Neste sábado, 9 de agosto, o Altas Horas vai nos presentear com um programa cheio de sentimentos, música e histórias que tocam o coração. Para celebrar o Dia dos Pais, Serginho Groisman recebe no palco do programa grandes nomes da música brasileira junto com seus filhos — um encontro que vai muito além da música, é uma verdadeira celebração do amor, da cumplicidade e das diferentes formas de viver a paternidade.
São momentos que revelam o que, muitas vezes, fica guardado nos bastidores da fama e dos palcos: o jeito simples e verdadeiro de ser pai, o aprendizado diário, os reencontros, os desafios e, principalmente, o orgulho que um sente do outro.
A força do amor que atravessa gerações
Quando Compadre Washington sobe ao palco ao lado do filho Compadinho, a energia vai contagiar a todos. O pai, que levou o É o Tchan ao estrelato e marcou gerações com seus sucessos, verá seu legado musical ganhar vida na voz do filho, mostrando que a música pode ser a linguagem que une diferentes gerações. É uma conversa em forma de canção, um reencontro cheio de afeto e emoção.
Diogo Nogueira e seu filho Davi, com a canção “Espelho”, dão voz à beleza de um pai que canta para o filho, para a vida que ele quer que ele veja e se espelhe. A música vira um abraço, uma mensagem que atravessa o tempo e fortalece vínculos.
Já Marcelo D2 e Sain vão reviver no Altas Horas um momento muito especial: a primeira vez que cantaram juntos no programa, em 2003. Aquela apresentação carregava a dor e a homenagem ao pai de Marcelo, que havia falecido pouco antes. O relato de D2, falando da ligação do filho com seu avô, nos lembra que a família, mesmo quando perdida fisicamente, continua viva nas memórias e no coração.
Histórias de vida e cumplicidade
O programa também traz relatos que fazem qualquer um se emocionar. Tatau, que acompanha a filha Beberes no palco cantando “Mal Acostumada”, abre seu coração e conta como conheceu o filho apenas um mês após seu nascimento, por causa da correria da carreira e das turnês. Essa história simples, mas tão humana, reflete a realidade de muitos pais que se dividem entre os sonhos profissionais e o desejo de estar presente na vida dos filhos.
Felipe Araújo e João Reis mostram que a sintonia e o amor podem se transformar em música e parceria no palco. João Suplicy, por sua vez, divide um momento muito especial com as filhas Maria Luiza e Laura, mostrando que a música pode ser um elo afetivo que une famílias.
É lindo ver também o jovem Lucca, vencedor do reality “Estrela da Casa”, subir ao palco com o pai Humberto Penna para uma apresentação cheia de emoção e orgulho. E os outros artistas – Beto Jamaica e a filha Roberta, João Neto & Frederico com o pai Gil Neto, Paulinho Moska e o filho Tom Karabachian, Leoni com o filho Antonio Leoni – todos eles trazendo à tona a beleza e a complexidade do amor entre pais e filhos.
A paternidade que se faz em cada gesto
Mais do que canções, o especial do programa traz conversas que nos aproximam do que é ser pai hoje, com suas dificuldades, alegrias e aprendizados. Não é só sobre estar presente fisicamente, mas também sobre construir uma relação de confiança, respeito e afeto.
Serginho Groisman, com sua sensibilidade e olhar atento, cria um ambiente onde os convidados se sentem à vontade para dividir suas histórias mais íntimas, mostrando que, por trás do brilho e do sucesso, todos vivem as mesmas emoções.
Neste sábado, 9 de agosto, o Mega Sonho promete aquecer a noite da RedeTV! com uma edição especial que reunirá dois casais convidados para desafiar seus limites, testar sua sintonia e, claro, tentar levar para casa o prêmio milionário. Apresentado por Marcelo de Carvalho, o game show vai colocar lado a lado Adryana Ribeiro e Albert Bressan, e Ana Paula e Antony Marquez — casais que trazem histórias de vida inspiradoras e um misto de talento, estratégia e bom humor para a disputa.
Adryana Ribeiro é uma das vozes mais emblemáticas da música brasileira, especialmente no universo do samba e do pagode. Com uma trajetória que ultrapassa três décadas, a cantora conquistou seu espaço ao cantar as alegrias, dores e paixões do cotidiano brasileiro. Entre seus hits, “Fim de Noite” é um marco que não apenas embalou gerações, mas também reafirmou seu talento e carisma.
Ao seu lado, na disputa do Mega Sonho, está Albert Bressan, empresário e marido de Adryana, cuja história de amor desafia conceitos tradicionais de relacionamento. Apesar de casados, o casal opta por morar em apartamentos separados, uma escolha que muitos poderiam questionar, mas que para eles é sinônimo de respeito, liberdade e equilíbrio. “Dividir o mesmo teto não é sinônimo de sintonia”, afirmou Adryana em entrevistas recentes, mostrando que o que importa é a conexão emocional e a cumplicidade — algo que, no palco do game show, ficará evidente.
A participação dos dois no programa é uma oportunidade única de mostrar que o amor e a parceria podem ter múltiplas formas, e que a confiança entre duas pessoas é o que faz a diferença quando é hora de superar desafios.
Enquanto isso, do outro lado da disputa, Ana Paula e Antony Marquez chegam para provar que, mesmo em um relacionamento jovem, a sintonia pode ser muito forte. Ambos modelos, eles têm em comum o carisma e a experiência em trabalhar juntos em frente às câmeras, o que pode ser um diferencial importante no Mega Sonho.
Ana Paula vem conquistando seu espaço na moda brasileira, marcada pela elegância e uma postura firme diante das adversidades do mercado. Antony Marquez, por sua vez, tem se destacado não apenas por sua beleza, mas também por seu jeito descontraído e autêntico, conquistando uma legião de fãs nas redes sociais.
Com bom humor e espírito de equipe, o casal promete encarar as provas com leveza e determinação, mostrando que a diversão é tão importante quanto a vitória.
Entenda o formato dinâmico e desafiador do programa
O Mega Sonho é um game show que mistura raciocínio rápido, testes de memória, agilidade e, claro, um pouco de sorte. Com seis participantes a cada edição, o programa realiza uma série de dinâmicas eliminatórias que selecionam um finalista para o “Desafio do Milhão” — a etapa em que o prêmio máximo é disputado.
Apresentado por Marcelo de Carvalho, figura carismática e experiente, o programa se destaca por sua energia contagiante e pelo clima de camaradagem que cria entre os participantes e os convidados. Marcelo conduz o jogo com desenvoltura, estimulando a participação do público e incentivando a interação entre os casais e os demais jogadores.
No universo da televisão infantojuvenil, poucas séries conseguiram deixar uma marca tão sólida quanto Os Feiticeiros de Waverly Place. Lançada em 2007, a produção da Disney conquistou fãs ao redor do mundo por sua mistura inteligente de humor, fantasia e histórias de família. Mais de uma década após o fim da série original, chega agora Os Feiticeiros Além de Waverly Place, que retoma a magia, os mistérios e os personagens que conquistaram gerações — mas com uma abordagem atualizada para os desafios do século 21.
A segunda temporada acaba de ganhar um teaser inédito, que você pode conferir logo abaixo, e está deixando os fãs curiosos, oferecendo um gostinho do que está por vir. Para aumentar ainda mais a expectativa, o elenco foi reforçado com novos personagens cheios de carisma e energia, que prometem agitar o universo mágico dos Russo.
A nova temporada, que estreia no Disney+ em 8 de outubro de 2025, traz um olhar mais maduro, com novos personagens que expandem o universo mágico dos Russo, ao mesmo tempo em que oferece reencontros com os rostos queridos da série original, como Alex e Justin Russo, interpretados novamente por Selena Gomez e David Henrie.
A série original sempre se destacou por sua capacidade de equilibrar elementos fantásticos e cotidianos. Os protagonistas não eram apenas jovens feiticeiros poderosos, mas também adolescentes lidando com as complicações da escola, amizades, primeiros amores e conflitos familiares. Isso criou uma conexão genuína com o público jovem que cresceu acompanhando suas histórias.
A nova temporada mantém essa essência, mas também a amplia para refletir as complexidades de uma geração que vive em um mundo digitalizado, globalizado e repleto de novas perspectivas sobre identidade, diversidade e responsabilidades. Além disso, o amadurecimento dos personagens originais, agora adultos, adiciona camadas emocionais e dramáticas que enriquecem o enredo.
Reencontros que emocionam
Para os fãs de longa data, rever Alex e Justin Russo em cena é uma oportunidade para relembrar a jornada de crescimento deles, agora em novos estágios da vida. Alex, que na série original era a feiticeira rebelde e destemida, retorna com sua energia vibrante, porém mais sábia, pronta para enfrentar os novos desafios e ajudar uma nova geração a descobrir seus poderes.
Justin, por sua vez, escolheu abrir mão da magia para levar uma vida normal, dedicando-se à família. Essa escolha traz um contraste fascinante entre os irmãos: um abraçando o mundo mágico, o outro preferindo o ordinário. Essa dinâmica familiar, construída em torno de decisões e consequências, aproxima o público ao mostrar que cada escolha tem seus prós e contras, especialmente quando se trata de equilibrar dons especiais com responsabilidades pessoais.
Outro momento que aquece o coração dos fãs é o retorno de Jerry Russo, o patriarca e mentor da família, interpretado por David DeLuise. Sua presença reafirma a importância da herança e das raízes na construção do mundo mágico dos Russo, ao mesmo tempo em que oferece humor e sabedoria.
Personagens novos
A nova geração de feiticeiros chega para dar continuidade à saga, mas também para renovar a trama com suas próprias histórias e conflitos. Billie, interpretada por Janice LeAnn Brown, é o grande destaque — uma jovem feiticeira rebelde que desafia as regras e os costumes do mundo mágico. Sua chegada ao universo dos Russo coloca em movimento uma série de acontecimentos que prometem balançar as estruturas estabelecidas.
Billie representa a inquietude e o desejo de liberdade que muitos jovens sentem, e a série utiliza sua jornada para abordar temas importantes como autodescoberta, identidade e pertencimento. Sua relação com Winter (Taylor Cora), melhor amiga e confidente, reforça a importância da amizade e do apoio em tempos de transformação.
Os filhos de Justin, Roman (Alkaio Thiele) e Milo (Max Matenko), também trazem uma visão fresca sobre crescer entre o mundo mágico e o mundano. Suas experiências mostram as dúvidas e alegrias de crescer num lar onde a magia faz parte da rotina, mas onde as responsabilidades comuns também têm seu espaço.
A produção por trás da magia
O retorno dos Feiticeiros de Waverly Place não aconteceu por acaso. Os criadores Jed Elinoff e Scott Thomas foram cuidadosos para que a série mantivesse o espírito original, ao mesmo tempo em que se adaptasse às demandas atuais do público e do mercado.
Dirigido por Andy Fickman no piloto, o projeto ganhou uma equipe diversa e experiente, incluindo a presença de nomes como Raven-Symoné e Danielle Fishel na direção de alguns episódios, trazendo experiências variadas que enriquecem o universo da série.
A produção, filmada em Los Angeles, contou com cuidados especiais na criação dos efeitos visuais e na ambientação, para oferecer um espetáculo que agrade tanto aos fãs antigos quanto às novas gerações. A diversidade no elenco é outra conquista importante, refletindo um mundo mais plural e inclusivo.
Temas que atravessam gerações
Embora a magia seja o elemento central, a produção não se limita ao fantástico. A série aborda temas universais como a importância da família, o valor da amizade, o desafio de crescer e fazer escolhas, além de questões contemporâneas, como a busca por identidade, a aceitação das diferenças e o equilíbrio entre o tradicional e o moderno.
A trama também explora o dilema de viver entre dois mundos: o mágico e o comum. Muitos personagens se veem divididos entre aceitar seus dons ou tentar levar uma vida “normal”, tema que ecoa as dúvidas reais de jovens que enfrentam pressões para se conformar ou se destacar.
No início de agosto de 2025, fãs de Wandinha — série que conquistou o público com sua mistura única de humor sombrio e personagens cativantes — foram surpreendidos com uma ausência inesperada na nova temporada: Percy Hynes White, intérprete de Xavier Thorpe, um dos interesses amorosos da protagonista, não está mais no elenco.
Por trás dessa ausência, há uma história delicada, marcada por denúncias de assédio que ganharam força nas redes sociais desde o início do ano. A saída do ator não é apenas um episódio isolado, mas reflete uma transformação mais ampla na forma como o mundo do entretenimento lida com denúncias de comportamento inadequado, especialmente envolvendo abuso e manipulação.
Em 2023, nas redes sociais, uma série de relatos começaram a surgir contra Percy. O mais notório deles veio de uma usuária da plataforma X, que contou ter sido assediada pelo ator durante uma festa, quando estava alcoolizada — um momento em que a vulnerabilidade é enorme.
Outras vozes também vieram a público, compartilhando experiências semelhantes, todas revelando um padrão preocupante: acusações de manipulação e assédio desde a adolescência, uso de influência para conseguir favores sexuais e até o compartilhamento de imagens íntimas sem consentimento.
Para muitas dessas jovens, denunciar foi um ato de coragem e libertação. Em um mundo onde vítimas de abuso muitas vezes são silenciadas ou desacreditadas, expor o que sofreram significa quebrar um ciclo de violência e poder.
O que diz a defesa do ator?
Do outro lado, Hynes White respondeu afirmando que as acusações são falsas e que não conhece as mulheres que o denunciam. Em uma postagem nas redes sociais, ele disse: “No início deste ano, alguém que eu nunca conheci começou uma campanha de desinformação sobre mim online. Por causa disso, minha família foi exposta e meus amigos receberam ameaças de morte.”
Ele classificou a situação como uma “campanha de desinformação”, evidenciando o peso que essas denúncias também têm sobre ele e seu círculo próximo. Esse confronto público evidencia um ponto delicado: o equilíbrio entre o direito à defesa e a importância de se dar voz e atenção às vítimas. É um terreno complexo, que exige cuidado, respeito e, acima de tudo, apuração justa dos fatos.
Qual foi a decisão para o futuro da série?
Diante da repercussão, os responsáveis pela produção da série tomaram uma decisão firme: Percy seria afastado da série. Seu personagem, Xavier Thorpe, não aparece nos novos episódios.
Para muitos fãs, a ausência do ator causou estranhamento. Xavier era uma figura importante na primeira temporada, trazendo camadas de emoção e tensão à história da protagonista Wandinha, interpretada por Jenna Ortega.
Sobre a saída do colega, Ortega comentou que foi um “redirecionamento estranho” para a trama, mas que o público poderá esperar novidades e novas dinâmicas na nova temporada. Ela ressaltou que há “tantos personagens diferentes” que o foco vai se expandir, abrindo espaço para histórias inéditas.
O que a nova temporada reserva?
Depois do enorme sucesso da primeira temporada, a trama retorna à Netflix para continuar a sua jornada pelos corredores góticos da Escola Nunca Mais — um lugar onde o inusitado e o sobrenatural caminham lado a lado, e onde os desafios nunca param de surgir. Nesta nova fase, a protagonista Wandinha Addams, vivida com maestria por Jenna Ortega, enfrenta novos inimigos, reencontra velhos conhecidos e encara os fantasmas do passado com sua costumeira inteligência afiada e charme inexpressivo.
A segunda temporada promete ainda mais caos deliciosamente sombrio e histórias excêntricas que conquistaram o público desde o primeiro episódio. Ambientada na misteriosa Escola Nunca Mais — que mescla arquitetura gótica com uma atmosfera quase sobrenatural — a trama mantém o equilíbrio perfeito entre suspense, humor negro e drama adolescente.
Jenna retoma seu papel com a mesma intensidade e sutileza que a transformaram em uma das jovens atrizes mais promissoras da atualidade. Sua interpretação captura perfeitamente a essência da personagem: uma adolescente brilhante, sarcástica, com uma visão de mundo única e um senso de humor sombrio que encanta.
Neste sábado, 9 de agosto de 2025,, a cidade de Foz do Iguaçu será o cenário de um momento marcante na televisão brasileira: a despedida do programa Caldeirão com Mion especial de Inverno, da TV Globo. A produção escolheu a cidade paranaense para realizar uma edição especial, que promete reunir música, histórias emocionantes e muita energia boa, em um encontro caloroso entre artistas, apresentador e público.
Para encerrar essa passagem com chave de ouro, quatro grandes nomes da música brasileira subirão ao palco para aquecer os corações dos espectadores: Vitor Kley, Marina Sena, Zaynara e Pocah. Cada um trará seu estilo e sua história, compondo uma mistura musical diversa e cheia de significado.
O apresentador Marcos Mion conduzirá o programa com seu jeito carismático e energia contagiante, equilibrando momentos de descontração com relatos sensíveis e inspiradores. Ele permitirá que cada artista compartilhe suas trajetórias, revelando as inspirações por trás de suas músicas e mostrando o lado humano por trás do espetáculo.
A escolha de Foz do Iguaçu para essa despedida não será aleatória. Conhecida mundialmente pelas impressionantes Cataratas do Iguaçu, a cidade oferecerá uma conexão simbólica entre natureza, força e renovação — elementos que dialogam diretamente com o espírito do programa, que busca mais do que o entretenimento: quer promover a união e o afeto.
Durante as gravações, o Caldeirão de Inverno não ficará restrito ao estúdio. A produção irá explorar a cultura local, apresentando pratos típicos como a chipa e envolvendo o público em ações especiais, entre elas um emocionante pedido de casamento que certamente tocará o coração dos presentes.
Para Vitor Kley, essa participação será uma experiência repleta de sentimentos. O cantor gaúcho trará ao palco uma homenagem especial a um artista que marcou sua infância e sua relação com o pai, recentemente falecido. Ele dividirá com o público o significado profundo de suas canções, mostrando como a música pode ser uma ponte entre gerações e emoções.
Marina Sena, por sua vez, encantará com sua voz única e presença marcante. Natural de Minas Gerais, ela falará sobre a importância de manter a autenticidade e a expressão verdadeira na música, ressaltando que seu trabalho é uma forma de cura e diálogo interno.
Já Zaynara e Pocah representarão a pluralidade e a força da música brasileira contemporânea. Zaynara com sua fusão entre regional e urbano, e Pocah, símbolo do empoderamento feminino no funk, abordarão também temas importantes como representatividade e diversidade, inspirando o público a valorizar a própria voz e identidade.
Além dos shows, o programa trará o quadro Sobe o Som, onde as atrizes Priscilla Castelo Branco e Julia Rabello disputarão contra os atores Raul Gazolla e Humberto Martins numa competição divertida para adivinhar músicas com poucos instrumentos. Essa brincadeira promete momentos de risadas e descontração, mostrando que, nos bastidores, o amor pela música une a todos.
Por fim, o público poderá acompanhar cenas da Excursão Caldeirão, um passeio que revelará as belezas naturais e culturais de Foz do Iguaçu, promovendo o turismo e a valorização da região.
Assim, o programa fechará seu ciclo em Foz do Iguaçu com uma edição que promete emocionar, entreter e celebrar a arte em todas as suas formas, deixando uma marca afetiva e inesquecível tanto para a cidade quanto para os telespectadores de todo o Brasil.
O cinema de terror está prestes a ganhar um novo e inquietante capítulo com o lançamento de Shaman, um filme que mergulha fundo em um território pouco explorado pelo gênero: o embate entre fé, cultura e forças sobrenaturais ancestrais. Com uma trama que combina possessão demoníaca e um choque cultural intenso, a produção promete envolver o público não apenas pelo medo, mas também por provocações filosóficas sobre o que significa realmente enfrentar o desconhecido.
O longa-metragem acompanha a história de uma missionária, interpretada por Sara Canning (The Vampire Diaries), que se muda para uma comunidade indígena isolada no coração do Equador com seu marido, papel de Daniel Gillies (The Originals), e seu filho, vivido pelo jovem Jett Klyne (Sweet Tooth).
O objetivo inicial da família é levar sua fé cristã aos moradores locais, porém, o que deveria ser uma missão pacífica se transforma em um conflito tenso e assustador quando o filho começa a manifestar sinais de possessão por uma entidade ancestral, muito anterior às crenças ocidentais da família. É nesse momento que a narrativa se aprofunda em dilemas poderosos: até que ponto a missão religiosa pode se sobrepor ao respeito às tradições culturais? Como lidar com o sobrenatural quando ele escapa das categorias familiares?
A missão da mãe se torna uma luta desesperada para salvar seu filho — mas a salvação pode não vir das formas que ela conhece. O xamã da aldeia, interpretado por atores locais como Humberto Morales (La Casa Lobo) e Alejandro Fajardo (Monos), surge como uma figura enigmática que desafia suas convicções e oferece um caminho alternativo. Este choque entre o xamanismo e o cristianismo cria uma tensão palpável, carregada de simbolismos e questionamentos sobre poder, espiritualidade e colonialismo.
Direção sensível para um terror que vai além do susto
A direção de Antonio Negret, que traz no currículo trabalhos marcantes como a série Prodigal Son, imprime à produção uma atmosfera de suspense psicológico que se sobressai pela sensibilidade com que trata os temas culturais e humanos. A colaboração com o roteirista Daniel Negret, seu irmão, reforça o tom familiar e intimista do filme, que aposta mais em construir tensão e emoção do que em clichês do gênero.
Elenco e autenticidade cultural
Além do trio principal, o terror conta com um elenco que inclui nomes como Humberto Morales (La Casa Lobo) e Alejandro Fajardo (Monos), atores locais que ajudam a dar vida à comunidade indígena retratada. A escolha de atores da região confere autenticidade à trama, respeitando as raízes culturais e evitando estereótipos simplistas.
Clima de tensão no clipe oficial
O clipe recentemente divulgado, que você pode conferir logo abaixo, oferece um vislumbre do clima pesado e angustiante que Shaman constrói ao longo da narrativa. Com cenas que transitam entre uma calma inquietante e momentos de terror explícito, o teaser mostra a mãe tentando desesperadamente salvar seu filho, enquanto forças invisíveis se movem ao redor deles.
Quando o filme estreia?
O longa-metragem estará disponível a partir de 8 de agosto nas plataformas de vídeo sob demanda (VOD), oferecendo ao público a chance de experimentar o suspense e a tensão na segurança — e ao mesmo tempo no aconchego — de suas casas. O formato digital amplia o alcance da produção, ao mesmo tempo em que permite uma imersão que muitas vezes os cinemas não conseguem proporcionar, especialmente em obras que mexem com o psicológico.
Um terror que dialoga com espiritualidade e história
O que diferencia o filme de outros filmes de terror que lidam com possessão é sua atenção especial às raízes culturais indígenas e ao confronto com o colonialismo religioso. O embate entre a missão cristã e o xamanismo ancestral não é tratado como um simples conflito entre o bem e o mal, mas como uma complexa colisão de mundos e crenças.
Nesta sexta-feira, 8 de agosto, a indústria cinematográfica comemorou o encerramento das gravações de um dos projetos mais ambiciosos da última década: A Odisseia, a aguardada adaptação do clássico poema épico grego atribuído a Homero, dirigido por Christopher Nolan. Conhecido por seu estilo autoral, narrativas densas e inovação técnica, Nolan une forças com um elenco estelar e uma equipe técnica de ponta para criar um filme que promete não apenas emocionar, mas transformar o modo como o cinema épico é concebido.
Um sonho antigo, finalmente realizado
Nolan sempre foi fascinado pela complexidade da mente humana e pelas grandes histórias que atravessam o tempo. Após o sucesso estrondoso de Oppenheimer (2023), filme que lhe rendeu seu primeiro Oscar de Melhor Diretor, Nolan partiu para um desafio ainda maior: adaptar A Odisseia, uma das obras fundadoras da literatura ocidental, e uma narrativa repleta de aventura, magia, sofrimento e triunfo.
Ao anunciar o projeto, Nolan expressou sua ambição: “Quero contar essa história como nunca foi vista, respeitando sua essência mitológica, mas trazendo o público para dentro da jornada de Odisseu de forma visceral e emocional.” E é justamente essa promessa que tem animado fãs de mitologia, amantes do cinema épico e críticos ao redor do mundo.
Produção grandiosa, inovação e riscos
Com um orçamento estimado em impressionantes US$ 250 milhões, o longa-metragem é uma das maiores produções da história recente, e o primeiro grande longa a ser filmado inteiramente com câmeras IMAX de 70mm — um equipamento que, embora consagrado, traz desafios logísticos enormes. As câmeras são volumosas e delicadas, exigindo uma equipe altamente especializada para operar em condições muitas vezes adversas.
As filmagens começaram em fevereiro de 2025 e se estenderam por seis meses, passando por locações globais que buscavam dar autenticidade e grandiosidade à narrativa: o Marrocos, a Grécia, a Itália, a Escócia, a Islândia e até o deserto do Saara Ocidental.
Cada local escolhido não foi aleatório: Aït Benhaddou, no Marrocos, serviu para recriar a cidade de Tróia, enquanto as Ilhas Égadi na Sicília abrigaram as cenas do encontro com o temível Ciclope Polifemo. A majestosa Islândia proporcionou as paisagens para as provas de resistência de Odisseu, e o castelo Findlater na Escócia deu forma a elementos da corte do herói.
A decisão de filmar em cenários naturais, e não em estúdios ou usando CGI em excesso, reforça o compromisso de Nolan com uma estética imersiva e visceral, onde o espectador quase toca a poeira das batalhas e sente o frio cortante dos ventos nórdicos.
Foto: Reprodução/ Internet
Controvérsia no Saara Ocidental: quando arte e política se cruzam
Nem tudo, entretanto, foi tranquilo durante a produção. As filmagens nas Dunas Brancas, região do Saara Ocidental, território marcado por uma longa disputa entre Marrocos e o povo saharaui, despertaram polêmicas.
Ativistas e organizações internacionais denunciaram a produção por, em sua visão, legitimar a ocupação marroquina na região ao escolher filmar ali. A Frente Polisário, representante dos saharauis, emitiu declarações afirmando que a presença da equipe de Nolan poderia ser interpretada como um apoio indireto à controvérsia política.
Por outro lado, o Centro Cinematográfico Marroquino celebrou o filme como uma oportunidade histórica para a indústria local, destacando que a trama é o primeiro longa-metragem americano de grande orçamento a explorar a região, o que poderá abrir portas para outras produções e para o desenvolvimento econômico da área.
Esse embate entre arte e política mostra que o cinema, especialmente em grandes produções globais, não se limita a contar histórias — ele também é um ator na geopolítica, com o poder de influenciar percepções e gerar debates relevantes.
Um elenco para entrar para a história
A escolha do elenco é outro destaque do projeto. Combinando atores veteranos e estrelas em ascensão, Nolan reuniu um time capaz de traduzir a complexidade dos personagens mitológicos em seres humanos com emoções e conflitos reais.
No centro, Matt Damon assume o papel de Odisseu, o rei de Ítaca. Conhecido por sua versatilidade e por interpretar personagens que transmitem força e vulnerabilidade, Damon traz à tela um herói que é menos um guerreiro invencível e mais um homem astuto, marcado pela saudade e pela esperança.
Ao seu lado, Tom Holland interpreta Telêmaco, filho de Odisseu, uma figura jovem e cheia de dúvidas, representando a busca da nova geração por identidade e propósito.
Charlize Theron vive Circe, a poderosa deusa-feiticeira cuja personagem promete cenas de impacto e que reforça a presença feminina forte na narrativa. Anne Hathaway e Zendaya, ambas colaboradoras frequentes de Nolan, dão vida a personagens femininas complexas que serão essenciais para a trama, assim como Lupita Nyong’o, que confere profundidade e força ao elenco.
O elenco ainda conta com Robert Pattinson, Jon Bernthal, Benny Safdie, Elliot Page, John Leguizamo, Mia Goth, Corey Hawkins e Logan Marshall-Green, um time capaz de garantir um equilíbrio entre tradição e inovação, trazendo credibilidade e frescor para os papéis mitológicos.
Música e figurino: cores e sons que transportam o espectador
Para criar o universo sonoro e visual do filme, Nolan voltou a contar com colaboradores de confiança. O compositor Ludwig Göransson, vencedor do Oscar e que já assinou a trilha de “Oppenheimer”, promete uma música que vai além do tradicional épico, incorporando elementos que evocam a atmosfera mítica e os dilemas emocionais dos personagens.
A figurinista Ellen Mirojnick, por sua vez, buscou inspiração tanto em referências históricas quanto em interpretações artísticas contemporâneas para criar trajes que, apesar de algumas críticas por não serem “tradicionalmente” históricos, carregam a ideia de unir passado e presente em uma narrativa visual poderosa.
Cada peça de roupa, cada adereço foi pensado para comunicar a complexidade dos personagens e a grandiosidade da história, tornando o figurino parte integrante da narrativa.
O que esperar de A Odisseia na tela grande?
Com estreia marcada para 17 de julho de 2026 nos Estados Unidos, o filme já vem despertando grande expectativa. Pré-vendas antecipadas de ingressos para sessões IMAX 70mm ultrapassaram US$ 1,5 milhão, um sinal claro do entusiasmo do público.
A promessa é de um filme que une ação, fantasia, drama e aventura, trazendo à tona temas universais como coragem, sacrifício, lealdade, saudade e a busca incessante por um lar e pela identidade.
Mais do que um espetáculo visual, a narrativa pretende fazer o público refletir sobre o preço das escolhas e os desafios das jornadas pessoais, usando a mitologia grega como um espelho para dilemas humanos eternos.
Christopher Nolan e a reinvenção da jornada do herói
Conhecido por seus filmes que desafiam a linearidade do tempo e a percepção da realidade, Nolan propõe com A Odisseia uma releitura que respeita as raízes do mito, mas o coloca em diálogo com o século XXI.
O herói Odisseu não é um ser perfeito; é um homem com medos, dúvidas e uma determinação que vem da humanidade que ele carrega. Essa abordagem torna a história não apenas uma aventura épica, mas uma profunda reflexão sobre o que significa ser humano diante das adversidades.
No universo dos super-heróis do cinema, poucos personagens conseguiram conquistar o público com tanta emoção, ação e identificação quanto o Homem-Aranha interpretado por Tom Holland. Depois de três filmes que marcaram uma geração e deram um novo fôlego ao Aranha dentro do Universo Cinematográfico Marvel (MCU), agora chega o quarto capítulo da saga: Homem-Aranha: Um Novo Dia (Spider-Man: Brand New Day). A promessa? Trazer desafios inéditos e muita adrenalina para o herói de Nova York.
Um vídeo fresquinho direto do set já deixou os fãs em polvorosa. Com cenas repletas de ação — e até um carro de polícia capotando de tirar o fôlego —, a produção deixa claro que este filme quer mesmo equilibrar uma narrativa intensa com sequências cheias de emoção. Embora ainda tenhamos poucos detalhes oficiais, o filme é um dos lançamentos mais aguardados do MCU para 2026, não só pela volta de Tom, mas também pelas novidades que chegam para agitar a franquia. Abaixo, confira o vídeo:
New behind-the-scenes look at the action sequence being filmed on the set of 'SPIDER-MAN: BRAND NEW DAY'pic.twitter.com/VLenQnuz6M
Holland volta como Peter Parker/Homem-Aranha, claro, acompanhado de rostos que o público já ama, como Zendaya (a sempre carismática MJ) e Jacob Batalon, que interpreta Ned Leeds, o melhor amigo do herói. Mas o que realmente chama a atenção é a chegada de nomes fresquinhos, como Sadie Sink — conhecida por “Stranger Things” —, que ainda mantém o papel misterioso, e Jon Bernthal, reprisando Frank Castle, o Justiceiro. A presença do Justiceiro sugere uma vibe mais sombria e complexa para o longa.
Além disso, temos a confirmação de Mark Ruffalo como Bruce Banner/Hulk, conectando o filme diretamente a outros eventos importantes do MCU. Michael Mando retorna como Mac Gargan/Escorpião, dando pistas de que os vilões clássicos vão ganhar mais destaque nesta nova fase.
Há também rumores de que Charlie Cox pode voltar como Matt Murdock/Demolidor — o advogado que ajudou Peter em “Sem Volta para Casa” e que vem conquistando cada vez mais fãs no universo Marvel.
Essa mistura de caras já conhecidos com apostas novas dá um tom bem interessante para o filme, que quer ser um verdadeiro “novo dia” para o Homem-Aranha — respeitando suas raízes, mas abrindo espaço para histórias fresquinhas e personagens diferentes.
Foto: Reprodução/ Internet
Uma longa jornada até “Um Novo Dia”
Chegar até aqui não foi nada fácil. Desde 2019, Sony e Marvel Studios têm discutido o futuro do personagem dentro do MCU, com negociações e idas e vindas que geraram muita especulação. Foi só em 2021, com Homem-Aranha: Sem Volta para Casa, que o personagem teve uma das maiores celebrações nas telas, reunindo versões diferentes do Aranha.
Naquela época, o ator chegou a dizer que aquele poderia ser seu último filme no papel, o que deixou os fãs apreensivos. Mas o carinho do público e o desejo dos estúdios de continuar a história abriram caminho para uma nova trilogia, começando justamente com “Um Novo Dia”.
O roteiro, assinado pelos veteranos Chris McKenna e Erik Sommers, passou por um processo longo, incluindo uma pausa devido à greve dos roteiristas nos EUA em 2023. Depois que a greve terminou, o projeto voltou com força, agora sob a direção de Destin Daniel Cretton, conhecido pelo sucesso “Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis”. Essa escolha mostra o interesse da Marvel e Sony em mesclar ação empolgante com uma história que mexe com o lado emocional — algo que Cretton já sabe fazer muito bem.
Um Amigão da Vizinhançamais urbano e próximo da realidade
O longa-metragem vai mostrar um Peter Parker diferente — um herói que atua mais como um protetor das ruas de Nova York, lidando com problemas do dia a dia e crimes urbanos, sem a pressão de salvar o mundo inteiro como vimos em “Sem Volta para Casa”. Kevin Feige, presidente da Marvel Studios, comentou que o público vai finalmente ver o Amigo da Vizinhança combatendo os desafios da cidade, num tom mais próximo da realidade das ruas.
Personagens como o Justiceiro aparecem para trazer um clima de thriller policial, mesmo com a adaptação do personagem para o tom mais familiar do MCU. O roteiro ainda faz homenagens às HQs clássicas, como a famosa edição que apresentou o Justiceiro no universo do Aranha, o que deve agradar os fãs de longa data.
Filmagens em locações reais para dar mais autenticidade
As gravações começaram em agosto de 2025, com Glasgow, na Escócia, sendo o cenário escolhido para representar Nova York em várias cenas urbanas. Isso pode até parecer curioso, mas é uma estratégia já usada na indústria para trazer mais realismo e dinamismo para as filmagens. Tom falou sobre como gosta de filmar em locações reais — isso ajuda os atores a se envolverem mais profundamente com a história e os personagens. O uso do Pinewood Studios, em Buckinghamshire, garante que cenas mais complexas possam ser feitas com efeitos visuais de alta qualidade, unindo o melhor dos dois mundos: realismo e tecnologia.
Agenda dos atores e impacto no roteiro
Um ponto que chamou atenção foi a agenda apertada de alguns atores. Zendaya, por exemplo, está envolvida em projetos pesados como a série “Euphoria” e a franquia “Duna”, o que deve fazer com que sua participação como MJ seja menor nesta nova fase. Já Jacob Batalon deve ganhar mais destaque, com Ned Leeds assumindo um papel maior nessa fase do Homem-Aranha. A entrada de Sadie Sink, ainda envolta em mistério, promete trazer uma energia nova ao elenco, abrindo espaço para possíveis novos personagens e gerações.
Ligações com a Fase Seis do MCU
O novo longa-metragem tem estreia marcada para 31 de julho de 2026, e faz parte da tão aguardada Fase Seis do MCU — que promete revolucionar o universo Marvel com grandes histórias. A presença de Hulk e o possível retorno do Demolidor mostram que o filme vai se conectar com outros eventos da Marvel, mesmo que o foco principal seja mais urbano e individual. Isso reforça que Peter Parker continua parte de um universo maior, cheio de heróis e histórias entrelaçadas.
Novo salário do protagonista
Quando o ator que interpreta o Amigão da Vizinhança estrelou seu primeiro filme, ele recebia cerca de 500 mil dólares — um valor que, para muitos, já parecia incrível para um jovem ator começando sua jornada no Universo Cinematográfico Marvel. Mas o que parecia um bom começo se transformou em uma ascensão meteórica: agora, para protagonizar Homem-Aranha: Um Novo Dia, Holland vai ganhar impressionantes 25 milhões de dólares, o que equivale a cerca de 138 milhões de reais na cotação atual.
Essa evolução financeira reflete o quanto o ator se tornou fundamental para a franquia e para a Marvel ao longo de uma década. Em 10 anos de UCM, Tom Holland não só conquistou o coração dos fãs como também elevou sua carreira a um patamar extraordinário, se tornando uma das estrelas mais rentáveis e requisitadas do cinema mundial.
Só para ter uma ideia da dimensão desse sucesso, os filmes solo do Homem-Aranha com Tom ultrapassaram a marca de 4 bilhões de dólares em bilheteria — um recorde que consolidou o ator e o personagem como pilares do MCU.
Nesta sexta-feira, 8 de agosto, às 22h45, o reality show Quilos Mortais traz ao público uma narrativa que ultrapassa os números da balança para alcançar as profundezas do ser humano. O episódio inédito acompanha Bethany, uma psicóloga de 42 anos que enfrenta um desafio colossal: conviver com seus 276 quilos e, ao mesmo tempo, lidar com feridas emocionais antigas e barreiras internas que dificultam sua transformação. As informações são da Record TV.
Bethany não é uma paciente comum. Com formação em psicologia, ela conhece bem os labirintos da mente humana e compreende, em teoria, a importância de cuidar da saúde emocional. Mas quando o olhar precisa se voltar para si mesma, sua história se mostra complexa e carregada de nuances.
Mãe dedicada de duas filhas — Isabella, de 18 anos, e Zowie, de 10 — Bethany vive um cotidiano marcado pelas limitações que o excesso de peso lhe impõe. São tarefas simples do dia a dia que se tornam desafios gigantescos, como acompanhar as filhas em momentos importantes, brincar no parque ou mesmo atividades corriqueiras dentro de casa. A culpa por não poder estar mais presente e ativa na vida das meninas acompanha seus dias silenciosamente.
A dinâmica familiar tem suas tensões. Isabella, ainda muito jovem, assumiu cedo um papel de cuidadora, tentando equilibrar o suporte à mãe com a construção de sua própria identidade. Já o marido, figura central na história, é um parceiro constante que divide a carga física e emocional de um lar onde a saúde de Bethany muitas vezes é o eixo principal das preocupações.
Cicatrizes que o tempo não cura: feridas emocionais e traumas do passado
Desde a infância, a jovem conviveu com rejeição e a sensação de não pertencimento, sentimentos que cresceram em meio a conflitos familiares e dificuldades sociais. Na adolescência, um relacionamento abusivo deixou marcas profundas, afetando diretamente sua autoestima e ampliando o ciclo de sofrimento.
A luta contra crises de ansiedade e episódios de pânico que acompanham sua trajetória só reforçaram o isolamento. Para Bethany, a comida tornou-se uma espécie de porto seguro — um mecanismo de conforto e proteção diante de um mundo que, para ela, parecia hostil demais.
O paradoxo da psicóloga que resiste à própria cura
Um dos aspectos mais impactantes da história de Bethany é a contradição entre seu conhecimento profissional e a resistência emocional que apresenta diante da própria terapia e tratamento psicológico.
Apesar de entender o valor da psicoterapia, Bethany encara o processo com uma mistura de desconfiança e medo. Ela se apega à cirurgia bariátrica como uma solução quase milagrosa — uma esperança rápida para a transformação que tanto deseja — sem perceber que o verdadeiro e maior desafio está no enfrentamento das questões emocionais que alimentam seus comportamentos e dificultam a mudança.
Essa resistência não é incomum em quem vive com obesidade extrema, especialmente quando há um histórico de traumas não elaborados e uma relação complexa com o próprio corpo e a autoestima. O episódio expõe esse embate interno de forma sensível, mostrando que a cura não é linear e que o caminho pode ser tortuoso.
Além da balança: reconstruir a autoestima e a vida
Para Bethany, a verdadeira batalha não está apenas no número que a balança marca, mas no processo lento e cheio de obstáculos de autoconhecimento, aceitação e reconstrução da autoestima.
Cada pequena conquista, seja física ou emocional, representa um passo fundamental para vencer o medo, a insegurança e as feridas que o tempo não cicatrizou. A série mostra momentos de fragilidade, mas também flashes de esperança e a redescoberta da força interior que ela tem — uma força que talvez estivesse oculta sob o peso do corpo e das emoções.
Esse processo de transformação vai muito além da estética: é sobre recuperar o direito de viver plenamente, de se amar e se aceitar, de reconstruir relações familiares e sociais e de reencontrar a própria identidade.
O peso invisível da responsabilidade familiar
A moça carrega uma culpa que muitas vezes pesa quase tanto quanto os quilos que somam seu corpo. Ela teme não estar presente para as filhas da forma como gostaria e se preocupa com o impacto que sua condição pode ter sobre o futuro delas.
A relação entre Bethany e suas filhas é marcada por um amor imenso, mas também por tensões e angústias naturais de quem vive diante de tantas limitações. Isabella, em particular, vive o delicado papel de suporte emocional e prático para a mãe, enfrentando seu próprio processo de amadurecimento e desafios pessoais.
O episódio ressalta como a obesidade extrema impacta não só o indivíduo, mas todo o núcleo familiar, colocando à prova relações, expectativas e o equilíbrio emocional de todos.
No próximo dia 11 de agosto de 2025, a Sessão da Tarde da TV Globo traz para o público uma versão intensa, épica e cheia de surpresas do clássico conto de fadas que atravessa gerações: Branca de Neve e o Caçador (2012). Longe da delicadeza e inocência que associamos tradicionalmente à história da princesa dos irmãos Grimm, este filme traz uma Branca de Neve que se reinventa como uma heroína de coragem, luta e transformação, cercada de personagens complexos e cenários de tirar o fôlego.
Para quem gosta de uma narrativa que mescla fantasia, ação, drama e aventura, esta exibição promete não apenas entreter, mas também inspirar reflexões sobre poder, beleza, resistência e autoconhecimento — temas que ecoam fortemente nos tempos atuais.
Uma trama de poder, traição e redenção
A história começa com o rei Magnus, interpretado por Noah Huntley, que, viúvo, se apaixona pela misteriosa e bela Ravenna (Charlize Theron). Sem saber, o monarca entrega seu reino a uma mulher de intenções sombrias. Com a morte do rei, Ravenna assume o trono, usando de magia negra e crueldade para manter seu domínio absoluto. Para isso, aprisiona a filha do rei, Branca de Neve (Kristen Stewart), numa masmorra, condenando-a a anos de isolamento.
Mas a força da jovem princesa não se dobra. Após anos presa, ela consegue fugir e inicia uma jornada para recuperar seu reino e libertar seu povo. Nesse caminho, Branca de Neve encontra aliados inesperados, entre eles Eric (Chris Hemsworth), o caçador contratado para capturá-la, mas que acaba se tornando seu protetor e companheiro de luta.
Ao lado de Branca de Neve, sete anões — humanos com características e personalidades distintas — se unem para enfrentar os exércitos da rainha malvada. Juntos, eles formam uma resistência determinada a pôr fim à tirania de Ravenna.
Foto: Reprodução/ Internet
Personagens que fogem do clichê
Um dos grandes méritos do filme é a profundidade dada aos seus personagens, que vão muito além do maniqueísmo que costuma marcar adaptações desse tipo.
Charlize Theron cria uma Rainha Ravenna complexa: bela, sedutora e ao mesmo tempo aterrorizante. Sua obsessão pela beleza e pela juventude, aliada à sede de poder, cria uma antagonista que, apesar de cruel, desperta empatia por suas inseguranças e medos. Não é apenas uma vilã caricata, mas uma mulher marcada por suas próprias dores, o que a torna assustadoramente humana.
Kristen Stewart entrega uma Branca de Neve que não espera ser salva — ela é a própria salvadora de seu povo. Combinando inocência e força, Stewart interpreta uma personagem que descobre sua identidade e capacidade de liderar, mesmo diante da adversidade.
Chris Hemsworth, no papel do caçador Eric, também surpreende ao trazer nuances a um personagem que, em outras versões, poderia ser apenas um ajudante ou interesse amoroso. Ele começa como um homem endurecido pela vida, mas sua jornada ao lado de Branca de Neve o transforma, trazendo à tona sua humanidade e coragem.
Os sete anões, interpretados por atores como Ian McShane, Nick Frost e Toby Jones, têm destaque e características próprias, cada um com seu jeito de contribuir para a luta contra o mal, o que humaniza ainda mais o grupo.
Produção caprichada e visual impressionante
Filmado majoritariamente no Reino Unido, o filme conta com paisagens naturais deslumbrantes — a praia de Marloes Sands, em Pembrokeshire, é uma das locações mais marcantes, que conferem realismo e beleza aos cenários de fantasia. A ambientação medieval foi cuidadosamente construída, com figurinos indicados ao Oscar, que ajudam a compor a atmosfera sombria e épica da história.
O uso de efeitos visuais, também reconhecido com indicações ao Oscar, trouxe vida ao reino mágico, às batalhas e à magia que permeia a narrativa, garantindo que o espectador sinta a grandiosidade e o perigo que cercam Branca de Neve e seus aliados.
A trilha sonora, com músicas exclusivas como “Breath of Life” da banda Florence and the Machine, adiciona emoção e intensidade às cenas, complementando a experiência audiovisual.
O impacto cultural e o legado do filme
Desde seu lançamento em 2012, o longa marcou uma mudança na forma como contos de fadas podem ser adaptados para o cinema contemporâneo. Ao trazer uma protagonista ativa e empoderada, o filme dialoga com debates atuais sobre representatividade feminina e autonomia.
Com uma bilheteria que ultrapassou os 390 milhões de dólares mundialmente, o filme conquistou seu público mesmo diante da concorrência com outra adaptação do mesmo conto — Espelho, Espelho Meu (Mirror Mirror), lançada no mesmo ano, mas com tom mais leve e cômico.
Além disso, o sucesso levou à produção da sequência O Caçador e a Rainha do Gelo (2016), que aprofundou o universo criado, ampliando o debate sobre poder, escolha e redenção.
Foto: Reprodução/ Internet
A importância dos contos de fadas para a cultura contemporânea
Contos de fadas são parte essencial da cultura humana há séculos, servindo como metáforas, ensinamentos e formas de entretenimento que atravessam gerações. O que Branca de Neve e o Caçador faz de especial é revisitar esse legado e atualizá-lo para um público que busca mais do que magia e romance — deseja personagens com os quais possa se identificar, lutas que façam sentido no mundo real e narrativas que empoderem.
Em uma época marcada por discussões sobre igualdade, diversidade e justiça, essa releitura é um convite para olhar para o passado com outros olhos e perceber que histórias antigas podem ter novos significados, que nos inspiram a sermos protagonistas de nossas próprias jornadas.
Curiosidades que você talvez não saiba
Antes da escolha final, vários atores foram considerados para o papel do caçador Eric, entre eles Tom Hardy, Johnny Depp, Viggo Mortensen e Hugh Jackman. Chris Hemsworth acabou ficando com o papel, consolidando sua versatilidade após o sucesso como Thor.
Charlize Theron foi a primeira atriz confirmada no elenco, após Angelina Jolie e Winona Ryder serem cogitadas para o papel da rainha Ravenna.
A produção consultou acadêmicos da Universidade de Oxford e da Universidade de Chichester para garantir a autenticidade das cenas de batalhas e ambientação medieval.
Bob Hoskins, que interpreta Muir, viveu seu último papel no cinema neste filme antes de se aposentar da atuação.
O filme teve que acelerar sua data de estreia para competir com a outra adaptação do conto, Mirror Mirror, gerando uma disputa interessante entre os estúdios Universal e Relativity Media.
