Conversa com Bial desta segunda (11/08): Os Garotin, a voz da black music que conquistou o Grammy Latino

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Nesta segunda-feira, 11 de agosto, o programa Conversa com Bial vai abrir espaço para um encontro que promete emocionar e inspirar quem acompanha a música brasileira contemporânea. O grupo Os Garotin, trio formado por Léo Guima, Anchietx e Cupertino, estará junto com uma cantora e compositora que compartilha a paixão pela black music — um movimento cultural que pulsa nas veias do Brasil e que, através deles, revela suas múltiplas cores, histórias e sonoridades.

A história do Os Garotin é, antes de tudo, uma história de amizade e resistência. Nasceram em São Gonçalo, região metropolitana do Rio, em um ambiente onde os sonhos costumam se deparar com muitos desafios. Mas a música foi a ponte que uniu esses três amigos e que os conduziu para além do que imaginavam: para o reconhecimento nacional e internacional.

De uma festa a um Grammy: a força da união

Tudo começou em 2019, em uma festa de aniversário na casa que Cupertino dividia com Léo Guima. Eles já eram amigos, cada um com sua caminhada e projeto musical, mas foi naquele momento que a mágica aconteceu. Ao se juntarem, perceberam uma sintonia que ia muito além do que a soma de suas vozes. A amizade se transformou em música, e a música, em um projeto que logo ganharia forma.

A empresária Paula Lavigne percebeu o potencial do trio e apostou na união dos três. Com o incentivo certo, os Garotin começaram a trabalhar juntos, e em agosto de 2023 lançaram o primeiro EP, “Os Garotin Sessions”. O que parecia um experimento virou um marco, e em 2024, com o lançamento do álbum “Os Garotin de São Gonçalo”, eles conquistaram corações com 12 faixas que falam de amor, de luta e de identidade.

O reconhecimento veio em forma de prêmios, mas principalmente no carinho do público. Em novembro de 2024, o trio trouxe para casa o Grammy Latino na categoria Melhor Álbum de Pop Contemporâneo em Língua Portuguesa — uma conquista histórica que simboliza mais do que um troféu. É a celebração de um som genuíno, de uma voz que ecoa da periferia para o mundo.

Música que fala de gente, da vida e da rua

Os Garotin não fazem apenas música; eles contam histórias. Histórias de quem vive a periferia, de quem sente na pele as injustiças e as alegrias da vida. As letras falam de amor, claro, mas também de representatividade negra, de orgulho da cultura carioca e da vivência única de São Gonçalo.

É impossível não se emocionar com “Vini Jr.”, uma homenagem ao jogador Vinícius Júnior, que assim como eles, veio das mesmas ruas e enfrentou obstáculos para chegar onde está. Essa conexão com suas raízes é o que dá à música deles uma autenticidade rara.

Musicalmente, o trio transita com leveza e talento entre o R&B, o soul, o pop e a MPB. O legado de nomes como Tim Maia, Gilberto Gil e Jorge Ben está presente, mas os Garotin trazem sua própria linguagem, um som contemporâneo e pulsante, que fala diretamente aos jovens e aos amantes da boa música.

Além do trio: vozes que se complementam

Cada integrante também lançou trabalhos solo que aprofundam suas visões e estilos, trazendo mais nuances para o que o grupo representa. Léo Guima, Anchietx e Cupertino seguem suas carreiras individuais com EPs que exploram seus universos pessoais, mas que dialogam harmoniosamente com o som coletivo de Os Garotin.

Além disso, a presença da cantora e compositora convidada no programa reforça a ideia de que a black music é uma rede de encontros, trocas e fortalecimento. É essa união de vozes, diferentes e complementares, que faz a música crescer e se transformar em uma linguagem universal.

O que esperar do encontro com Pedro Bial

No programa, Pedro Bial vai conduzir uma conversa que promete ir além das notas musicais e das conquistas. Será uma troca sobre identidade, cultura, pertencimento e sonhos. Os Garotin e a cantora vão abrir o coração e compartilhar seus processos criativos, as inspirações e os desafios enfrentados para se manterem fieis às suas raízes em um mercado que muitas vezes tenta ditar padrões.

Esse é um momento para escutar a força da juventude negra da periferia do Rio, para conhecer a história por trás do sucesso e para entender como a música pode ser um instrumento de transformação social.

Um sopro de esperança e representatividade

Mais do que artistas premiados, Os Garotin representam um movimento que cresce com a força de quem quer ocupar o espaço que sempre lhes foi negado. É uma voz de resistência, que fala de um Brasil plural, diverso e cheio de potencial.

Quando eles cantam, contam a história de milhares de jovens que, como eles, sonham alto e trabalham duro para fazer arte que toca o mundo. A black music, através desses artistas, deixa de ser só um gênero musical para virar uma celebração da cultura negra e da periferia brasileira.

O trio tem uma relação profunda com seus fãs, que se reconhecem nas letras, nos ritmos e no jeito sincero de fazer música. Eles não só entretêm — eles acolhem, inspiram e fortalecem. Cada apresentação é um abraço coletivo, uma troca de energia que renova a fé no poder da arte.

Yõg Ãtak: Meu Pai, Kaiowá estreia nos cinemas com reencontro emocionante e um retrato profundo da resistência indígena

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Após emocionar o público em uma sessão lotada no Centro Nacional de Folclore e Cultura Popular, no Rio de Janeiro, o documentário Yõg Ãtak: Meu Pai, Kaiowá estreia nesta quinta-feira (11) nos cinemas brasileiros. Mais do que um filme, ele é um reencontro histórico, uma cura familiar e um poderoso gesto de cinema feito por e para povos originários.

A produção entra em cartaz em 13 cidades: São Paulo, Rio de Janeiro, Belo Horizonte, Porto Alegre, Salvador, Vitória, Brasília, João Pessoa, Fortaleza, Maceió, Poços de Caldas, Balneário Camboriú e outras, com distribuição da Embaúba Filmes. E chega cercada de afeto, memória e ancestralidade.

Uma história interrompida pela ditadura — e religada pelo afeto

Nos anos 1960, em pleno regime militar, Luiz Kaiowá, indígena guarani kaiowá, deixou sua terra natal em Mato Grosso do Sul com outros parentes. Passaram por São Paulo, Rio de Janeiro… até que foram levados à força por agentes da Funai até Minas Gerais. Lá, Luiz viveu mais de 15 anos entre os Tikmũ’ũn (Maxakali), onde teve duas filhas: Maiza e Sueli.

Mas a história tomou um rumo abrupto quando, ainda com Sueli nos braços, Luiz foi transferido de volta ao Mato Grosso do Sul. Ele nunca mais voltou. Sueli cresceu sem o pai — e com perguntas que só o tempo, a política e a força da ancestralidade poderiam responder.

Décadas depois, em tempos de internet nas aldeias e articulação indígena crescente, Sueli reencontra o pai. E decide transformar esse gesto em algo maior: um filme ritual, um documento afetivo, uma travessia entre povos e tempos.

Quando o cinema vira reencontro — e também resistência

Co-dirigido por Sueli Maxakali, Isael Maxakali, Roberto Romero e Luisa Lanna, o filme acompanha os preparativos, trocas e emoções de Sueli antes de finalmente reencontrar o pai, hoje um dos mais respeitados xamãs guarani kaiowá.

Não se trata apenas de uma biografia. O filme é tecido com línguas indígenas, cantos cerimoniais, silêncios cheios de sentido e imagens que respeitam o tempo da escuta. Filmado em territórios maxakali e guarani kaiowá, o longa traz o cotidiano das aldeias, suas lutas, seus encantados e suas formas de resistir ao apagamento histórico.

A diretora Sueli resume: “Não é só um filme. São nossos encantados, nossos rituais, que dão a força para chegar até aqui.”

Uma produção coletiva, viva e ancestral

O filme não se faz apenas com câmeras: ele se constrói com coletividade, fé e tempo. A equipe envolve outros cineastas indígenas como Alexandre Maxakali, responsável pela fotografia, e as guarani kaiowá Michele e Daniela Kaiowá, que assinam direção assistente e direção de fotografia.

Toda a obra é falada em maxakali, guarani kaiowá e português, costurando línguas como se fossem fios de um tecido que reconecta histórias e culturas separadas à força. Antes do reencontro físico, vieram vídeo-cartas, telefonemas e trocas digitais entre Sueli e Luiz. Só em 2022 uma delegação pôde percorrer os mais de 1800 km até as terras indígenas no Mato Grosso do Sul para esse abraço que virou cinema.

Reconhecimento da crítica e dos festivais

O longa-metragem teve estreia consagrada no 57º Festival de Cinema de Brasília, onde levou o prêmio de Melhor Direção. Também passou pela Mostra de Cinema de Tiradentes, pelo Festival de Cachoeira e pela Mostra Ecofalante, onde recebeu menção honrosa do júri.

A crítica especializada tem elogiado não só a potência do tema, mas também a forma como ele é tratado. O Coletivo Crítico chamou o filme de “porta-retrato de uma história familiar construído diante de nossos olhos”, enquanto o Papo de Cinema destacou que o longa marca “uma tendência positiva do cinema brasileiro recente: histórias de alto valor contadas por quem as viveu, com sensibilidade e autonomia.”

Um abraço filmado, um ato de cura

Em tempos em que o Brasil redescute sua memória e o cinema brasileiro busca narrativas mais diversas e honestas, Yõg Ãtak: Meu Pai, Kaiowá surge como uma joia rara. Ele não fala por povos indígenas — ele fala com e a partir deles.

Entre encontros adiados, câmeras ligadas e cantos ancestrais, o que vemos é mais do que um filme: é um abraço que resistiu ao tempo, à política e ao esquecimento. E que agora pode ser compartilhado com o mundo inteiro.

Park Chan-wook retorna aos cinemas brasileiros com humor ácido; “A Única Saída” ganha trailer e pôster oficiais

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A MUBI, plataforma global de streaming, produtora e distribuidora conhecida por apostar em cinema autoral e provocador, divulgou o novo trailer e o pôster oficial de “A Única Saída”, thriller de humor sombrio dirigido pelo cineasta sul-coreano Park Chan-wook (Oldboy, A Criada, Decisão de Partir). Em parceria com a distribuidora independente Mares Filmes, o lançamento marca o retorno do diretor às salas brasileiras, com estreia confirmada para 22 de janeiro.

Reconhecido mundialmente por seu estilo visual preciso e por narrativas que exploram obsessão, violência e moralidade, Park Chan-wook apresenta em A Única Saída uma obra que dialoga diretamente com o mundo contemporâneo. Desta vez, o cineasta vencedor do BAFTA se afasta parcialmente da violência explícita que marcou alguns de seus trabalhos mais famosos para investir em um suspense corrosivo, atravessado por humor ácido e desconfortável, capaz de provocar riso e inquietação ao mesmo tempo.

O filme é estrelado por Lee Byung-hun (Eu Vi o Diabo, G.I. Joe, Round 6), um dos atores mais respeitados da Coreia do Sul, que interpreta Man-su, um homem comum, de meia-idade, cuja vida entra em colapso após ser demitido da fábrica de papel onde trabalhou por 25 anos. A atuação de Lee promete mais uma composição intensa e contida, explorando as frustrações silenciosas de um personagem esmagado por um sistema que já não encontra espaço para ele. Ao seu lado está Son Ye-jin (A Última Princesa, Something in the Rain), atriz conhecida por performances emocionalmente sofisticadas, que acrescenta complexidade às relações pessoais do protagonista.

O elenco de apoio reforça o peso dramático da produção. Estão no filme Park Hee-soon (My Name, Seven Days), Lee Sung-min (The Spy Gone North, Revenant), Yeom Hye-ran (The Glory, Miracle in Cell No. 7), Cha Seung-won (Believer, The Greatest Love) e Yoo Yeon-seok (Mr. Sunshine, Hospital Playlist). Cada um desses nomes contribui para a construção de um universo social marcado pela competição, pela hipocrisia e pelo medo constante da exclusão.

Inspirado no romance “O Corte” (The Ax), do escritor americano Donald E. Westlake, o filme parte de uma premissa aparentemente simples, mas devastadora em suas implicações. Após perder o emprego, Man-su entra em uma busca obsessiva por recolocação profissional. Currículos enviados, entrevistas frustradas e portas fechadas passam a definir sua rotina. Aos poucos, a narrativa revela como o desespero pode corroer princípios éticos e empurrar uma pessoa comum a decisões extremas. “Se não há uma vaga para mim, terei que criá-la. Eu não tenho outra saída”, diz o protagonista, em uma frase que sintetiza o tom perturbador do filme.

O roteiro é assinado por Park Chan-wook (Oldboy), Lee Kyoung-mi (Crush and Blush), Don McKellar (Exotica, Blindness) e Jahye Lee, combinação que reforça o caráter internacional e multifacetado da produção. A adaptação do livro de Westlake ganha novas camadas ao ser transportada para o contexto sul-coreano, país onde a pressão por sucesso profissional e estabilidade econômica é intensa e socialmente determinante. Park utiliza esse pano de fundo para construir uma sátira sombria sobre meritocracia, desemprego e o valor da dignidade em um mercado cada vez mais impessoal.

A trajetória internacional do filme também contribui para seu prestígio. O longa teve estreia mundial no Festival de Veneza, um dos mais importantes do circuito cinematográfico, e ganhou destaque na programação do London Film Festival, no Reino Unido. As exibições reforçaram a percepção de que o longa representa uma fase mais madura e reflexiva de Park Chan-wook, sem abrir mão de sua identidade autoral. Críticos destacaram a habilidade do diretor em equilibrar tensão, ironia e comentário social, transformando uma história de desemprego em um thriller inquietante.

Crítica | Entre Penas e Bicadas é uma animação sobre coragem e pertencimento

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O cinema de animação tem o poder singular de tratar de temas universais de maneira acessível e emocionante, e Entre Penas e Bicadas, novo longa distribuído pela A2 Filmes, cumpre essa função com delicadeza e humor. A história acompanha Bico Dourado, uma águia criada entre galinhas que sempre sentiu que era diferente. Ao decidir descobrir suas origens, ele se depara com uma família biológica repleta de segredos, incluindo um tio influente cujas escolhas podem alterar o destino de todos.

O núcleo central do filme explora um dilema universal: seguir o sangue ou o coração. Entre manter laços de sangue ou honrar aqueles que o criaram com amor, Bico Dourado precisa tomar decisões que definem não apenas seu futuro, mas também a compreensão de sua própria identidade. Essa tensão entre pertencimento e lealdade confere à narrativa uma profundidade rara para filmes voltados ao público infantil.

Uma história sobre autodescoberta

O roteiro equilibra aventura e emoção, utilizando visuais encantadores, personagens carismáticos e uma trilha sonora que dialoga diretamente com o clima da história. Em sua essência, Entre Penas e Bicadas fala sobre coragem, autoconhecimento e a liberdade de escolher o próprio caminho.

É impossível não perceber ecos de sucessos como Kung Fu Panda e Rio, nos quais o protagonista precisa enfrentar suas inseguranças para descobrir quem realmente é. Ainda assim, o longa encontra seu próprio tom através da relação entre Bico Dourado e sua irmã adotiva, Catraca. A química entre os personagens cria momentos de ternura, humor e emoção genuína, sustentando a narrativa e cativando o público de todas as idades.

Visual vibrante e cheio de personalidade

Tecnicamente, o filme não alcança o refinamento das produções da Pixar ou DreamWorks, mas compensa com um estilo visual próprio. As aves são desenhadas com formas arredondadas e expressões exageradas, resultando em um design que agrada ao público infantil e diverte os adultos. A paleta de cores vibrantes e os cenários detalhados de Bird City reforçam a sensação de um mundo vivo, dinâmico e envolvente.

A animação consegue, assim, criar uma experiência imersiva sem precisar reinventar o gênero. Cada detalhe do visual parece pensado para apoiar a narrativa, reforçando a personalidade de cada personagem e a energia do universo em que vivem.

Coragem, pertencimento e amor familiar

Acima de tudo, Entre Penas e Bicadas emociona por sua sinceridade. Não tenta impressionar com efeitos grandiosos ou histórias complexas; ao invés disso, foca em valores universais: coragem para enfrentar os desafios, a importância da família — biológica ou escolhida — e o direito de traçar o próprio caminho.

É um filme que deixa o coração leve, trazendo risadas, pequenos sustos e momentos de ternura. Uma obra que lembra o público de que não é necessário nascer com as “asas certas” para aprender a voar. Entre Penas e Bicadas é uma bela surpresa para quem aprecia animações com alma, histórias que combinam diversão e reflexão, e lições valiosas sobre amor e pertencimento.

Super Tela deste sábado (26/07): Record TV exibe o intrigante thriller “Nefarious”

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No meio de tantos blockbusters que apostam em efeitos especiais e grandes franquias, às vezes o cinema independente traz algo diferente — um filme que vai além do entretenimento para fazer a gente pensar. Nefarious, que vai passar na Super Tela da Record TV neste sábado, 26 de julho de 2025, é exatamente isso. Um thriller de terror com uma pegada espiritual, que mexe com a nossa cabeça e desafia as certezas.

Dirigido por Chuck Konzelman e Cary Solomon, o longa é baseado no livro A Nefarious Plot, de Steve Deace, e conta uma história que, apesar de simples, tem camadas profundas. É um filme que não foge de temas polêmicos e que pode dividir opiniões — mas que, com certeza, vai deixar marca.

Um enredo que mistura dúvida, fé e medo

A história gira em torno do psiquiatra Dr. James Martin (interpretado por Jordan Belfi), que é chamado para avaliar um preso no corredor da morte, Edward Wayne Brady (Sean Patrick Flanery). Edward foi condenado por uma série de assassinatos, mas ele diz que não é ele mesmo — na verdade, é um demônio chamado Nefarious que tomou seu corpo.

A missão de Martin é descobrir se Edward está realmente louco ou só tentando enganar o sistema para escapar da execução. Só que essa avaliação acaba mexendo com muito mais do que a vida do condenado: desafia as próprias crenças do psiquiatra e joga o espectador num jogo de sombras entre ciência, religião e psicologia.

Nefarious não tenta dar respostas fáceis, pelo contrário. Ele faz a gente questionar o que é real e o que não é, o que é maldade humana e o que pode ser algo maior — e deixa a dúvida pairando durante todo o filme.

Personagens vivos e intensos

Um dos pontos fortes do filme é o elenco, que dá vida a essa trama pesada de um jeito muito natural e convincente. Sean Patrick Flanery, que já fez vários papéis marcantes, está simplesmente brilhante como Edward/Nefarious. Ele consegue ser assustador, sedutor e cheio de nuances, o tipo de vilão que a gente não esquece fácil.

Jordan Belfi, no papel do psiquiatra Martin, segura muito bem o filme, mostrando um homem que tenta ser racional e firme, mas que vai se desmoronando à medida que o confronto com Edward avança. Ele traz humanidade para um personagem que poderia facilmente virar apenas um clichê do médico cético. O restante do elenco também dá um suporte sólido, ajudando a construir aquela atmosfera de tensão e confinamento que permeia toda a história.

Um filme que fala sobre fé e dúvida

O que mais chama atenção em Nefarious é a forma direta como ele aborda a fé, o sobrenatural e o mal. Não é só mais um filme de terror com fantasmas e monstros — aqui, o mal tem voz, opinião, e até crítica social.

Em vários momentos, o tal “Nefarious” fala sobre como o mundo está pior do que nunca, citando problemas reais como o aumento da escravidão moderna e o aborto, temas que aparecem no filme e mexem com o espectador de forma bastante direta.

Isso pode incomodar quem prefere um filme mais neutro ou que não toque nesses assuntos. Por outro lado, traz uma autenticidade que é rara, especialmente no gênero terror, e mostra um lado pouco explorado: o confronto entre crença e ceticismo.

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Uma produção modesta, mas eficiente

Gravado em Oklahoma City, o filme usa um cenário simples — quase todo dentro da prisão — para criar um clima claustrofóbico que ajuda a aumentar o suspense. Não tem efeitos especiais mirabolantes, mas a fotografia, os sons e a direção de arte funcionam juntos para deixar tudo tenso e envolvente.

Essa simplicidade acaba favorecendo a história, que não perde o foco nos personagens e na luta psicológica que está no centro do filme.

Como o público e a crítica reagiram

O longa-metragem não fez muito barulho nas bilheterias — arrecadou cerca de US$ 1,3 milhão, número modesto perto dos grandes lançamentos. A crítica especializada foi dividida, com alguns apontando que o filme exagera na mensagem religiosa e que falha em algumas partes do roteiro. Já o público, especialmente aqueles que gostam de histórias que mexem com a mente e o espírito, deu uma resposta bem mais positiva, com nota B+ no CinemaScore e 97% de avaliações positivas no Rotten Tomatoes.

Por que vale a pena assistir

Se você está cansado de filmes de terror que se resumem a sustos fáceis e efeitos visuais, o longa pode ser uma surpresa. Ele desafia o espectador a pensar sobre o que é maldade, sobre o que acreditamos e como lidamos com o desconhecido. Além disso, é uma história que toca no humano, nos medos que todo mundo tem, mesmo quando tenta esconder. E isso faz toda a diferença.

Irmãos Duffer deixam o mundo invertido e embarcam em nova série criminal com toques de misticismo e vingança

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Depois de nos fazer temer luzes piscando, demogorgons e um tal de Vecna, os irmãos Matt e Ross Duffer estão prontos para dar um novo passo (nada pequeno) na Netflix. A dupla criadora de Stranger Things firmou uma nova parceria com o streaming para produzir uma série inédita — e, dessa vez, a coisa promete ser ainda mais sombria.

O projeto é uma adaptação de The Savage, Noble Death of Babs Dionne, romance escrito por Ron Currie e lançado nos Estados Unidos em março deste ano. Ainda pouco conhecido do público brasileiro, o livro já nasceu com cara de série: tem uma protagonista magnética, uma cidadezinha cheia de segredos e um roteiro que mistura drama familiar, violência e uma pitada sobrenatural.

Quem é Babs Dionne?

Esqueça o estereótipo da vovó de casa de bonecas. Babs Dionne pode até parecer uma senhora simpática — e é, com seus netos — mas também comanda, com punho de ferro, um império de drogas no interior do Maine. Ela é a matriarca de uma rede de tráfico que movimenta Little Canada, seu território, ao lado de suas amigas de juventude (hoje suas tenentes leais) e de Lori, sua filha mais velha, uma veterana militar que trava uma guerra pessoal contra o vício.

Mas tudo muda quando a filha mais nova de Babs é encontrada morta. A partir daí, começa a verdadeira história: uma busca implacável por respostas — e, se preciso for, por vingança. Como diz o trecho mais forte da sinopse: “Seus ancestrais respiram através de você. Às vezes, eles clamam por vingança.” E, no caso de Babs, é melhor não ignorar esse chamado.

Os Duffer por trás das câmeras, Currie no roteiro

A adaptação de Babs Dionne marca um novo tipo de colaboração para os irmãos Duffer. Embora eles assinem como produtores executivos e estejam envolvidos criativamente, o roteiro ficará a cargo do próprio autor do livro, Ron Currie, que estreia como roteirista de TV, ao lado de seu parceiro criativo Joshua Mohr. A Netflix aposta alto nesse modelo de adaptação mais autoral — e, considerando o potencial da trama, faz todo sentido.

De Stranger Things para o submundo do crime

Quem espera algo na linha de Stranger Things pode se surpreender. Aqui, o tom é mais próximo de Ozark , Breaking Bad ou mesmo Mare of Easttown . Em comum, temos personagens femininas complexas, feridas abertas, cidadezinhas que escondem muito mais do que mostram — e um certo senso de destino inescapável.

Mas não se preocupe: os Duffer devem manter alguns dos elementos que tornaram sua marca tão única, como tensão crescente, traumas intergeracionais e toques sutis de algo que foge ao nosso controle racional. Em outras palavras: não vai faltar intensidade.

Expectativas (e rumores)

Ainda sem data oficial de estreia, a série está em fase de pré-produção, e os rumores sobre o elenco já começaram a circular nos bastidores. Nomes de peso estão sendo sondados para dar vida a Babs, personagem que deve roubar a cena e, quem sabe, garantir prêmios por aí. A promessa é de uma protagonista feminina poderosa, contraditória e inesquecível — daquelas que nos fazem torcer e temer ao mesmo tempo.

Se tudo correr como planejado, as filmagens devem começar entre o final de 2025 e o início de 2026. A julgar pela sinopse e pelos nomes envolvidos, a série tem tudo para se tornar o novo vício sombrio da Netflix.

Resumindo:

  • The Savage, Noble Death of Babs Dionne será a nova série produzida pelos irmãos Duffer para a Netflix.
  • A trama gira em torno de Babs, uma avó que comanda o tráfico local e parte em busca de vingança após a morte de sua filha mais nova.
  • O livro original é de Ron Currie, que também assina o roteiro da série.
  • Espere uma mistura de drama, crime, ancestralidade e muito suspense.

Extermínio: O Templo dos Ossos ganha trailer intenso e aprofunda o terror pós-apocalíptico

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A sensação de inquietação que marcou gerações de fãs do terror pós-apocalíptico está de volta. Extermínio: O Templo dos Ossos acaba de ganhar um novo trailer oficial, que amplia ainda mais a trama sombria do aguardado longa. O vídeo destaca o olhar da diretora Nia DaCosta (Candyman, As Marvels) e apresenta cenas inéditas que reforçam o clima brutal, desesperador e visceral que consagrou a franquia iniciada com 28 Dias Depois.

Desde sua estreia em 2002, a franquia se tornou um divisor de águas dentro do cinema de terror. Ao retratar uma Grã-Bretanha devastada pelo chamado Vírus da Raiva, o filme dirigido por Danny Boyle (Quem Quer Ser um Milionário?, Trainspotting) e escrito por Alex Garland (Ex Machina, Aniquilação) redefiniu o gênero ao misturar horror extremo com uma abordagem quase intimista sobre solidão, colapso social e sobrevivência. Com o passar dos anos, a franquia ganhou status cult e seguiu se expandindo, culminando agora em Extermínio: O Templo dos Ossos, quarto capítulo da saga, que promete um retorno ainda mais intenso a esse mundo destruído, explorando novas facetas do medo e do comportamento humano quando toda esperança parece ter desaparecido.

A escolha de Nia DaCosta para dirigir Extermínio: O Templo dos Ossos chamou atenção desde o anúncio. A cineasta assume o desafio de comandar um universo já consolidado, mas imprime sua própria identidade à narrativa. Seu olhar se volta especialmente para os personagens, priorizando as reações humanas diante do medo constante, da violência cotidiana e da ausência de um futuro claro. Em vez de apenas encenar situações extremas, o filme busca fazer o público se sentir parte daquele mundo, compartilhando o desespero, as escolhas difíceis e as consequências inevitáveis de cada decisão.

Ambientado após os eventos do filme anterior, O Templo dos Ossos acompanha Spike, um jovem que acaba recrutado para a gangue de assassinos acrobáticos liderada por Sir Jimmy Crystal. Em uma Grã-Bretanha completamente devastada pelo Vírus da Raiva, esses grupos surgem como uma mistura inquietante de sobreviventes, mercenários e figuras quase míticas, que transformaram a violência em espetáculo. Enquanto Spike tenta se adaptar a essa realidade brutal, outra linha narrativa ganha força com o Dr. Ian Kelson, um médico que inicia um relacionamento inesperado capaz de provocar consequências profundas e potencialmente transformadoras para o futuro daquele mundo em ruínas.

O elenco reúne nomes de peso para sustentar o impacto emocional da história. Ralph Fiennes (O Paciente Inglês, A Lista de Schindler) se destaca como um dos principais rostos da produção, trazendo sua presença marcante para um universo onde autoridade e moralidade estão constantemente em conflito. Jack O’Connell (Invencível), Alfie Williams, Erin Kellyman (Han Solo: Uma História Star Wars) e Chi Lewis-Parry completam o time, dando vida a personagens complexos, moldados por anos de sobrevivência em um mundo sem regras claras.

Nos bastidores, um detalhe chamou atenção dos fãs mais atentos. A presença de Cillian Murphy (Peaky Blinders, Oppenheimer) durante as filmagens em setembro de 2024, em Ennerdale, Cumbria, reacendeu especulações e teorias. Embora sua participação não tenha sido oficialmente confirmada, o retorno do protagonista do primeiro filme da franquia levanta expectativas sobre possíveis conexões diretas com os capítulos iniciais da saga.

As filmagens principais começaram em 19 de agosto de 2024 e ocorreram simultaneamente às de 28 Anos Depois, longa que antecede diretamente O Templo dos Ossos. Essa estratégia garantiu maior coesão narrativa e visual entre os filmes. Um dos grandes destaques da produção é o cenário do Templo dos Ossos, construído especialmente em Redmire, North Yorkshire.

Resumo semanal da novela Roque Santeiro 22/04 a 26/04 (Canal Viva)

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Capítulo 156 – terça-feira, 22 de abril de 2025
Lulu surpreende Zé das Medalhas ao dizer que precisa viajar para visitar os filhos, mas seu verdadeiro plano é outro: reencontrar Ronaldo César. Disfarçando a ansiedade, ela sai sem levantar muitas suspeitas, mas Zé das Medalhas começa a desconfiar das intenções da esposa. Enquanto isso, Tânia, cada vez mais angustiada com o sumiço de Roque, retorna à casa de Porcina em busca de informações. A insistência da jovem deixa Porcina apreensiva, temendo que a verdade venha à tona.

Capítulo 157 – quarta-feira, 23 de abril de 2025
Zé das Medalhas descobre, por acaso, que Ronaldo está no mesmo ônibus que Lulu pegou. Tomado pelo ciúmes e pela angústia, ele parte desesperado atrás do casal, disposto a evitar o pior. Em Asa Branca, Sinhozinho Malta aparece de surpresa na casa de Porcina. A viúva se vê em pânico, tentando esconder Roque e impedir que o poderoso coronel descubra que o ex-noivo está abrigado sob seu teto. O clima de tensão toma conta da casa, e Porcina precisa agir rápido para manter seu segredo.

Capítulo 158 – quinta-feira, 24 de abril de 2025
Após a conturbada viagem, Lulu retorna para casa visivelmente abalada. Zé das Medalhas tenta confrontá-la, mas ela despista suas perguntas, mantendo seus sentimentos por Ronaldo em segredo. Roque, mais decidido do que nunca a retomar sua vida pública, convida o professor Astromar para colaborar com a Gazeta Asabranquense. O convite surpreende a todos e gera expectativas na cidade. Enquanto isso, Ronaldo César viaja até o Rio de Janeiro na esperança de encontrar Navalhada, mas sua busca termina em frustração — o comparsa sumiu sem deixar rastros.

Capítulo 159 – sexta-feira, 25 de abril de 2025
Efigênia, desconfiada das atitudes de Maria Igarapé, faz questão de avisar que está atenta a cada passo da moça, gerando um novo clima de desconfiança em Asa Branca. Matilde, inquieta com o silêncio em torno do paradeiro de Roque, confronta Sinhozinho Malta, querendo saber se ele esconde alguma informação. Enquanto isso, Roque dá mais um passo em direção aos seus planos e pede que Rodésio vá até a igreja buscar os padres, alimentando mistérios sobre sua nova intenção. O clima de expectativa cresce entre os que estão por dentro do segredo.

Capítulo 160 – sábado, 26 de abril de 2025
Flô decide abrir o jogo com Malta e ameaça contar tudo sobre o flagrante que deu em Tânia e Albano, o que pode virar o cenário amoroso da cidade de cabeça para baixo. Ao mesmo tempo, Tânia desabafa com Roberto e, entre lágrimas, confessa estar apaixonada pelo padre, deixando-o atônito com a revelação. Porcina, desesperada, tenta mais uma vez convencer Roque a desistir de seus planos, temendo as consequências para todos — especialmente para seu próprio coração. Mas Roque está irredutível: o reencontro com o destino está mais próximo do que nunca.

Arquivo A desta quinta (17) investiga quem são os “Novos Católicos” em edição especial

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Na próxima quinta-feira (17/7), às 21h, a TV Aparecida exibe um episódio especial do Arquivo A com o tema “Novos Católicos”. A reportagem, conduzida pelo jornalista Eduardo Gois, se aprofunda em um movimento silencioso, mas significativo: o de brasileiros que, em meio aos desafios da vida moderna, têm redescoberto a fé católica — seja por herança familiar, seja por um reencontro espiritual.

Católicos ainda são maioria no Brasil — mas o perfil está mudando

De acordo com dados do Censo Demográfico de 2022, o catolicismo ainda representa 56,7% da população brasileira. Isso significa que, apesar da crescente diversidade religiosa no país, a fé católica permanece como a predominante em 5.300 dos 5.570 municípios.

O programa mostra, no entanto, que esses números agora representam um mosaico mais complexo. Há aqueles que nasceram em lares católicos e mantêm a fé ativa; outros que se afastaram e retornaram em momentos de crise; e ainda os que descobriram a doutrina por meio de gestos concretos de amor ao próximo.

Fé que transforma vidas: testemunhos que inspiram

A reportagem mergulha em depoimentos comoventes que revelam como a fé católica tem sido redescoberta de forma autêntica por brasileiros de diferentes realidades. Entre eles, jovens que trocaram a indiferença espiritual pelo engajamento em comunidades, adultos que encontraram no Evangelho uma resposta para traumas pessoais e pessoas que se aproximaram da Igreja por meio de ações sociais, missões ou projetos de acolhimento.

“Ser católico hoje vai além da missa de domingo”, destaca um dos entrevistados. “É viver o Evangelho todos os dias — na família, no trabalho, nas pequenas atitudes.”

Catolicismo no cotidiano: uma vivência para além do templo

O programa reforça que o catolicismo continua sendo uma força viva no país, mas que se manifesta de forma cada vez mais plural. Evangelização digital, movimentos jovens, voluntariado, projetos sociais e missionários: a reportagem mostra como os “novos católicos” vivem a fé na prática, com compaixão, diálogo e presença ativa nas comunidades.

Resenha – A Sombra do Torturador é um clássico intrigante com luzes e sombras

Publicado por
Esdras Ribeiro
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Foto: Reprodução/ Almanaque Geek

Gene Wolfe é um autor frequentemente reverenciado dentro da ficção científica e da fantasia especulativa, e A Sombra do Torturador — primeiro volume da série O Livro do Sol Novo — é tido por muitos como seu trabalho mais emblemático. A obra narra as memórias de Severian, um aprendiz da guilda dos torturadores, que vive em um mundo chamado Urth, uma Terra futura e decadente, onde tecnologia e misticismo coexistem sob um véu de ignorância e tradição feudal.

A premissa é instigante. Wolfe nos introduz a um universo que, à primeira vista, remete à fantasia medieval, mas que aos poucos revela pistas de um passado tecnológico avançado — naves espaciais, alienígenas e ruínas de eras esquecidas aparecem apenas como sombras, memórias distorcidas por milênios. O autor escolhe construir sua narrativa por meio de um narrador pouco confiável, o próprio Severian, que tenta reconstruir sua trajetória com um tom confessional e quase mítico. Isso funciona… até certo ponto.

Um começo promissor que perde o fôlego

A jornada de Severian começa de forma sólida. Ele é curioso, inteligente e visivelmente dividido entre o que aprendeu com sua guilda e o que começa a sentir por conta própria. Quando se apaixona por Thecla, uma prisioneira nobre condenada à tortura, vemos surgir a primeira grande rachadura em sua lealdade — e, teoricamente, o ponto de virada do personagem.

Só que essa complexidade inicial dá lugar a um roteiro repetitivo: Severian segue viagem após ser expulso da guilda, vivendo aventuras episódicas, conhecendo personagens (geralmente mulheres que se encantam por ele sem muito esforço narrativo), dominando habilidades com espadas quase do nada e avançando rumo a um tal “destino grandioso” que nunca se justifica de forma convincente. É como se o personagem passasse de promissor a uma caricatura de herói trágico num piscar de olhos.

Narrativa densa ou apenas dispersa?

Muito se diz que Wolfe é um autor “difícil”. Mas A Sombra do Torturador não é, em si, um livro complicado. Ele apenas exige atenção e, talvez, um dicionário por perto — principalmente porque o autor adota uma linguagem arcaica e evita qualquer glossário ou explicação direta. Isso não é um problema por si só. O que realmente pesa é o ritmo quebrado, o excesso de digressões e o enredo que mais parece um mosaico de cenas do que uma trama que progride.

A escrita, muitas vezes louvada como brilhante, soa ornamental demais após certo ponto, perdendo impacto à medida que Wolfe se afasta da construção dramática inicial e se entrega a um desfile de personagens misteriosos e situações mal resolvidas.

Sexualidade e representação: o velho problema de sempre

Um dos pontos mais desconfortáveis da leitura é o tratamento dado às personagens femininas. Não é apenas o fato de Severian se apaixonar por praticamente toda mulher que encontra — o que, convenhamos, já seria cansativo. É a forma como o autor insiste em descrever constantemente seios, quadris e outras partes do corpo feminino com um olhar quase obsessivo. As mulheres são, em sua maioria, coadjuvantes sexuais, moldadas para se entregar ao protagonista com pouca ou nenhuma construção.

Esse olhar masculino antiquado é algo comum em parte da ficção científica clássica, mas não deveria ser normalizado. Em pleno século XXI, o status de “clássico” precisa ser questionado quando o que se vê é uma sucessão de mulheres bidimensionais e erotizadas ao redor de um protagonista egocêntrico e mal desenvolvido.

E afinal, por que ele está contando essa história?

Outro ponto que enfraquece a experiência é a própria estrutura da narrativa. Sabemos que Severian é um narrador não confiável. Sabemos também que Wolfe, dentro da lógica do livro, se coloca como o “editor” do manuscrito original. Mas… qual o propósito da história que nos é contada? Qual o contexto? Por que deveríamos confiar em qualquer coisa dita? A ausência de pistas ou direção sobre as intenções do protagonista (ou do próprio autor) acaba tornando a leitura frustrante, especialmente para quem não pretende seguir com os outros volumes.

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