The Paper apresenta trailer e um escritório pouco convencional no universo de The Office

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Esdras Ribeiro
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Depois de quase uma década acompanhando as trapalhadas e dramas da equipe da Dunder Mifflin, os fãs de The Office têm agora um novo motivo para celebrar. A tão aguardada série The Paper, que expande o universo criado pelo clássico da comédia americana, acaba de lançar seu trailer oficial, trazendo um gostinho do humor irreverente, personagens cativantes e histórias que prometem conquistar tanto os fãs antigos quanto novos públicos. Abaixo, confira o vídeo divulgado:

Ambientada no mesmo universo fictício da série original, porém em um cenário diferente, a trama mergulha no cotidiano de um jornal local, um microcosmo que reflete os desafios do mundo real — e com o estilo único do formato mockumentary que marcou época com The Office. Com uma mistura equilibrada de humor e crítica social, a série estreia no streaming Peacock no dia 4 de setembro de 2025, com grande expectativa para seu lançamento no Brasil em breve. As informações são da CNN.

O que é The Paper?

Criada pelos renomados Greg Daniels e Michael Koman — ambos nomes consolidados e respeitados no cenário da comédia televisiva — The Paper surge como um spin-off de The Office, série que conquistou fãs em todo o mundo entre 2005 e 2013, mudando para sempre o modo como a comédia é feita na televisão americana.

Se na produção original o foco era o escritório da empresa de papel Dunder Mifflin, desta vez a história acompanha a equipe de um jornal local, o Toledo Truth-Teller, situado em Toledo, Ohio. O enredo gira em torno do cotidiano de repórteres, fotógrafos e funcionários que tentam manter viva uma instituição que, apesar da crise do jornalismo impresso, ainda representa uma voz importante na comunidade.

A narrativa mostra a luta constante de uma redação que enfrenta cortes, pressões digitais, falta de recursos e conflitos internos, mas que, mesmo assim, não perde o bom humor, a paixão pelo que faz e a esperança de continuar fazendo a diferença.

Ao contrário da rotina de escritório estática de Scranton, a série apresenta um ambiente de trabalho dinâmico, onde o caos e o imprevisto são frequentes — o que abre espaço para cenas engraçadas, personagens carismáticos e uma crítica social sutil, mas impactante.

Foto: Reprodução/ Internet

Rostos novos com boas surpresas e participações especiais

O destaque da série fica por conta de Domhnall Gleeson, ator irlandês reconhecido por sua versatilidade em produções como Star Wars, Ex Machina e Brooklyn. Em The Paper, Gleeson interpreta Ned Sampson, o editor-chefe que precisa conduzir a equipe durante uma fase turbulenta, equilibrando as pressões financeiras com a missão editorial do jornal.

Ao seu lado está Sabrina Impacciatore, atriz italiana que ganhou notoriedade em séries como The White Lotus e filmes aclamados internacionalmente. Sua personagem, uma repórter experiente e determinada, traz profundidade e complexidade à trama, mostrando as nuances das mulheres que trabalham no jornalismo tradicional.

O elenco principal ainda inclui nomes promissores como Melvin Gregg, Chelsea Frei, Ramona Young e Gbemisola Ikumelo, jovens talentos que dão nova energia e diversidade à produção, criando uma dinâmica interessante entre personagens veteranos e novatos.

Para os fãs mais saudosistas, a série reservou uma surpresa especial: a participação de Oscar Núñez, que retorna como Oscar Martinez, seu querido personagem de The Office. Essa conexão direta entre as séries cria um elo emocional forte, além de fortalecer a sensação de continuidade do universo narrativo.

A herança de The Office

Para compreender o impacto que The Paper pode ter, é essencial relembrar o legado de The Office. A série original foi uma revolução no gênero de comédia televisiva, trazendo o formato mockumentary — ou “falso documentário” — para contar histórias aparentemente comuns, mas cheias de humanidade, humor e emoção.

Adaptada da produção britânica criada por Ricky Gervais e Stephen Merchant, a versão americana, liderada por Greg Daniels, conquistou milhões de fãs ao redor do mundo ao retratar o ambiente de trabalho em um escritório comum com personagens que se tornaram ícones da cultura pop, como Michael Scott, Jim Halpert, Pam Beesly e Dwight Schrute.

A força de The Office estava em transformar o ordinário em extraordinário, mostrando como as relações humanas — suas tensões, amores, amizades, desentendimentos — são universais e ao mesmo tempo únicas em cada contexto.

The Paper herda esse espírito, mas com um olhar renovado para os tempos atuais. A escolha de um jornal local como cenário é estratégica: o jornalismo enfrenta uma crise mundial, entre a digitalização, fake news, cortes de verba e uma disputa constante para se manter relevante e íntegro.

Ao explorar esses temas com o mesmo humor inteligente e empatia, a série promete não só divertir, mas também provocar reflexões sobre o papel da informação, da imprensa e da responsabilidade social.

Temas contemporâneos e diversidade

Além de homenagear a série original, a produção aposta em temas contemporâneos que ampliam o escopo da comédia. A crise do jornalismo tradicional é o pano de fundo para histórias que abordam desde a pressão por clicks e engajamento digital até questões éticas sobre o que deve ou não ser publicado.

A série também destaca a diversidade em seu elenco e roteiros, trazendo personagens femininas fortes, pessoas de diferentes etnias e orientações, que refletem o mundo atual em transformação. Essa pluralidade garante que a narrativa seja rica e inclusiva, ampliando o alcance e a identificação do público.

A aposta no formato mockumentary, aliado a essas questões contemporâneas, cria um equilíbrio entre nostalgia e inovação, proporcionando aos espectadores momentos de riso, mas também de empatia e compreensão.

Onde e quando assistir?

A estreia da série está confirmada para o dia 4 de setembro de 2025, exclusivamente pelo serviço de streaming Peacock, disponível nos Estados Unidos. Embora ainda não haja uma data oficial para o lançamento no Brasil, a expectativa é que a série chegue em breve às plataformas brasileiras, seja via Peacock Brasil (caso disponível) ou outras parceiras de streaming.

Os fãs brasileiros, acostumados a acompanhar as séries americanas de forma rápida, certamente terão acesso a essa nova produção, que traz o mesmo humor inteligente e sensibilidade emocional que conquistaram milhões em todo o mundo.

Por que vale a pena acompanhar a série?

Para quem é fã de The Office, a nova série representa uma oportunidade de revisitar o universo de humor e humanidade que marcou a série original, mas agora com um frescor e uma atualidade que refletem os desafios do mundo moderno.

Para quem nunca assistiu The Office, é uma excelente porta de entrada para o formato mockumentary, com personagens bem construídos, enredos envolventes e um equilíbrio perfeito entre comédia e drama.

A série mostra que, mesmo em um cenário de crise e incertezas, o riso e a empatia continuam sendo ferramentas poderosas para entendermos as relações humanas e as instituições que moldam nossas vidas.

Com um elenco talentoso, roteiros bem escritos e uma direção que respeita a tradição e aposta na inovação, The Paper tem tudo para se tornar um sucesso entre críticos e público, garantindo muitas risadas e reflexões ao longo das temporadas.

Crítica | Faça Ela Voltar é um terror devastador sobre luto, obsessão e amor doentio

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Ariel Silva
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Quando descobri que Traga Ela de Volta era dirigido pelos irmãos Philippou — os mesmos responsáveis pelo impactante Fale Comigo (Talk to Me) — e vi as críticas extremamente positivas, soube imediatamente que precisava assistir ao filme assim que fosse lançado. E posso afirmar com segurança: foi uma das decisões mais certeiras que já tomei como fã de terror.

Sou apaixonado pelo gênero há anos, embora reconheça suas inconsistências. É comum ver produções que se apoiam em sustos fáceis e clichês visuais, esvaziando a verdadeira essência do horror. Justamente por isso, encontrar uma obra realmente bem executada é raro — e, quando acontece, é simplesmente eletrizante. Traga Ela de Volta é um exemplo excepcional: assustador, impactante, emocionalmente denso e perverso. Vai além do que se espera de um filme de terror. É tenso, visceral e, acima de tudo, real — dolorosamente real.

Ao final da sessão, uma certeza se impôs: os irmãos Philippou não apenas evitaram a temida “maldição do segundo filme”, como superaram todas as expectativas com uma obra mais ousada, brutal e emocionalmente devastadora. Se Fale Comigo já havia sido uma estreia marcante, o filme é um salto criativo em todos os sentidos. É mais ambicioso, mais maduro e infinitamente mais angustiante — não só pelo que acontece em tela, mas pelo que exige emocionalmente de quem assiste. E o mais surpreendente: essa brutalidade nunca soa gratuita. Cada momento de dor e violência nasce de um lugar profundamente humano, de um amor distorcido pela perda, de uma dor tão sufocante que se torna monstruosa.

Terror com propósito: trauma, luto e consequências

O filme não se esquiva de temas delicados — como abuso infantil, capacitismo e negligência social — e os aborda com uma honestidade desconcertante. Alguns momentos são genuinamente difíceis de assistir, mas é exatamente essa coragem que confere força e autenticidade à narrativa. O diferencial do terror americano está na maneira como representa o trauma: não apenas como uma lembrança do passado, mas como algo ativo, presente, corrosivo.

A trama é, em essência, sobre luto. Sobre o desejo desesperado de consertar o que não pode mais ser consertado. Sobre como esse desejo pode se transformar em obsessão, e essa obsessão, em algo monstruoso. O filme mergulha na dor de quem perdeu e de quem não consegue seguir em frente. Esse luto não é romântico, nem redentor: é destrutivo. Ele seca tudo ao redor, até restar apenas um eco vazio — e é exatamente aí que mora o verdadeiro terror.

Sally Hawkins: entrega visceral e memorável

Sally Hawkins está simplesmente brilhante. Sua atuação como a mãe adotiva é uma das mais potentes de sua carreira. Ela mistura fragilidade e ameaça com uma naturalidade desconcertante. Em certos momentos, sentimos pena de sua personagem, comovidos pela dor que carrega. Em outros, ficamos horrorizados com as medidas extremas que toma para realizar seu desejo. É um desempenho visceral, que comprova a amplitude de uma atriz capaz de transitar do charme leve de Paddington para as profundezas sombrias do desespero absoluto.

Um amadurecimento dos irmãos Philippou

É nítido o quanto os irmãos Philippou cresceram como cineastas. Há mais controle de cena, mais segurança na direção e uma clareza artística admirável. O filme não se perde em firulas visuais, nem em reviravoltas baratas: é direto, duro e consciente de sua proposta. Traga Ela de Volta não é perfeito — há quem possa considerá-lo excessivo ou difícil de digerir — mas isso jamais compromete sua potência. É um terror que entra na pele, não apenas pelo que mostra, mas pelo que sugere, pelo que deixa implícito, e principalmente pelo que compreende sobre a natureza humana.

Porque, no fim, este não é apenas um filme de terror. É um estudo sobre o luto, sobre a culpa, sobre o amor distorcido pelo sofrimento e até onde uma pessoa é capaz de ir quando não encontra mais saídas para a dor.

Obrigatório e inesquecível

Se você gostou de Fale Comigo, ou se simplesmente é apaixonado pelo gênero de terror em sua forma mais crua e emocional, o longa-metragem é obrigatório. É o tipo de filme que te prende, te desmonta e te deixa pensando muito tempo depois que os créditos sobem. Eu senti medo. Eu chorei. Eu fiquei em choque.

Crítica – Filho de Mil Homens constrói um mosaico de solidão e identidades em conflito

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Renato Almeida da Silva
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A adaptação de O Filho de Mil Homens é um projeto ambicioso que, no entanto, revela irregularidades que comprometem sua força dramatúrgica. O roteiro hesita em assumir plenamente o peso emocional do romance de Valter Hugo Mãe; dispersa energia em desvios, alonga conflitos sem necessidade e, por vezes, sacrifica densidade em troca de contemplação vazia. Ainda assim, o filme encontra potência quando decide encarar de frente aquilo que tem de mais genuíno: as feridas abertas de seus personagens.

A solidão como espinha dorsal do filme

Rodrigo Santoro interpreta Crisóstomo com sobriedade, mas sua performance raramente alcança a complexidade anunciada pela campanha de divulgação. Falta à construção do personagem um mergulho mais visceral em sua angústia, em sua carência quase infantil de pertencer a uma família. Em contraponto, Miguel Martines (Camilo) entrega uma atuação de grande sensibilidade, traduzindo fragilidade sem perder presença. Rebeca Jamir, como Isaura, carrega no corpo as marcas de humilhação, violência e resistência; sua atuação se sobressai justamente por não pedir piedade, mas por expor dignidade ferida. Johnny Massaro compõe Antonino como um espelho doloroso do pavor de existir em um mundo que pune quem escapa da norma — e talvez seja ele quem mais deixa marcas.

Juliana Caldas amplia o espectro emocional do longa. Sua personagem vive uma solidão que não é vazio, mas resultado direto das exclusões sociais e da crueldade que se abatem sobre corpos dissidentes. Ela adiciona uma camada de sensibilidade e verdade que o filme nem sempre consegue sustentar em outras frentes.

A solidão, portanto, não surge como um estado contemplativo, mas como um produto estrutural de abandono, rejeição e traumas que atravessam todos esses personagens.

O desejo de pertencer, mesmo quando dói

O filme ganha fôlego justamente quando aborda o impulso — sempre fraturado — de criar laços. Crisóstomo se agarra ao papel simbólico de pai na tentativa de justificar sua própria existência. Camilo anseia por um afeto que o reconheça para além da carência. Isaura procura um espaço onde sua dignidade não seja continuamente violada. Antonino luta para pertencer primeiro a si mesmo, antes que o mundo o reduza a estereótipos.

O pertencimento, aqui, é sempre inacabado, sempre doloroso. É um gesto de procura que retorna como frustração.

Entre revelar-se e esconder-se

A identidade é tratada como um território instável, moldado por vergonha, desejo, culpa e coragem. O filme encontra grande força nessa tensão: o medo de existir por inteiro se mistura com uma urgência desesperada de ser visto. Essa dualidade, presente em todos os personagens, poderia ser ainda mais explorada, mas funciona como um dos motores mais consistentes da narrativa.

Homofobia, violência sexual e imposições sociais

A obra não se furta a temas contundentes — homofobia, violência sexual, abuso psicológico, intolerância religiosa — que atravessam e moldam as trajetórias dos personagens. Ainda que nem sempre aprofundados como poderiam, esses elementos são apresentados com firmeza suficiente para expor o modo como a sociedade cria e perpetua suas violências. O filme mostra, mais do que discute, como essas marcas se transformam em silêncios e cicatrizes permanentes.

O que permanece?

Permanece a dor, permanece a imagem de personagens que continuam ressoando muito depois do fim da projeção. Permanece também a sensação de que, apesar das irregularidades narrativas e estéticas, o filme captura algo essencial: a tentativa de sobreviver emocionalmente em um mundo onde o afeto é escasso e a hostilidade é regra.

Filho de Mil Homens não atinge todo o alcance que promete, mas, quando acerta, acerta no ponto mais sensível — o lugar onde a vulnerabilidade humana revela sua força mais profunda.

Park Min-young surge ensanguentada em trailer e marca virada de tom no k-drama “O Beijo da Sereia”

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Esdras Ribeiro
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O Prime Video divulgou nesta semana o primeiro trailer oficial de O Beijo da Sereia, novo k-drama que estreia na plataforma em 2 de março, e a prévia rapidamente chamou atenção do público. O motivo principal é uma cena impactante envolvendo Park Min-young, uma das atrizes mais populares da dramaturgia sul-coreana, que aparece com o rosto ensanguentado em meio a uma atmosfera de tensão e mistério.

A série acompanha Cha Wooseok, personagem vivido por Wi Ha-joon (Round 6), um investigador de elite da Unidade de Investigação de Fraudes de Seguros (SIU). Conhecido por seus instintos aguçados e capacidade analítica acima da média, Wooseok se envolve em um caso complexo que liga um esquema de fraudes de seguros a uma sequência de mortes consideradas suspeitas. Conforme a investigação avança, todas as evidências passam a apontar para Han Seol-ah, interpretada por Park Min-young, uma sofisticada leiloeira de arte que se torna a principal suspeita dos crimes.

No trailer, Han Seol-ah é apresentada como uma mulher elegante, confiante e provocante, inserida em um ambiente de luxo e exclusividade. No entanto, a narrativa rapidamente desconstrói essa imagem inicial ao sugerir que a personagem pode estar diretamente ligada aos eventos trágicos investigados pela SIU. A cena em que Park Min-young aparece com o rosto coberto de sangue é um dos momentos mais comentados da prévia, não apenas pelo impacto visual, mas pelo simbolismo que carrega.

A sequência indica uma ruptura com a imagem pública da personagem e reforça a proposta da série de trabalhar com camadas psicológicas complexas, nas quais culpa, sobrevivência e manipulação podem coexistir. O roteiro, ao que tudo indica, evita respostas simples e convida o espectador a questionar constantemente as motivações de Han Seol-ah.

Para Park Min-young, O Beijo da Sereia representa um projeto que se distancia de seus papéis mais conhecidos em comédias românticas e dramas sentimentais. Desta vez, a atriz assume uma personagem que transita entre o charme e a ameaça, explorando uma faceta mais obscura de sua atuação.

Diferente de muitos k-dramas que utilizam o romance como motor principal da narrativa, O Beijo da Sereia parece estruturar sua história a partir de um thriller investigativo. A escolha de abordar fraudes de seguros como pano de fundo do enredo chama atenção por fugir de temas mais recorrentes no gênero e acrescenta um componente de realismo à trama.

Cha Wooseok, interpretado por Wi Ha-joon, surge como um investigador metódico, mas guiado também pela intuição. O trailer sugere que ele não apenas analisa dados e provas, mas se deixa afetar emocionalmente pelo caso — especialmente quando passa a interagir de forma mais próxima com Han Seol-ah. A relação entre os dois se constrói em um terreno instável, marcado pela desconfiança, pela atração e pela constante sensação de perigo.

Wi Ha-joon, que ganhou projeção internacional após Round 6, consolida sua presença em produções de suspense ao assumir um papel que exige intensidade emocional e contenção. Seu personagem parece dividido entre o dever profissional e a dúvida crescente sobre a real participação de Seol-ah nos crimes.

O próprio título da série, O Beijo da Sereia, reforça essa ideia. Na mitologia, sereias são figuras associadas à sedução e ao perigo, capazes de atrair suas vítimas com beleza e encanto antes de conduzi-las à perdição. A metáfora parece dialogar diretamente com a personalidade de Han Seol-ah e com o risco que Wooseok corre ao se envolver emocionalmente com alguém que pode estar no centro de uma rede criminosa.

Diretor israelense confronta o Estado em “Yes”, sátira política que estreia nos cinemas em 12 de fevereiro

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Esdras Ribeiro
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Reconhecido por um cinema que desafia consensos e expõe tensões profundas da sociedade israelense, o cineasta Nadav Lapid apresenta ao público brasileiro seu novo longa-metragem, “Yes”, que estreia nos cinemas no dia 12 de fevereiro. A produção reafirma o lugar do diretor como uma das vozes mais inquietas do cinema contemporâneo, ao propor uma reflexão contundente sobre o papel do artista diante das estruturas de poder, da pressão institucional e da sedução exercida pelo sucesso.

Lapid construiu uma carreira marcada por obras que confrontam o nacionalismo, o militarismo e a manipulação simbólica do discurso oficial. Filmes como “Policial” (2011), “A Professora do Jardim de Infância” (2014) e “Sinônimos” (2019) — este último vencedor do Urso de Ouro no Festival de Berlim — consolidaram seu prestígio internacional e sua reputação como cineasta disposto a tensionar limites estéticos e políticos. Em “Yes”, esse olhar crítico retorna de forma ainda mais mordaz, envolto em sátira, humor corrosivo e uma narrativa emocionalmente instável.

O longa teve sua estreia mundial na Quinzena dos Realizadores do Festival de Cannes, vitrine tradicional para obras autorais e provocadoras, e foi eleito um dos melhores filmes do ano pela revista Cahiers du Cinéma, publicação histórica da crítica francesa. A produção também integrou a programação do Festival do Rio 2025, com sessões acompanhadas pelo próprio diretor no Brasil, ampliando o diálogo com o público latino-americano.

A trama gira em torno de Y., um músico de jazz em decadência, e Jasmine, sua esposa e parceira artística, uma dançarina que compartilha da mesma precariedade profissional. À margem do mercado cultural institucional, o casal encontra formas alternativas de sobrevivência ao oferecer apresentações privadas para clientes dispostos a pagar por experiências artísticas íntimas. Nesse contexto, arte e corpo se misturam, transformando talento em mercadoria e afeto em moeda de troca.

A dinâmica do casal muda radicalmente quando passam a ser requisitados por membros da elite política e econômica do país. O reconhecimento, porém, vem acompanhado de exigências cada vez mais explícitas. O ponto central do conflito surge quando Y. recebe a proposta de compor um novo hino nacional em troca de uma quantia financeira exorbitante. A oferta, sedutora e violenta ao mesmo tempo, coloca o protagonista diante de uma escolha que extrapola o campo profissional e invade sua esfera ética.

Mais do que um comentário sobre a indústria cultural, “Yes” funciona como uma alegoria sobre os mecanismos de cooptação do Estado e sobre o preço cobrado daqueles que aceitam se alinhar ao discurso oficial. Nadav Lapid constrói uma narrativa em que o riso surge do desconforto, da repetição absurda e do choque entre desejo individual e imposição ideológica. A comédia romântica, longe de oferecer alívio, torna-se um campo de batalha onde amor, ambição, ressentimento e oportunismo coexistem.

No papel principal, Ariel Bronz entrega uma atuação intensa, física e profundamente inquietante. Artista multifacetado, Bronz é conhecido em Israel por sua trajetória controversa nas artes performáticas e no teatro, além de trabalhos no cinema como “Out” e “Amnesia”. Sua carreira é marcada por confrontos diretos com instituições culturais e políticas, incluindo episódios de interrogatório, prisão e ameaças, o que confere ao personagem uma camada adicional de autenticidade e tensão.

Com reconhecimento internacional e prêmios importantes, como o Prêmio Rosenblum de 2018, Bronz transforma o corpo de Y. em um espaço de conflito permanente, refletindo as contradições de um artista dividido entre sobrevivência, vaidade e consciência. Sua performance dialoga diretamente com os temas centrais do filme, borrando as fronteiras entre ficção e realidade.

Lançado em um contexto global de crescente polarização política e controle simbólico, “Yes” ganha relevância para além de suas fronteiras nacionais. Embora profundamente enraizado na realidade israelense, o filme propõe questões universais sobre conformismo, censura velada e os limites éticos da criação artística em ambientes hostis à dissidência.

Saiba qual filme vai passar no Cinemaço de domingo (03/08)

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Esdras Ribeiro
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Neste domingo, 3 de agosto de 2025, o Cinemaço da TV Globo traz uma produção nacional carregada de tensão, ação e sentimentos brutos: Cano Serrado, drama com clima de faroeste moderno dirigido por Erik de Castro. A história coloca o espectador dentro de uma espiral de vingança e erro de identidade que poderia muito bem ter saído de um clássico do gênero western, mas se passa em solo brasileiro — com direito a caminhões na estrada, clima seco do interior e muita raiva reprimida.

Uma bala carregada de dor e justiça

O protagonista da história é Sebastião, interpretado com intensidade por Rubens Caribé. Sargento aposentado, Sebastião está devastado pela morte do irmão, um caminhoneiro brutalmente assassinado em circunstâncias misteriosas. Tomado pelo luto e pela sede de justiça — ou talvez de vingança — ele decide investigar por conta própria e punir os responsáveis. Mas como costuma acontecer nas boas histórias de faroeste, nada sai como o planejado.

Ao se deparar com dois policiais locais, Manuel (vivido por Paulo Miklos) e Marcos Sá (interpretado por Fernando Eiras), Sebastião comete um engano fatal: os toma como suspeitos do crime. A partir daí, a situação foge completamente do controle. O que era uma investigação solitária se transforma em uma caçada desenfreada, colocando toda uma cidade no meio do fogo cruzado.

Quando o interior vira palco de tensão

Com produção da Globo Filmes em parceria com a BSB Cinema Produções, Cano Serrado mistura a atmosfera quente e carregada do sertão com um visual sujo e realista. A fotografia de Edu Felistoque e Willian Pacini capta com maestria esse ambiente seco, quase sufocante, onde as emoções dos personagens parecem evaporar com o calor do asfalto.

A trilha sonora de Patrick De Jongh contribui para o clima western contemporâneo, misturando regionalismo com acordes tensos e introspectivos. O silêncio também tem papel importante: muitas vezes, o que não é dito pesa tanto quanto os confrontos armados.

Quem faz parte do elenco?

O elenco do filme reúne nomes conhecidos do cinema, da televisão e da música, entregando performances intensas e multifacetadas. Rubens Caribé (Os Matadores, A Casa de Alice) interpreta o sargento Sebastião com raiva contida e uma dor que beira o insuportável. Paulo Miklos (É Proibido Fumar, Estômago) dá vida ao policial Manuel, num papel silencioso e cheio de nuances. Fernando Eiras (O Cheiro do Ralo, Dom) interpreta Marcos Sá, parceiro de Manuel, completando a dupla que é confundida com os assassinos e acaba no centro da tempestade. Milhem Cortaz (Tropa de Elite, Carandiru) vive o explosivo Rico, enquanto Jonathan Haagensen (Cidade de Deus, Irmandade) interpreta Luca, um jovem envolvido na rede de suspeitas.

A força feminina vem com Naruna Costa (Sintonia, Todas as Flores), que vive Roberta, e Silvia Lourenço (Hoje, Nome Próprio), como Sílvia. O elenco ainda conta com Rodrigo Brassoloto (Ferrugem, Estômago) como Romão, Sérgio Cavalcante (Polícia Federal – A Lei é para Todos) como Flavio, Ronaldo Lampi (Onde Está a Felicidade?) como Manerveres, Cesário Augusto (Cheiro do Ralo) como Raimundo, Mariana Molina (Malhação, Além da Ilusão) como Isabel, Mauricio Witczak (Entre Nós, O Filme da Minha Vida) como João, Antonio do Rosário (Nada a Declarar) como Fulgêncio, Cibele Amaral (Do Outro Lado do Paraíso) como Francisca, e André Araujo (O Pastor e o Guerrilheiro) como Juvenal. As informações são do Gshow.

Faroeste à brasileira? Sim, e com personalidade

O longa não esconde suas inspirações no gênero do faroeste. Há um justiceiro solitário, uma cidade abalada, autoridades confusas, tiroteios e até trilha sonora com toques de western. Mas o que o filme faz de interessante é abrasileirar essa fórmula, inserindo elementos regionais, ambientações que fogem do estereótipo norte-americano e dilemas morais bem locais.

Aqui, o “bang bang” não acontece em saloons, mas em postos de gasolina, nas estradas poeirentas e nos becos das pequenas cidades do interior. A lei é falha, o luto é pesado e a violência parece ser a única linguagem que os personagens conhecem.

Justiça ou vingança?

O grande motor do filme é a ambiguidade entre justiça e vingança. Sebastião não é exatamente um herói. Seu desejo de justiça é legítimo, mas seus métodos são extremos. Ele erra, e seus erros custam caro. Ao confundir os policiais com os assassinos de seu irmão, ele coloca vidas inocentes em risco e embaralha ainda mais as linhas entre certo e errado.

Uma produção feita com garra

A ficha técnica do filme mostra o esforço coletivo de artistas e técnicos que acreditaram na proposta da trama. Com produção executiva de Christian de Castro e Edu Felistoque, o filme ganhou força mesmo com orçamento modesto. A montagem ágil, assinada por Gab Felistoque, contribui para a tensão crescente, e a direção de arte de Luiza Conde constrói um mundo palpável, onde a violência está sempre à espreita.

Nobru alcança mais de 375 mil espectadores em transmissões da Esports World Cup 2025

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Esdras Ribeiro
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Tem gente que joga. Tem gente que transmite. E tem gente que transforma o competitivo em espetáculo, em emoção de verdade. Bruno “Nobru” Goes é esse último tipo. Durante a Esports World Cup 2025, realizada em julho, o fundador do Fluxo mostrou mais uma vez por que é um dos nomes mais carismáticos e influentes do cenário gamer brasileiro. Com carisma, entrega e muito amor pelo que faz, ele atraiu mais de 375 mil espectadores únicos ao longo de suas transmissões ao vivo — números que impressionam, mas não surpreendem quem já acompanha sua trajetória.

Ao todo, foram 16 horas de conteúdo, transmitidas com a intensidade de quem sente cada jogada na pele. A audiência bateu um pico de 19 mil pessoas simultâneas justamente durante a grande final do campeonato, mesmo com a equipe brasileira não ocupando as primeiras colocações. Essa fidelidade do público, que vai além dos resultados, mostra a força do elo criado por Nobru com sua comunidade.

Entre tropeços e reações: o Fluxo no mundial

A jornada do Fluxo na competição internacional teve de tudo: expectativa, tensão, recuperação e frustração. No primeiro dia da fase decisiva, em 16 de julho, o time teve um começo difícil, somando apenas 1 ponto e ficando na última posição do grupo. Mas como em toda boa história de superação, o dia seguinte trouxe uma reviravolta: 106 pontos e uma honrosa quarta colocação reacenderam a chama da torcida.

A caminhada, no entanto, voltou a ficar turbulenta. O terceiro dia trouxe nova estagnação no placar, e na etapa seguinte, o grupo ficou com o oitavo lugar. Na grande final, o resultado não foi dos melhores — décima colocação, com 84 pontos. Mas quem acompanhou as transmissões viu muito mais do que um time tentando vencer. Viu uma comunidade vibrando com cada queda, cada eliminação, cada tentativa de reerguida.

Um streamer que vai além do jogo

Enquanto o Fluxo batalhava dentro do servidor, Nobru segurava as pontas fora dele. Mais do que simplesmente transmitir as partidas, ele criou um ambiente de acolhimento e empolgação nas lives. Com comentários autênticos, interação direta com os fãs e até momentos de descontração em meio à tensão, Bruno fez do campeonato um grande encontro — daqueles que a gente sente falta quando acaba.

E isso se reflete nos 140 mil espectadores recorrentes que acompanharam seus conteúdos mesmo nos momentos de queda. Isso porque ele não estava ali apenas pelo troféu. Estava — e está sempre — pela conexão. A cada live, reforça que jogar também é partilhar, criar memórias, rir junto, lamentar e, principalmente, continuar mesmo quando os números não favorecem.

Campeões do torneio e o respeito do público

Quem levantou o troféu nesta edição foi a equipe asiática EVOS Esports, que brilhou com uma campanha sólida e levou pra casa o prêmio de US$ 300 mil (cerca de R$ 1,67 milhão). Mas, se no placar quem venceu foi a EVOS, no coração da comunidade brasileira não há dúvida: o verdadeiro destaque foi Nobru.

Porque no mundo dos games, nem sempre o mais aplaudido é quem sobe no pódio. Muitas vezes, é quem mostra resiliência, dá voz à torcida, e, mesmo sem o ouro, oferece algo ainda mais valioso: presença.

Mais que um número, uma história

A trajetória de Nobru não se mede apenas por estatísticas. De garoto sonhador da zona leste de São Paulo a ícone do cenário gamer, ele conquistou cada espaço com muito suor, talento e empatia. Fundou sua própria organização, se tornou um dos rostos mais conhecidos do Free Fire e segue firme como referência de representatividade e inspiração.

A participação na Esports World Cup deste ano foi mais uma página nesse livro em constante construção. Uma prova de que, mesmo nos dias difíceis, há força no coletivo. Há valor em manter o público junto, mesmo quando o placar aperta. E há beleza em se mostrar vulnerável, sem perder o brilho.

Stellan Skarsgård emociona no Globo de Ouro e fortalece a trajetória de Valor Sentimental nos cinemas

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A consagração de Stellan Skarsgård no Globo de Ouro foi daquelas que parecem resumir uma carreira inteira em poucos minutos. O ator sueco venceu o prêmio de Melhor Ator Coadjuvante por Valor Sentimental, conquistando seu primeiro troféu na premiação e confirmando aquilo que crítica e público já vinham percebendo: trata-se de uma das atuações mais sensíveis e marcantes do ano.

Ao subir ao palco para agradecer, Skarsgård fugiu do discurso protocolar. Em tom sereno, destacou algo que tem se tornado cada vez mais urgente em tempos de consumo acelerado de conteúdo: a importância de assistir filmes no cinema. Para o ator, a sala escura, o silêncio coletivo e a atenção plena do público continuam sendo parte fundamental da experiência cinematográfica. Foi um momento simples, mas carregado de significado, que dialogou diretamente com o espírito do filme que o premiou.

Em Valor Sentimental, Skarsgård vive Gustav Borg, um personagem moldado por lembranças, afetos mal resolvidos e emoções que raramente se expressam em palavras. Sua atuação aposta na contenção e no detalhe. São os gestos mínimos, os olhares demorados e as pausas que constroem a força do personagem. Em vez de grandes explosões dramáticas, o ator entrega uma presença silenciosa, profundamente humana, capaz de tocar o espectador de forma quase íntima.

Essa abordagem reflete a própria trajetória de Skarsgård no cinema. Ao longo de décadas, ele construiu uma carreira marcada pela versatilidade e pelo rigor artístico, alternando entre produções autorais europeias e grandes filmes internacionais. Sempre distante de excessos e fórmulas fáceis, o ator se notabilizou por escolhas cuidadosas e personagens complexos, o que o tornou uma figura respeitada dentro e fora das telas.

A vitória no Globo de Ouro chega como um reconhecimento tardio, porém simbólico, desse percurso consistente. Mais do que um prêmio isolado, ela reposiciona Skarsgård com força na temporada de premiações, colocando-o entre os principais nomes na disputa pelo Oscar de Melhor Ator Coadjuvante. A conquista também amplia o alcance de Valor Sentimental, que passa a ser visto como um dos títulos mais relevantes do circuito atual.

No Brasil, o filme vive um momento especialmente positivo. Valor Sentimental já ultrapassou a marca de 90 mil espectadores, mantendo-se em cartaz e expandindo sua presença em novas praças, como Volta Redonda, além do retorno às salas de Goiânia. O desempenho revela um público disposto a se conectar com histórias mais intimistas e emocionais, impulsionado pelo boca a boca e pelo reconhecimento internacional.

O Primata | Novo terror da Paramount ganha trailer eletrizante com Troy Kotsur e Johnny Sequoyah

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Esdras Ribeiro
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Foto: Divulgação/ Paramount Pictures

O novo longa de terror O Primata teve seu primeiro trailer divulgado em 16 de outubro nas redes sociais da Paramount Pictures, revelando uma prévia sombria e claustrofóbica que promete prender o público do início ao fim. A trama acompanha Lucy, uma jovem que retorna da faculdade para passar as férias com a família em uma casa tropical isolada. Entre os membros da casa está Ben, o chimpanzé de estimação da família, cuja presença inicialmente parece inofensiva. No entanto, um inesperado surto de raiva transforma o animal em uma ameaça mortal. O que seria um período de descanso e união rapidamente se converte em uma noite de puro terror, na qual Lucy e seus amigos precisam lutar por suas vidas e encontrar maneiras de sobreviver à fúria do animal. Abaixo, confira o vídeo divulgado:

Quem faz parte do elenco?

O elenco reúne nomes de peso e jovens talentos. Troy Kotsur (CODA – No Ritmo do Coração), vencedor do Oscar de Melhor Ator Coadjuvante, interpreta Adam, o patriarca da família. Johnny Sequoyah (Dexter: Sangue Novo, Believe) dá vida à protagonista Lucy, enquanto Jessica Alexander (Saltburn, A Pequena Sereia), Kevin McNally (Piratas do Caribe: A Maldição do Pérola Negra), Victoria Wyant (The White Lotus), Gia Hunter (School Spirits), Benjamin Cheng (Warrior), Charlie Mann (The Power), Tienne Simon (His Dark Materials), Miguel Torres Umba (The Crown), Kae Alexander (Game of Thrones), Amina Abdi (Black Ops) e Alberto Magashi (Silent Witness) completam o elenco. A direção é assinada por Johannes Roberts, cineasta britânico conhecido por filmes como Medo Profundo (2017) e Resident Evil: Bem-Vindo a Raccoon City (2021), reforçando o clima de tensão e claustrofobia característico de sua filmografia.

Como foi a produção do longa?

A Paramount Pictures deu sinal verde para o projeto em julho de 2024, com Johannes Roberts e Ernest Riera responsáveis pelo roteiro. A produção ficou sob os cuidados de Walter Hamada, por meio de um acordo de primeira vista com o estúdio. Após a confirmação de Troy Kotsur no elenco, Johnny Sequoyah foi escalada em agosto, seguida pelos demais nomes até o encerramento do casting em outubro. As filmagens principais começaram em 16 de setembro de 2024, conforme revelou o próprio Roberts em suas redes sociais, e foram oficialmente concluídas em 4 de novembro do mesmo ano.

Saiba quando o filme chega aos cinemas

Ainda sem uma data exata de lançamento, “O Primata” deve chegar aos cinemas em 2025, com previsão de estreia mundial pela Paramount Pictures. A expectativa é que o longa se consolide como uma das produções de terror mais intensas do ano, mesclando suspense psicológico, violência instintiva e um estudo sombrio sobre os limites entre a humanidade e a selvageria. Com o retorno de Johannes Roberts ao gênero que o consagrou, a promessa é de uma experiência cinematográfica visceral, repleta de tensão e atmosfera sufocante.

O que podemos esperar do filme?

Mesmo com poucos detalhes revelados, o trailer já indica que “O Primata” seguirá uma linha de terror de sobrevivência com forte apelo psicológico, semelhante a produções como Corra! e Annihilation. O contraste entre o ambiente paradisíaco e a brutalidade dos acontecimentos cria uma tensão constante, enquanto o comportamento imprevisível do chimpanzé funciona como uma metáfora do medo instintivo e da natureza incontrolável que existe tanto nos animais quanto nos humanos. Johannes Roberts, conhecido por explorar espaços confinados e atmosferas opressoras, parece levar essa característica a um novo extremo, transformando a selva tropical em uma verdadeira armadilha emocional.

Cauã Reymond encara novo desafio em Último Lance, série intensa do Globoplay que mistura futebol, poder e vulnerabilidade

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Esdras Ribeiro
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O universo do futebol é repleto de glórias, idolatrias e histórias de superação. Mas, por trás das quatro linhas, também existem sombras: corrupção, abuso de poder, exploração e dramas pessoais de jovens que tentam transformar um sonho em carreira. É exatamente nesse território de contradições que vai mergulhar a nova série original do Globoplay, inicialmente batizada de Mata-Mata e agora oficialmente intitulada Último Lance.

O projeto, protagonizado por Cauã Reymond, entrou em pré-produção no início de agosto de 2025 e já movimenta bastidores. A plataforma busca jogadores profissionais de futebol entre 18 e 35 anos, além de árbitros e estudantes de arbitragem, para compor o elenco e dar mais autenticidade às cenas. As gravações começam em novembro, no Rio de Janeiro, e a estreia está prevista para 2026.

Uma trama de reinvenção e bastidores sombrios

A narrativa acompanha um ex-jogador de futebol que, após encerrar a carreira precocemente, encontra no trabalho como agente de atletas uma forma de se reinventar. Longe da fama dos estádios, mas ainda ligado à bola, o protagonista vive o dilema de reconstruir a própria identidade, ao mesmo tempo em que se depara com um mercado cruel e competitivo.

Ao lado dele estará uma jovem advogada — personagem ainda mantida em sigilo — que se torna sua parceira de confiança. Ela não apenas o ajuda nos aspectos legais do novo ofício, mas também se torna um elo fundamental em sua tentativa de criar um espaço mais justo para jovens jogadores.

A série não pretende romantizar esse universo. Pelo contrário: trará à tona questões pesadas e pouco exploradas na ficção brasileira, como o assédio sexual sofrido por atletas em formação, o consumo de drogas nos bastidores do esporte, e a exploração emocional e financeira de jovens talentos. Com apenas oito episódios, Último Lance promete ritmo ágil e denso, abordando cada tema com realismo e intensidade.

O time criativo: Thiago Dottori e Lucas Paraizo

O roteiro está a cargo de Thiago Dottori, conhecido por seu trabalho em Psi e no longa Turma da Mônica – Laços. Dottori é responsável pela redação final e já declarou em entrevistas que vê em Último Lance uma oportunidade de unir sua paixão pelo futebol com uma crítica social contundente.

A supervisão de texto ficará sob a responsabilidade de Lucas Paraizo, roteirista de prestígio na Globo, aplaudido por produções como Sob Pressão e Os Outros. A presença de Paraizo é um indicativo claro de que a série buscará equilíbrio entre a dramaticidade intensa e a construção de personagens verossímeis, que refletem dilemas reais da sociedade.

Cauã Reymond: entre o craque e o agente

A escolha de Cauã como protagonista não é à toa. O ator, que construiu uma carreira sólida com papéis complexos e desafiadores, chega à nova série logo após concluir as gravações do aguardado remake de Vale Tudo, no qual interpreta César Ribeiro.

Em Último Lance, Cauã dará vida a um ex-jogador que precisa enfrentar não apenas a frustração do fim da carreira nos gramados, mas também os dilemas morais de seu novo trabalho. A linha narrativa deve explorar o lado humano desse personagem: um homem dividido entre sua paixão pelo futebol e a necessidade de sobreviver em um meio onde a ética muitas vezes é colocada em segundo plano.

Cauã já revelou em outras oportunidades que sempre teve uma relação próxima com o esporte. Na juventude, praticou surfe e jiu-jítsu, e nunca escondeu o fascínio pelo futebol. A preparação para viver esse novo papel deve incluir treinos técnicos, pesquisa de campo e conversas com ex-jogadores e agentes reais, numa busca por naturalidade nas atuações.

De modelo a protagonista: a trajetória de Cauã

Para entender o peso da presença de Reymond em Último Lance, é preciso revisitar sua trajetória. Nascido no Rio de Janeiro em 20 de maio de 1980, Cauã iniciou a carreira como modelo, ainda na adolescência, desfilando em cidades como Milão, Paris e Nova York. Chegou a trabalhar para grandes estilistas e fotógrafos renomados, mas sua paixão pela interpretação falou mais alto.

Estudou no lendário Actor’s Studio, em Nova York, com a coach Susan Batson — a mesma que preparou astros como Nicole Kidman e Tom Cruise. O salto para a televisão aconteceu em 2002, quando interpretou o vaidoso Mau-Mau em Malhação. Dois anos depois, estreava em novelas no sucesso Da Cor do Pecado.

Dali em diante, vieram personagens marcantes: o michê Mateus de Belíssima, o carismático Halley de A Favorita, o ciclista Danilo de Passione e o sertanejo Jesuíno de Cordel Encantado. Em Avenida Brasil, deu vida a Jorginho, filho da inesquecível Carminha (Adriana Esteves), consolidando-se como um dos grandes atores de sua geração.

No cinema, também brilhou em filmes como Divã, Se Nada Mais Der Certo e Tim Maia. Mais recentemente, conquistou público e crítica ao interpretar irmãos gêmeos em Um Lugar ao Sol, mostrando versatilidade e profundidade dramática.

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