Now United chega ao Brasil em novembro com turnê “Now or Never”: Veja as datas e cidades

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O Brasil vai vibrar com a energia contagiante de um dos grupos musicais mais globais da atualidade. O Now United anuncia sua turnê “Now or Never” e passa por seis cidades brasileiras em novembro de 2025: Porto Alegre, Curitiba, São Paulo, Rio de Janeiro, Belo Horizonte e Recife. Essa é a chance que fãs de todas as idades terão para ver de perto uma banda que não é apenas pop, mas também um símbolo da união entre culturas, línguas e histórias de vida.

Para quem acompanha o Now United desde seus primeiros passos, essa volta ao Brasil traz uma sensação de reencontro. Para os novos fãs, uma oportunidade de mergulhar no universo vibrante de um grupo que tem reinventado o conceito de banda internacional — com integrantes de diferentes partes do mundo que dançam e cantam juntos como uma só voz.

Mais que música: uma bandeira pela diversidade

O Now United não é um fenômeno à toa. Criado em 2017 pelo empresário Simon Fuller, o grupo surgiu com a ideia ousada de reunir jovens talentos de países distintos para formar uma banda pop única, que pudesse representar a diversidade do planeta. Essa mistura cultural não só é um diferencial estético, mas um verdadeiro manifesto de inclusão e globalização.

Cada integrante carrega sua cultura, sua língua, suas tradições — mas o que os une é a paixão pela música e pela mensagem positiva. “Quando você vê um show do Now United, não está só assistindo a uma apresentação; está vivenciando a história de um mundo conectado, em que diferenças são celebradas, não apagadas”, diz Lucas Mendes, fã do grupo há cinco anos.

O reencontro com o público brasileiro

O Brasil sempre foi um dos países onde o Now United encontrou maior conexão. Entre os membros brasileiros, Any Gabrielly foi uma das estrelas que encantou fãs pelo país, antes de seguir carreira solo. Hoje, a brasileira Desirée Silva carrega essa bandeira, trazendo um novo frescor ao grupo.

A turnê Now or Never vai passar por seis cidades estratégicas, incluindo capitais de diferentes regiões, o que mostra a força e o carinho dos fãs brasileiros. “Teremos shows em Porto Alegre, Curitiba, São Paulo, Rio, Belo Horizonte e Recife. Cada lugar tem um público especial, que vai receber o grupo com muita emoção”, conta a produção local.

Uma nova fase, novas músicas e muita emoção

Além do show, a turnê marca uma fase nova para o Now United. Depois de um processo natural de mudanças nos integrantes — muitos seguindo carreiras solo — o grupo se renova. Novos membros foram selecionados, garantindo que a essência multicultural continue viva, mesmo com as transformações.

No palco, a expectativa é de um espetáculo cheio de energia, com coreografias incríveis, figurinos coloridos e uma setlist que mescla clássicos com músicas inéditas. É a mistura do que o público ama com o que o futuro da banda reserva.

O impacto para além da música

A influência do Now United vai muito além das paradas de sucesso. O grupo se tornou um símbolo de esperança para jovens que buscam espaços para ser quem são, independentemente de origem ou cor. Suas redes sociais são um espaço de empoderamento e diálogo, onde temas como racismo, inclusão e saúde mental ganham voz.

Para fãs como Ana Clara, de Recife, isso faz toda a diferença. “Eu me sinto representada por um grupo que valoriza a diversidade, que me inspira a acreditar que posso conquistar o que quiser. E poder vê-los ao vivo é a realização de um sonho.”

A conexão digital que virou realidade

Parte do sucesso do Now United vem do forte vínculo criado com os fãs pelas redes digitais. Plataformas como TikTok, YouTube e Instagram são palco para coreografias virais, desafios e interações constantes entre os integrantes e o público.

Agora, essa conexão digital se transforma em experiência real, quando o grupo sobe aos palcos das cidades brasileiras, levando para o público a emoção de cantar junto, dançar e se sentir parte de algo maior.

Expectativas para os shows

Os ingressos para a turnê já começam a movimentar o mercado e as redes sociais, onde fãs trocam dicas de viagem, se organizam em grupos e compartilham expectativas. Os produtores prometem uma estrutura moderna, acessível e segura, com cuidados especiais para que todos possam aproveitar ao máximo.

“Queremos que cada show seja uma celebração de música, cultura e amizade”, diz Ana Luíza Costa, produtora responsável pela turnê no Brasil. “Além do espetáculo, estamos atentos para criar momentos de conexão entre fãs e artistas.”

A força da música para unir o mundo

Em um momento em que o mundo ainda vive desafios de polarização e distanciamento, o Now United surge como um lembrete de que a música é capaz de construir pontes. Ao reunir jovens de diferentes países, o grupo celebra a beleza das diferenças e mostra que, quando unidos, podemos criar algo muito maior do que cada um sozinho.

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Confira as datas dos shows:

Turnê Now United — Now or Never Brasil 2025

  • 11 de novembro — Porto Alegre (RS)
  • 12 de novembro — Curitiba (PR)
  • 15 de novembro — São Paulo (SP)
  • 19 de novembro — Rio de Janeiro (RJ)
  • 20 de novembro — Belo Horizonte (MG)
  • 25 de novembro — Recife (PE)

Confira os filmes que chegam aos cinemas nesta quinta, 19 de junho

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Se você estava esperando uma boa desculpa pra correr pro cinema, chegou a hora! Esta quinta-feira, 19 de junho, marca a estreia de três filmes bem diferentes, mas com algo em comum: todos prometem mexer com sua imaginação, suas emoções e, quem sabe, até com seus conceitos de humanidade. Prepare-se para conhecer um menino que vira embaixador da Terra sem querer, uma sociedade tentando sobreviver três décadas após o apocalipse zumbi e dois jovens que transformam uma vida fora da lei numa jornada quase poética.

Dirigido por Adrian Molina e distribuído pela Disney, Elio é uma animação de aventura e drama com 89 minutos de duração. O elenco de vozes traz nomes como Yonas Kibreab (na pele do protagonista), Zoe Saldana e Jameela Jamil. A produção é mais uma aposta da Pixar em unir sensibilidade e imaginação, misturando temas como identidade, pertencimento e amadurecimento em uma jornada intergaláctica com visual deslumbrante e narrativa tocante.

Na história, Elio é um garoto criativo, introspectivo e que se sente deslocado no mundo. Tudo muda quando ele é, por engano, transportado para o Communiverse — uma organização interplanetária formada por representantes de diferentes galáxias. Lá, ele é confundido com o embaixador da Terra. Sem saber o que fazer, Elio precisa se adaptar, lidar com criaturas bizarras, enfrentar desafios inesperados e, acima de tudo, descobrir quem ele é de verdade. Uma aventura sensível e cheia de humor sobre encontrar seu lugar no universo.

Com direção de Danny Boyle e roteiro de Alex Garland, Extermínio: A Evolução marca o retorno impactante da icônica franquia de terror iniciada em 2002. O elenco conta com Aaron Taylor-Johnson, Jodie Comer e Alfie Williams. O longa retoma o universo distópico onde um vírus devastador transformou humanos em criaturas violentas e irracionais. Agora, quase 30 anos depois, a história avança em um mundo onde os poucos sobreviventes enfrentam novas ameaças — inclusive entre os próprios humanos.

Décadas após o vírus da raiva escapar de um laboratório e devastar a civilização, um grupo de sobreviventes vive isolado em uma ilha cercada de muros e conectada ao continente por uma única via protegida. Quando alguns membros precisam sair em uma missão arriscada, descobrem que as mutações atingiram não apenas os infectados, mas também os seres humanos que resistiram à catástrofe. Em meio ao caos e à evolução do horror, segredos obscuros e dilemas morais vêm à tona. Um suspense apocalíptico que mistura adrenalina, crítica social e reflexões sobre o que restou da humanidade.

La Chimera – A Odisseia de Enéias é uma produção italiana dirigida e roteirizada por Pietro Castellitto, que também protagoniza o longa ao lado de Giorgio Quarzo Guarascio e Benedetta Porcaroli. O filme é um drama contemporâneo com elementos de romance, crítica social e coming-of-age, explorando os excessos, vazios e contradições da juventude europeia em meio a um cenário de decadência moral.

A trama acompanha Enéias e Valentino, dois amigos que crescem juntos em uma Roma moderna e decadente, marcada por festas, tráfico de drogas e questionamentos existenciais. Enquanto vivem no limite entre o certo e o errado, os dois constroem uma amizade intensa, quase poética, onde o caos da juventude se mistura com reflexões profundas sobre liberdade, identidade e o sentido da vida. Para a sociedade, suas ações beiram o criminoso; para eles, é apenas a maneira de sobreviver e amar em um mundo que já perdeu os próprios limites.

Dirigido e roteirizado por Roberto Minervini, Os Malditos é um drama histórico que mergulha na dura realidade da Guerra Civil Americana. O elenco principal conta com René W. Solomon, Jeremiah Knupp e Cuyler Ballenger. O filme retrata o rigor de uma missão militar durante o inverno de 1862, explorando não apenas o cenário hostil, mas também as dúvidas e conflitos internos dos soldados diante de uma causa que começa a parecer cada vez mais incerta.

A história acompanha uma tropa de voluntários do exército dos Estados Unidos enviada para patrulhar regiões desconhecidas no oeste em plena Guerra Civil. Confrontados com a dureza do território gelado e hostil, os soldados enfrentam não só os perigos naturais, mas também suas próprias incertezas sobre o propósito da missão. Quando uma tragédia acontece em uma costa remota, a missão muda de rumo e o verdadeiro significado do compromisso que assumiram começa a escapar, fazendo-os questionar até onde vale a pena lutar.

🍿 Então, qual vai ser?

Com opções que vão do space-drama fofo para toda a família, passando pelo thriller distópico cheio de zumbis evoluídos, até o drama existencial de jovens à deriva, as estreias desta semana estão imperdíveis. Seja pra rir, chorar, pensar ou se esconder na cadeira do susto, tem cinema pra todos os gostos.

🎟️ Aproveite, escolha sua sessão e deixe a magia da telona te levar.

Gabriel Monteiro quebra o silêncio no Domingo Espetacular de 18/05/2025

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Gabriel Monteiro, ex-policial militar, ex-youtuber e ex-vereador do Rio de Janeiro, se tornou uma figura polêmica por onde passou. Sempre com o celular na mão e rodeado por seguidores, ele apostava em um estilo combativo e midiático — o que o ajudou a se eleger, mas também atraiu críticas ferrenhas.

Em 2022, no auge de sua exposição, Monteiro foi acusado de estupro por uma mulher após uma saída de uma casa noturna. A denúncia, feita poucos meses após o encontro, veio acompanhada de um relato detalhado que rapidamente viralizou nas redes sociais e pautou os telejornais do país. Desde então, Monteiro se afastou da política, das redes e da mídia, mantendo-se em silêncio sobre o caso — até agora.


🎤 A entrevista exclusiva: o que ele diz?

Neste domingo, 18 de maio de 2025, Gabriel Monteiro aparece cara a cara com as câmeras para falar sobre a acusação que virou sua vida de cabeça para baixo. Na entrevista, ele se defende, rebate pontos da denúncia, fala sobre o processo judicial e diz o que aprendeu (ou não) com tudo isso.

A reportagem promete ainda:

  • Detalhes inéditos sobre o processo;
  • Bastidores da acusação;
  • Declarações impactantes de Monteiro;
  • E a repercussão nas redes sociais e entre juristas.

É um conteúdo tenso, recheado de polêmicas e que levanta questões importantes sobre limites da exposição, ética na política, violência contra a mulher e responsabilidade pública.


🧨 Domingo quente na Record

A Record aposta alto na entrevista para alavancar a audiência do Domingo Espetacular. A chamada oficial da emissora destaca: “O que ele tem a dizer sobre as denúncias? Gabriel Monteiro fala pela primeira vez na TV. É neste domingo, logo após Quilos Mortais!”.

A expectativa é de que a entrevista repercuta fortemente nas redes sociais e coloque novamente o nome de Monteiro em debate. Afinal, o ex-vereador ainda tem uma base fiel de apoiadores — mas também enfrenta forte rejeição por parte do público, principalmente após o escândalo.


📺 Não vai perder, né?

🗓 Domingo, 18 de maio de 2025
🕢 A partir das 19h30
📍 Na tela da Record

“Predador: Terras Selvagens” ganha pôster inédito na Comic-Con 2025 e promete reinventar a franquia com protagonista inesperado

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Durante o aguardado painel da saga “Predador” na San Diego Comic-Con 2025, os fãs foram presenteados com mais do que apenas nostalgia: um pôster inédito e impactante de Predador: Terras Selvagens (título original Predator: Badlands) marcou o anúncio oficial do longa que promete reinventar completamente o universo dos icônicos caçadores alienígenas. A estreia está programada para 6 de novembro nos cinemas brasileiros e, segundo os criadores, o projeto representa uma virada de chave para a franquia — em tom, narrativa e protagonismo.

Dirigido por Dan Trachtenberg, conhecido por revitalizar a série com o elogiado Prey (2022), o novo filme aposta em uma perspectiva inédita: em vez de acompanhar a humanidade sendo ameaçada, o foco será no próprio Predador — ou melhor, em um jovem da espécie Yautja que se recusa a seguir o caminho tradicional da caça. O longa mergulha profundamente na mitologia da raça, propõe uma ambientação fora da Terra e constrói uma jornada de redenção em meio a um cenário selvagem e hostil.

Um Predador em crise: o novo protagonista

Ao centro da trama está Dek, um jovem Predador renegado interpretado por Dimitrius Schuster-Koloamatangi. Rejeitado pelo próprio clã por não corresponder ao ideal guerreiro de sua sociedade, Dek é forçado a sobreviver sozinho no planeta natal dos Yautja. Essa inversão de perspectiva já demonstra o grau de ousadia da produção: em vez de vilão, o caçador se torna figura trágica, heróica e, acima de tudo, profundamente humana.

É durante sua jornada errante que Dek encontra Thia, uma andróide da corporação Weyland-Yutani — nome conhecido por fãs do universo Alien, com o qual Predador compartilha conexões. Thia, vivida por Elle Fanning, está em missão de reconhecimento, mas acaba presa no planeta após um acidente orbital. Unidos pela necessidade de sobrevivência, os dois formam uma aliança inesperada. Não apenas para escapar dos perigos locais, mas para enfrentar dilemas existenciais — sobre pertencimento, propósito e transformação.

Thia: androide, sobrevivente, protagonista

Elle Fanning traz à personagem Thia um ar de complexidade emocional rara em figuras robóticas da ficção científica. Longe de ser apenas uma máquina de combate, Thia carrega memórias fragmentadas de humanos que a programaram e sente, de forma quase espiritual, a necessidade de entender o que é empatia. Ela não luta por sobrevivência apenas — luta por significado.

A relação entre Thia e Dek é o cerne emocional do filme. Juntos, eles atravessam territórios devastados, enfrentam bestas colossais e desvendam ruínas de uma civilização ancestral. Mas, acima de tudo, é a cumplicidade entre eles que carrega a narrativa. O filme não se resume a batalhas espetaculares, mas a silenciosas trocas de olhares, rituais simbólicos e sacrifícios mútuos — ingredientes que conferem profundidade rara à franquia.

Um mergulho inédito na cultura Yautja

Diferente dos filmes anteriores, que mostravam os Predadores apenas como inimigos enigmáticos, Terras Selvagens dedica-se a explorar a fundo a civilização dos Yautja. A equipe de produção contratou especialistas em linguística para criar um sistema completo de linguagem — oral e escrita — exclusivo da espécie. Esse cuidado com o detalhe se reflete em diálogos inteiros realizados em Yautja, com legendas em tela, reforçando a ambientação alienígena.

Os trajes e adereços foram desenvolvidos pelo Studio Gillis, responsável por boa parte dos efeitos práticos de Prey. A face de Dek, por sua vez, foi recriada digitalmente com técnicas de captura de performance, permitindo que suas expressões transmitam nuance emocional sem perder a brutalidade visual característica do personagem.

Influências cinematográficas e ambições autorais

Durante o painel da Comic-Con, Dan Trachtenberg compartilhou suas influências para o novo filme — e surpreendeu ao citar nomes fora do campo da ficção científica convencional. Entre as inspirações, estão os quadros épicos e violentos de Frank Frazetta, a espiritualidade melancólica de Terrence Malick, o silêncio simbólico de Shadow of the Colossus e os westerns solitários de Clint Eastwood.

Essa combinação de referências se reflete na estética do longa, que mistura cenários desérticos com luz difusa, ruínas góticas com vegetação alienígena e um design de som minimalista, que valoriza o silêncio tanto quanto a explosão. O diretor deixou claro: Predador: Terras Selvagens não quer apenas ser mais um filme da saga — quer ser arte, reflexão e revolução dentro do gênero.

Bastidores: produção técnica e efeitos visuais

As filmagens aconteceram entre agosto e outubro de 2024, nas paisagens remotas da Nova Zelândia. Sob o codinome Backpack, a produção mobilizou locações naturais exuberantes, cavernas vulcânicas e desertos de sal que, com o uso de VFX, foram transformados em superfícies alienígenas.

Na pós-produção, estúdios como Wētā FX, ILM, Framestore e Rising Sun Pictures contribuíram para dar vida ao mundo de Dek e Thia. Todos os cenários foram amplificados digitalmente, e criaturas exóticas foram inseridas para enriquecer o ecossistema do planeta. O resultado promete ser um espetáculo visual de grande escala, com equilíbrio entre efeitos práticos e digitais.

Universo compartilhado e sementes de crossover

A presença da corporação Weyland-Yutani no roteiro não é mero fan service. Segundo os roteiristas, há planos de expandir o universo Predador em alinhamento com Alien, talvez até mesmo pavimentando o caminho para um crossover mais estruturado no futuro. A ligação entre Thia e a tecnologia humana da franquia Alien é explícita, mas há também sutis menções a eventos ocorridos em outros títulos do mesmo universo — o que pode deixar os fãs atentos em alerta.

Críticas iniciais e expectativas

Críticos especializados e insiders que assistiram a trechos exclusivos do longa durante a convenção destacaram o tom maduro da produção. Muitos apontaram que Predador: Terras Selvagens pode fazer pelo universo Yautja o que Rogue One fez por Star Wars: expandir o mito, dar profundidade emocional e humanizar figuras antes vistas apenas como antagonistas.

A aposta em um protagonista não humano, o afastamento da fórmula clássica de ação e o mergulho no lore da franquia são riscos calculados — e, segundo as primeiras reações, altamente promissores.

Jeito Moleque lança Volume 5 do projeto “5 por 5” e reforça legado com inéditas, releituras e parcerias

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Celebrando uma trajetória de 25 anos marcada pela autenticidade e pelo diálogo constante com o público, o grupo Jeito Moleque apresenta o Volume 5 do projeto “5 por 5”. A iniciativa, que reúne novos arranjos, músicas inéditas e versões repaginadas de sucessos, chega ao quinto e último capítulo com quatro faixas que reafirmam a identidade do grupo e sua relevância no cenário do pagode contemporâneo.

A proposta da série “5 por 5” — lançada em partes ao longo do ano — é sintetizar, em blocos curtos e potentes, o passado, o presente e o futuro do Jeito Moleque. No novo EP, a banda aprofunda essa proposta com um repertório que transita entre a celebração das origens e a busca por novas sonoridades.

Destaque para inéditas e colaborações

A grande novidade do EP é “Deu Defeito”, uma faixa inédita que conta com a participação especial da dupla sertaneja Clayton & Romário. A parceria estabelece um ponto de encontro entre dois gêneros populares e afetivos, resultando em um pagode com influências do sertanejo romântico, marcado por melodia envolvente e letra sobre descompassos do coração.

Outra composição inédita é “Não Peço Volta (Coração Digita)”, que mostra um Jeito Moleque introspectivo, mas ainda assim melódico e fiel à sua essência. A música traz à tona o lado mais emocional do grupo, com reflexões sobre saudade e reconciliação, envoltas em uma produção sofisticada e contemporânea.

Novos arranjos e releituras afetivas

Abrindo o EP, “Meu Jeito Moleque” funciona como uma espécie de declaração de identidade. A canção revisita a trajetória do grupo sob uma ótica atualizada, com arranjo que combina nostalgia e modernidade. Na sequência, um medley de três faixas — “Nas Nuvens”, “Só Pro Meu Prazer” e “Eu, Você e Mais Ninguém” — apresenta um trabalho de releitura cuidadoso, capaz de dar nova vida a clássicos que atravessam gerações.

Caldeirão com Mion aquece o inverno com estreia especial direto de Foz neste sábado (19/07)

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O Brasil tem muitos rostos, sotaques, ritmos e histórias. E quando um programa de entretenimento se propõe a reunir tudo isso sob o mesmo céu — e, neste caso, sob o mesmo véu de névoa das Cataratas do Iguaçu — o resultado é mais do que um show: é um retrato emocional do país real. É com essa proposta que o “Caldeirão de Inverno” estreia sua nova temporada neste sábado, dia 19 de julho de 2025, diretamente de Foz do Iguaçu, no Paraná. Sob o comando carismático de Marcos Mion, o programa ganha uma roupagem especial, com cenário natural impactante, presença de figuras locais, homenagens musicais e aquele toque de emoção que virou marca registrada da atração.

A nova temporada do “Caldeirão” chega com frescor e, ao mesmo tempo, com o calor humano que aquece as tardes de sábado do público da TV Globo. Mas, desta vez, tudo ganha um novo significado. Foz do Iguaçu, cidade símbolo de diversidade cultural, religiosa e linguística, se torna o ponto de partida para uma jornada que pretende revelar mais do que paisagens: quer mostrar a alma dos brasileiros.

O próprio Marcos Mion define a proposta

“A gente adora fazer essas viagens e levar o ‘Caldeirão’ para dentro do Brasil e o Brasil para dentro do ‘Caldeirão’. Mostrar a riqueza de um lugar que vai além da beleza natural. A ideia é emocionar, contar histórias que nos conectam”.

O palco é a natureza

Instalado com vista privilegiada das Cataratas do Iguaçu, o estúdio montado para as gravações mistura o impacto visual das quedas d’água com o dinamismo de um programa que une jogos, convidados famosos e histórias de gente comum. O efeito é cinematográfico. A sensação de grandiosidade da natureza aliada à leveza dos quadros do programa cria uma estética única: espetáculo e intimismo convivem lado a lado.

As belezas naturais não são só pano de fundo — são protagonistas. A produção fez questão de incluir imagens aéreas captadas por drones e helicópteros, aproveitando o cenário para compor vinhetas, transições e até momentos poéticos entre um quadro e outro.

Diversidade como essência

Foz do Iguaçu é conhecida por abrigar mais de 80 etnias convivendo em harmonia. É uma cidade que respira pluralidade, onde brasileiros, paraguaios, argentinos, muçulmanos, católicos, budistas e tantos outros compartilham o mesmo espaço com respeito e convivência.

Essa pluralidade está refletida no “Caldeirão de Inverno”. A produção mergulhou no cotidiano local e trouxe para a tela personagens que representam essa miscigenação, como Dona Evelina, guia turística há mais de 60 anos, que tem a mesma idade de existência do Parque Nacional do Iguaçu. Ela narra, com doçura e orgulho, a evolução da região, a chegada dos turistas, e, principalmente, o amor pela terra.

“Cada gota das Cataratas conta uma história”, diz Evelina, emocionada em um dos momentos mais tocantes do programa.

Música para aquecer corações

A estreia traz também uma homenagem memorável ao grupo Roupa Nova, ícone da música brasileira. A performance emociona e faz o público cantar junto hits como “Dona”, “Volta pra Mim” e “Sapato Velho”, que atravessam gerações. Para além do entretenimento, é uma forma de reforçar a memória afetiva do público com canções que embalaram amores, festas, despedidas e recomeços.

Os músicos, visivelmente comovidos, celebraram o momento como uma oportunidade rara de unir cenário, público e trajetória:

“Cantar com esse fundo das Cataratas e sentir essa energia é como renovar a fé na música e no Brasil”, disse Nando, um dos integrantes do grupo.

Quadros clássicos com tempero regional

O “Caldeirão de Inverno” também adapta seus quadros tradicionais para o clima local. No “Sobe o Som”, por exemplo, uma onça de pelúcia — símbolo da fauna da região — entra em cena para dar dicas aos participantes, que precisam adivinhar qual música está tocando.

Na estreia, os convidados são Gil do Vigor e Sarah Andrade, que disputam com as atrizes Giovana Cordeiro e Kenya Sade. A brincadeira flui entre risadas, improvisos e memórias musicais. Giovana, por exemplo, se emociona ao lembrar de quando foi a um show do Roupa Nova com a mãe, fã incondicional da banda.

“É impossível ouvir essas músicas e não lembrar da minha infância. Tem cheiro, tem memória, tem carinho”, comentou.

Desde que assumiu o comando do “Caldeirão”, Marcos Mion trouxe uma nova identidade ao programa. Mais do que um apresentador, ele se posiciona como um mediador afetivo entre o público e as histórias contadas ali. Ele escuta, reage, brinca, acolhe. E isso se torna ainda mais visível em uma temporada fora do eixo Rio-São Paulo.

“Fazer o ‘Caldeirão’ em Foz do Iguaçu é valorizar o Brasil fora dos holofotes. É sair da bolha e mostrar que há vida, emoção e talento em todo canto do país”, afirma Mion.

Para que essa conexão entre paisagem, emoção e espetáculo aconteça de maneira fluida, há uma equipe por trás que orquestra cada detalhe. A direção artística é de Geninho Simonetti, a produção é comandada por Tatynne Lauria e Matheus Pereira, enquanto a direção de gênero da TV Globo é assinada por Monica Almeida.

Essa estrutura técnica foi responsável por transformar as gravações em uma experiência imersiva. Cada câmera posicionada nas margens das Cataratas, cada plano sequência entre as árvores e passarelas do parque, foi pensada para fazer o público sentir que também está lá.

A proposta do “Caldeirão de Inverno” vai além da diversão. Ele assume o papel de catalisador de orgulho nacional. Em tempos em que o noticiário pesa, que as redes sociais saturam, que o tempo corre, assistir a um programa que desacelera e celebra o afeto, a cultura e o riso torna-se um gesto de resistência.

É como se o sábado ganhasse um novo significado. Não apenas mais um dia para descansar, mas uma oportunidade de se reconectar com o país, com a música, com as histórias reais. E, quem sabe, até com um pouco da própria esperança.

Eita, Lucas! deste sábado (13) traz Carona da Sorte com David na feira de São Paulo

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Neste sábado, 13 de setembro, às 15h, o programa “Eita, Lucas!” volta à tela do SBT com uma edição repleta de emoção, solidariedade e surpresas. Lucas Guimarães conduz o programa em busca de personagens que inspirem e emocionem o público, mostrando que, mesmo diante das dificuldades, a esperança e a solidariedade podem transformar vidas.

No quadro “Eita Glória”, Lucas percorre uma feira livre na capital paulista, conversando com feirantes, clientes e moradores locais em busca de histórias marcantes. Entre frutas, legumes e interações cheias de afeto, um sortudo terá a chance de ter suas dívidas quitadas, participando de um jogo de envelopes premiados.

A dinâmica exige que o participante confie na própria intuição para escolher os envelopes corretos. Nesta semana, a edição traz uma novidade emocionante: o envelope “Surpresa”, capaz de pagar todas as dívidas do mês, oferecendo um alívio completo para quem enfrenta dificuldades financeiras. A expectativa e a emoção se misturam enquanto os telespectadores acompanham cada decisão e reação dos participantes.

Na sequência, o programa apresenta o quadro “Carona da Sorte”, desta vez com David, um vendedor de tapiocas que luta diariamente para sustentar a família. Endividado e cansado de enfrentar obstáculos, ele chegou a pensar em desistir até o momento em que cruzou o caminho de Lucas.

Durante a carona, David enfrenta desafios valendo R$ 10 mil, respondendo às perguntas da Áurea, a Inteligência Artificial do programa. Entre tensão, entusiasmo e momentos de reflexão, ele precisa mostrar conhecimento e estratégia, enquanto o público acompanha cada instante com emoção. A história de David reforça a missão do programa: inspirar e transformar vidas através da solidariedade e da superação pessoal.

O programa combina diversão, suspense e emoção em um formato que aproxima os telespectadores da realidade dos participantes. Com Lucas Guimarães à frente, o programa valoriza o contato humano, as histórias reais e as reações genuínas daqueles que recebem apoio e reconhecimento.

A interação com o público vai além da tela: cada quadro desperta empatia, torcidas e emoções compartilhadas, mostrando que pequenas ações podem ter impacto profundo na vida de muitas pessoas. Entre sorrisos, lágrimas e momentos de tensão, o programa constrói uma narrativa envolvente que conecta espectadores e participantes.

“Baseado em Hits Reais” resgata histórias de artistas esquecidos por trás de grandes sucessos

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Você pode até não se lembrar de Lou Bega, mas é quase impossível não sentir os ombros se mexendo ao ouvir “Mambo Number 5”. Também não precisa ter sido um grande fã de EMF para reconhecer o refrão explosivo de “Unbelievable” ou ter o nome da escocesa KT Tunstall na ponta da língua para cantarolar “Suddenly I See”, sucesso imortalizado por O Diabo Veste Prada. O que todos esses artistas têm em comum? Fizeram o mundo cantar — e depois, desapareceram dos holofotes. Mas suas histórias, tão humanas quanto seus refrões são pegajosos, agora ganham uma segunda chance de serem ouvidas em “Baseado em hits reais”, novo livro do jornalista Braulio Lorentz, publicado pela Máquina de Livros.

Com lançamento marcado para o dia 28 de agosto, em um evento no karaokê do Curtiça Bar, na Vila Madalena (SP), o livro propõe uma espécie de arqueologia afetiva da música pop. Ao invés de focar nos medalhões que todo mundo já conhece, Braulio dá voz a quem um dia teve os cinco minutos de glória — ou os cinco segundos de um refrão eternizado — antes de sumir da mídia, mas não das nossas memórias.

A playlist da memória

Braulio Lorentz, jornalista cultural com mais de 20 anos de estrada e atual editor do G1, teve o estalo para o livro ao reorganizar sua coleção de CDs. Era um exercício nostálgico, mas também uma inquietação jornalística: ao revisitar discos esquecidos, surgia a pergunta inevitável — onde foi parar esse artista?

“Essas músicas não têm, necessariamente, um grande valor artístico. Algumas são até irritantes”, confessa Braulio, sem ironia. “Mas sou obcecado por entender o que está por trás de um grande fenômeno musical.”

A partir desse impulso, ele passou os últimos quatro anos caçando ex-hitmakers, mergulhando em entrevistas que misturam bastidores do sucesso com memórias pessoais, frustrações e renascimentos discretos. O resultado é um painel afetivo e inesperado da indústria fonográfica das últimas décadas.

Histórias que desafinam da fama

Entre os mais de 40 artistas entrevistados estão nomes como Vanessa Carlton (“A Thousand Miles”), Natalie Imbruglia (“Torn”), Daniel Powter (“Bad Day”), Alexia (“Uh La La La”), DJ Bobo, Chumbawamba, Fastball, Aqua e Counting Crows. E também brasileiros que você talvez não associe à efemeridade do sucesso, como Kelly Key, Vinny e o grupo Dr. Silvana & Cia.

Muitos dos personagens do livro não desapareceram completamente. Apenas mudaram de palco. Alguns continuaram na música, embora longe das grandes gravadoras. Outros viraram professores, técnicos de informática, donos de restaurante — e um chegou a se tornar programador da Amazon. Em comum, há a lembrança agridoce de um tempo em que suas músicas tocavam em todo lugar, suas agendas estavam lotadas e a fama parecia eterna.

“Vários desses artistas tiveram mais de um sucesso”, lembra Braulio. “Mas, depois, a maioria conviveu com a fama de fracassado. Até desaparecer.”

A glória que cansa, o fracasso que ensina

O mais instigante no livro de Braulio não são apenas as curiosidades (embora elas existam em abundância), mas o que se revela nas entrelinhas: o quanto a fama pode ser cruel, e o quanto o esquecimento público nem sempre é sinônimo de derrota pessoal.

Um exemplo comovente é o de Daniel Powter, cuja balada “Bad Day” se tornou hino não oficial de dias ruins em programas de TV, reality shows e playlists deprês. Hoje, longe dos holofotes, Powter tem uma vida tranquila e afirma que “se sentir fracassado foi libertador”. Em contrapartida, KT Tunstall, que ainda se apresenta, reflete sobre o preço da independência artística após o estouro inicial.

O livro não tenta transformar esses artistas em heróis ou mártires da indústria. Pelo contrário. Há um tom sincero, quase confessional, nos relatos. Muitos admitem erros, ilusões, contratos mal feitos, egos inflados. E o autor não julga. Apenas ouve — e nos convida a ouvir também.

Um livro para cantar, rir e pensar

“Baseado em hits reais” tem o charme de um karaokê de domingo com amigos: nostálgico, divertido, por vezes constrangedor, mas acima de tudo humano. Braulio não trata seus entrevistados como relíquias, mas como pessoas que viveram algo extraordinário, por mais efêmero que tenha sido.

E por falar em karaokê, o evento de lançamento promete ser um capítulo à parte. Nada mais simbólico do que celebrar essas histórias num bar onde qualquer um pode virar estrela por três minutos — o tempo de um hit. O autor ainda preparou uma playlist especial com todas as músicas citadas no livro. Um convite sonoro para reviver os anos em que essas faixas eram trilha sonora da vida de muita gente.

Onde encontrar o livro?

O livro estará disponível nas principais livrarias físicas e virtuais a partir de agosto, além de uma versão em e-book já acessível em mais de 30 plataformas digitais. É leitura obrigatória para fãs de música pop, curiosos da cultura pop, jornalistas, músicos e todos aqueles que um dia sentiram que uma canção disse exatamente o que estavam sentindo.

Mais do que falar sobre os artistas esquecidos, o livro fala sobre o que nos faz lembrar. Porque, no fundo, os grandes sucessos não morrem — eles apenas mudam de lugar, repousando na memória afetiva de quem dançou, chorou ou se apaixonou ao som deles.

Rodrigo Tardelli fala sobre o impacto e os desafios da websérie “Estranho Jeito de Amar”

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Foto: Júlio Andrade/ Divulgação

Por trás de uma câmera ou mergulhado em um roteiro, Rodrigo Tardelli não apenas atua — ele se entrega. Conhecido por protagonizar e cocriar a websérie independente “Estranho Jeito de Amar”, sucesso no YouTube com mais de 11 milhões de visualizações, o ator deu rosto e alma a uma história que foge dos lugares-comuns do amor romântico para iluminar feridas que, por muito tempo, foram varridas para debaixo do tapete — especialmente dentro da comunidade LGBTQIAPN+.

Com duas temporadas já lançadas e uma terceira em desenvolvimento, a série tem chamado atenção em festivais internacionais pela forma sensível e corajosa com que trata relacionamentos abusivos, dependência emocional, traumas e identidade. Um mergulho denso e necessário, que nasceu da própria inquietação de Rodrigo com o silenciamento em torno de dinâmicas violentas entre homens gays — algo ainda pouco explorado no audiovisual brasileiro.

Em uma conversa franca e acolhedora, ele fala sobre os bastidores da produção, os desafios de dar vida a uma narrativa tão visceral e o impacto que a série tem causado na vida de quem assiste. Com a voz embargada em alguns momentos e o coração à flor da pele, Rodrigo deixa claro: o “estranho jeito de amar” pode até doer, mas também pode ser o início de uma libertação.

Foto: Júlio Andrade/ Divulgação

Como surgiu a ideia de criar “Estranho Jeito de Amar”? O que te motivou a contar essa história?

A ideia nasceu de uma inquietação muito verdadeira. Eu sentia falta de ver na tela narrativas LGBTQIAPN+ que abordassem as feridas mais profundas, aquelas que muitos evitam tocar. Estranho Jeito de Amar veio da necessidade de falar sobre as relações abusivas dentro da comunidade gay — um tema ainda pouco debatido e envolto em muito silêncio. Vi pessoas próximas passando por isso e percebi o quanto a arte pode ser um espaço de acolhimento e alerta. Quis transformar essa dor em diálogo, e foi assim que tudo começou.

A série conquistou público dentro e fora do Brasil. Como você explica esse alcance?

Acho que o sucesso está justamente na coragem de mostrar a realidade sem romantização. A gente não vende uma ideia idealizada do amor; mostramos como ele pode ser distorcido pela dependência, pelo controle e pelo medo. Mais do que isso, é uma produção feita com verdade, onde cada ator, cena e palavra do roteiro tem entrega total. As pessoas se veem ali, independente do país ou cultura. Emoção, dor, amor — tudo isso é universal. Quando a história é contada com alma, ela atravessa fronteiras.

Quais foram os maiores desafios durante a produção?

Desafios foram muitos. Fazer uma produção independente no Brasil já é complicado por si só. Agora, realizar uma série LGBTQIAPN+ com essa carga emocional, com cenas intensas, sem o suporte financeiro de grandes patrocinadores e ainda lutar contra os algoritmos das plataformas digitais… é uma batalha diária. Mas isso também é o que me move. Cada “não” que recebíamos só nos fazia entregar ainda mais. O maior desafio talvez tenha sido equilibrar toda essa estrutura enquanto eu atuava, dirigia, produzia e vivia essa história tão densa.

A série aborda temas delicados. Como foi lidar com essa responsabilidade?

Com muita escuta e cuidado. Não escrevemos pensando só em entreter, mas em causar impacto. Tudo foi construído com pesquisa, consultorias e conversas reais. A ideia nunca foi chocar, mas mostrar o que tantas pessoas vivem em silêncio. Eu sabia da responsabilidade de tocar nesses assuntos, principalmente dentro da comunidade, então meu compromisso sempre foi com a verdade e o respeito à dor do outro.

Você esperava a repercussão tão positiva?

Acreditei na força da história, sim, mas a dimensão que ela tomou superou minhas expectativas. No começo, eu só queria que alguém assistisse e dissesse “eu vivi isso” ou “isso me fez enxergar meu relacionamento de outro jeito”. Quando começaram a chegar mensagens assim, de todos os cantos do Brasil e até do exterior, percebi que a série tinha se tornado muito mais que um projeto — virou um espelho para muita gente.

Qual retorno do público mais te marcou até hoje?

O retorno tem sido muito forte. Recebi relatos de pessoas que passaram por situações parecidas e, graças à série, conseguiram se libertar. Também ouvi quem teve dificuldade de assistir até o fim, porque o conteúdo traz muitos gatilhos. O personagem Gael, por exemplo, seduz e prende o público, assim como essas personalidades fazem na vida real, mas também machuca. Muitas pessoas se viram ali, revivendo sentimentos e cicatrizes. É pesado, mas necessário. Quando um trabalho provoca esse tipo de reflexão e abre diálogos que estavam reprimidos, eu entendo que criamos algo que vai muito além do entretenimento — está ecoando dentro das pessoas.

“Estranho Jeito de Amar” abriu portas na sua carreira?

Sem dúvida. Me reconectou profundamente com minha essência artística. Trouxe visibilidade, me levou a festivais internacionais e colocou meu trabalho no radar de pessoas e lugares que antes pareciam distantes. Mas mais que isso, abriu portas internas. Cresci muito fazendo esse projeto, me redescobri como criador, ator e ser humano.

Existem planos para uma nova temporada ou projetos relacionados?

Sim! A série ainda tem muito para contar. Estamos desenvolvendo novos desdobramentos e possibilidades. Claro que tudo depende de estrutura e apoio, mas vontade não falta. O universo de Estranho Jeito de Amar é poderoso demais para acabar por aqui, e o público é quem mais nos inspira a continuar, com seu carinho, perguntas e teorias.

Como você vê o papel da série na representação LGBTQIAPN+ no audiovisual?

A série ocupa um espaço que até então ninguém havia ocupado dessa forma. Falamos de amor, mas também de violência, abuso emocional e traumas. Representar a comunidade não é só mostrar beijo ou finais felizes; é mostrar suas complexidades, suas sombras e feridas. E, ao fazer isso com profundidade, ajudamos o público LGBTQIAPN+ a olhar para si mesmo de maneira mais honesta. Para mim, isso é revolucionário.

O que você aprendeu, pessoal e profissionalmente, com essa experiência?

Que a vulnerabilidade é uma força. Que coragem não é ausência de medo, mas agir apesar dele. Aprendi a confiar na minha intuição e a defender uma história mesmo quando parecia impossível realizá-la. Entendi que o afeto cura, mas também pode adoecer, e reconhecer isso é o primeiro passo para quebrar ciclos. Como artista, aprendi que não precisamos esperar permissão para criar. Quando temos algo urgente a dizer, a arte sempre encontra um caminho.

Resumo da novela Êta Mundo Melhor de hoje (16) – Candinho e Zulma partem em busca de Samir e Jasmin

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No capítulo de Êta Mundo Melhor que vai ao ar nesta terça-feira, 16 de setembro, Candinho e Zulma decidem que não podem perder tempo e resolvem ir atrás de Samir e Jasmin, determinados a protegê-los de qualquer ameaça. Enquanto isso, Estela e Celso se desentendem novamente, desta vez por causa de Ernesto, deixando o clima da casa tenso e confuso.

As crianças, preocupadas com a segurança de seus amigos, bolam um plano ousado: pedem que Aladin se esconda no carro de Candinho, garantindo que Samir e Jasmin tenham uma chance de escapar. A estratégia é arriscada, mas eles sabem que não há outra saída.

Enquanto a situação se complica, Aderbal e Marilda revelam a Samir e Jasmin que pretendem vendê-los para um homem desconhecido, aumentando ainda mais o perigo que paira sobre os jovens. Jasmin, com rapidez e coragem, consegue fugir e corre para avisar Asdrúbal, Picolé e Zé dos Porcos sobre a iminente ameaça a Samir.

Cunegundes tem uma nova visão com Pedro II, que lhe traz um alerta sobre os acontecimentos e inspira novos caminhos de ação. Candinho, Zulma e Aladin continuam sua busca incessante por Samir e Jasmin, guiados pela coragem, pela amizade e pela esperança de que conseguirão salvá-los antes que seja tarde.

O que vai rolar nos próximos capítulos de Êta Mundo Melhor?

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