Sequência de A Empregada é confirmada após sucesso de bilheteria e terá retorno de Sydney Sweeney

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Foto: Daniel McFadden/Lionsgate

O desempenho expressivo de “A Empregada” nos cinemas transformou o suspense psicológico em um dos maiores destaques recentes do gênero e abriu caminho para a expansão da história nas telonas. Após uma estreia sólida e um crescimento acelerado de público, o filme garantiu oficialmente uma sequência, que já está em desenvolvimento pela Lionsgate e contará com o retorno de Sydney Sweeney (Euphoria, Reality, Todos Menos Você), uma das atrizes mais requisitadas da atualidade.

Com US$ 133 milhões arrecadados em apenas duas semanas de exibição, o longa superou as expectativas do estúdio e se tornou um caso de sucesso comercial impulsionado pelo boca a boca e pela força da obra original. O resultado levou à aprovação de “The Housemaid’s Secret” (O Segredo da Empregada), continuação baseada no segundo livro da trilogia escrita por Freida McFadden, que figura entre os títulos mais vendidos do suspense contemporâneo. As informações são da Variety.

Além de Sweeney, o novo capítulo da história traz novamente Amanda Seyfried (Mank, A Primeira Noite de um Homem, Os Miseráveis), que divide o protagonismo com a atriz desde o primeiro filme. O elenco ainda ganha reforços importantes com Brandon Sklenar (1923, Midway, Emily the Criminal) e Michele Morrone (365 Dias, Duetto), ampliando o alcance dramático da narrativa e introduzindo novas camadas de tensão.

A direção permanece sob o comando de Paul Feig (Um Pequeno Favor, Missão Madrinha de Casamento, As Caça-Fantasmas), que retorna ao projeto após o bom desempenho do primeiro longa. Conhecido por transitar entre gêneros, Feig aposta novamente em uma abordagem que combina suspense psicológico, tensão crescente e personagens ambíguos. O roteiro é assinado por Rebecca Sonnenshine (The Boys, Arquivo X), responsável por adaptar o universo literário de McFadden para o cinema.

Nos bastidores, a sequência reforça o envolvimento criativo de suas protagonistas. Sydney Sweeney e Amanda Seyfried também atuam como produtoras executivas, ao lado da própria Freida McFadden e de Alex Young, evidenciando um maior controle artístico sobre o desenvolvimento da franquia. A produção é liderada por Todd Lieberman, da Hidden Pictures, com Paul Feig e Laura Fischer igualmente creditados como produtores.

As filmagens tiveram início em 3 de janeiro de 2025, no estado de Nova Jersey, com cronograma previsto até 14 de fevereiro. A expectativa da equipe é manter o ritmo ágil de produção e preservar o clima claustrofóbico que marcou o primeiro filme, agora explorando consequências narrativas mais profundas e novos conflitos psicológicos.

No longa original, o público é apresentado a Millie, uma mulher marcada por um passado difícil que tenta reconstruir sua vida após deixar a prisão. Em busca de estabilidade, ela aceita um emprego como empregada doméstica na casa de uma família rica, aparentemente perfeita. No entanto, a convivência revela rapidamente um ambiente carregado de manipulações, jogos emocionais e segredos ocultos, transformando a rotina doméstica em uma experiência inquietante e perigosa.

A sequência promete expandir esse universo, aprofundando os dilemas morais dos personagens e explorando novas perspectivas da história. Ao adaptar o segundo livro da trilogia, “The Housemaid’s Secret” deve apresentar revelações que ressignificam eventos anteriores e colocam seus protagonistas diante de escolhas ainda mais extremas.

O sucesso do filme também reflete uma tendência recente de Hollywood em investir em thrillers psicológicos baseados em best-sellers literários, capazes de atrair tanto leitores quanto novos espectadores. Com uma combinação de nomes populares, material de origem consolidado e resultados financeiros expressivos, a franquia se posiciona como uma aposta segura dentro do gênero.

Hamnet: A Vida Antes de Hamlet ganha sessões antecipadas no Brasil antes da estreia oficial

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Foto: Reprodução/ Internet

A Universal Pictures anunciou a abertura da venda de ingressos para as sessões antecipadas de “Hamnet: A Vida Antes de Hamlet”, novo longa-metragem dirigido por Chloé Zhao (Nomadland, Eternos). O filme terá exibições especiais nos dias 9 e 10 de janeiro, antecedendo sua estreia oficial nos cinemas brasileiros, marcada para 15 de janeiro.

Baseado no romance homônimo da escritora Maggie O’Farrell, vencedor de diversos prêmios literários, o longa tem se destacado no circuito internacional. A produção conquistou o Prêmio do Público no Festival Internacional de Cinema de Toronto e foi exibida como filme de encerramento do Festival do Rio 2025, consolidando-se como um dos títulos mais comentados da temporada.

O elenco é liderado por Jessie Buckley (Entre Mulheres, A Filha Perdida), vencedora do Critics Choice Awards, e Paul Mescal (Aftersun, Gladiador II). Buckley interpreta Agnes, esposa de William Shakespeare, papel vivido por Mescal, em uma narrativa que acompanha os desafios pessoais enfrentados pela família do dramaturgo no século XVI.

A trama se concentra no impacto emocional da perda de Hamnet, filho do casal, e nas transformações provocadas por esse acontecimento. Com abordagem intimista e sensível, o filme investiga temas como luto, memória e criação artística, sugerindo como experiências pessoais profundas podem influenciar obras que atravessam gerações, como “Hamlet”.

Nos bastidores, a produção reúne nomes de grande prestígio. Steven Spielberg (A Lista de Schindler, Os Fabelmans) e Sam Mendes (1917, Beleza Americana) assinam como produtores. O roteiro foi desenvolvido pela própria Chloé Zhao em parceria com Maggie O’Farrell, mantendo fidelidade emocional ao material literário. A direção de fotografia fica a cargo de Łukasz Żal (Guerra Fria, Ida), conhecido por sua estética sofisticada e narrativa visual expressiva.

As filmagens aconteceram no País de Gales, entre julho e setembro de 2024. O elenco de apoio inclui ainda Joe Alwyn (A Favorita, Conversas entre Amigos) e Emily Watson (Ondas do Destino, Chernobyl). A distribuição internacional é realizada pela Universal Pictures, por meio do selo Focus Features.

Ato Noturno terá sessão especial no Recife com presença dos diretores antes da estreia nos cinemas

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Foto: Reprodução/ Internet

O longa-metragem brasileiro Ato Noturno, dirigido e roteirizado por Marcio Reolon e Filipe Matzembacher, terá uma sessão especial aberta ao público no Recife antes de sua estreia nacional. A exibição acontece neste sábado, 10 de janeiro, às 19h30, no Cinema da Fundação Derby, e contará com a presença dos diretores, que participam de um encontro com o público após a sessão.

Reconhecidos por obras como Tinta Bruta e Beira-Mar, os cineastas apresentam mais um trabalho que reforça sua trajetória no cinema brasileiro contemporâneo, com uma narrativa voltada para temas como identidade, ambição profissional, relações humanas e os desafios enfrentados no meio artístico.

Com distribuição da Vitrine Filmes, por meio do projeto Sessão Vitrine Petrobras, o filme teve sua estreia internacional no Festival de Berlim e se destacou no Festival do Rio 2025, onde conquistou três Troféus Redentor: Melhor Ator para Gabriel Faryas, Melhor Roteiro para Marcio Reolon e Filipe Matzembacher e Melhor Fotografia para Luciana Baseggio. O filme também foi reconhecido como Melhor Filme pelo Prêmio Felix, voltado a produções com temáticas de diversidade e representatividade.

A história acompanha Matias (Gabriel Faryas), um jovem ator em início de carreira que busca sua primeira grande oportunidade profissional em Porto Alegre. Ao integrar um grupo teatral de prestígio, ele passa a disputar espaço em um ambiente competitivo, especialmente quando surge a possibilidade da gravação de uma grande produção audiovisual na cidade.

Nesse contexto, a relação com Fabio (Henrique Barreira), seu colega de apartamento e também ator, se torna marcada por tensões e rivalidades, refletindo as exigências e pressões do mercado artístico. Para alcançar seus objetivos, Matias enfrenta dilemas pessoais e profissionais ligados à construção de sua imagem e às expectativas impostas pelo meio em que atua.

A narrativa se desenvolve ainda a partir do encontro com Rafael (Cirillo Luna), uma figura pública influente, cuja presença amplia os conflitos vividos pelo protagonista. A partir dessas relações, o filme propõe uma reflexão sobre escolhas, limites e os papéis sociais assumidos tanto no âmbito profissional quanto na vida pessoal.

Ato Noturno se constrói a partir de uma abordagem sensível e cuidadosa, valorizando as performances dos atores e a dimensão simbólica das situações apresentadas. O filme explora a ideia de representação e identidade por meio de diferentes espaços — como o palco, os bastidores e as relações interpessoais — convidando o espectador a observar os conflitos internos dos personagens e suas transformações ao longo da narrativa.

Com lançamento confirmado para o dia 15 de janeiro, o longa-metragem chega aos cinemas brasileiros através da Sessão Vitrine Petrobras, iniciativa que promove o cinema nacional em salas de exibição de diversas cidades, com valores acessíveis ao público.

Diretor de Invasão Zumbi, Yeon Sang-ho apresenta primeiro trailer de Colony, novo thriller de mortos-vivos

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Foto: Reprodução/ Internet

Yeon Sang-ho, cineasta sul-coreano responsável por revitalizar o gênero zumbi com o aclamado Invasão Zumbi, está oficialmente de volta ao universo dos mortos-vivos. O diretor revelou o primeiro trailer de Colony, seu novo longa-metragem, que promete apresentar uma abordagem intensa, claustrofóbica e emocionalmente carregada para o apocalipse zumbi, marca registrada de sua filmografia.

No material divulgado, o público acompanha os primeiros momentos do colapso social provocado por um vírus desconhecido. A história tem início durante uma conferência científica, quando o prédio onde o evento acontece se transforma repentinamente no marco zero de uma infecção devastadora. A partir desse ponto, o local passa a abrigar sobreviventes isolados, forçados a enfrentar não apenas os infectados, mas também o medo, o desespero e a imprevisibilidade da situação.

A protagonista é interpretada por Jun Ji-hyun, conhecida por trabalhos como Polaris: Conspiração Política. No filme, ela vive uma professora de biotecnologia que se vê presa dentro do edifício no momento em que o vírus começa a se espalhar. Seu conhecimento científico passa a ser uma possível chave para compreender a infecção, mas também a coloca no centro de decisões que envolvem risco extremo e dilemas morais.

O elenco de Colony reúne alguns dos nomes mais respeitados do cinema e da televisão sul-coreanos. Ji Chang-wook, de O Manipulado, interpreta Choi Hyun-seok, o segurança do prédio que assume a linha de frente no combate direto contra os infectados. Shin Hyun-been, conhecida por Hospital Playlist, dá vida a Gong Seol-hee, uma personagem determinada a entender a origem da crise e encontrar uma saída racional em meio ao caos.

Também se destacam Kim Shin-rok, de Gostinho de Amor, no papel de Choi Hyun-hee, uma mulher visivelmente pressionada por decisões de vida ou morte, e Go Soo, de Oficial da Condicional Lee, que interpreta Han Gyu-seong, personagem que representa o medo humano diante do colapso iminente. O elenco ainda conta com Koo Kyo-hwan, de D.P. Dog Day, reforçando a diversidade de perfis e conflitos apresentados no trailer.

Visualmente, o primeiro trailer de Colony aposta em uma atmosfera opressiva e realista, com corredores escuros, espaços confinados e uma sensação constante de ameaça. Diferente de narrativas globais de apocalipse, o filme parece focar na experiência íntima e psicológica dos personagens, acompanhando a evolução imprevisível dos infectados e o impacto direto da crise sobre cada indivíduo preso no prédio.

Produzido pela sul-coreana Showbox, o longa tem estreia prevista nos cinemas da Coreia do Sul ainda em 2026. Até o momento, não há confirmação de distribuição internacional ou data definida para o lançamento no Brasil, embora o interesse do público estrangeiro seja alto, especialmente após a divulgação do trailer.

Colony marca mais um capítulo na trajetória de Yeon Sang-ho como um dos cineastas mais relevantes do gênero na atualidade. O diretor conquistou reconhecimento internacional ao apresentar histórias que combinam horror, crítica social e emoção humana em títulos como Invasão Zumbi, Face e a série Hellbound. Em seu novo projeto, Yeon parece reforçar essa identidade, apostando em personagens complexos, tensão crescente e um olhar atento sobre o comportamento humano diante do colapso.

Na Sessão da Tarde, TV Globo apresenta Tempestade: Planeta em Fúria nesta quarta (7)

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Foto: Reprodução/ Internet

A Sessão da Tarde desta quarta-feira, 7 de janeiro de 2026, exibe na TV Globo o filme Tempestade: Planeta em Fúria (Geostorm), produção norte-americana de ação e ficção científica lançada em 2017. Dirigido por Dean Devlin, o longa aposta em uma narrativa de grande escala ao combinar catástrofes naturais, suspense político e tecnologia futurista em uma história que coloca o destino da humanidade em risco.

Ambientado em um futuro próximo, o filme parte da premissa de que eventos climáticos extremos se tornaram frequentes e ameaçam a sobrevivência do planeta. Para conter esse cenário, é criada uma gigantesca rede de satélites capaz de controlar o clima global. Batizado de Dutch Boy, o sistema é fruto da cooperação de 17 países e passa a ser coordenado pelo engenheiro Jake Lawson, interpretado por Gerard Butler, que dedica anos de sua vida ao desenvolvimento e à manutenção do projeto.

Apesar de sua importância estratégica, Jake acaba afastado do comando por razões políticas, sendo substituído pelo irmão mais novo, Max Lawson, vivido por Jim Sturgess. Três anos depois, quando a administração do Dutch Boy está prestes a ser transferida oficialmente dos Estados Unidos para a Organização das Nações Unidas, falhas misteriosas começam a ocorrer. Fenômenos climáticos devastadores surgem de forma inesperada, como uma intensa nevasca no deserto do Afeganistão e uma onda de calor mortal em Hong Kong, resultando em centenas de vítimas.

Diante da gravidade da situação, Jake é chamado de volta para investigar as anomalias. Enviado à estação espacial responsável pelo controle do sistema, ele descobre que os desastres não são fruto de erros técnicos, mas parte de uma conspiração capaz de transformar a tecnologia climática em uma arma de destruição em massa. Ao mesmo tempo, precisa lidar com os conflitos pessoais e a relação estremecida com o irmão, em meio a uma corrida contra o tempo para evitar uma tempestade global de proporções catastróficas.

O elenco do filme reúne nomes conhecidos do cinema internacional. Gerard Butler lidera a produção, reforçando seu perfil de herói de ação já visto em títulos como 300 e Invasão à Casa Branca. Jim Sturgess traz equilíbrio e tensão política ao papel de Max Lawson, enquanto Abbie Cornish, Ed Harris, Alexandra Maria Lara, Andy García, Richard Schiff, Daniel Wu, Robert Sheehan e Eugenio Derbez completam o time, conferindo à trama um caráter global e multifacetado.

Produzido pela Warner Bros. em parceria com a Skydance Media, Tempestade: Planeta em Fúria teve uma produção marcada por desafios e refilmagens após exibições-teste pouco satisfatórias. Lançado mundialmente em outubro de 2017, o longa arrecadou cerca de 221 milhões de dólares, mas acabou sendo considerado um desempenho abaixo do esperado diante de seu alto orçamento. A recepção da crítica foi dividida, com apontamentos sobre um roteiro previsível e efeitos visuais irregulares, embora o público tenha reconhecido o apelo das cenas de destruição e do ritmo acelerado.

Warner Bros divulga trailer de Eles Vão Te Matar, novo terror da produtora de Andy e Barbara Muschietti

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Foto: Reprodução/ Internet

A Warner Bros. divulgou o trailer oficial de Eles Vão Te Matar, primeiro longa-metragem da Nocturna, produtora fundada por Andy e Barbara Muschietti, dupla responsável por alguns dos maiores sucessos recentes do terror, como It: A Coisa (2017), It: Capítulo Dois (2019) e a aguardada série It: Bem-Vindos a Derry. Com estreia prevista para março, o filme aposta em uma combinação explosiva de horror sangrento, ação acelerada e comédia sombria para conquistar o público.

O longa é protagonizado por Zazie Beetz, atriz indicada ao Emmy e conhecida por papéis marcantes em produções como Atlanta, Coringa (2019), Deadpool 2, Bullet Train, Nine Days e The Harder They Fall. Versátil e carismática, Beetz se consolidou como um dos nomes mais interessantes de sua geração, transitando com facilidade entre o cinema autoral, o blockbuster e a televisão de prestígio.

Ao seu lado está Tom Felton, eternamente lembrado por interpretar Draco Malfoy na franquia Harry Potter, papel que o projetou mundialmente. Após o fim da saga, Felton construiu uma carreira diversificada, com participações em filmes como Planeta dos Macacos: A Origem, A Ressurreição, Ophelia, Belle, Against the Sun e A Babysitter: Killer Queen, além de séries como The Flash, Origin e Murder in the First.

Outro grande destaque do elenco é Patricia Arquette, vencedora do Oscar por Boyhood – Da Infância à Juventude. A atriz possui uma carreira sólida e respeitada, com trabalhos memoráveis em filmes como Estrada Perdida, True Romance, Ed Wood, Alguém Tem que Ceder, Bringing Out the Dead e Little Nicky. Na televisão, Arquette ganhou nova projeção com séries aclamadas como Medium, The Act e Ruptura (Severance), reafirmando sua relevância artística ao longo das décadas.

Eles Vão Te Matar convida o público a mergulhar em uma noite de puro caos dentro do Hotel Virgil, um local sombrio e decadente que funciona como o covil de um culto demoníaco. A história acompanha uma jovem que, ao se ver presa nesse ambiente hostil, precisa sobreviver a uma sucessão de ataques brutais, armadilhas cruéis e personagens perturbadores antes de se tornar a próxima vítima do grupo.

A proposta do filme combina violência gráfica, ritmo acelerado e um humor negro afiado, criando uma experiência que não se limita ao terror tradicional. Mortes exageradas, situações absurdas e diálogos perversamente irônicos fazem parte da identidade do longa, que promete entregar entretenimento intenso do início ao fim.

Além do trio principal, o elenco conta com Myha’La, atriz em ascensão que chamou atenção em Morte Morte Morte, Leave the World Behind, She’s Gotta Have It e na série Industry, da HBO, onde ganhou destaque por sua presença magnética e atuações contundentes.

Outro nome de peso é Paterson Joseph, conhecido por seu trabalho em produções como Wonka, The Beach, Aeon Flux, In the Name of the Father e The World’s End. Na televisão, Joseph é amplamente reconhecido por suas atuações em séries como The Leftovers, Peep Show, Vigil e Timeless.

O elenco também inclui Heather Graham, atriz que marcou os anos 1990 e 2000 com filmes como Boogie Nights, Austin Powers: O Agente Internacional do Mistério, From Hell, Se Beber, Não Case!, Bowfinger, Drugstore Cowboy e License to Drive. Nos últimos anos, Graham tem alternado entre produções independentes, thrillers e comédias, mantendo uma carreira constante no cinema e na televisão.

A estreia da Nocturna no cinema

O longa-metragem marca a estreia da Nocturna como produtora de longas-metragens, consolidando o interesse de Andy e Barbara Muschietti em expandir sua atuação para além da direção. Conhecidos por revitalizar o terror mainstream com It, os irmãos agora apostam em uma abordagem mais irreverente, violenta e autoral, mesclando gêneros e explorando narrativas extremas.

Crepúsculo | Kristen Stewart avalia dirigir um reboot e reacende debate sobre o legado da saga

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Foto: Reprodução/ Internet

Quase vinte anos após Crepúsculo transformar um romance adolescente em um fenômeno global, a saga voltou ao centro das atenções por um motivo inesperado. Em entrevista à Entertainment Weekly, Kristen Stewart — eternamente associada à personagem Bella Swan — revelou que adoraria dirigir um reboot da história que marcou sua carreira e definiu uma geração inteira de espectadores. A declaração, espontânea e carregada de afeto, rapidamente ganhou repercussão e levantou uma questão inevitável: como revisitar Crepúsculo em um mundo e em uma indústria cinematográfica tão diferentes daqueles de 2008?

Mais do que uma simples ideia hipotética, a fala de Stewart simboliza um encontro entre passado e maturidade artística. Hoje reconhecida como uma das atrizes mais versáteis de sua geração e cada vez mais respeitada como cineasta, ela olha para a saga não com ironia ou distanciamento, mas com curiosidade, respeito e vontade de ressignificação.

Uma reflexão que nasceu da nostalgia

Segundo Kristen Stewart, a possibilidade surgiu durante uma conversa casual com uma amiga, motivada pelo hábito recorrente de assistir a Crepúsculo na televisão durante as festas de fim de ano. Para muitas famílias e fãs, o longa se tornou parte de uma tradição afetiva, exibido ano após ano como um símbolo de conforto e nostalgia.

“Eu fiquei pensando em como esse filme envelheceu”, comentou a atriz. A observação vai além da estética ou dos efeitos visuais e toca em algo mais profundo: como aquela história, seus personagens e seus conflitos dialogam com o público atual, que cresceu, amadureceu e passou a enxergar a obra sob novas lentes.

Foi nesse momento que Stewart admitiu que adoraria assumir a direção de um remake, caso tivesse liberdade criativa, apoio e um grande investimento. “Imagine se tivéssemos um orçamento enorme, amor e suporte de verdade. Eu adoraria fazer. Sim, eu faria. Estou comprometida”, afirmou, de forma direta e empolgada.

Respeito aos filmes originais e aos seus criadores

Apesar do entusiasmo, Kristen Stewart fez questão de destacar que sua vontade de revisitar Crepúsculo não nasce de uma rejeição às produções originais. Pelo contrário: ela elogiou abertamente o trabalho de Catherine Hardwicke, diretora do primeiro filme, e de Chris Weitz, responsável pelo segundo capítulo da saga.

Segundo Stewart, os filmes carregam uma autenticidade difícil de reproduzir, justamente por terem sido feitos em um momento em que elenco e realizadores ainda estavam descobrindo quem eram. “Eles eram excêntricos, peculiares e muito presentes naquele momento específico. Antes de tudo explodir”, afirmou.

Esse reconhecimento reforça a ideia de que um possível reboot não seria uma tentativa de apagar o passado, mas de dialogar com ele. Stewart demonstra compreender que Crepúsculo é fruto de um contexto cultural, emocional e industrial muito específico — e que parte de seu charme reside exatamente nisso.

O nascimento de um fenômeno cultural

Lançado em 2008 e dirigido por Catherine Hardwicke, Crepúsculo foi adaptado do primeiro livro da série homônima de Stephenie Meyer, com roteiro de Melissa Rosenberg. O filme apresentou ao mundo a história de Isabella Swan, uma adolescente introspectiva e deslocada que se muda da ensolarada Phoenix para a chuvosa cidade de Forks, no estado de Washington, para viver com o pai, Charlie, chefe da polícia local.

A mudança, motivada pela preocupação com a mãe, marca o início de uma jornada emocional profunda. Em Forks, Bella se depara com um ambiente estranho, silencioso e quase melancólico — cenário ideal para a chegada de personagens que parecem não pertencer inteiramente ao mundo humano.

Entre eles está Edward Cullen, interpretado por Robert Pattinson, um jovem misterioso que desperta imediatamente a atenção de Bella. Seu comportamento contraditório — ora distante, ora protetor — alimenta a curiosidade da protagonista e do público. O primeiro encontro entre os dois estabelece uma tensão que se tornaria a base de toda a saga.

Vampiros sob uma nova perspectiva

A grande virada narrativa acontece quando Bella descobre que Edward e sua família são vampiros. No entanto, Crepúsculo subverte a mitologia clássica ao apresentar os Cullen como vampiros “vegetarianos”, que se alimentam apenas de sangue animal e buscam coexistir com os humanos sem causar danos.

Essa abordagem foi um dos principais diferenciais da saga e ajudou a redefinir a imagem dos vampiros para o público jovem. Edward Cullen não é apenas um predador sobrenatural, mas um personagem profundamente dividido entre seus instintos e sua moral. O romance com Bella, portanto, não é apenas proibido — é perigoso.

A relação entre os dois passa a ser marcada por escolhas difíceis, autocontrole e sacrifício, temas que ressoaram fortemente entre adolescentes e jovens adultos da época.

O perigo que transforma o romance em suspense

O tom romântico da história ganha contornos mais sombrios com a chegada de vampiros nômades, entre eles James, um rastreador implacável que se alimenta de sangue humano. Ao perceber o vínculo entre Edward e Bella, James transforma a jovem em alvo de uma caçada cruel, motivada tanto pelo desafio quanto pelo prazer do perigo.

A perseguição culmina em um dos momentos mais tensos do filme, quando Bella é atraída para um antigo estúdio de balé sob a falsa promessa de que sua mãe foi capturada. O ataque de James deixa Bella gravemente ferida e à beira da transformação em vampira.

A intervenção de Edward e de sua família impede o pior, mas não sem consequências. O momento em que Edward suga o veneno do corpo de Bella simboliza, ao mesmo tempo, amor, controle e o risco constante que define a relação dos dois.

Amor eterno ou perda da humanidade?

Após se recuperar, Bella retorna à rotina escolar e participa do baile de primavera, onde compartilha um momento de aparente normalidade com Edward. No entanto, a tranquilidade é ilusória. Bella expressa seu desejo de se tornar vampira, para que possam permanecer juntos para sempre.

Esse pedido, longe de ser apenas romântico, levanta questões centrais da saga: até que ponto vale a pena abrir mão da própria humanidade por amor? Quem toma essa decisão — e com quais consequências?

Esses dilemas, vistos hoje, ganham novas camadas de interpretação, especialmente quando considerados sob a ótica de uma Kristen Stewart adulta, consciente e criativamente inquieta.

O que um reboot dirigido por Kristen Stewart poderia representar

Imaginar Crepúsculo sob a direção de Kristen Stewart é imaginar uma obra mais introspectiva, talvez menos idealizada e mais ancorada em conflitos internos. Como cineasta, Stewart tem demonstrado interesse por narrativas autorais, personagens complexos e atmosferas menos convencionais.

Um reboot poderia aprofundar a subjetividade de Bella, explorar com mais densidade suas escolhas e dar maior protagonismo à sua voz. Em vez de apenas repetir fórmulas, a nova versão poderia dialogar com temas contemporâneos como identidade, consentimento, amadurecimento emocional e relações de poder.

Não se trata de corrigir o passado, mas de reinterpretá-lo com a bagagem de quem viveu o impacto da saga por dentro — e agora enxerga suas nuances com distanciamento crítico e sensibilidade artística.

MasterChef Celebridades desta terça (6) entra em clima de semifinal com prova de moqueca criativa e sobremesas carregadas de memória

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Foto: Melissa Haidar/Band

A próxima terça, 6 de janeiro de 2026, promete fortes emoções para os fãs do MasterChef Celebridades. A Band exibe, a partir das 22h20, o oitavo episódio da temporada, que marca a entrada definitiva do reality em sua fase mais decisiva. Restando apenas cinco competidores, qualquer erro pode ser fatal, e cada prato passa a valer muito mais do que elogios: está em jogo uma vaga direta na semifinal. Dodô, Gilmelândia, Julianne Trevisol, Maurren Maggi e Valesca Popozuda formam o Top 5 e sabem que, a essa altura da competição, não há espaço para improvisos sem estratégia.

Caixa Misteriosa desafia criatividade e identidade dos participantes

Logo no início da noite, a famosa Caixa Misteriosa surge como o primeiro grande obstáculo. Dentro dela, ingredientes que exigem sensibilidade e domínio técnico, como diferentes tipos de peixes, frutas e frutos do mar. A regra é simples, mas estratégica: cada participante deve escolher um insumo diferente para criar uma moqueca totalmente autoral. Os jurados esperam pratos que respeitem a tradição da moqueca, mas que também revelem o estilo e a assinatura de cada celebridade. Com o tempo correndo e escolhas difíceis pela frente, o clima de tensão toma conta da cozinha.

Uma vaga na semifinal muda completamente o jogo

O peso da prova aumenta ainda mais com a recompensa em disputa. O dono do melhor prato da noite garante a primeira vaga direta na semifinal, um privilégio que pode redefinir o rumo da competição. Para isso, será preciso agradar o paladar criterioso de Erick Jacquin, Helena Rizzo e Henrique Fogaça, atentos a cada detalhe de sabor, textura e apresentação.

Doce favorito vira teste de empatia e estratégia

Na etapa decisiva, o episódio ganha um tom ainda mais emocional. Os chefs recebem a visita especial de Diego Lozano, jurado do MasterChef Confeitaria, que chega para reforçar a análise técnica das sobremesas e compartilhar dicas valiosas.

A proposta inicial parece simples: preparar uma sobremesa favorita, daquelas que carregam memórias afetivas. No entanto, como já virou tradição no programa, a dinâmica sofre uma reviravolta. Em vez de cozinhar o próprio doce preferido, os participantes descobrem que terão de preparar a sobremesa favorita de um adversário.

Degustação às cegas coloca o paladar à prova

Antes mesmo de ligar os fogões, os famosos enfrentam um desafio surpresa: uma degustação às cegas de cupcakes com sabores exóticos e combinações inusitadas. A prova testa a sensibilidade gustativa dos competidores e pode render uma vantagem estratégica importante.

Cronômetro zerando, emoções à flor da pele

Com o relógio em contagem regressiva, a cozinha se transforma em um verdadeiro campo de batalha emocional. Cada sobremesa precisa equilibrar técnica, sabor e fidelidade ao gosto do colega homenageado. Errar o ponto, exagerar no açúcar ou descuidar da apresentação pode ser determinante.

Uma despedida amarga às portas da semifinal

Ao final do episódio, apenas um participante terá o pior desempenho e se despedirá da competição, ficando a um passo da semifinal. Para os que seguem na disputa, a sensação é de alívio momentâneo, misturada à consciência de que o nível da competição só tende a aumentar.

Giba revive glórias e mostra novos caminhos no The Noite com Danilo Gentili desta segunda (5)

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Foto: Reprodução/ Internet

Um dos maiores ícones do esporte brasileiro, Giba é o convidado especial do The Noite desta segunda-feira, 5 de janeiro, em uma entrevista que mistura emoção, bom humor e muita memória afetiva para os fãs do vôlei. Ídolo de uma geração, o ex-atleta chega ao palco do SBT disposto a revisitar conquistas históricas, contar bastidores pouco conhecidos da Seleção Brasileira e mostrar que sua trajetória vencedora não terminou com a aposentadoria das quadras.

Logo nos primeiros minutos do bate-papo com Danilo Gentili, fica evidente que o carisma que marcou sua carreira permanece intacto. Giba fala com brilho nos olhos sobre os anos mais intensos de sua vida, quando vestia a camisa da Seleção e carregava a responsabilidade de representar um país inteiro apaixonado pelo vôlei. Em tom leve, ele relembra a convivência diária com Bernardinho, técnico que se tornou sinônimo de disciplina, cobrança extrema e vitórias consecutivas.

Segundo Giba, a relação com Bernardinho nunca foi simples, mas sempre foi verdadeira. Ele descreve o treinador como alguém que enxergava além do talento, exigindo entrega total, foco mental e espírito coletivo. Para o ex-jogador, essa combinação foi determinante para transformar a Seleção Brasileira em uma potência mundial quase imbatível por mais de uma década. “A gente não entrava em quadra para participar, entrava para ganhar”, relembra, deixando claro o espírito competitivo que moldou aquele time histórico.

Entre as lembranças mais marcantes, não poderia faltar o famoso bordão “Giba neles”, eternizado nas arquibancadas e nas transmissões esportivas. Mais do que um simples grito da torcida, a frase se tornou um símbolo de confiança e identificação com o atleta. Giba conta que ouvir seu nome ecoando em ginásios lotados era, ao mesmo tempo, motivador e desafiador. Cada ponto exigia intensidade máxima, porque o público acreditava que algo especial estava prestes a acontecer.

O clima descontraído da entrevista abre espaço para histórias curiosas e situações inesperadas vividas ao longo da carreira. Giba compartilha episódios de viagens internacionais, momentos de tensão antes de decisões importantes e até situações engraçadas que só quem viveu a rotina do esporte de alto rendimento conhece. Em um dos momentos mais divertidos do programa, ele transforma os corredores do SBT em quadra improvisada e dá uma verdadeira aula prática de saque, mostrando que técnica e precisão não se perdem com o tempo.

Nascido em Londrina, no Paraná, em 23 de dezembro de 1976, Giba construiu uma trajetória que vai muito além das estatísticas impressionantes. Ainda na infância, enfrentou um dos maiores desafios de sua vida ao ser diagnosticado com leucemia. A doença quase interrompeu seus sonhos antes mesmo que eles ganhassem forma, mas a superação dessa fase difícil se tornou um marco definitivo em sua história. Para Giba, vencer o câncer foi a primeira grande vitória de muitas que ainda estavam por vir.

Após mudar-se para Curitiba, onde concluiu o ensino fundamental no Colégio Estadual Conselheiro Zacarias, ele iniciou oficialmente sua carreira esportiva em 1991, atuando pelo Círculo Militar do Paraná. A evolução foi rápida, e o talento logo o levou às seleções de base e, posteriormente, à equipe principal do Brasil. Atuando como atacante de ponta, Giba se destacou pela explosão física, inteligência tática e capacidade de decidir partidas em momentos cruciais.

Com ele em quadra, a Seleção Brasileira viveu um período praticamente ininterrupto de sucesso. Foram oito medalhas de ouro na Liga Mundial, três títulos mundiais, o ouro olímpico em Atenas 2004 e três pratas olímpicas conquistadas em Pequim 2008 e Londres 2012. O currículo ainda inclui conquistas em Copas do Mundo, Copas dos Campeões, Jogos Pan-Americanos e Campeonatos Sul-Americanos, consolidando um dos maiores legados da história do vôlei.

O reconhecimento individual também veio em momentos decisivos. Em 2006, após a conquista do Campeonato Mundial com uma vitória incontestável sobre a Polônia, Giba foi eleito o melhor jogador de vôlei do mundo. Anos depois, em 2018, seu nome foi eternizado no Hall da Fama do Vôlei, honra reservada apenas aos atletas que marcaram época e ajudaram a transformar o esporte globalmente.

Após longos anos atuando no exterior, Giba retornou ao Brasil em 2009 como grande reforço do Pinheiros/Sky. No entanto, uma sequência de lesões acabou limitando seu desempenho. Mesmo assim, ele ainda passou por equipes como Cimed, Vôlei Taubaté, além de experiências internacionais na Argentina e nos Emirados Árabes. Em agosto de 2014, anunciou oficialmente sua aposentadoria, encerrando uma carreira de 23 anos e tendo conquistado todos os títulos possíveis no vôlei.

Hoje, longe das quadras profissionais, Giba segue ativo em novos projetos. Ele se dedica a palestras motivacionais, iniciativas esportivas e ações voltadas à formação de jovens atletas, compartilhando aprendizados que vão além do esporte. No The Noite, ele deixa claro que sua missão agora é inspirar pessoas, usando sua história como exemplo de superação, disciplina e paixão.

Curta! revisita a vida e os contrastes de Cássia Eller em documentário premiado

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Foto: Reprodução/ Internet

Ícone da música brasileira e dona de uma presença de palco arrebatadora, Cássia Eller volta ao centro das atenções com a exibição do documentário Cássia Eller no canal Curta!. A produção, dirigida por Paulo Henrique Fontenelle, propõe um mergulho sensível e profundo na trajetória da cantora, que morreu precocemente aos 39 anos, em 2001, deixando um legado artístico que atravessa gerações.

Reconhecida como uma das vozes femininas mais marcantes da MPB, Cássia construiu uma carreira pautada pela intensidade. No palco, era explosiva, carismática e entregue à música. Fora dele, no entanto, revelava uma personalidade introspectiva, marcada pela timidez e por conflitos internos. Esse contraste entre a artista e a mulher é um dos fios condutores do documentário, que busca apresentar Cássia de forma humana, longe de idealizações.

Ao longo do filme, são abordados temas delicados e fundamentais para compreender sua trajetória: a relação conturbada com as drogas, o impacto do sucesso repentino, a pressão da fama, a maternidade inesperada e os desafios emocionais que acompanharam sua vida pessoal e profissional. Tudo isso é apresentado com cuidado e respeito, sem sensacionalismo, permitindo que o público se aproxime da artista de maneira honesta.

Premiado pelo público como Melhor Documentário na Mostra Internacional de Cinema de São Paulo em 2014, o longa se apoia em uma rica combinação de depoimentos, imagens de arquivo e registros íntimos. Entre os entrevistados estão familiares, amigos, jornalistas e parceiros de estrada que ajudam a construir um retrato multifacetado de Cássia Eller.

A companheira Maria Eugênia Martins, com quem a cantora manteve um relacionamento de 14 anos, compartilha relatos emocionantes sobre a convivência com Cássia e sobre a transformação quase espiritual que ela vivia ao subir no palco. Já o filho Chicão, hoje conhecido artisticamente como Chico Chico, aparece como parte fundamental dessa história, representando a continuidade do legado musical deixado pela mãe.

O documentário também reúne depoimentos de nomes importantes da música e do jornalismo cultural brasileiro, como Zélia Duncan, Nando Reis, Oswaldo Montenegro, Tárik de Souza e Arthur Dapieve. Cada um contribui com memórias, análises e observações que ajudam a contextualizar a importância de Cássia no cenário musical dos anos 1990 e início dos anos 2000.

Imagens de shows históricos, ensaios, entrevistas e momentos do cotidiano da cantora se misturam aos relatos, criando uma narrativa fluida e envolvente. Em um dos trechos mais marcantes, a própria Cássia fala sobre sua dificuldade de lidar com as pessoas e como a música se tornou um refúgio. Para ela, cantar era mais do que uma profissão: era uma forma de existir no mundo e de enfrentar seus medos.

Além da exibição no canal Curta!, o documentário também está disponível no CurtaOn – Clube de Documentários, acessível por meio do Prime Video Channels, da Amazon, da Claro TV+ e pelo site oficial da plataforma. Essa ampla distribuição permite que novas gerações descubram — ou redescubram — a força, a vulnerabilidade e a genialidade de Cássia Eller.

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