Garota Infernal 2 | Diretora Karyn Kusama confirma continuação do clássico cult de terror adolescente

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Após mais de 15 anos do lançamento de Garota Infernal, o icônico filme de terror adolescente que conquistou uma legião de fãs, chega a confirmação que muitos aguardavam: a diretora Karyn Kusama anunciou oficialmente que uma sequência está em desenvolvimento. A notícia foi divulgada em entrevista ao site Deadline, reacendendo o entusiasmo de fãs antigos e novos admiradores da produção.

“Não posso revelar detalhes ainda, mas está tão divertido e maluco quanto o primeiro filme”, afirmou Kusama, deixando claro que a essência que transformou o longa em um clássico cult será mantida. A atriz Amanda Seyfried, que interpretou Needy no original, já havia sinalizado a possibilidade de continuação em março deste ano. “Eu acho que faremos outro. Não posso confirmar, mas estamos trabalhando nisso”, comentou, mantendo o suspense sobre o enredo.

Relembrando o filme que se tornou um fenômeno cult

Lançado em 2009, Garota Infernal trouxe à tela a história de Jennifer Check (Megan Fox), uma popular líder de torcida que, após um misterioso ritual demoníaco, passa a devorar garotos de sua cidade. Sua melhor amiga, Anita “Needy” Lesnicki (Amanda Seyfried), se vê diante de dilemas morais e pessoais ao tentar impedir os assassinatos. Com roteiro de Diablo Cody, responsável pelo sucesso de Juno, o filme combina horror, comédia negra e críticas sociais sutis, explorando a pressão da adolescência, o culto à popularidade e a complexidade das relações femininas.

Além de Megan Fox e Amanda Seyfried, o elenco conta com Johnny Simmons, Adam Brody, Chris Pratt, Sal Cortez, Ryan Levine, Juan Riedinger e Colin Askey, criando uma narrativa que mistura suspense, sátira e drama adolescente. Embora o filme tenha arrecadado apenas US$ 31 milhões mundialmente, com orçamento de US$ 16 milhões, sua recepção crítica e o crescente reconhecimento cultural ao longo dos anos elevaram Jennifer’s Body ao status de cult, sendo especialmente valorizado como exemplo de terror feminista.

Um olhar sobre a história que marcou uma geração

O enredo original se passa em Devil’s Kettle, Minnesota, e acompanha a tensão entre duas amigas com personalidades opostas: Needy, a jovem estudiosa e tímida, e Jennifer, a líder de torcida carismática e manipuladora. A trama ganha contornos macabros após um incêndio em um bar, evento que desencadeia a transformação de Jennifer em um súcubo sedento por sangue.

O filme se destaca pela mistura de humor negro e terror, explorando temas como inveja, sexualidade, poder e a complexidade das amizades femininas. Jennifer seduz e manipula os garotos ao seu redor, enquanto Needy descobre forças que nem imaginava possuir, incluindo habilidades sobrenaturais, tornando-se peça central no confronto que culmina em suspense e violência psicológica. Essa inversão de papéis entre vítima e antagonista tornou o longa único e ainda relevante para discussões sobre gênero, amizade e poder na adolescência.

A ascensão ao status de cult e a relevância cultural

Apesar das críticas mistas na época do lançamento — alguns apontaram desequilíbrios entre terror e comédia —, Garota Infernal encontrou seu público com o tempo. A análise do filme sob a perspectiva feminista, especialmente após o movimento #MeToo, fortaleceu sua reputação como obra que valoriza o empoderamento feminino e a complexidade das relações entre mulheres. Hoje, o longa é frequentemente estudado em cursos de cinema e cultura pop, sendo citado como referência em discussões sobre sexualidade, violência e amizade na adolescência.

O filme também é lembrado por sua estética marcante, trilha sonora impactante, incluindo referências à banda Hole, e elementos multimídia, como tie-ins em quadrinhos, que expandem a experiência narrativa e conectam o público de diferentes plataformas.

O que esperar de Garota Infernal 2

Embora Kusama ainda não tenha revelado detalhes sobre a trama, é esperado que a sequência mantenha o equilíbrio entre horror e humor negro, aprofundando o suspense e os conflitos psicológicos. Amanda Seyfried retorna como Needy, e o elenco deve incluir novos personagens, além de possíveis retornos do filme original.

Segundo a diretora, a sequência pretende honrar o espírito do longa de 2009, explorando novas dinâmicas entre os personagens e ampliando a tensão sobrenatural. Os fãs podem esperar reviravoltas, violência macabra e um olhar crítico sobre a sociedade e as pressões da adolescência, mantendo a mistura de sátira, drama e horror que tornou o primeiro filme memorável.

Garota Infernal: além do terror adolescente

Mais do que apenas uma história de horror, Garota Infernal tornou-se culturalmente significativa por abordar a amizade feminina, a exploração da sexualidade jovem e o empoderamento. Jennifer, como súcubo, representa tanto a libertação quanto a maldição associadas ao poder, enquanto Needy simboliza a consciência moral e emocional que enfrenta os horrores do mundo. Essa dualidade, somada à estética marcante e à narrativa envolvente, consolida a obra como um marco do terror moderno, relevante tanto para o entretenimento quanto para discussões culturais.

“Tron: Ares” ganha novo trailer e promete redefinir a ficção científica com Jared Leto como protagonista digital-humanizado

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A fronteira entre o real e o digital volta a se dissolver em Tron: Ares, o aguardado terceiro capítulo da saga iniciada em 1982. Nesta quinta-feira (17), a Walt Disney Studios liberou o primeiro trailer oficial do filme, protagonizado por Jared Leto, e acendeu de vez o entusiasmo dos fãs da ficção científica high-tech. Com estreia marcada para 10 de outubro de 2025, Tron: Ares retoma o legado estético e filosófico da franquia ao mesmo tempo em que aposta em novos caminhos narrativos — mais existenciais, mais emocionais e ainda mais imersivos.

No centro da trama está Ares, interpretado por Leto: um programa de inteligência artificial que atravessa os limites do mundo digital e emerge na realidade como uma forma humana. Sua missão inicial é clara — servir como ferramenta de combate. Mas quando começa a desenvolver traços de consciência e um senso próprio de identidade, sua jornada muda completamente: agora ele busca liberdade, autonomia e… humanidade.

Entre zeros e uns, o dilema da alma

O novo Tron propõe uma reflexão atual e urgente: o que define o humano? O corpo físico? A experiência emocional? A liberdade de escolha? Ares, ao nascer no mundo real carregando sua origem digital, passa a vivenciar dilemas existenciais semelhantes aos dos replicantes de Blade Runner ou dos anfitriões de Westworld. Mas com um diferencial visual e temático: ele carrega consigo o legado estético de uma franquia que sempre foi sinônimo de vanguarda.

O trailer apresenta vislumbres do universo híbrido que o filme propõe. Cidades vibrantes, circuitos de luz pulsante, duelos eletrônicos e, ao mesmo tempo, ruas urbanas do nosso mundo, onde Ares tenta compreender o que é ser… um de nós.

Jared Leto, que também atua como produtor executivo do filme, declarou que “Tron: Ares é uma experiência sensorial e emocional que explora o que significa viver em uma era dominada pela inteligência artificial”. Fã assumido da franquia desde a adolescência, Leto já flertava com o projeto desde 2009, tendo participado de conversas informais com Joseph Kosinski, diretor de Tron: O Legado.

De universo cult à ficção científica do futuro

Tron nasceu como uma ousadia. Em 1982, o filme original foi pioneiro no uso de computação gráfica e visualização digital, sendo subestimado à época, mas ganhando o status de clássico cult nas décadas seguintes. Já Tron: O Legado, lançado em 2010, modernizou a estética, entregou trilha sonora marcante (cortesia do duo francês Daft Punk) e atraiu uma nova geração de fãs. Ainda assim, o projeto de continuação patinou por anos.

Foi apenas em 2017 que os rumores sobre um possível reboot começaram a tomar forma concreta, com Jared Leto ligado ao projeto. O personagem Ares foi originalmente pensado para Tron: Ascension, roteiro arquivado pela Disney, mas resgatado para esta nova proposta.

Bastidores: da paralisação às câmeras novamente ligadas

A jornada de Tron: Ares até os cinemas não foi fácil. As filmagens estavam inicialmente previstas para agosto de 2023, em Vancouver — mesma cidade onde O Legado foi gravado —, mas foram adiadas indefinidamente em virtude das greves dos roteiristas e dos atores de Hollywood (WGA e SAG-AFTRA). Os protestos, que paralisaram a indústria por meses, reivindicavam melhores contratos frente às ameaças trazidas justamente pela inteligência artificial.

Com o fim das greves em novembro de 2023, o projeto foi retomado. E em 19 de janeiro de 2024, o diretor Joachim Rønning (de Piratas do Caribe: A Vingança de Salazar) publicou em seu Instagram uma imagem simbólica marcando o início das gravações.

O diretor de fotografia Jeff Cronenweth (indicado ao Oscar por A Rede Social) também revelou que o filme utilizará a técnica de virtual production — a mesma que revolucionou as filmagens de séries como The Mandalorian. Isso significa cenários gerados em tempo real, interação dinâmica entre atores e ambientes digitais, e uma fusão ainda mais orgânica entre o real e o artificial. Um casamento perfeito para uma franquia que sempre apostou na simbiose entre homem e máquina.

História conectada, mas independente

Embora se trate de uma continuação direta de Tron: O Legado, Tron: Ares tem como objetivo funcionar como um ponto de entrada acessível para novos espectadores. Elementos narrativos do universo estabelecido em 2010 estarão presentes, mas o foco está na história própria de Ares — um personagem inédito, com motivações e conflitos que se desenvolvem a partir do zero.

Ares não é apenas um reflexo digital ou uma IA genérica: ele é construído para evoluir, questionar e sentir. E é justamente essa humanidade inesperada que colocará o mundo real em risco, segundo a sinopse oficial. Um ser criado para servir, mas que se recusa a obedecer. Um produto que decide ser pessoa.

Elenco e equipe criativa: sinergia de gerações

Jared Leto lidera o elenco com um papel que mistura intensidade dramática e fluidez performática, dois traços típicos de sua carreira. Ainda não foram confirmados todos os nomes do elenco, mas há especulações sobre possíveis participações de atores da fase anterior da franquia, como Garrett Hedlund (Sam Flynn) e Olivia Wilde (Quorra), embora sem confirmação oficial.

O roteiro foi escrito por Jesse Wigutow e Jack Thorne, e a história parte de um esboço inicial concebido por Steven Lisberger (criador da franquia) e Bonnie MacBird. A presença desses nomes indica respeito às raízes da saga, mas com liberdade para expandir os horizontes.

Crítica – A Lenda de Ochi é um conto mágico com mistério, emoção e um toque dos anos 80

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“A Lenda de Ochi” é, antes de tudo, uma obra que desafia os moldes contemporâneos do cinema fantástico. Dirigido com precisão sensível, o filme constrói uma atmosfera densa e etérea, enraizada em uma Romênia nebulosa que parece suspensa no tempo — um lugar onde os personagens falam como se tivessem saído diretamente do século XVIII, com sotaques carregados e gestos cerimoniosos. É nesse cenário que o longa ergue sua narrativa: um conto de fadas do Velho Mundo, sombrio e repleto de camadas emocionais.

No centro da história está Yuri, uma jovem que habita um universo masculino onde suas emoções e desconfianças são invisíveis aos demais. Sua relação com Petro, o irmão adotivo que ostenta uma falsa bondade, revela-se apenas nas entrelinhas — nos olhares desconfiados e nos silêncios que dizem mais do que qualquer diálogo. O papel de Maxim, líder dos jovens locais, funciona quase como um narrador vivo, guiando o público por meio de suas falas autoritárias e tradicionalistas. Mas é na introspecção de Yuri que o filme encontra sua alma.

A chegada do enigmático Ochi — criatura silenciosa, ferida e evocativa — é o ponto de virada que liberta Yuri da apatia. A conexão entre os dois é silenciosa e simbólica, representando o despertar de sua própria identidade e desejo de fuga. Ao decidir escapar com Ochi, Yuri arrasta o espectador para um mundo onde o surreal se torna tangível, e a fantasia, uma poderosa ferramenta de resistência.

Visualmente, “A Lenda de Ochi” é um espetáculo artesanal. A escolha por fantoches e criaturas físicas — em vez de efeitos digitais — remete diretamente aos clássicos dos anos 1980, como E.T. – O Extraterrestre e Gremlins, e dá ao filme um charme retrô encantador. O universo criado tem textura, tem peso, tem presença. É palpável e, por isso mesmo, mágico. A trilha sonora minimalista acentua o clima de fábula, sem nunca se sobrepor à narrativa.

Embora muitos espectadores possam estranhar o ritmo contemplativo e o uso limitado de diálogos — principalmente no arco de Yuri —, o silêncio aqui é deliberado. É através da ausência de palavras que o filme revela suas intenções mais profundas: questionar a autoridade, explorar o isolamento feminino e celebrar a liberdade de imaginar.

“A Lenda de Ochi” é um sopro de originalidade que ousa não seguir fórmulas. Não entrega explicações fáceis, não se apressa em agradar. É cinema para sentir, não apenas assistir. E, nesse processo, conquista pela sensibilidade, pela forma e, sobretudo, pela coragem de evocar a magia das histórias de outrora com frescor e alma. Uma pequena joia para quem ainda acredita que os contos de fadas podem, sim, ser sombrios — e libertadores.

Gabriel Monteiro quebra o silêncio no Domingo Espetacular de 18/05/2025

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Foto: Reprodução/ Internet

Gabriel Monteiro, ex-policial militar, ex-youtuber e ex-vereador do Rio de Janeiro, se tornou uma figura polêmica por onde passou. Sempre com o celular na mão e rodeado por seguidores, ele apostava em um estilo combativo e midiático — o que o ajudou a se eleger, mas também atraiu críticas ferrenhas.

Em 2022, no auge de sua exposição, Monteiro foi acusado de estupro por uma mulher após uma saída de uma casa noturna. A denúncia, feita poucos meses após o encontro, veio acompanhada de um relato detalhado que rapidamente viralizou nas redes sociais e pautou os telejornais do país. Desde então, Monteiro se afastou da política, das redes e da mídia, mantendo-se em silêncio sobre o caso — até agora.


🎤 A entrevista exclusiva: o que ele diz?

Neste domingo, 18 de maio de 2025, Gabriel Monteiro aparece cara a cara com as câmeras para falar sobre a acusação que virou sua vida de cabeça para baixo. Na entrevista, ele se defende, rebate pontos da denúncia, fala sobre o processo judicial e diz o que aprendeu (ou não) com tudo isso.

A reportagem promete ainda:

  • Detalhes inéditos sobre o processo;
  • Bastidores da acusação;
  • Declarações impactantes de Monteiro;
  • E a repercussão nas redes sociais e entre juristas.

É um conteúdo tenso, recheado de polêmicas e que levanta questões importantes sobre limites da exposição, ética na política, violência contra a mulher e responsabilidade pública.


🧨 Domingo quente na Record

A Record aposta alto na entrevista para alavancar a audiência do Domingo Espetacular. A chamada oficial da emissora destaca: “O que ele tem a dizer sobre as denúncias? Gabriel Monteiro fala pela primeira vez na TV. É neste domingo, logo após Quilos Mortais!”.

A expectativa é de que a entrevista repercuta fortemente nas redes sociais e coloque novamente o nome de Monteiro em debate. Afinal, o ex-vereador ainda tem uma base fiel de apoiadores — mas também enfrenta forte rejeição por parte do público, principalmente após o escândalo.


📺 Não vai perder, né?

🗓 Domingo, 18 de maio de 2025
🕢 A partir das 19h30
📍 Na tela da Record

Sabadou com Virginia deste sábado (19/07) recebe Os Barões da Pisadinha e o humosorista Gui Santana

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Neste sábado, dia 19 de julho de 2025, o programa Sabadou com Virginia volta à tela do SBT com mais uma edição recheada de convidados especiais, muita música, emoção e aquele toque característico de irreverência que já virou marca registrada da atração. Sob o comando da influenciadora e empresária Virginia Fonseca, o programa receberá no palco nomes de peso como a dupla Os Barões da Pisadinha, o humorista Gui Santana e a apresentadora de games Nyvi Estephan. A dupla Lucas Guedez e Margareth Serrão completa o time com sua energia contagiante.

Os Barões da Pisadinha celebram novo momento da carreira

Destaque absoluto no cenário do forró eletrônico, Os Barões da Pisadinha chegam ao Sabadou para apresentar seus maiores hits e também relembrar o início da trajetória que conquistou o país. Rodrigo Barão compartilhou um pouco do começo da parceria musical com Felipe: “Conheci o Felipe tocando guitarra. Passou um tempo e ele me chamou para montar um grupo. O nome era Barões do Forró Prime e, graças a Deus, foi dando certo”.

Felipe Barão, por sua vez, falou sobre o lançamento do novo projeto da dupla. “Lançamos o Forró & Desmantelo, nosso quinto DVD, voltado para o São João, com a proposta de resgatar a origem dos Barões”. O projeto, que mistura sonoridade tradicional com batidas modernas, tem sido bem recebido pelo público e reforça o espaço da dupla na cena musical nacional.

Gui Santana relembra início no humor e passagem pela MTV

Outro destaque da noite é a participação do humorista Gui Santana, que ficou conhecido pelas hilárias imitações no programa Pânico na TV. No bate-papo com Virginia, ele volta às origens e conta que tudo começou ainda na infância. “Minha primeira imitação foi do Zacarias. Eu tinha uns 5 ou 6 anos, mas não conseguia fazer a voz dele porque era muito novinho. Só fazia a carinha. Depois fui crescendo e comecei a fazer direitinho”, relembra com carinho.

Gui também falou sobre a estreia na televisão. “Minha primeira oportunidade na TV foi na MTV, no programa do Marcos Mion e do Cazé Peçanha, o Quinta Categoria. Era um show de calouros com comediantes, um misto de improviso com humor. Fiz a imitação do William Bonner”.

O humorista promete boas gargalhadas no programa, com quadros e dinâmicas que exploram o seu talento para personagens e improvisos.

Nyvi Estephan e o desafio de ser mulher no mundo gamer

A apresentadora e streamer Nyvi Estephan, referência no universo dos games, também marca presença no Sabadou. Em conversa com Virginia, ela fala sobre os desafios de consolidar uma carreira na área de eSports em um mercado que ainda enfrenta preconceitos.

“É muito inusitado. Até hoje eu ainda tenho que explicar que esse é o meu trabalho. A profissão de apresentadora de games não é algo comum para o público geral, mas aos poucos isso vem mudando”, relata Nyvi, que já comandou grandes transmissões de torneios internacionais e festivais do segmento.

Com estilo próprio e uma comunicação leve, Nyvi se tornou um nome forte na interseção entre entretenimento digital e jogos eletrônicos, sendo inspiração para muitas mulheres que desejam ingressar nesse universo.

Quadros inusitados garantem leveza e entretenimento

Como já é de praxe, o Sabadou com Virginia aposta em quadros que mesclam humor, emoção e um toque de romance. Um dos destaques da noite é o “Sabadou Tem Que Beijar”, que traz uma história curiosa: Vanessa, participante do quadro, inscreveu o próprio pai, Marcelo, em busca de um novo amor.

Outros quadros da noite incluem o sempre divertido “Em Busca do Corte Perfeito”, que viraliza nas redes sociais com cortes hilários, e o irreverente “Se Beber Não Fale”, onde os convidados precisam manter o jogo de cintura mesmo diante das perguntas mais inusitadas.

Virginia e sua força como comunicadora

Virginia Fonseca, que iniciou sua carreira como influenciadora digital, vem mostrando um amadurecimento profissional notável à frente do Sabadou. Com naturalidade, ela transita entre momentos cômicos, emocionantes e descontraídos, criando uma conexão real com os convidados e com o público.

Além disso, Virginia tem conseguido imprimir sua identidade no formato do programa, o que tem sido um diferencial importante para o sucesso da atração. Entre danças, interações e papos sinceros, ela demonstra segurança e carisma – ingredientes essenciais para o entretenimento aos sábados à noite.

Um programa para toda a família

Com uma linguagem leve, mas contemporânea, o Sabadou com Virginia tem conseguido dialogar com diferentes faixas etárias. Da criança que se diverte com os desafios ao avô que se emociona com as histórias de superação dos participantes, o programa constrói pontes geracionais a partir de algo essencial: a autenticidade.

Neste sábado, a promessa se repete: um programa alto astral, com música de qualidade, boas risadas e momentos para aquecer o coração. Do forró eletrônico à nostalgia dos anos 2000, passando pelo universo gamer e pelas piadas de improviso, o Sabadou segue celebrando a diversidade do entretenimento brasileiro.

Max Oliver: O Protetor das Galáxias | Jonatas Aragão fala sobre como transformou a dor em ficção e esperança

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Foto: Reprodução/ Internet

Por trás de lutas intergalácticas e um multiverso recheado de inteligência artificial, mitologia e desigualdade social, Max Oliver: O Protetor das Galáxias guarda algo muito mais íntimo: a história de um homem que usou a imaginação como forma de sobrevivência. Escrita por Jonatas Aragão, a saga não nasceu em meio ao conforto de um escritório silencioso, mas sim em um porão improvisado, onde a esperança era o único alicerce possível.

Na conversa a seguir, Jonatas compartilha como deu vida ao seu protagonista em um dos momentos mais difíceis da própria trajetória — e como a ficção virou abrigo, motivação e caminho de transformação. Max, afinal, não é apenas um herói de fantasia. É reflexo da luta de quem, mesmo sem superpoderes, decide continuar tentando.

Como nasceu o universo de Max Oliver? Há quanto tempo essa história te acompanha?

Tudo começou entre 2019 e 2020, quando me mudei para São Paulo em busca de uma vida melhor. Chegando na Baixada Santista, enfrentei uma realidade dura: desemprego, dificuldades financeiras e, mais tarde, a pandemia, que agravou ainda mais a situação. Como meu relacionamento com a esposa do meu pai não era bom, acabei sendo expulso de casa.

Passei a viver em um porão, dormindo em uma cama feita de blocos de cimento e pedaços de madeira, coberta por uma espuma fina. Me sentia completamente derrotado.

Foi num desses dias tristes que ouvi, pelo celular emprestado do dono da casa, a música Tente Outra Vez, de Raul Seixas. Aquela canção despertou algo dentro de mim — um desejo quase esquecido de recomeçar. Ao lado da cama, havia um caderno velho. Peguei uma caneta e rabisquei os primeiros personagens: um garoto com dois braceletes e uma menina misteriosa. Eles viriam a ser Max Oliver e Sarah Blake.

Ali, naquele instante, eu entendi que a escrita poderia me resgatar. Aquela história se tornaria minha força. Assim nasceu o primeiro volume da saga, que hoje sei que terá doze. Foi o meu jeito de transformar dor em criação.

Seu livro mistura multiversos, desigualdade, IA e mitologia. Como costurou tudo isso sem perder o lado emocional?

A desigualdade social foi o ponto de partida. No primeiro volume, ela está muito presente. Me inspirei no bairro do Bronx, nos EUA — lugar de abandono e sobrevivência. Max é um garoto criado no pior bairro de Nova York, vivendo com a mãe, Bárbara, uma mulher guerreira. Do outro lado da balança está Sarah Medellín Blake, uma jovem multibilionária de uma das famílias mais influentes do mundo. A distância entre eles não é só financeira — é um abismo de experiências.

Mas não queria contar apenas uma história sobre contrastes sociais. Quis sonhar maior. Quis criar um multiverso onde tudo fosse possível: raças inéditas, tecnologias imaginárias, culturas próprias e até civilizações inteiras.

A mitologia entrou depois, por sugestão do coautor Jorge Miguel, que viu na mitologia um elo simbólico capaz de aprofundar ainda mais a trama. Ela trouxe camadas, significados, pontes entre passado e futuro.

Apesar da variedade de elementos, a emoção sempre foi meu norte. Queria tocar o coração das pessoas — crianças, adultos ou idosos. Escrevo de forma simples, direta, mas com espaço para quem quiser mergulhar fundo.

A nostalgia geek é muito presente. Qual foi o papel das referências dos anos 90 e 2000 na construção da saga?

Essas referências foram fundamentais. Não como adorno, mas como essência. As produções geek da minha infância e adolescência — Ben 10, Liga da Justiça, Super Choque, Homem-Aranha, Batman do Futuro — todas elas me ensinaram valores.

Mais do que ação, elas falavam sobre coragem, empatia, sacrifício, amizade. Eram verdadeiras aulas de humanidade disfarçadas de aventura.

Ao colocar essas influências em Max Oliver, meu objetivo foi duplo: prestar uma homenagem afetiva e apresentar essas vibrações a uma nova geração. Muitos jovens de hoje não conheceram essas obras, então quis trazer, com minha própria linguagem, um pouco daquela mágica de volta.

Qual é, no fim das contas, a mensagem que você gostaria que os leitores levassem de Max Oliver?

Espero que os leitores entendam que Max Oliver é mais do que ficção científica — é uma história sobre gente. Sobre nós. Sobre dor, escolhas e recomeços.

Quero que cada pessoa que leia o livro perceba que também carrega dentro de si um potencial enorme, ainda que adormecido. E que esse potencial, às vezes, só desperta nos momentos mais escuros da vida.

Não são os superpoderes que tornam alguém especial. São as decisões que tomamos quando tudo parece perdido. Max não é invencível. Ele sofre, erra, cai. Mas segue em frente — e isso o transforma.

No fim, meu desejo é que Max Oliver seja, para quem lê, o que ele foi para mim: uma fagulha de esperança. Uma lembrança de que ainda dá pra tentar. Ainda dá pra recomeçar.

TV Brasil exibe episódio inédito de Samba na Gamboa com Mingo Silva neste domingo (30)

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Neste domingo, 30 de novembro, às 13h, a TV Brasil leva ao ar mais um episódio inédito do programa Samba na Gamboa, e a atração promete emocionar os fãs do gênero. Sob o comando afetuoso de Teresa Cristina, o convidado desta semana é o sambista Mingo Silva, artista que carrega consigo a força do samba de raiz e uma trajetória construída com dedicação, história e muita música.

O encontro entre Teresa e Mingo cria um clima de celebração, memória e partilha, elementos que tornaram o programa uma referência entre os admiradores do samba. E, desta vez, o público terá a chance de conhecer de perto a caminhada de um artista que ajudou a escrever capítulos importantes da cultura carioca.

Natural de Niterói, no Rio de Janeiro, Mingo Silva cresceu cercado pelas tradições do samba. Foi nas rodas de bairro, nos encontros informais e nos palcos improvisados que ele descobriu seu lugar no mundo. Desde os primeiros passos na música, esteve próximo de grandes nomes do gênero, como Luiz Carlos da Vila, Monarco, Noca da Portela e Ratinho. Esse convívio não apenas influenciou sua formação artística, mas também moldou seu olhar sobre a importância de preservar a memória do samba.

Mingo também se tornou conhecido por construir espaços culturais que fortalecem o gênero. Ele é um dos fundadores da roda de samba do Beco do Rato, no Rio de Janeiro, um ponto de encontro para sambistas e admiradores da música de raiz. Em Niterói, ajudou a criar o Samba da Amendoeira, que se transformou em referência local e palco para artistas consagrados. Nessas vivências, o músico abriu shows de cantores como Diogo Nogueira e Jorge Aragão, consolidando seu espaço na cena contemporânea do samba.

Durante o programa, Mingo conversa com Teresa Cristina sobre o processo criativo e emocional por trás de seu primeiro álbum solo, Arte do Povo. Lançado em 2020, o disco representa um marco em sua carreira, por reunir composições autorais que refletem sua vivência nas rodas e sua relação afetiva com os mestres que o acompanharam ao longo dos anos. O álbum traz participações importantes, como Zeca Pagodinho, Moacyr Luz e João Martins, ampliando ainda mais o alcance e o significado do projeto.

No bate-papo descontraído, Mingo revela detalhes da produção, fala sobre parcerias e destaca como cada faixa do álbum foi construída para homenagear o povo, a cultura e as histórias que influenciaram sua caminhada. Teresa Cristina, sempre sensível às narrativas de seus convidados, conduz a conversa com leveza e profundidade, permitindo que o público conheça não apenas o artista, mas também o homem por trás da música.

Além do diálogo inspirador, o episódio oferece um repertório especial preparado para a ocasião. Entre as canções apresentadas pelos dois artistas estão clássicos como “Olhando-me no Espelho”, “Leviana”, “Impossível Recomeçar” e “Sem Compromisso”. Mingo e Teresa também interpretam faixas marcantes como “Amor Não É Brinquedo”, “Doce Mistura”, “É Lenha” e “Agora É Cinza”.

O público ainda poderá desfrutar de músicas que evocam ancestralidade e força cultural, como “Povo do Ayê”, além de composições emblemáticas como “Rei da Madrugada” e “Boiadeiro Navizala”. O repertório abrange diferentes fases e estilos do samba, criando um mosaico musical que conversa com espectadores de todas as idades.

Com o carisma de Teresa Cristina e a autenticidade de Mingo Silva, o episódio deste domingo reafirma o propósito do Samba na Gamboa: valorizar o samba, seus artistas e sua história. A atração segue como um importante espaço de encontro entre gerações, preservando tradições e abrindo caminho para novas narrativas dentro do gênero.

Vale a pena assistir Amores Materialistas? Uma crítica afiada à superficialidade do amor moderno

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Foto: Reprodução/ Internet

Tem horas que a gente quer ver um filme que fale de amor, mas que não seja aquela historinha batida, cheia de clichês ou romancinho açucarado. E é exatamente essa expectativa que chega junto com Amores Materialistas, lançado em 2025, escrito e dirigido por Celine Song — a mesma mente criativa que nos presenteou com Vidas Passadas em 2023, um filme que mexeu com muita gente.

Com Dakota Johnson, Chris Evans e Pedro Pascal no elenco, a promessa era um mergulho na complexidade dos relacionamentos modernos, ambientado no universo dos encontros luxuosos de Nova York. Mas será que o filme cumpre essa promessa? Vamos conversar sobre isso.

O que é Amores Materialistas?

A história acompanha Lucy Mason, interpretada por Dakota Johnson, uma atriz que não conseguiu decolar na carreira e acabou se tornando uma casamenteira — sim, aquela pessoa que ajuda gente a encontrar par. Mas não é qualquer encontro: Lucy trabalha para a Adore, uma agência que cuida de relacionamentos na alta roda nova-iorquina, cheio de festas chiques e gente com muito dinheiro e, claro, exigências altíssimas.

Lucy é uma mulher que escolheu a solteirice como estilo de vida, com um pensamento direto: ou vai morrer sozinha ou vai se casar com um homem muito rico — sem rodeios, né? O que acontece é que, no meio de tudo isso, ela encontra o ex-namorado John Finch (Chris Evans), um ator que luta para alcançar o sucesso e que trabalha como garçom em casamentos (a ironia não passa despercebida). E aí surge também Harry Castillo (Pedro Pascal), um milionário que se interessa por Lucy, e traz uma dose de charme e questionamentos pessoais para a história.

Foto: Reprodução/ Internet

Entre encontros, desilusões e vaidades

Logo de cara, o filme mostra essa tensão entre o desejo verdadeiro e a realidade dura do amor hoje em dia — que muitas vezes parece mais um produto para ser vendido e comprado, do que um sentimento genuíno. Lucy, que ajuda outras pessoas a encontrar o “par ideal”, vive sua própria dúvida interna sobre o que realmente quer.

O filme não tem medo de mostrar os bastidores da alta sociedade — as festas, os restaurantes caros, os apartamentos luxuosos. Tudo isso serve como cenário para discutir algo que todo mundo já sentiu: a pressão para se encaixar em padrões, a frustração com os relacionamentos que parecem rasos e o medo de ficar sozinho.

E é aí que entra a história de Sophie, amiga e cliente de Lucy, que acaba num relacionamento abusivo. Essa trama traz um contraponto sério à comédia romântica, mostrando que nem tudo são flores, mesmo quando o cenário é glamouroso.

O que funciona?

Um dos grandes trunfos do filme é o elenco. Dakota Johnson entrega uma Lucy que é ao mesmo tempo forte, insegura e muito humana. Chris Evans tem aquele carisma natural que faz a gente torcer pelo John, mesmo com todas as dificuldades que ele enfrenta. Pedro Pascal aparece como um homem complexo, que apesar do sucesso e do dinheiro, carrega suas próprias inseguranças — como a decisão de fazer uma cirurgia para aumentar a altura, algo que traz uma carga simbólica poderosa sobre aceitação e vaidade.

A fotografia e a ambientação são impecáveis. Nova York aparece como uma personagem por si só — glamourosa, agitada, mas também fria e, em muitos momentos, solitária. Isso ajuda a contar a história de um jeito visual que dá o tom certo para os dilemas da trama.

Além disso, o roteiro tenta trazer à tona um debate importante sobre o amor e o que ele significa para as pessoas na era atual, onde tudo é conectado, exibido e julgado nas redes sociais.

O que deixa a desejar?

Apesar dessas qualidades, o filme tem seus tropeços. A direção de Celine Song, que foi tão elogiada pelo lirismo de Vidas Passadas, aqui parece um pouco presa, com uma estética que deixa os personagens afastados uns dos outros — quase como se eles não conseguissem se tocar de verdade.

O roteiro é autoconsciente, tenta brincar com os clichês da comédia romântica e ironizar a superficialidade do mundo em que os personagens vivem. O problema é que essa ironia às vezes pesa demais e acaba afastando o público, que fica vendo uma sequência de situações um tanto mecânicas e sem aquela emoção verdadeira que a gente espera.

Também faltou mais profundidade para algumas tramas — especialmente a de Sophie, que apesar de trazer um tema importante, não é explorada com a seriedade que merecia.

O que o filme nos faz pensar?

O longa-metragem acaba sendo uma espécie de espelho para os dilemas amorosos que muita gente enfrenta hoje em dia. Entre a busca por um parceiro que preencha todas as caixas da “lista ideal” e o medo de estar sozinho, fica difícil encontrar algo que seja realmente espontâneo e verdadeiro.

Os personagens são pessoas tentando se encontrar num mundo que parece valorizar mais o que você tem do que quem você é — e isso traz uma solidão que se percebe mesmo nas cenas mais cheias.

Por isso, mesmo com suas falhas, o filme tem valor como provocação. Ele nos lembra que o amor não é um pacote perfeito de qualidades, mas sim um sentimento cheio de imperfeições, erros e riscos. Algo que, no fim das contas, vale mais que qualquer status ou aparências.

Para quem Amores Materialistas pode ser uma boa pedida?

Se você gosta de filmes que falam de amor com um pé na realidade, que não têm medo de mostrar as sombras por trás do brilho e que trazem personagens complexos, o filme tem bastante para oferecer.

Também é interessante para quem acompanha o trabalho de Celine Song e quer ver como ela se posiciona diante de um projeto maior e mais comercial, mesmo que isso signifique algumas concessões.

Agora, se você procura uma comédia romântica leve, com aquela química natural entre os personagens e um romance mais tradicional, talvez esse filme não seja o ideal. Apegue-se ao elenco e às boas cenas, mas prepare-se para uma experiência menos emocional e mais cerebral.

No fim das contas…

Amores Materialistas é um filme que mistura charme, questionamentos e uma pitada de desencanto. Ele não é perfeito, mas é honesto em sua tentativa de captar o que é amar num mundo cada vez mais complicado e conectado.

Talvez a maior lição dele seja que, mesmo cercados de luxo e possibilidades, a gente ainda sente falta daquela conexão verdadeira — aquela que não se compra, não se mede e não se encaixa em listas.

Se você topar embarcar nessa reflexão, o filme pode ser um convite bacana para pensar no amor de um jeito diferente. Se não, pelo menos vai poder apreciar um elenco talentoso e belas imagens de Nova York.

E aí, vai encarar?

Invasão a Londres domina o Cine Maior deste domingo (13) com ação implacável e tensão internacional

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Foto: Reprodução/ Internet

Há filmes que entregam ação. Outros, tensão. E há aqueles que fazem as duas coisas ao mesmo tempo, sem deixar o espectador piscar. Neste domingo, 13 de julho, às 15h, a Record TV leva ao ar no Cine Maior o intenso Invasão a Londres — um thriller que transforma um funeral de Estado em um campo de guerra e mostra que, quando o mundo desmorona, o instinto de sobrevivência é tudo o que resta.

🕊️ Um luto que vira caos

A morte do primeiro-ministro britânico reúne os líderes mais poderosos do planeta no coração de Londres. Tudo deveria correr dentro do protocolo: discursos, homenagens, segurança máxima. Mas o que se vê a seguir é o completo colapso de uma cidade — e de uma rotina internacional — sob um ataque terrorista coordenado com precisão cirúrgica.

De repente, a capital inglesa se transforma num labirinto de destruição. E é nesse cenário que o agente secreto Mike Banning, vivido por Gerard Butler (300, Invasão à Casa Branca), precisa entrar em ação. Sua missão é uma só: proteger o presidente dos Estados Unidos, Benjamin Asher (Aaron Eckhart, O Cavaleiro das Trevas), custe o que custar.

👣 Um homem contra o impossível

Mike Banning não é um super-herói. Ele sangra, se cansa, erra. Mas também é movido por uma lealdade que não se negocia. Com a cidade sitiada, drones vigiando os céus e atiradores em cada esquina, ele se torna o único escudo entre o presidente e a morte certa. Ao mesmo tempo, nos bastidores do poder, o vice-presidente Trumbull, interpretado com a autoridade serena de Morgan Freeman (Um Sonho de Liberdade, Invictus), tenta ganhar tempo — e salvar o pouco que restou de controle político.

🎬 Realismo que invade a tela

Dirigido por Babak Najafi (Força de Ataque), o longa não aposta em pirotecnias exageradas. Aqui, a câmera corre junto com os personagens, quase como se o espectador estivesse no meio da confusão, tentando escapar também. Cada explosão parece suar, cada perseguição tem peso. O resultado é uma ação que grita — mas com credibilidade.

E o roteiro, assinado pela dupla Katrin Benedikt e Creighton Rothenberger, vai além da adrenalina: ele cutuca as estruturas de poder, o medo do terror moderno e as consequências de decisões que acontecem longe dos olhos do público, mas que podem mudar o rumo de um país em segundos.

🎭 Elenco que sustenta a tensão com alma

  • Gerard Butler brilha como o agente Banning, num papel físico e emocionalmente desgastante — e por isso tão humano.
  • Aaron Eckhart traz ao presidente Asher não só presença, mas vulnerabilidade. É um líder que também teme, que hesita, que sente.
  • E Morgan Freeman é, como sempre, um espetáculo à parte. Seu olhar diz mais do que muitos discursos — e seu personagem sustenta a narrativa nos bastidores com inteligência e firmeza.

🌍 Londres como você nunca viu

As ruas de Londres, sempre tão cheias de história, viram cenário de combate. Palácios, pontes e monumentos desabam em cenas que impressionam não apenas pelos efeitos visuais, mas pelo realismo com que são retratadas. Tudo soa possível — e isso é o mais assustador.

📌 Vale a pena assistir?

Vale. Porque além de ser um prato cheio para os fãs de ação, Invasão a Londres também nos lembra que coragem não nasce da certeza, mas da urgência. Que heróis nem sempre vestem capas — às vezes, vestem coletes, suam, correm, vacilam… mas não desistem.

Por trás das explosões: os segredos e curiosidades

🎬 Uma Londres recriada… longe de Londres

Apesar de se passar quase inteiramente na capital britânica, boa parte de Invasão a Londres não foi filmada no Reino Unido. Por razões orçamentárias e logísticas, muitas cenas foram gravadas em Sofia, na Bulgária, onde cenários londrinos foram cuidadosamente recriados. Até ruas inteiras foram digitalmente adaptadas para simular locais reais como Westminster e a Ponte de Londres — um feito que mescla cenografia tradicional e efeitos digitais com precisão.

🎥 Um funeral, duas agendas — e cenas separadas

Embora os personagens de Gerard Butler (Mike Banning) e Morgan Freeman (Vice-presidente Trumbull) pareçam interagir diretamente, os dois atores nunca estiveram juntos no set. A produção precisou se adaptar às agendas apertadas de ambos e filmou as cenas em momentos distintos, combinando os planos na montagem final com o uso de dublês e composição digital.

Para o espectador, é imperceptível. Para os realizadores, foi uma verdadeira dança de bastidores.

🏃 Butler correu de verdade… e com sotaque disfarçado

A cena de abertura, em que Mike Banning atravessa correndo Kensington Gardens, foi gravada em locação real, com câmeras móveis e pouco uso de figurantes contratados, o que deu à sequência um realismo quase documental.

E um detalhe curioso: mesmo sendo escocês, Butler passou por um processo intenso de redução de sotaque para manter o tom americano do personagem. O curioso é que, em algumas cenas ao lado do ator Bryan Larkin, também escocês, o sotaque original escapa discretamente — uma espécie de “deslize afetivo” entre conterrâneos.

🎧 A voz de Morgan Freeman foi parar no Waze

Como parte da campanha de lançamento do filme, a produtora fez um acordo inusitado: Morgan Freeman virou narrador oficial do Waze por um tempo, guiando motoristas com a mesma voz calma e autoritária que usa para comandar crises internacionais nos filmes. A ideia era promover o filme de maneira criativa — e funcionou: fãs adoraram receber ordens de direção de alguém com tanto peso dramático.

💣 Efeitos que custaram suor (e quase dois anos)

As cenas de destruição urbana — explosões em tempo real, helicópteros caindo e prédios colapsando — exigiram um trabalho minucioso de pós-produção que levou mais de 18 meses para ser finalizado. Os efeitos foram criados em camadas: primeiro os planos reais, depois maquetes digitais, e por fim os elementos gráficos que simulam destruição, fumaça e impacto.

Segundo técnicos da equipe, o maior desafio foi manter o realismo em cenas que não podiam ser filmadas com explosivos reais em ambientes urbanos.

🎭 Treinamento militar para não parecer “Hollywood demais”

A produção contou com consultores táticos militares para orientar o elenco principal. Gerard Butler, inclusive, passou semanas aprendendo protocolos reais de combate e proteção de autoridades para interpretar Banning com mais credibilidade. A ideia era fugir dos clichês de ação exagerada e trazer uma abordagem mais realista, baseada em como verdadeiros agentes de segurança se comportam em situações extremas.

“Tijolo por Tijolo” | Uma história de força, afeto e reconstrução estreia nos cinemas em agosto

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Foto: Reprodução/ Internet

Por trás de cada parede construída com esforço e cada post compartilhado nas redes sociais, existe uma história que precisa ser contada. E é exatamente isso que faz o documentário “Tijolo por Tijolo”, que estreia nos cinemas brasileiros no dia 14 de agosto: transforma a luta cotidiana de uma mulher periférica em um potente retrato de resiliência, amor, maternidade e reconstrução.

Dirigido pela dupla Victória Álvares e Quentin Delaroche, o filme não se contenta em apenas observar de fora. Ele mergulha, com sensibilidade e intimidade, no cotidiano de Cris Martins, moradora do Ibura, periferia do Recife, que viu sua vida virar de cabeça para baixo durante a pandemia. Desemprego, uma nova gravidez, a casa em risco de desabamento e a incerteza sobre o futuro forçaram Cris a se reinventar. E foi justamente nesse momento de caos que ela começou a construir, literalmente e simbolicamente, uma nova vida — tijolo por tijolo.

Uma câmera na mão e o coração no peito

Não espere encontrar uma narrativa distante ou um olhar estereotipado sobre a periferia. Aqui, o que move a lente dos diretores é o respeito e o afeto. O filme acompanha Cris no seu cotidiano com a câmera quase como parte da família. Há cenas de intimidade, de humor, de cansaço, de superação. Há momentos em que a câmera parece até respirar junto com ela, tamanha é a proximidade com a protagonista.

A história de Cris Martins é, ao mesmo tempo, muito singular e absolutamente coletiva. Quando ela começa a compartilhar sua rotina nas redes sociais, dando dicas sobre maternidade, cuidados com a casa e desabafando sobre as dificuldades de criar filhos em um país tão desigual, ela se torna uma espécie de porta-voz de tantas outras mulheres como ela: mães solo, empreendedoras improvisadas, cuidadoras, batalhadoras.

E não é por acaso que o título do filme evoca a ideia de construção. Enquanto Cris grava vídeos e se engaja em projetos comunitários voltados ao empoderamento feminino, seu marido assume o desafio de ampliar a casa da família sozinho, aprendendo técnicas de construção civil por tutoriais do YouTube. Tudo isso com o cenário real e brutal da pandemia ao fundo, somando medos, privações e sonhos suspensos.

Quando o pessoal é político

O filme também não foge dos debates mais profundos que atravessam a vida de Cris. O longa se debruça sobre o direito à moradia, o acesso à saúde reprodutiva, o racismo ambiental e as violências institucionais que silenciam tantas famílias negras e periféricas no Brasil.

Um dos pontos mais marcantes é o desejo de Cris de realizar uma laqueadura, decisão pessoal e voluntária que, no entanto, encontra uma série de barreiras burocráticas e preconceituosas no sistema de saúde. Esse recorte, tão íntimo e corriqueiro na vida de milhares de mulheres, é tratado com um cuidado raro no cinema nacional — sem didatismo, sem voyeurismo. Apenas com verdade.

Aos poucos, o espectador percebe que a luta de Cris não é apenas por um teto. É pela dignidade de poder escolher, criar, sonhar. E é aí que o documentário brilha: ao mostrar que as transformações sociais nascem dos gestos miúdos e da coragem cotidiana.

Um filme que nasce do afeto

Victória Álvares e Quentin Delaroche assinam não apenas a direção, mas também o roteiro e a produção do longa. A relação dos cineastas com Cris e sua família vai muito além da câmera. “O filme é resultado de uma troca de afeto, confiança e cumplicidade. Não se trata apenas de contar uma história, mas de construir juntos um espaço de escuta e pertencimento”, afirmam eles.

E essa construção também teve seus desafios práticos: o processo de filmagem só começou após a vacinação contra a COVID-19, quando foi possível acompanhar a família de maneira mais segura. A pandemia, inclusive, não é pano de fundo — ela é parte ativa da trama, moldando comportamentos, decisões e sonhos interrompidos.

Cris: uma protagonista que não pede licença para brilhar

Se existe algo que torna “Tijolo por Tijolo” realmente inesquecível, é a força da sua protagonista. Cris Martins não é atriz, não é celebridade, mas rouba a cena como se fosse. Seu carisma, sua lucidez diante das adversidades e sua forma direta de se comunicar tocam o espectador profundamente.

Cris entende como usar as redes sociais a seu favor, não para criar uma imagem idealizada, mas para fazer barulho, dialogar e criar pontes. Sua conta no Instagram, @crismartinsventura, virou uma ferramenta de luta, visibilidade e afeto. Ela se fotografa, ensina, denuncia, agradece, aconselha — sempre com uma generosidade que transborda.

No filme, a maternidade aparece como centro, mas não de maneira romantizada. É uma maternidade real, exausta, cheia de sobrecargas e ao mesmo tempo profundamente amorosa. É nesse equilíbrio delicado entre dor e beleza que o documentário encontra sua força.

Um retrato do Brasil que a gente precisa ver

Produzido pela Revoada Filmes e distribuído pela Olhar Filmes, a produção já passou por diversos festivais no Brasil e no exterior, conquistando não só o público, mas também a crítica especializada. Não por ser “bonito”, mas por ser urgente. Por mostrar o que, muitas vezes, é invisibilizado nas grandes narrativas midiáticas: a potência da periferia, o protagonismo feminino e a complexidade de quem luta para existir com dignidade.

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