionalidade, passando por inovações tecnológicas que aproximam pessoas e natureza, até tradições que resistem ao tempo e eventos que movimentam bilhões.
A primeira parada é em Salvador (BA), onde Léo Barros decidiu transformar a habilidade de criar bolsas térmicas artesanais em um negócio de alto padrão. As peças, feitas à mão, se destacam não só pelo visual sofisticado, mas também por detalhes técnicos que conquistam o público exigente: isolamento térmico de até 12 horas e bandeja antivazamento patenteada. Hoje, com 500 unidades produzidas por mês e faturamento anual de R$ 3,5 milhões, Léo prepara a próxima etapa — levar sua marca ao varejo de luxo e ampliar a presença no mercado nacional.
De lá, o programa segue para São Carlos (SP), onde quatro pesquisadoras formadas pela UFSCar criaram um aplicativo de educação ambiental que vai muito além da informação básica. Ele funciona offline, oferece dados históricos, culturais e ambientais de trilhas, parques e museus, e ainda inclui audiodescrição, Libras e jogos interativos para tornar a experiência mais inclusiva e divertida. O projeto já está ativo em lugares icônicos, como o Parque Nacional do Iguaçu e o Parque Lage (RJ), e garante à startup um faturamento de cerca de R$ 80 mil por mês, com apoio de instituições e programas de inovação.
A nova série especial sobre a Festa do Peão de Barretos estreia com um personagem que carrega a cultura sertaneja nas mãos há quase quatro décadas. Artesão de selas e acessórios, ele vê sua produção e suas vendas dispararem durante o evento, provando que tradição e negócio podem andar juntos.
No quadro “Dica do Bacca”, Marcelo Baccarini abre o mapa de oportunidades no setor de eventos, que deve movimentar R$ 140 bilhões em 2025. O número impressiona, mas o que chama atenção é a previsão de contratação de mais de 2,7 milhões de microempreendedores individuais, em áreas que vão de montagem de estandes e alimentação a tecnologia e brindes personalizados.
Para encerrar, a história de Matheus Vitor, um chef apaixonado pelo churrasco americano, que encontrou no tempero dry rub e nas carnes defumadas a receita para reescrever sua vida. No início da pandemia, com a esposa grávida e a ameaça de perder o emprego, investiu R$ 280 em carnes e começou a vender seus preparos por delivery. A aposta deu tão certo que hoje ele comanda uma equipe de quase 20 pessoas e é reconhecido como referência no segmento.
Segundas-feiras costumam ser corridas, cheias de compromissos, despertadores e café às pressas. Mas, às vezes, tudo o que a gente precisa é de uma pausa. E de um lembrete: o amor, quando verdadeiro, não espera.
É esse o tom de “Por Toda a Minha Vida” (All My Life), o filme escolhido para a Sessão da Tarde desta segunda-feira, 14 de julho, na TV Globo. Inspirado em uma história real, o longa emociona pela simplicidade com que trata o que é mais precioso: o tempo — e como escolhemos gastá-lo com quem amamos.
Amor em contagem regressiva
O filme acompanha o casal Jenn Carter (Jessica Rothe) e Sol Chau (Harry Shum Jr.), que acabaram de noivar e fazem planos como qualquer outro casal apaixonado: casamento, casa, futuro. Só que o futuro deles muda de rumo de forma brusca. Sol é diagnosticado com um câncer terminal. E tudo o que era para ser feito com calma passa a ter urgência. Entre consultas, incertezas e dor, os dois decidem seguir em frente. Se o tempo é curto, que seja intenso. É quando os amigos do casal entram em cena com um plano corajoso e tocante: organizar o casamento em apenas duas semanas. E, entre lágrimas e risos, todos se envolvem na missão de fazer daquele momento algo memorável.
Quando o amor é mais forte que o fim
Dirigido por Marc Meyers, o filme não apela. Ele emociona justamente porque é real: mostra a força que brota do amor quando a vida insiste em nos testar. Mostra também que família não é só laço de sangue — são as pessoas que correm com a gente até quando o caminho é difícil. Com um elenco afinado (além de Rothe e Shum Jr., o filme conta com Kyle Allen, Chrissie Fit e Jay Pharoah), Por Toda a Minha Vida lembra que nem sempre podemos controlar o tempo — mas podemos fazer cada segundo valer.
Uma tarde para se emocionar
Se você busca um filme que vai tocar o coração sem precisar de efeitos grandiosos, esta é a escolha certa. Prepare um lenço, talvez dois. Mas, mais que isso, prepare-se para lembrar daquilo (e de quem) realmente importa.
Prepare o terno risca de giz, sirva um bom vinho tinto e silencie os celulares: a máfia acaba de bater à porta da sua casa. O aguardado filme The Alto Knights: Máfia e Poder já está disponível para compra e aluguel nas principais plataformas digitais — e se você é fã de histórias reais, intrigas familiares e duelos de gigantes do crime, essa é uma visita que você não vai querer recusar.
Com direção de Barry Levinson, vencedor do Oscar por Rain Man, o longa marca mais um grande momento na carreira de Robert De Niro, que volta às raízes mafiosas que consagraram sua imagem no cinema. E, desta vez, em dose dupla: De Niro interpreta dois personagens ao mesmo tempo, os lendários rivais Frank Costello e Vito Genovese, dois chefes do crime organizado de Nova York cuja relação passou de parceria a um jogo mortal de traições, ameaças e vinganças silenciosas.
Quando a lealdade vira munição
Em The Alto Knights, não há espaço para clichês: o roteiro mergulha fundo no psicológico desses homens que, antes de serem mafiosos, também foram amigos, confidentes e líderes carismáticos. Mas, como a própria máfia ensina, o poder é solitário — e a ascensão de um quase sempre significa a queda do outro.
A tensão entre os dois não é ficção: o filme é baseado em fatos reais e retrata eventos históricos ocorridos entre os anos 1940 e 1960, em pleno auge da máfia italiana nos Estados Unidos. Costello, conhecido por sua diplomacia e discrição, liderava a Família Luciano (futura Genovese). Genovese, por sua vez, era mais agressivo e ambicioso, disposto a tudo para tomar o trono do crime. O resultado? Uma espiral de desconfiança, atentados e reviravoltas que se estenderam até suas mortes — Genovese faleceu na prisão, em 1969, e Costello viveu até 1973, evitando o estrelato e tentando desaparecer dos holofotes.
Robert De Niro: o retorno do padrinho
Ver Robert De Niro encarnando dois ícones mafiosos em uma só produção é um deleite para qualquer amante do cinema. O ator, que já deu vida a personagens inesquecíveis em clássicos como Os Bons Companheiros, Cassino e O Poderoso Chefão: Parte II, mostra que o tempo só refinou sua habilidade em comandar uma tela com intensidade e sutileza.
Aqui, ele não apenas interpreta duas figuras opostas — o frio e articulado Costello e o explosivo e violento Genovese — como também constrói nuances que tornam cada um inconfundível. Em muitos momentos, o espectador até esquece que é o mesmo ator em ambos os papéis.
Assista sem sair do sofá (e sem assinar nada)
Se você está acostumado a procurar bons lançamentos nas plataformas de streaming e se irrita com aquela mensagem “assine para assistir”, relaxa: The Alto Knights está disponível para compra e aluguel avulso, sem necessidade de assinatura.
Você pode assistir agora mesmo pelo Prime Video, Apple TV, YouTube, Claro TV+, Vivo Play ou Microsoft Store. É só escolher, apertar o play e entrar de cabeça nesse universo onde cada olhar pode esconder uma traição e cada gesto gentil pode ser o início de uma guerra.
O longa também é um convite à nostalgia: ao estilo de filmes que marcaram época, com ritmo elegante, diálogos afiados e uma ambientação impecável dos bastidores da máfia no pós-guerra. Para quem cresceu assistindo aos filmes de Martin Scorsese, essa é quase uma carta de amor ao gênero — e para as novas gerações, uma porta de entrada para entender por que a máfia ainda é um dos temas mais fascinantes do cinema.
Então, que tal reunir os amigos mais leais, abrir uma garrafa de vinho e fazer uma sessão em casa? Porque como dizem por aí: na máfia, a lealdade vale mais do que o sangue — e rever um bom clássico nunca é demais.
O universo dos k-dramas continua a surpreender fãs de todo o mundo, e 2025 promete um lançamento que já gera grande expectativa: Nice to Not Meet You. O drama reúne duas estrelas de peso: Lee Jung-jae, que conquistou fama internacional com Round 6, e Lim Ji-yeon, reconhecida por sua atuação em A Lição. Abaixo, confira os primeiros pôsteres oficiais divulgados pelo Prime Video.
Dirigido por Kim Ga-ram e roteirizado por Jung Yeo-rang, s série se apresenta como uma história contemporânea que mistura investigação, jornalismo e complexidades das relações humanas. A trama acompanha Lim Hyun-joon (Lee Jung-jae), um ator especializado em papéis de detetive que, apesar do sucesso, sente que perdeu o propósito que o levou à carreira artística. Ao seu lado, Wi Jeong-shin (Lim Ji-yeon) é uma repórter talentosa cuja trajetória foi interrompida após um escândalo de corrupção de grande repercussão. Juntos, eles embarcam em uma jornada inesperada de autodescoberta, reconciliação pessoal e dilemas éticos, enquanto lidam com os desafios do passado e do presente.
O elenco de apoio traz nomes renomados da indústria sul-coreana. Kim Ji-hoon (Cidade Invisível, Kingdom) interpreta Lee Jae-hyung, ex-jogador de beisebol e atual presidente da revista esportiva Sports Eunseong, adicionando camadas corporativas e mediáticas à história. Seo Ji-hye (Crash Landing on You, Gourmet) assume Yoon Hwa-young, jovem chefe do departamento de entretenimento da revista, prometendo tramas de ambição e estratégias nos bastidores.
Complementando o time, Choi Gwi-hwa (Signal, Kingdom 2), Na Young-hee (The World of the Married, Secret Boutique), Kim Hyun-jin (Move to Heaven, Sweet Home) e Jin Ho-eun (All of Us Are Dead, Love Alarm) dão corpo ao núcleo familiar e de apoio. Kim Hyun-jin interpreta Lim Seon-woo, irmão de Hyun-joon, enquanto Jin Ho-eun vive Wi Hong-shin, irmão mais novo de Jeong-shin. Esses personagens aprofundam a narrativa, mostrando como relações familiares e experiências passadas influenciam escolhas, conflitos e conexões emocionais.
O processo de produção do drama começou a se desenhar em março de 2024, com a leitura completa do roteiro, etapa essencial para a compreensão das personagens e avaliação da química entre os atores. As filmagens principais tiveram início ainda na primeira metade do ano, sob supervisão rigorosa de Kim Ga-ram. Lee Jung-jae decidiu assumir o papel após analisar a complexidade emocional do personagem, enquanto Lim Ji-yeon se mostrou entusiasmada com a oportunidade de explorar camadas de força e vulnerabilidade em Jeong-shin.
A imprensa especializada destacou o envolvimento de todos os integrantes do elenco. O anúncio da participação de Lee Jung-jae em novembro de 2024 causou grande repercussão, consolidando o drama como um dos mais esperados do ano. Nos meses seguintes, confirmações de Choi Gwi-hwa, Kim Hyun-jin, Jin Ho-eun e Na Young-hee mantiveram o interesse do público elevado, reforçando a expectativa por uma produção de alta qualidade, com elenco equilibrado entre experiência e química natural.
Programada para estrear na segunda metade de 2025, a série será exibida na tvN às segundas e terças-feiras, com episódios também disponíveis para streaming no Amazon Prime Video em territórios selecionados. A estratégia reflete a internacionalização crescente dos k-dramas, que conquistam audiência global graças às plataformas digitais. Para os fãs, é uma oportunidade de acompanhar performances intensas e nuances dramáticas, unindo o talento de Lee Jung-jae e Lim Ji-yeon em uma história que promete misturar tensão, emoção e humanidade.
A chama dos Targaryen está longe de se apagar. Antes mesmo de o público assistir à terceira temporada, a HBO oficializou a renovação de A Casa do Dragão para o quarto ano, reafirmando a confiança no poder da franquia e no apetite dos fãs pela tragédia, grandeza e brutalidade que moldam a história da família mais famosa de Westeros. A confirmação chega como um sopro de alívio para quem acompanha a série desde sua estreia em 2022, quando se tornou um fenômeno instantâneo, quase igualando – para muitos até superando – o impacto inicial de Game of Thrones.
Quando chegam as novas temporadas?
A ansiedade, porém, deve vir acompanhada de paciência. A HBO já confirmou que a terceira temporada estreia no verão norte-americano de 2026, entre junho e agosto. Já o quarto ano, recém-anunciado, deve chegar somente em 2028, seguindo o ritmo de produção cuidadoso que caracteriza o universo de George R. R. Martin. É um intervalo longo, mas não surpreendente: a série depende de cronogramas complexos, locações em vários países e meses de efeitos visuais que exigem um acabamento impecável. Tudo isso contribui para a imersão que se tornou marca registrada da produção.
O caminho que trouxe a série até aqui
Criada por Ryan J. Condal em parceria com George R. R. Martin, a série foi desenvolvida a partir dos eventos narrados na segunda metade do livro Fogo & Sangue. A história mergulha nas tensões políticas e afetivas que culminam na guerra civil conhecida como A Dança dos Dragões, conflito protagonizado pelos meios-irmãos Rhaenyra Targaryen e Aegon II, que disputam ferozmente o Trono de Ferro. Desde sua estreia em agosto de 2022, a série conquistou não apenas gigantescos números de audiência — ultrapassando 10 milhões na primeira noite nos Estados Unidos — mas também uma recepção crítica surpreendentemente positiva, com muitas análises considerando-a tão forte quanto sua série-mãe, ou até mais consistente.
Produção grandiosa e locações icônicas
O impacto visual da série também não veio por acaso. As filmagens atravessam países e paisagens, dando vida a castelos, cidades e regiões épicas que parecem saltar das páginas para a tela. A primeira temporada passou por locais como Cornualha, Hertfordshire e Peak District no Reino Unido, além de Portugal e várias cidades espanholas, como Cáceres e Trujillo. Toda essa travessia permite que Westeros ganhe textura, profundidade e autenticidade — uma característica essencial quando se trata de uma saga de fantasia que carrega tanto peso cultural.
Quanto custa cada episódio?
Se há algo que a HBO não economiza, é na grandiosidade. A primeira temporada de A Casa do Dragão custou quase US$ 200 milhões, o que significa cerca de US$ 20 milhões por episódio — uma cifra que coloca a série no mesmo patamar de megaproduções cinematográficas. Para efeito de comparação, Game of Thrones começou custando US$ 6 milhões por episódio e atingiu US$ 15 milhões apenas na última temporada. Além disso, o orçamento de marketing ultrapassou US$ 100 milhões, reforçando o status da série como um dos projetos mais ambiciosos da televisão contemporânea. Esses investimentos se refletem diretamente na qualidade visual: dragões com textura quase palpável, cenários vastos e batalhas que parecem coreografadas quadro a quadro.
Audiência, expectativas e o desafio da continuidade
A segunda temporada, lançada em junho de 2024, trouxe de volta toda essa grandiosidade, mas também enfrentou o impacto de competir com um cenário televisivo mais fragmentado. Mesmo com uma estreia global de 7,8 milhões de espectadores — abaixo dos 10 milhões de 2022 — o desempenho ainda é considerado imenso para os padrões atuais. Mais importante: a série manteve o alto padrão de narrativa, aprofundando personagens, ampliando tensões e construindo o caminho irreversível rumo ao conflito que promete dominar as próximas temporadas.
Prêmios, indicações e reconhecimento
A qualidade não passou despercebida pela indústria. Em pouco tempo, A Casa do Dragão conquistou o Globo de Ouro de Melhor Série Dramática, e Emma D’Arcy recebeu indicação como Melhor Atriz, reforçando o prestígio da produção. A série também acumulou nove indicações ao Emmy e foi laureada em prêmios técnicos importantes, como o BAFTA Craft Awards. A crítica se mantém constante em um ponto: a série conseguiu o que parecia impossível — reerguer o entusiasmo por Westeros depois da recepção dividida do final de Game of Thrones.
