Os fãs de mistério e ação já podem se preparar: Detetive Conan: O Pentagrama de Milhões de Dólares está de volta às telas de cinema, com estreia marcada para quinta-feira, 16 de outubro. O trailer recém-divulgado pelo estúdio Sato promete uma aventura intensa, repleta de enigmas, perseguições e reviravoltas que prendem a atenção do público do início ao fim. Nessa nova produção, a cidade histórica de Hakodate se transforma em um palco de intrigas e mistérios, quando o lendário ladrão Kaito Kid anuncia o roubo de uma espada japonesa carregada de um passado enigmático e de valor inestimável.
O trailer mostra cenas eletrizantes que mesclam ação e suspense: Conan corre contra o tempo enquanto tenta impedir Kaito Kid, perseguições pelas ruas estreitas da cidade se misturam a momentos de tensão dentro de torres e templos antigos, e detalhes de um assassinato misterioso indicam que há muito mais em jogo do que apenas um simples roubo. Além disso, o teaser revela a presença de um espadachim mascarado e pistas históricas que remetem às lendárias seis espadas de Eitatsu Higashikubo, elementos que prometem intrigar tanto fãs antigos quanto novos espectadores.
A franquia que conquistou o mundo
Detetive Conan, criado por Gosho Aoyama, é mais do que um anime ou mangá: é um verdadeiro fenômeno cultural. Com mais de 1.170 episódios e 107 volumes de mangá, a história do jovem detetive Shinichi Kudo, transformado em criança pela misteriosa Organização Negra, conquistou gerações de fãs ao redor do mundo. Sob o pseudônimo de Conan Edogawa, ele mantém uma vida dupla: aparenta ser apenas um garoto de 7 anos, mas possui a mente de um detetive brilhante, capaz de resolver os casos mais complexos.
O sucesso da franquia não se limita ao Japão. Globalmente, Detetive Conan já ultrapassou 38 milhões de visualizações na Netflix, consolidando-se como uma das três franquias de anime mais assistidas da plataforma. No Brasil, os fãs podem acompanhar os filmes no HBO Max e Prime Video, enquanto a série original está disponível no Crunchyroll e na Netflix. No Japão, o filme anterior, lançado em 2024, foi a maior bilheteria do ano, arrecadando cerca de R$500 milhões, superando grandes blockbusters internacionais.
Sinopse: mistério, ação e emoção
Em “O Pentagrama de Milhões de Dólares”, a história se passa em Hakodate, onde Kaito Kid anuncia o roubo de duas espadas que fazem parte do tesouro secreto da família Onoe. A notícia desperta a atenção de Conan Edogawa e seu amigo Heiji Hattori, que estão na cidade para participar de um torneio de kendo. O que parecia ser apenas mais um caso para o detetive infantil se transforma rapidamente em uma teia de mistérios, rivalidades e desafios.
Entre perseguições, confissões amorosas atrapalhadas e competições de kendo, o enredo ganha complexidade quando um assassinato é descoberto e um espadachim mascarado surge. O público acompanha a investigação de Conan enquanto ele desvenda pistas ligadas às lendárias seis espadas de Eitatsu Higashikubo, que escondem um tesouro capaz de mudar o destino de famílias inteiras. A narrativa mistura ação, tensão, enigmas históricos e emoção, oferecendo uma experiência completa para fãs de todas as idades.
Kaito Kid: o charme do ladrão mais famoso
Um dos grandes atrativos do filme é a presença de Kaito Kid, o ladrão de habilidades excepcionais, cuja inteligência rivaliza com a de Conan. Cada aparição de Kid no trailer mostra sua capacidade de transformar qualquer roubo em um verdadeiro espetáculo. Ele desafia não apenas as autoridades, mas também a mente de Conan, criando um embate fascinante entre detetive e criminoso.
A relação entre os dois personagens é marcada por respeito mútuo e uma espécie de jogo de inteligência constante. Conan reconhece a genialidade de Kid, enquanto este parece se divertir com a sagacidade do detetive. Esse embate garante cenas memoráveis e mantém a narrativa dinâmica, equilibrando suspense, humor e emoção.
Produção e qualidade visual
O filme é produzido pelo renomado estúdio Sato Animation Studio, conhecido pela atenção aos detalhes e pela animação de alta qualidade. No trailer, é possível notar a riqueza dos cenários, a fluidez das cenas de ação e o cuidado com os efeitos visuais que tornam a experiência mais imersiva. Cada rua, templo e sala do cenário de Hakodate é recriada com fidelidade, permitindo que o público se sinta parte da investigação.
A trilha sonora complementa a tensão das cenas, alternando entre momentos de suspense, ação e emoção, enquanto a animação destaca cada movimento das espadas, cada salto e cada corrida pelas ruas da cidade. Esses elementos garantem que a experiência cinematográfica seja completa, mantendo o público envolvido do início ao fim.
O legado de Detetive Conan
Mais do que entretenimento, Detetive Conan tem um impacto cultural significativo. A série estimula o raciocínio lógico, a atenção aos detalhes e o espírito investigativo, tornando cada episódio ou filme uma experiência educativa e divertida. Muitos fãs relatam que acompanhar os casos de Conan despertou seu interesse por mistério, lógica e análise crítica.
No Brasil, a série também contribuiu para popularizar o anime, ajudando a consolidar uma base de fãs apaixonada que acompanha não apenas os episódios e filmes, mas também debates, teorias e eventos relacionados à franquia. O lançamento de cada novo filme, portanto, é um momento aguardado por toda a comunidade, reunindo fãs de diferentes idades em torno da mesma paixão.
O mundo do esporte profissional nunca pareceu tão eletrizante e apaixonante. É exatamente essa combinação que promete Heated Rivalry, a nova série LGBTQ+ anunciada pelo serviço de streaming Crave, com estreia marcada para 28 de novembro. Baseada no segundo livro da série Game Changers, da autora best-seller Rachel Reid, a produção mergulha na intensidade de um romance secreto entre dois astros do hóquei profissional, mostrando os desafios de manter um relacionamento oculto em meio à pressão da carreira e da rivalidade esportiva.
O trailer divulgado pelo Crave destaca o contraste entre a competitividade do esporte e o romance secreto. As primeiras cenas mostram partidas intensas entre Montreal e Boston, com o som dos patins no gelo e os gritos da torcida aumentando a sensação de urgência e rivalidade. Em cortes rápidos, Shane e Ilya aparecem em encontros privados, trocando olhares carregados de emoção e gestos que revelam tanto desejo quanto conflito. Abaixo, confira o vídeo:
A história acompanha Shane Hollander, capitão do Montreal Voyageurs, e Ilya Rozanov, estrela do Boston Bears. Enquanto a mídia e os fãs os veem como inimigos declarados, trocando provocações e disputando cada ponto com ferocidade, a verdade é muito diferente: longe dos holofotes, os dois vivem um romance intenso e clandestino. A narrativa de Reid explora não apenas a paixão entre eles, mas também os dilemas de identidade, coragem e escolha em um ambiente que não aceita fragilidade emocional.
O elenco principal de Heated Rivalry traz Hudson Williams (Tracker, Allegiance) como Shane Hollander e Connor Storrie (Joker: Folie à Deux, April X) como Ilya Rozanov. Entre os coadjuvantes, François Arnaud (The Borgias, Blindspot), Robbie G.K. (Overcompensating, The House Call), Sophie Nélisse (Yellowjackets, The Book Thief), Ksenia Daniela Kharlamova (The Boarding School Murders), Dylan Walsh (Nip/Tuck, The Stepfather) e Christina Chang (The Good Doctor, 24) completam o time, garantindo talento e experiência na tela.
A frase sintetiza o núcleo dramático da série: a luta constante entre a vida pública e os sentimentos que ambos precisam controlar. Reid constrói um enredo que vai além do romance, trazendo reflexão sobre aceitação, coragem e a complexidade dos relacionamentos LGBTQ+ em ambientes conservadores e competitivos.
No livro original, Reid já é conhecida por criar personagens profundamente humanos. Shane é disciplinado, meticuloso e constantemente pressionado a manter sua imagem profissional impecável. Ilya, por outro lado, é talentoso, provocador e impossível de ignorar, criando uma tensão irresistível entre os dois. O contraste entre suas personalidades gera não apenas conflitos internos, mas também momentos de grande química e vulnerabilidade.
No capítulo da novela A.Mar que vai ao ar hoje, 10 de outubro, Estrella comunica aos empregados de seu pai que pretende se tornar capitã, mas enfrenta rejeição imediata: eles se recusam a aceitar que uma mulher lidere o trabalho. Enquanto isso, Gertrudis manipula Yazmín, fazendo-a acreditar que Fabián recuperou a custódia legal dela, e pede que seja a única a se opor ao pai.
Mais tarde, Estrella se prepara para ir pescar, mas ao tentar mover o barco, cai, dando espaço para Tiburón zombar dela e questionar sua capacidade de trabalhar. No meio dos conflitos, Estrella percebe que Érika está intervindo em seus problemas com Fabián e a adverte para se manter afastada. Em silêncio, Érika promete que não descansará até ver Estrella fora da cidade, reforçando o clima de tensão e rivalidade que cerca a protagonista.
O que vai rolar nos próximos capítulos de A.Mar?
O clima na pesca esquenta quando Fabián culpa Estrella por cortar suas redes e decide levar toda a sua pesca. Determinada, Estrella o impede e, furiosa, pega uma das caixas de peixe e a esvazia em cima dele, mostrando que não se deixará intimidar. Ao descobrir que foi Tiburón quem realmente cortou as redes, ela alerta Fabián de que ele acabou caindo em sua própria armadilha, comparando o traidor a um “tubarão” que mordeu a própria cauda.
Enquanto isso, Perla se desfaz em lágrimas ao se lembrar das maldades de Tiburón e dos momentos em que sofreu por sua culpa. Fabián demonstra preocupação ao perceber que Estrella e sua família ficarão responsáveis por toda a pesca, mas ela o repreende, lembrando que ele deveria se preocupar com seus próprios empregados, já que colocou um traidor em sua tripulação.
No meio de tanta tensão, Yazmín pede a Fabián que agradeça a Érika por convencê-la a morar com ele. Ela confessa estar profundamente apaixonada, mas teme que Fabián acabe destruindo sua vida como fez com a dela e com a mãe. Furioso, Fabián reclama com Érika por se intrometer nos assuntos da filha e garante que não a perdoará por atrapalhar seus planos.
Perla, por sua vez, repreende Brisa por não ter ajudado na pescaria, enquanto Estrella tenta acalmar as irmãs e pede que cada uma faça a sua parte. Com coragem renovada, Perla enfrenta Fabián e reafirma que Tiburón foi o verdadeiro responsável pelo corte das redes, deixando claro que a injustiça não passará em branco.
São Paulo se prepara para receber um dos maiores nomes da música brasileira: Fábio Jr. O artista sobe ao palco do Suhai Music Hall no dia 18 de outubro com sua nova turnê “Bem Mais Que os Meus 20 e Poucos Anos”, um espetáculo que celebra décadas de carreira e conquistas, mostrando a versatilidade de um artista que marcou gerações com sua voz única e carisma inconfundível.
A apresentação vai além da execução de grandes sucessos. Com uma produção moderna e cenários impactantes, o show é estruturado em blocos temáticos que contam a trajetória de Fábio Jr., reunindo momentos históricos de sua carreira como cantor, compositor, ator, apresentador e poeta. O público poderá vivenciar memórias afetivas por meio de vídeos de novelas, registros pessoais e imagens inéditas, criando uma experiência completa e envolvente.
O espetáculo apresenta hits que atravessaram décadas e continuam emocionando fãs de todas as idades. Canções como “Só Você”, “Pai”, “Alma Gêmea”, “Senta Aqui” e “20 e Poucos Anos” compõem o repertório, proporcionando uma verdadeira viagem pela história musical do artista. Cada música é acompanhada de elementos visuais e cenográficos que intensificam a emoção e a conexão com o público.
Além de revisitar sua carreira, a turnê também oferece reflexões sobre a vida e o amor, sempre com a leveza e a paixão que definem a essência de Fábio Jr. A combinação de música, imagens e lembranças cria uma narrativa afetiva, permitindo que fãs de todas as idades se conectem com a trajetória do artista de maneira profunda e emocionante.
Com mais de 30 álbuns lançados e inúmeras canções presentes em trilhas sonoras de novelas brasileiras, Fábio Jr. continua conquistando corações por onde passa. A turnê em São Paulo representa uma oportunidade única de acompanhar de perto a energia e o talento de um artista que permanece relevante e inspirador, consolidando sua posição como ícone da cultura nacional.
A apresentação tem duração aproximada de 1h30 e oferece ao público uma experiência completa, marcada por emoção, nostalgia e surpresas visuais que tornam a noite inesquecível. O espetáculo reforça a importância da música brasileira e celebra a trajetória de um artista que se mantém no coração do público há décadas.
Quando se pensa em Tron, imediatamente vem à mente um universo digital único, onde luzes de neon iluminam circuitos e arenas virtuais se tornam palcos de batalhas memoráveis. O clássico de 1982 já impressionava pelo seu design inovador e pela ousadia de transportar o público para dentro de um computador, criando uma experiência cinematográfica praticamente inédita na época. Dez anos após Tron: O Legado, a Walt Disney Pictures finalmente lança Tron: Ares, a terceira parcela da franquia, dirigida por Joachim Rønning e estrelada por Jared Leto, Greta Lee, Evan Peters, Jodie Turner-Smith, Gillian Anderson e Jeff Bridges. Mas a pergunta que paira no ar é inevitável: vale a pena conferir este novo capítulo?
O filme tem a difícil tarefa de equilibrar duas frentes: honrar a estética digital que marcou o universo Tron e, ao mesmo tempo, dialogar com questões contemporâneas sobre tecnologia, identidade e poder. No entanto, essa ambição, embora louvável, se choca com uma execução que frequentemente se mostra confusa e superficial.
Um legado cinematográfico que pesa
Para entender as expectativas que cercam Tron: Ares, é preciso revisitar a história conturbada da produção. Desde 2010, logo após o lançamento de O Legado, a ideia de uma sequência já circulava entre os criadores. Roteiros foram reescritos diversas vezes, diretores e atores mudaram, e títulos provisórios como Tron: Ascension surgiram e desapareceram. A Disney, com sua postura cautelosa, adiou indefinidamente o projeto, enquanto os fãs aguardavam ansiosamente por uma continuação que pudesse expandir o universo estabelecido. Esse histórico cria uma pressão dupla: o longa precisa satisfazer tanto os fãs antigos quanto atrair novos espectadores em um mercado saturado de ficção científica.
A narrativa original de Tron se destacava por sua coerência interna: o mundo digital tinha regras claras, um estilo visual próprio e personagens que, apesar da artificialidade, transmitiam emoções e dilemas compreensíveis. Tron: Ares, por outro lado, parece se perder em meio à nostalgia, tentando recriar o brilho visual dos filmes anteriores sem oferecer uma trama igualmente robusta. A sensação é de que o filme se apoia mais na memória afetiva do público do que em suas próprias qualidades.
Um elenco de peso, mas subaproveitado
Jared Leto assume o papel-título como Ares, mas sua presença, embora visualmente marcante, não é suficiente para salvar o roteiro. Greta Lee como Eve Kim e Evan Peters como Julian Dillinger oferecem performances corretas, mas a falta de profundidade nos personagens impede qualquer conexão emocional significativa com o público. Jodie Turner-Smith, no papel de Athena, é uma das poucas a demonstrar energia e intenção dramática, mas seus momentos são isolados e pouco explorados.
Jeff Bridges retorna como Kevin Flynn, trazendo uma pontinha de nostalgia e credibilidade ao filme, mas até mesmo ele parece limitado pelo roteiro, incapaz de imprimir a complexidade de antes. Gillian Anderson, sempre elegante, desempenha Elisabeth Dillinger com classe, mas sua função na história é periférica, reforçando a sensação de que o longa falha em criar protagonistas memoráveis ou relacionamentos convincentes.
Essa lacuna entre elenco e narrativa é crucial: quando os personagens não têm motivação clara ou desenvolvimento coerente, mesmo os atores mais talentosos não conseguem segurar a trama. Em Tron: Ares, o público é constantemente lembrado de que está diante de uma obra que prioriza o espetáculo visual em detrimento da construção emocional.
Estética e ação: brilho sem substância
Visualmente, Tron: Ares é um deleite. A produção investe pesado em efeitos especiais, cenários digitais e sequências de ação que remetem à identidade visual da franquia. As motos de luz, as arenas e a transposição do mundo digital para o urbano impressionam e comprovam o domínio técnico da equipe. No entanto, a estética, por mais impressionante que seja, funciona muitas vezes de maneira isolada, sem integrar-se à narrativa.
As perseguições e batalhas, embora visualmente coreografadas com precisão, carecem de tensão real. A sensação de perigo e urgência, que era fundamental no primeiro filme, é substituída por um show de luzes e efeitos. A tecnologia, que no universo original tinha um propósito narrativo claro, aqui é exibida como fim em si mesma. O resultado é uma experiência que encanta os olhos, mas deixa o espectador emocionalmente distante.
A trilha sonora, grandiosa e energética, cumpre parcialmente o papel de preencher essas lacunas. Porém, em vez de fortalecer a narrativa, funciona mais como um colchão sonoro, destacando ainda mais o vazio da história central. Sequências inteiras parecem clipes estilizados, lindos de ver, mas sem carga dramática ou impacto duradouro.
Problemas de roteiro e narrativa
O maior desafio de Tron: Ares está no roteiro. Jesse Wigutow e Jack Thorne tentam construir uma história que dialogue com o mundo contemporâneo, abordando temas como obsessão tecnológica, consumismo e o impacto da mídia digital. No entanto, essas reflexões permanecem superficiais. Diálogos pouco inspirados e personagens que agem sem motivação consistente minam qualquer tentativa de crítica social ou filosófica.
O filme parece dividido entre duas ideias conflitantes: reviver a nostalgia de O Legado e, simultaneamente, atualizar o universo para um público moderno. Infelizmente, nenhuma das duas vertentes é explorada com profundidade. Referências ao passado funcionam mais como comparações do que como homenagem, lembrando ao espectador do quanto o original era ousado e inventivo. Em vez de expandir o universo, Ares se contenta em repetir fórmulas seguras, evitando riscos criativos que poderiam gerar momentos memoráveis.
Nostalgia versus inovação
A nostalgia é uma faca de dois gumes em Tron: Ares. Ela garante um reconhecimento imediato, mas também destaca as falhas do filme. Onde o primeiro Tron impressionava por sua inovação e coragem estética, Ares se apega a elementos já testados, sem ousar realmente. Cada piscadela para o passado reforça a sensação de que a produção teme criar algo novo, e isso enfraquece o impacto da história.
O desafio era enorme: revitalizar uma franquia cultuada, mantendo a identidade visual e conceitual, e ainda assim oferecer algo inovador. A decisão de transpor a ação para o mundo real poderia ter sido uma oportunidade de ouro, criando sequências eletrizantes que explorassem o contraste entre digital e físico. No entanto, a execução segura e previsível resulta em momentos que impressionam mais pela técnica do que pelo storytelling.
Tron: Ares e o déficit emocional
Se há um ponto crítico em Tron: Ares, é a ausência de conexão emocional. Personagens pouco desenvolvidos, motivação confusa e diálogos superficiais tornam difícil qualquer empatia. O público não se preocupa verdadeiramente com os riscos enfrentados, e os conflitos parecem mais decorativos do que centrais. Efeitos visuais e conceitos futuristas não substituem a necessidade de narrativa sólida ou envolvimento emocional.
Em Tron: O Legado, a relação entre Sam e Quorra era um dos pilares que sustentava a trama, oferecendo uma tensão emocional e uma história de aprendizado e descoberta. Em Ares, relações semelhantes existem, mas são diluídas por excesso de exposição visual e falta de profundidade dramática. A sensação é de um filme fragmentado, bonito de ver, mas frio para sentir.
Vale a pena assistir?
Tron: Ares é, sem dúvida, uma experiência visual marcante. Para aqueles que buscam efeitos especiais, cores neon e uma transposição digital-realidade, o filme oferece momentos de grande beleza estética. Porém, quando se olha para além da superfície, a obra revela suas fragilidades: narrativa fraca, personagens pouco desenvolvidos, diálogos insatisfatórios e um apego à nostalgia que impede inovação.
Se você é um fã de longa data da franquia, provavelmente assistirá motivado pela curiosidade e pela lembrança afetiva de Tron: O Legado. Nesse caso, prepare-se para se deslumbrar com o visual, mas aceite que a experiência emocional e narrativa será limitada. Para novos espectadores, Ares pode funcionar como entretenimento escapista, mas dificilmente criará conexão duradoura ou provocará reflexão sobre os temas que pretende abordar.
Em última análise, Tron: Ares é um filme que impressiona mais pela forma do que pelo conteúdo. Ele cumpre parcialmente o papel de expandir o universo Tron, mas esquece que a força real da franquia sempre esteve na combinação equilibrada de estética, narrativa e ideias provocativas. Sem personagens memoráveis ou tensão dramática, o longa se torna um espetáculo visual bonito, porém vazio.
As salas de cinema de todo o país recebem, nesta quinta-feira, 9 de outubro, uma programação repleta de novidades e experiências para todos os gostos. Dos universos futuristas e tecnológicos às aventuras cheias de fantasia, passando por comédias leves e dramas intensos, as estreias desta semana prometem emocionar, divertir e surpreender o público. Entre os destaques, estão Tron: Ares, o aguardado retorno da franquia de ficção científica da Disney; A Casa Mágica da Gabby, uma animação encantadora que mistura imaginação e afeto; e Perrengue Fashion, comédia nacional dirigida por Flávia Lacerda que aborda de forma divertida os dilemas do mundo digital, da fama e das relações familiares.
Mas as novidades não param por aí. Os fãs de suspense e terror ganham uma estreia vinda da Coreia do Sul: Ruídos (Noise), um filme que promete deixar o público sem fôlego ao acompanhar a jornada de uma jovem com deficiência auditiva em busca da irmã desaparecida — um verdadeiro mergulho no medo e no mistério, com forte influência do terror asiático. Já quem prefere histórias densas e provocativas pode se interessar por Depois da Caçada, novo drama de Luca Guadagnino, diretor de Me Chame Pelo Seu Nome, que explora segredos, ética e as consequências das escolhas pessoais e profissionais em um ambiente universitário.
Em um mundo onde a imaginação é a ponte entre gerações, “A Casa Mágica da Gabby” surge como um daqueles filmes que encantam tanto crianças quanto adultos, oferecendo uma viagem colorida, divertida e repleta de significados. Dirigido por Ryan Crego, o longa é inspirado na popular série animada infantil A Casa Mágica da Gabby (Gabby’s Dollhouse), sucesso da DreamWorks em parceria com a Netflix. Desta vez, a história ganha vida nas telonas em um formato inédito, com uma aventura que mistura fantasia e emoção, mantendo o coração acolhedor da série original.
A trama acompanha Gabby, uma menina criativa e sonhadora que parte em uma viagem de carro com sua avó Gigi rumo à metrópole encantada de Cat Francisco — um lugar onde o mundo humano e o universo dos gatos mágicos se cruzam. A viagem, que inicialmente seria apenas um passeio entre avó e neta, logo se transforma em uma jornada de autodescoberta.
No caminho, algo inesperado acontece: a casa de bonecas da Gabby, seu objeto mais querido e símbolo de sua infância, acaba indo parar nas mãos de Vera, uma excêntrica senhora dos gatos que vive cercada de mistérios e miados. Determinada a recuperar seu tesouro, Gabby embarca em uma aventura que desafia as fronteiras entre a fantasia e o mundo real, levando-a a redescobrir o verdadeiro valor das memórias, da amizade e da conexão familiar.
Sob a direção sensível de Ryan Crego, conhecido por seu trabalho em Arlo, o Menino Jacaré, o filme aposta em um tom poético e visualmente vibrante. A animação mescla sequências em 3D com trechos em live action, criando uma estética híbrida que reforça a sensação de transitar entre dimensões — o real e o imaginário, o tangível e o afetivo.
Crego, que já demonstrou domínio em histórias com mensagens emocionais, aposta aqui em uma narrativa que celebra a infância, mas não ignora o crescimento. Ele conduz o público por um caminho de cores suaves, texturas aconchegantes e uma trilha sonora envolvente que acompanha o amadurecimento da protagonista.
Em meio a filtros, hashtags e campanhas publicitárias, Perrengue Fashion surge como uma das comédias nacionais mais carismáticas e espirituosas do ano. Dirigido por Flávia Lacerda, o filme combina humor e emoção em doses equilibradas, convidando o público a rir, refletir e se identificar com as confusões de uma mulher que precisa reencontrar a si mesma quando o mundo perfeito das redes sociais começa a ruir.
Com 94 minutos de duração, o longa aposta em um ritmo leve, diálogos ágeis e um elenco afinado para discutir temas muito atuais: a pressão por aparência, o distanciamento entre gerações e a importância de se reconectar com o que realmente importa — sem deixar o estilo de lado, é claro.
A protagonista Paula, interpretada de forma envolvente por uma atriz que entrega carisma e autenticidade, é uma influenciadora de moda e lifestyle que parece ter a vida perfeita. Entre campanhas publicitárias, viagens e parcerias com marcas de luxo, ela construiu uma imagem pública impecável — até o dia em que tudo começa a sair do controle.
A trama se desenrola quando Paula é convidada para estrelar uma campanha de Dia das Mães ao lado do filho Cadu, um jovem inteligente e sensível que estuda em uma conceituada universidade dos Estados Unidos. O projeto parece a oportunidade ideal para fortalecer a imagem da família nas redes, mas o plano desanda quando Cadu decide abandonar a faculdade e se mudar para o interior do Amazonas, em busca de propósito e conexão com a natureza.
Determinada a convencê-lo a voltar, Paula embarca em uma viagem até a floresta amazônica — um cenário completamente oposto ao seu cotidiano glamouroso. O que era para ser uma rápida visita se transforma em uma jornada de autodescoberta, amor e amadurecimento, onde ela terá de lidar com a falta de sinal de internet, roupas sujas de barro e, principalmente, com as próprias emoções.
O diretor Luca Guadagnino, conhecido por obras intensas e sensoriais como Me Chame Pelo Seu Nome e Suspiria, retorna aos cinemas com Depois da Caçada, um drama psicológico que desafia o público a refletir sobre ética, poder e memória. Com 139 minutos de duração, o longa combina a estética refinada do cineasta com um roteiro repleto de camadas morais e dilemas humanos, transformando uma simples acusação acadêmica em uma complexa teia de segredos e consequências.
A história gira em torno de Anne, uma respeitada professora universitária que vive um momento estável da carreira e da vida pessoal — até que um de seus alunos mais talentosos e conhecidos faz uma grave acusação contra um colega professor. O caso rapidamente se transforma em um escândalo que divide a instituição, coloca reputações em jogo e ameaça desmoronar a fachada de excelência acadêmica.
No entanto, o verdadeiro conflito surge quando um segredo sombrio do passado de Anne ameaça vir à tona. À medida que o escândalo cresce, ela precisa enfrentar não apenas as pressões externas, mas também suas próprias culpas, contradições e a linha tênue entre lealdade e cumplicidade.
O roteiro explora com maestria o efeito dominó das decisões morais — mostrando como o desejo de proteger uma carreira ou uma imagem pode corroer lentamente o que resta de integridade. “Depois da Caçada” é menos sobre quem está certo ou errado, e mais sobre o peso insuportável de viver com o que foi varrido para debaixo do tapete.
Entre os lançamentos desta quinta, Ruídos é uma das produções que promete arrepiar até os espectadores mais acostumados ao terror asiático. Vindo direto da Coreia do Sul, o longa-metragem apresenta uma narrativa densa, atmosférica e emocionalmente intensa, que mistura elementos de suspense psicológico com o terror sobrenatural. A trama acompanha Ju-young, uma jovem com deficiência auditiva que se vê mergulhada em um mistério angustiante quando sua irmã desaparece sem deixar vestígios. O desaparecimento acontece dentro do próprio apartamento da família, um local que logo se torna palco de experiências assustadoras e ruídos inexplicáveis.
Determinada a descobrir o que aconteceu, Ju-young inicia uma investigação solitária, mas logo percebe que o silêncio ao seu redor é tão ameaçador quanto o barulho. Sons sutis, vozes distantes e ecos misteriosos a perseguem em uma espiral de paranoia e medo crescente. A jovem, interpretada com uma entrega impressionante pela atriz principal, traduz na tela o terror invisível que surge quando a realidade começa a se distorcer — e o público é arrastado junto para dentro dessa atmosfera de inquietação.
Com a ajuda do namorado da irmã desaparecida, Ju-young começa a desvendar segredos que vão muito além do que poderia imaginar. Cada novo indício revela algo mais perturbador, construindo uma sensação de desespero crescente e conduzindo o espectador a questionar o que é real e o que é fruto de uma mente abalada pelo trauma.
O longa é dirigido por Kim Soo-jin, que demonstra um domínio notável sobre o gênero. A direção é precisa e sensorial — cada movimento de câmera e cada ruído têm uma função narrativa, potencializando o medo sem recorrer a sustos fáceis. A escolha de acompanhar uma protagonista surda adiciona uma camada extra de tensão e originalidade, explorando o som não apenas como elemento técnico, mas como parte da própria identidade da história. O silêncio, aqui, é tão poderoso quanto o barulho.
Inspirado nas tradições do J-horror e do K-horror, Ruídos aposta em uma atmosfera de terror psicológico e sobrenatural mais sutil, focada na sugestão e na tensão constante. O espectador não é apenas convidado a assistir — ele é envolvido, colocado no mesmo estado de alerta que a protagonista sente ao tentar compreender o que está acontecendo ao seu redor.
Entre as grandes estreias da semana, Tron: Ares é, sem dúvida, uma das mais aguardadas pelos fãs de ficção científica e tecnologia. O novo capítulo da icônica franquia da Disney chega aos cinemas nesta quinta-feira (9) prometendo expandir o universo digital que conquistou gerações desde o lançamento do primeiro Tron, em 1982. Dirigido por Joachim Rønning, o longa é uma aventura visualmente ambiciosa que mistura ação, filosofia e questionamentos éticos sobre o papel da Inteligência Artificial no mundo contemporâneo.
A trama acompanha Ares, um sofisticado programa criado dentro do universo digital que, inesperadamente, é enviado ao mundo real para cumprir uma missão de extrema importância — e perigo. É a primeira vez que a humanidade entra em contato direto com uma forma de vida artificial consciente, o que transforma o enredo em uma reflexão sobre os limites da criação tecnológica e a definição do que é “real”.
Enquanto o primeiro Tron explorava o fascínio pelos primeiros sistemas de computador e Tron: O Legado (2010) expandia o visual e a mitologia da “Grade”, Tron: Ares dá um passo além: ele traz o universo digital para dentro do nosso mundo físico. O resultado é um choque de realidades, onde humanos e programas coexistem — e onde a linha entre criador e criatura se torna perigosamente tênue.
O protagonista, interpretado com carisma e intensidade, é apresentado como uma entidade complexa, que precisa aprender a lidar com sentimentos humanos, moralidade e livre-arbítrio. Ao mesmo tempo, os personagens humanos da história representam a busca por controle sobre aquilo que criaram — um tema que dialoga diretamente com as discussões atuais sobre IA, ética e consciência artificial.
Visualmente, o filme é um espetáculo. O diretor Joachim Rønning — conhecido por seu trabalho em Piratas do Caribe: A Vingança de Salazar — aposta em uma estética futurista refinada, com uso criativo de luzes de néon, cores vibrantes e efeitos visuais de ponta. Cada cena parece cuidadosamente desenhada para imergir o espectador em uma experiência sensorial, misturando o real e o virtual de forma quase hipnótica.
A trilha sonora, com fortes influências eletrônicas e batidas sintetizadas, presta homenagem à icônica trilha de Tron: O Legado, assinada pelo Daft Punk, enquanto adiciona novas camadas sonoras que reforçam o clima de tensão e descoberta. O resultado é uma ambientação sonora que complementa a narrativa e dá ritmo às cenas de ação e contemplação.
Tron: Ares chega aos cinemas com a responsabilidade de carregar o legado de uma das franquias mais icônicas da ficção científica digital. O filme, no entanto, rapidamente demonstra que seu maior problema não é a ambição, mas a execução. Tentando equilibrar duas frentes — reviver a estética digital que marcou o universo Tron e dialogar com questões contemporâneas sobre tecnologia e sociedade —, a produção acaba sendo um híbrido confuso, incapaz de cumprir plenamente qualquer uma dessas propostas. O resultado é um filme que impressiona visualmente, mas carece de substância narrativa, oferecendo nostalgia sem propósito.
O primeiro Tron se destacou por sua ousadia estética e pela criação de um universo digital coerente, quase surreal, que se sustentava por ideias originais e um design inovador. Tron: Ares parece ter esquecido essa lição. A decisão de transpor a ação digital para o mundo real, que poderia gerar sequências memoráveis e eletrizantes, é tratada de forma segura e previsível. As perseguições de motos digitais pelo trânsito urbano, por exemplo, parecem coreografadas mais para impressionar visualmente do que para criar tensão ou emoção. Há momentos em que a tecnologia é exibida como fim em si mesma, em vez de instrumento para narrativa ou desenvolvimento de personagens.
Mesmo os poucos pontos positivos, como a trilha sonora, não conseguem sustentar a experiência. A música, de fato grandiosa e energética, tenta preencher lacunas narrativas e emocionais, mas funciona mais como um colchão sonoro para o vazio da história do que como elemento integrador. Algumas sequências parecem mais clipes estilizados do que partes de uma narrativa coerente, evidenciando a fragilidade estrutural do roteiro.
Narrativamente, Tron: Ares é superficial. Os personagens se movem sem motivações claras, e os diálogos pouco inspirados não ajudam na construção de empatia. O filme insinua reflexões sobre a obsessão tecnológica, o consumismo e o hype midiático, mas não se aprofunda. Os temas permanecem na superfície, sem impacto dramático, sem consequências para a trama e, sobretudo, sem criar sentido para a audiência.
O apego à nostalgia é evidente e paradoxalmente prejudicial. Referências ao passado lembram o público do quão ousado o original foi, mas não acrescentam nada de novo. Em vez de expandir o universo, o filme repete fórmulas seguras, evitando riscos criativos e desperdiçando o potencial de um mundo que poderia ter sido explorado de maneiras mais inventivas e corajosas. Cada piscadela ao passado funciona mais como comparação do que como homenagem.
O maior déficit de Tron: Ares é emocional. Sem personagens memoráveis ou tensão real, o filme falha em criar qualquer conexão duradoura com o espectador. Efeitos visuais e conceitos futuristas não substituem a narrativa ou a capacidade de envolver emocionalmente. Um Tron memorável sempre foi sobre imersão: um mundo digital fascinante em que estética, enredo e ideias se entrelaçam. Aqui, cada elemento parece isolado, incapaz de formar um todo coeso.
Em última análise, Tron: Ares se apresenta como um espetáculo visual, mas padece de substância. Poderia ter sido um renascimento ousado de um universo icônico, mas se transforma em uma experiência superficial, dominada por nostalgia e efeitos sem propósito. Visualmente competente e, em certos momentos, esteticamente prazeroso, o filme fracassa em construir história, tensão e personagens. É uma oportunidade perdida que evidencia a dificuldade de inovar em franquias consagradas: é mais fácil repetir fórmulas do que ousar.
Desde sua estreia em 25 de setembro, Desobedientes se tornou rapidamente um dos grandes destaques da Netflix, conquistando o topo das produções mais assistidas da plataforma. Criada e estrelada por Mae Martin, a série canadense promete mistério, suspense e drama adolescente em uma cidade aparentemente tranquila, mas que esconde segredos sombrios. No entanto, se por um lado a produção consegue prender a atenção do público, seu final levanta questões sobre escolhas narrativas e coerência de roteiro.
A trama acompanha Abbie (Sydney Topliffe) e Leila (Alyvia Alyn Lind), duas adolescentes enviadas à clínica Tall Pines por mau comportamento. Liderada pela enigmática Evelyn Wade (Toni Collette), a instituição exerce controle absoluto sobre os internos, alternando métodos de manipulação psicológica e doutrinação. A chegada do policial Alex Dempsey (Mae Martin) à cidade cria uma terceira perspectiva, de fora do sistema, que busca investigar os segredos da clínica e proteger os jovens da influência de Evelyn.
Ao longo de oito episódios, Desobedientes equilibra tensão e drama, mas nem sempre com consistência. O suspense é frequentemente construído em cima de clichês de filmes de terror psicológico e dramas juvenis, e embora a ambientação bucólica da cidade contraste bem com a trama sombria da clínica, algumas situações e reações dos personagens soam forçadas. A série se apoia mais em sustos e revelações rápidas do que em desenvolvimento orgânico, o que, em determinados momentos, compromete a credibilidade da narrativa.
O desfecho: fuga e traição
No episódio final, Abbie, Leila e Rory (John Daniel) conseguem fugir da clínica, escondendo-se em um micro-ônibus da instituição. A sequência é marcada por perseguição e tensão, mas a execução deixa a desejar. Os obstáculos que deveriam dificultar a fuga, como a polícia e os tutores da clínica, aparecem e desaparecem de forma conveniente, tornando o jogo de gato e rato menos convincente do que o prometido.
Enquanto isso, Alex é capturado por Dwayne (Brandon Jay McLaren) e submetido a um ritual de lavagem cerebral comandado por Evelyn. A reviravolta que permite que Coelha (Tattiawna Jones) realize a lavagem em Evelyn no lugar de Alex é, sem dúvida, o ponto mais ousado do episódio. Mas, embora criativo, o momento parece mais uma manobra para chocar o público do que um desenvolvimento coerente da história, reforçando a sensação de que a série opta pelo impacto imediato em detrimento da consistência narrativa.
Culto e poder: novas tensões
O final ainda apresenta Laura (Sarah Gadon) como antagonista emergente, criando seu próprio culto e propondo uma ordem onde seu bebê simboliza a coletividade. A ideia poderia ser explorada com profundidade, mas o tempo limitado da série não permite uma construção satisfatória. O conceito de poder, controle e manipulação que permeia Desobedientes é interessante, mas a execução do arco de Laura parece apressada e superficial, deixando o público com mais perguntas do que respostas.
Alex, por sua vez, decide permanecer na cidade, dividindo seu tempo entre proteger as crianças e lidar com seus conflitos pessoais. Esse desfecho tenta humanizar o policial, mas sua decisão também carece de motivação clara, parecendo servir mais para amarrar pontas soltas do que para desenvolver o personagem de forma convincente.
Crítica à narrativa e ritmo
Embora a série tenha elementos visuais e de suspense bem construídos, a série peca pelo ritmo irregular e pela dependência excessiva de reviravoltas abruptas. A minissérie deixa o final em aberto, sugerindo uma segunda temporada, mas o público acaba sendo obrigado a aceitar soluções rápidas e convenientes para conflitos que deveriam ter sido mais densamente explorados.
Os personagens, embora carismáticos, muitas vezes se comportam de maneira previsível ou contraditória. Evelyn, por exemplo, alterna entre uma líder implacável e uma vilã vulnerável sem que haja construção suficiente para justificar essas mudanças. Abbie e Leila, protagonistas centrais, têm arcos limitados, e seu crescimento ao longo da série é sugerido mais do que efetivamente mostrado.
Potencial desperdiçado
O conceito de Desobedientes — adolescentes confrontando uma instituição manipuladora e corrupta — é promissor e poderia render uma narrativa profunda e psicológica. No entanto, o roteiro parece mais preocupado em surpreender com twists do que em desenvolver tensão real e coerência emocional. A série termina com a sensação de que o suspense foi resolvido de forma conveniente e que muitos dos mistérios introduzidos ao longo dos episódios permanecem apenas superficiais.
Mesmo assim, há pontos positivos. Mae Martin entrega uma performance segura como Alex, Toni Collette se destaca em cenas de tensão e manipulação, e a cinematografia captura bem a dualidade entre a tranquilidade da cidade e a opressão de Tall Pines. Esses elementos ajudam a manter a série assistível, mas não suficiente para elevar o final a um desfecho satisfatório.
O assassinato de Odete Roitman voltou a agitar o público com o remake da novela Vale Tudo. A trama, que se consolidou como um marco da televisão brasileira em 1988, retorna à televisão com suspense, intriga e um elenco de peso, mantendo o mistério em torno da vilã mais poderosa da história da teledramaturgia. No centro desse enigma estão cinco personagens que carregam motivos mais do que suficientes para ter cometido o crime: Celina (Malu Galli), Heleninha (Paolla Oliveira), Marco Aurélio (Alexandre Nero), Fátima (Bella Campos) e César (Cauã Reymond).
Cada um dos suspeitos representa uma camada distinta do drama e da ambição que permeiam Vale Tudo. Celina, com sua busca por reconhecimento e justiça pessoal, poderia ter se sentido pressionada a eliminar Odete. Heleninha, cuja trajetória a levou a confrontos diretos com a vilã, é vista pelo público como uma candidata plausível, mas seu desfecho ainda levanta dúvidas. Marco Aurélio, com interesses empresariais e rivalidades, também se encaixa na lista de possíveis autores do crime. Já Fátima e César apresentam motivações ligadas a vingança, herança e disputas familiares, compondo um grupo em que todos têm razões para agir de forma extrema.
Em recente participação no Fantástico, exibido no último domingo, 5 de outubro, a autora Manuela Dias revelou que foram gravados 10 finais alternativos, levando em consideração todos os cinco suspeitos. Cada desfecho considerava tanto a possibilidade de cada personagem ter cometido o crime quanto a hipótese de inocência, mantendo o suspense e a imprevisibilidade para o público. Esse cuidado demonstra a complexidade da trama e o respeito à tradição da obra original, ao mesmo tempo em que permite flexibilidade para ajustar a narrativa de acordo com a repercussão entre os espectadores.
Heleninha é a responsável?
Um dos pontos que mais intrigam os fãs é o destino de Heleninha. No último capítulo da novela, após uma passagem de tempo, a personagem será liberada da prisão. Essa decisão pode ter múltiplas interpretações: ou Heleninha não foi a autora do crime, ou sua libertação acontece devido à ausência de provas concretas contra ela. De qualquer forma, a saída da prisão adiciona tensão e novas camadas de suspense, deixando o público questionando quem realmente matou Odete Roitman.
Nos próximos dias que antecedem o desfecho, o público poderá acompanhar enterros, interrogatórios e contradições entre os personagens, além de flashbacks que revelam detalhes cruciais da história. Esses elementos não apenas mantêm a atenção do telespectador, mas também reforçam a riqueza dramática da novela, permitindo que cada suspeito seja explorado de forma profunda e multifacetada.
Comparação com a versão original
Na primeira versão de Vale Tudo, produzida em 1988, o assassinato de Odete Roitman causou verdadeiro frenesi nacional. A revelação do culpado só ocorreu no último capítulo, mobilizando milhões de brasileiros que acompanharam cada episódio com expectativa e teorias sobre o autor do crime. Beatriz Segall, que interpretou a vilã na trama original, tornou-se um ícone do mal na televisão, e o mistério sobre sua morte foi um dos maiores da teledramaturgia.
No remake, a dinâmica do suspense é atualizada, mas mantém o espírito de mistério. No entanto, alguns elementos se diferenciam da versão clássica. Por exemplo, Leila (Carolina Dieckmann) não possui as mesmas motivações da personagem original, tornando improvável que o desfecho seja uma réplica exata. Essa adaptação mostra a intenção de respeitar o material original, ao mesmo tempo em que traz frescor e novas interpretações para os personagens e para o público contemporâneo.
O impacto do mistério
O mistério em torno da morte de Odete Roitman vai além da trama: ele provoca discussões, teorias e debates entre os fãs, nas redes sociais e nos meios de comunicação. Quem matou Odete? Por que cada personagem poderia ter cometido o crime? Como cada decisão influencia o destino dos demais? Essas perguntas alimentam a narrativa e mantêm os telespectadores envolvidos, transformando o suspense em um elemento central da experiência de assistir à novela.
A estratégia de gravar múltiplos finais reforça ainda mais essa interação. O público se vê diante de um enigma em aberto, especulando possibilidades e analisando cada detalhe dos episódios. Essa abordagem demonstra a capacidade da novela de inovar, mesmo sendo um remake de uma obra consagrada, criando um diálogo entre tradição e contemporaneidade.
A expectativa pelo capítulo final
O desfecho da novela está marcado para o dia 17 de outubro, quando o público finalmente descobrirá quem matou Odete Roitman. Até lá, cada cena ganha importância estratégica, cada diálogo carrega pistas e cada gesto pode ser interpretado como suspeito. Essa construção gradual do suspense é uma das marcas registradas de Vale Tudo, provando que, mesmo décadas após a primeira exibição, a trama continua relevante e envolvente.
Os fãs de Dexter Morgan podem finalmente respirar aliviados. Depois do cancelamento de Dexter: Pecado Original, anunciado neste ano e gerando revolta entre o público, a Paramount+ decidiu renovar Dexter: Resurrection para uma segunda temporada. A notícia, confirmada hoje por veículos especializados como o Variety, representa uma verdadeira ressurreição não apenas para o personagem, mas também para os fãs que acompanharam cada reviravolta de sua história.
O cancelamento recente havia deixado uma sensação de frustração e incompletude. Muitos espectadores se sentiram órfãos de um personagem que, ao longo de quase duas décadas, se tornou referência no universo do drama policial e do suspense psicológico. Felizmente, a renovação de Dexter: Resurrection devolve a esperança de que Dexter ainda tem histórias a contar e mistérios a revelar.
Michael C. Hall, o ator que dá vida ao protagonista, compartilhou sua empolgação em um vídeo publicado no YouTube. “Há mais por vir. A sala dos roteiristas está se reunindo agora, e os detalhes serão divulgados em breve… a história continua”, disse Hall. Sua declaração não apenas confirma a continuidade da série, mas também garante aos fãs que o personagem ainda tem caminhos inesperados pela frente.
Premissa da série
Dexter: Resurrection funciona como uma continuação direta de Dexter: New Blood. A trama se inicia após Dexter ser baleado por seu filho Harrison, no episódio final da temporada anterior. Resgatado de maneira misteriosa e submetido a procedimentos médicos que incluem desfibrilação, Dexter sobrevive à experiência e inicia uma nova fase de sua vida.
A série explora os impactos de sua ressurreição, tanto físicos quanto psicológicos, além de confrontar o protagonista com dilemas morais inéditos. A ideia de um “renascimento” permite que a narrativa mergulhe em temas de identidade, culpa, redenção e, claro, as tensões familiares que sempre marcaram a trajetória de Dexter. O público pode esperar uma combinação de suspense intenso e drama profundo, mantendo a essência da série original.
Michael C. Hall retorna como Dexter Morgan, personagem que se tornou ícone da cultura pop. Ao seu lado, Jack Alcott reprisa o papel de Harrison Morgan, filho de Dexter, cuja relação com o pai é complexa e cheia de conflitos. A tensão entre pai e filho promete ser um dos principais motores da trama nesta segunda temporada.
Além deles, o elenco traz nomes de peso que enriquecem a narrativa: David Zayas volta como Angel Batista, James Remar como Harry Morgan, Peter Dinklage assume o papel de Leon Prater, e Uma Thurman dá vida a Charley. Novos personagens, como Blessing Kamara (Ntare Mwine), Detetive Claudette Wallace (Kadia Saraf) e Detetive Melvin Oliva (Dominic Fumusa), adicionam camadas de intriga e mistério, criando um universo rico e complexo.
O retorno de Dexter foi anunciado durante a San Diego Comic-Con de 2024, quando a Paramount+ confirmou que Michael C. Hall e Clyde Phillips, showrunner original da série, voltariam para desenvolver Dexter: Resurrection. As gravações começaram em janeiro de 2025, em Nova Iorque, e a produção se beneficiou de recursos modernos de cinematografia, iluminação e efeitos visuais para reforçar o clima de tensão e suspense.
O envolvimento de Phillips garante que a narrativa mantenha o equilíbrio entre drama psicológico e ação policial, características que tornaram Dexter uma série memorável. A produção também promete aprofundar ainda mais o desenvolvimento dos personagens, explorando relações familiares e dilemas morais de forma intensa e envolvente.
A primeira temporada de Dexter: Resurrection estreou em 11 de julho de 2025, exclusivamente no Paramount+. A renovação para a segunda temporada indica que a série conseguiu atrair uma audiência sólida e engajada, mesmo diante do cancelamento recente de Dexter: Pecado Original.
O legado de Dexter
Dexter Morgan é mais do que um personagem de televisão; ele é um ícone da narrativa contemporânea que mistura drama, suspense e psicologia. Desde sua primeira aparição, Dexter provocou reflexões sobre justiça, moralidade e a complexidade da mente humana. A renovação de Dexter: Resurrection reafirma a relevância do personagem e a capacidade da série de surpreender, mesmo depois de anos fora das telas.
