Predador: Terras Selvagens quebra recordes e se torna a maior estreia da franquia nos EUA

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O caçador mais implacável do cinema voltou à ativa — e em grande estilo. Predador: Terras Selvagens chegou aos cinemas dos Estados Unidos com um desempenho digno de blockbuster: US$ 40 milhões arrecadados no primeiro final de semana, o maior número da história da franquia. O recorde anterior pertencia a Alien vs. Predador (2004), com US$ 38,2 milhões.

O desempenho do novo filme chega em um momento estratégico. Depois de um outubro fraco — o pior em quase três décadas nas bilheteiras americanas — o filme dirigido por Dan Trachtenberg, o mesmo de O Predador: A Caçada (Prey, 2022), reacende o entusiasmo dos estúdios e do público. A 20th Century Studios apostou em uma divulgação modesta, mas eficiente: poucos trailers, foco na atmosfera e uma ênfase quase total na protagonista vivida por Elle Fanning, que entrega uma atuação visceral, alternando fragilidade e coragem.

O longa teve sua estreia mundial no TCL Chinese Theatre, em Hollywood, no dia 3 de novembro, e chegou ao Brasil e Portugal no dia 6, com ampla distribuição feita em parceria com a Crunchyroll e a Disney, atual controladora do estúdio. A campanha discreta funcionou — o mistério foi o maior chamariz.

Uma caçada entre feras e fantasmas

Sexto filme live-action da franquia (e o nono, se contarmos spin-offs e crossovers), Terras Selvagens leva a história para um novo território — literal e emocionalmente. Ambientado nas vastas paisagens da Nova Zelândia, o longa transforma o cenário natural em uma personagem à parte: selvagem, silenciosa e ameaçadora.

Na trama, Elle Fanning vive uma jovem exilada de uma comunidade isolada que tenta sobreviver nas terras áridas conhecidas como “as Terras Selvagens”. Sua rotina muda quando um Predador surge na região, transformando a solidão em um campo de caça mortal. Ela se une a Tane (interpretado por Dimitrius Schuster-Koloamatangi), um guerreiro local que desconfia de suas intenções, e juntos precisam enfrentar tanto a criatura quanto os traumas que carregam.

Trachtenberg constrói um filme de ritmo lento e tenso, onde cada som na floresta carrega ameaça. O suspense cresce com o silêncio — um retorno ao terror de sobrevivência que tornou o primeiro Predador (1987) tão icônico. Mais do que tiros e sangue, o diretor quer que o público sinta o peso da solidão e o medo daquilo que não se vê.

As filmagens começaram em agosto de 2024, sob o título provisório Backpack, uma estratégia para manter o projeto em sigilo — a mesma usada em Prey. O diretor de fotografia Jeff Cutter, parceiro de Trachtenberg, cria aqui um visual quase hipnótico, equilibrando a beleza natural com o terror iminente.

A Nova Zelândia se impõe em cada plano: montanhas encobertas por névoa, florestas densas e horizontes que parecem infinitos. O isolamento dos personagens é palpável, e a natureza age como uma força impiedosa, tão perigosa quanto o próprio Predador. O filme aposta no realismo físico, evitando o CGI excessivo e valorizando locações reais e efeitos práticos — um detalhe que torna cada confronto mais intenso.

A franquia que se recusa a morrer

Desde 1987, quando Arnold Schwarzenegger enfrentou a criatura pela primeira vez no clássico dirigido por John McTiernan, Predador sobreviveu a altos e baixos, reboots e experimentos. Predador 2 (1990) levou a ação para o caos urbano; os crossovers com Alien dividiram os fãs; e O Predador (2018), de Shane Black, foi criticado por transformar o terror em espetáculo exagerado.

Tudo mudou com Prey (2022), uma história minimalista e visceral que resgatou o respeito da crítica ao focar na sobrevivência e não na destruição. Terras Selvagens segue esse mesmo caminho: um retorno à essência. É um filme sobre confronto e medo, mas também sobre humanidade, trauma e instinto.

Hana-Kimi ganha adaptação em anime! Clássico da comédia romântica japonesa chega à Crunchyroll em 2026

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Foto: Reprodução/ Internet

O amor está prestes a florescer novamente — desta vez, em forma de anime. O clássico mangá Hana-Kimi (Hanazakari no Kimitachi e), uma das histórias mais queridas e divertidas dos anos 2000, finalmente ganhará sua primeira adaptação animada, com estreia marcada para 4 de janeiro de 2026 na Crunchyroll. Produzida pelo estúdio Signal.MD, conhecido por obras visualmente delicadas como Nina the Starry Bride, a série promete resgatar o charme e o humor da trama original, que conquistou gerações de leitores ao redor do mundo. Abaixo, confira o novo trailer divulgado:

Uma nova vida para um clássico do shoujo

Publicado originalmente entre 1996 e 2004 na revista Hana to Yume, o mangá criado por Hisaya Nakajo marcou época por sua mistura de comédia romântica, drama escolar e toques sutis de questionamento de gênero — algo considerado ousado para sua época. Com mais de 23 volumes e cerca de 17 milhões de cópias vendidas, Hana-Kimi se tornou uma das séries shoujo mais influentes dos anos 2000, inspirando várias adaptações live-action em países como Japão, Taiwan e Coreia do Sul.

Agora, duas décadas após o fim da publicação, os fãs finalmente poderão ver Mizuki, Sano e Nakatsu ganhando vida em animação — com o toque moderno da equipe criativa que promete equilibrar nostalgia e frescor.

Detalhes da produção e equipe criativa

O anime de Hana-Kimi está sendo dirigido por Natsuki Takemura, que recentemente comandou a série infantil Go! Go! Vehicle Zoo, e contará com o estúdio Signal.MD à frente da produção. A equipe técnica inclui Atsuko Nakajima (de Ranma ½ e Tokyo Ghoul:re) no design de personagens, o que indica uma abordagem expressiva e fiel ao traço clássico de Nakajo.

A trilha sonora ficará por conta da dupla YOASOBI, fenômeno do J-Pop conhecida por hits como Yoru ni Kakeru e Idol (tema de Oshi no Ko). Eles assinam tanto a abertura quanto o encerramento da série, algo que já desperta altas expectativas entre os fãs. A combinação entre o pop moderno e o romantismo melancólico da história promete trazer um novo ar à narrativa — unindo passado e presente de maneira envolvente.

Uma história sobre amor, coragem e identidade

Para quem ainda não conhece o enredo, Hana-Kimi acompanha Mizuki Ashiya, uma adolescente nipo-americana apaixonada por esportes — e, principalmente, pelo saltador em altura Izumi Sano, seu grande ídolo. Decidida a conhecê-lo pessoalmente, Mizuki toma uma atitude radical: se disfarça de garoto e se matricula na mesma escola masculina onde ele estuda.

A partir daí, começam as situações hilárias (e muitas vezes emocionantes) de uma vida dupla: esconder sua identidade, conviver com dezenas de rapazes e, para piorar — ou melhorar —, dividir o quarto com o próprio Sano.

Mas, por trás do humor e dos mal-entendidos, Hana-Kimi sempre foi sobre aceitação, descoberta e afeto genuíno. O mangá lida com temas que vão além do romance colegial, explorando questões de gênero, amizade e autoexpressão com uma leveza surpreendente. Personagens como o carismático Nakatsu, que começa a questionar seus sentimentos por “um garoto”, ou a enfermeira Umeda, abertamente gay e espirituosa, são exemplos da representatividade que a obra trazia muito antes de isso se tornar pauta comum nos animes.

O legado de Hana-Kimi

Mesmo após duas décadas, a trama segue sendo lembrada como um dos títulos mais icônicos do gênero shoujo. Ela abriu espaço para discussões sutis sobre sexualidade e gênero em um formato acessível, leve e cheio de humor.

As adaptações anteriores em live-action — como a versão japonesa de 2007 estrelada por Horikita Maki e Oguri Shun, e o remake de 2011 com Maeda Atsuko e Aoi Nakamura — conquistaram imenso sucesso, mas nenhuma delas conseguiu traduzir completamente a energia visual do mangá. O anime, portanto, representa a oportunidade perfeita para dar vida a esse universo com fidelidade e modernidade.

A Órfã 3 inicia filmagens! Terror volta com William Brent Bell na direção e promete expandir o universo de Esther

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Foto: Reprodução/ Internet

Esther está de volta — e não é um sonho ruim. O terceiro filme da franquia A Órfã começou oficialmente a ser filmado, reacendendo o interesse dos fãs por uma das vilãs mais perturbadoras do cinema recente. A notícia foi confirmada no último sábado (8), com uma imagem da claquete do set, datada de 5 de novembro. Nela, um detalhe chamou atenção: o título provisório “Órfãos” (Orphans).

De acordo com informações do Omelete, a claquete também confirma o retorno de William Brent Bell, o mesmo diretor de Orphan: First Kill (2022). Ainda sem detalhes sobre o elenco ou a história, o simples fato de o projeto estar em andamento já foi suficiente para movimentar as redes sociais — e despertar curiosidade sobre o futuro da personagem que ninguém esquece.

O terror que virou um clássico moderno

Lançado em 2009, o primeiro filme apresentou ao público a enigmática Esther, vivida com intensidade por Isabelle Fuhrman. O filme, dirigido por Jaume Collet-Serra, parecia seguir a fórmula de um suspense familiar — um casal que adota uma menina misteriosa — até que uma reviravolta inesperada mudou tudo. O desfecho transformou a trama em um dos choques mais memoráveis do gênero.

Com Vera Farmiga e Peter Sarsgaard no elenco, o longa conquistou status de cult e se tornou referência em terror psicológico. Mais do que sustos, entregou um mergulho incômodo sobre confiança, trauma e o perigo de julgar pelas aparências.

First Kill: o início do pesadelo

Treze anos depois, o público voltou a mergulhar no universo de Esther com Orphan: First Kill (2022). Em vez de seguir a cronologia, o filme revisitou o passado para revelar as origens de Leena, a mulher que se fazia passar por uma criança.

Dirigido novamente por William Brent Bell, o longa impressionou ao trazer Isabelle Fuhrman de volta ao papel — agora adulta, interpretando uma personagem que aparenta ter menos de 10 anos. A ilusão foi criada com truques de câmera, dublês e maquiagem, num resultado elogiado até pelos mais céticos.

Ao lado de Julia Stiles e Rossif Sutherland, Fuhrman entregou uma performance inquietante, sustentando uma tensão constante entre fragilidade e perversidade. O desfecho ousado fez o filme ganhar respeito entre os fãs e consolidou a franquia como uma das mais originais do terror recente.

O que vem aí no terceiro filme?

Ainda sem sinopse oficial, o título provisório “Órfãos” sugere um caminho curioso. O novo capítulo pode aprofundar o passado de Esther ou mostrar o impacto de suas ações sob uma nova perspectiva — talvez até com novas vítimas ou cúmplices surgindo pelo caminho.

Com William Brent Bell novamente à frente do projeto, é provável que o longa siga o estilo do diretor: um terror mais psicológico, elegante e com atenção aos detalhes visuais. Ele já mostrou isso em Boneco do Mal e Seita Mortal, explorando a tensão de forma mais sutil do que sangrenta. O desafio será manter viva a atmosfera sufocante que tornou A Órfã tão marcante — e dar a Esther um novo terreno para manipular e enganar.

Onde assistir e o que vem por aí

Enquanto novas informações não são divulgadas, os dois primeiros filmes estão disponíveis na HBO Max, uma boa oportunidade para revisitar (ou conhecer) a trajetória de Esther antes do novo capítulo.

As filmagens seguem em andamento, e a data de estreia ainda não foi revelada. Mas uma coisa é certa: a órfã mais assustadora do cinema está de volta — e continua tão imprevisível quanto sempre foi.

Trailer de Burnout Syndrome promete um dos dramas BL mais intensos do ano com Off Jumpol, Gun Atthaphan e Dew Jirawat

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Foto: Reprodução/ Internet

O universo dos dramas BL (Boys’ Love) acaba de ganhar um novo e promissor título que promete emocionar, provocar e discutir temas profundos: Burnout Syndrome. Estrelado por dois dos nomes mais queridos e carismáticos da GMMTV — Gun Atthaphan Phunsawat (Leap Day, The Trainee e Cooking Crush: Uncut Version), Off Jumpol Adulkittiporn (Break Up Service, Midnight Motel e Astrophile) e Dew Jirawat Sutivanichsak (MuTeLuv, Leap Day e A Love So Beautiful) — o projeto acaba de ganhar um trailer intenso, melancólico e visualmente arrebatador, que já está mexendo com os fãs nas redes sociais. A estreia está marcada para o dia 26 de novembro. Abaixo, confira o trailer:

A trama acompanha Jira (Off Atthaphan), um jovem artista recém-formado que, apesar do talento, não consegue encontrar seu lugar no mundo. A sorte parece finalmente sorrir quando ele conhece Pheem (Dew Jirawat Sutivanichsak), um técnico de informática gentil e pragmático, com quem forma uma conexão imediata e intensa. No entanto, o encontro com Ko (Gun Jumpol) — um homem misterioso e manipulador — muda completamente o rumo da história.

Ao aceitar um emprego proposto por Ko, Jira se vê mergulhado em um ambiente caótico, onde arte, obsessão e poder se misturam. Dividido entre o conforto emocional que encontra em Pheem e a inspiração destrutiva provocada por Ko, ele entra em um ciclo de desejo e autodescoberta, confrontando seus próprios limites emocionais e criativos.

Direção sensível e nomes de peso nos bastidores

O drama é dirigido e roteirizado por Nuchy Anucha Boonyawatana, conhecida por seu olhar poético e pela habilidade em retratar dilemas existenciais com sutileza — algo que promete dar a Burnout Syndrome um tom mais maduro e introspectivo. O roteiro conta ainda com a colaboração de JittiRain, autora de sucessos como Theory of Love e 2gether: The Series, o que reforça as expectativas de que o novo BL trará diálogos afiados, personagens complexos e uma carga emocional intensa. As informações são do My Drama List.

Na produção executiva, estão nomes experientes como Tha Sataporn Panichraksapong, Da Darapa Choeysanguan e Ben Sethinun Jariyavilaskul, que garantem o padrão de qualidade já característico das produções tailandesas da GMMTV. Além do trio principal — Off, Gun e Dew — o elenco de apoio inclui Emi Thasorn Klinnium (Ing), AJ Chayapol Jutamas (Mawin) e Thor Thinnaphan Tantui (Ben). Cada um deles deve contribuir para a complexa rede de relações que o roteiro promete explorar.

Um retrato cru da síndrome de burnout

Como o próprio título indica, a série vai além do romance e mergulha nas consequências da exaustão emocional e criativa — um tema ainda pouco explorado nos dramas BL. Burnout Syndrome promete discutir o preço do sucesso, a pressão social e o impacto psicológico do perfeccionismo, temas especialmente relevantes para as novas gerações.

Vale a pena assistir Predador: Terras Selvagens? O retorno mais ousado da franquia

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Há franquias que sobrevivem apenas de nostalgia — e há aquelas que, de vez em quando, decidem arriscar. Predador: Terras Selvagens (Predator: Badlands, no original) faz parte do segundo grupo. Dirigido por Dan Trachtenberg, o mesmo que revitalizou a saga com O Predador: A Caçada (2022), o novo longa chega aos cinemas com uma proposta ousada: transformar o próprio caçador alienígena no protagonista da história. O resultado é um filme visualmente arrebatador, narrativamente intrigante e emocionalmente inesperado.

Lançado pela 20th Century Studios, o filme estreou mundialmente em 3 de novembro de 2025, no tradicional TCL Chinese Theatre, e chegou aos cinemas do Brasil e Portugal em 6 de novembro. Estrelado por Elle Fanning e Dimitrius Schuster-Koloamatangi, o longa é o sexto filme em live-action da franquia e o nono capítulo geral do universo Predador. Mas, apesar de carregar uma longa linhagem de sangue e adrenalina, Terras Selvagens quer mais do que repetir a velha fórmula de caça e sobrevivência.

O caçador como protagonista

Desde o início, fica claro que Trachtenberg quer redefinir o olhar sobre o Yautja — a criatura que sempre foi retratada como um símbolo da brutalidade e do medo. Aqui, ele ganha um papel central e quase trágico. Ao invés de caçar por esporte, o Predador é colocado diante de uma crise moral: o que significa ser caçador em um mundo onde a presa não é mais apenas uma vítima, mas um espelho?

Transformar um ícone do terror e da ficção científica em personagem dramático é uma jogada arriscada, mas o diretor assume o desafio com seriedade. Através de uma combinação impressionante de efeitos práticos, captura de movimento e CGI, o Yautja ganha expressão e profundidade nunca antes vistas. Há humanidade em seu olhar, hesitação em seus gestos, quase empatia em seus silêncios. O design da criatura é espetacular — mandíbulas que se contraem ao respirar, músculos que tremem com emoção, olhos que reagem com sutileza. Pela primeira vez, o público sente que está diante de algo vivo, e não apenas de um vilão mascarado.

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Um roteiro que arrisca — e acerta

O roteiro do filme é simples na superfície, mas cheio de camadas simbólicas. Trachtenberg parte de uma pergunta aparentemente banal — “O que é caçar?” — para construir uma reflexão sobre moralidade, sobrevivência e transformação. A estrutura lembra uma fábula de guerra: direta, previsível em alguns pontos, mas conduzida com uma firmeza admirável.

O prólogo, aliás, é um exemplo do equilíbrio entre espetáculo e significado. Nele, a selva alienígena é quase um personagem próprio — vibrante, ameaçadora e lindamente fotografada. O filme abraça o gênero de sobrevivência, mas também brinca com a contemplação. Há momentos de silêncio que dizem mais do que qualquer explosão. A ação é brutal, mas nunca gratuita: cada combate carrega peso emocional e moral.

Tecnicamente, Terras Selvagens é uma conquista. A fotografia mistura tons terrosos e frios para criar um contraste entre natureza e tecnologia, selvageria e racionalidade. O uso da câmera é imersivo, quase documental, colocando o espectador dentro da selva, sentindo o calor e o perigo junto ao protagonista.

As cenas de ação são impecavelmente coreografadas, mas o que impressiona mesmo é o cuidado com o ambiente. As criaturas nativas, a vegetação, os sons — tudo contribui para a sensação de estar em um ecossistema vivo, hostil e fascinante. É um filme que entende a importância da imersão, algo que a franquia havia perdido em seus capítulos mais recentes.

Elle Fanning e o contraponto humano

Em meio a essa jornada quase existencial, Elle Fanning surge como o elo entre humanidade e criatura. Ela interpreta uma exobiologista que, por acaso, cruza o caminho do Yautja e se torna sua inesperada aliada. Sua performance é sutil, equilibrada e cheia de nuances — uma presença que não tenta roubar a cena, mas complementa a trajetória do verdadeiro protagonista.

Já Dimitrius Schuster-Koloamatangi representa o olhar humano sobre a brutalidade. Seu personagem funciona como espelho do que o Predador já foi e, talvez, ainda tema ser. Ambos os atores contribuem para manter a narrativa ancorada, evitando que o filme se torne puramente abstrato.

Um “Predador” diferente — e necessário

Talvez o maior mérito de Predador: Terras Selvagens seja entender que o público de 2025 não é o mesmo dos anos 1980. O mundo mudou — e o cinema de ação também. A violência gratuita, antes celebrada, hoje cede espaço para o questionamento. O Predador ainda é brutal, sim, mas agora ele também é vulnerável. O filme fala sobre honra, empatia e o fardo de existir em um universo que só entende força.

Essa virada pode desagradar aos fãs que esperam pura carnificina, mas há coragem em desafiar expectativas. Trachtenberg não faz um filme “sobre o monstro”, mas sobre o que o monstro representa — e isso é o que torna Terras Selvagens mais interessante do que qualquer sequência que veio antes.

Vale a pena assistir?

Definitivamente. Predador: Terras Selvagens é o tipo de sequência que não apenas respeita a mitologia que herdou, mas também se atreve a evoluí-la. É um filme maduro, tecnicamente impecável e, acima de tudo, emocionalmente envolvente. Não é o capítulo mais sangrento da franquia — mas é o mais humano.

Dan Trachtenberg entrega uma experiência que mistura ação, introspecção e beleza visual em doses equilibradas. O terror da caça dá lugar à reflexão sobre empatia e sobrevivência. E, no fim, talvez o maior triunfo de Terras Selvagens seja justamente este: transformar um monstro em espelho — e fazer o público se reconhecer nele.

Me And Thee revela pôster oficial e anuncia estreia do novo BL com Pond Naravit e Phuwin Tangsakyuen

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O BL tailandês Me And Thee ganhou seu novo pôster oficial, e ele já está dando o que falar entre os fãs! Com estreia marcada para 15 de novembro na GMMTV, a imagem apresenta os protagonistas em um clima intimista e sugestivo, antecipando a química e a tensão romântica que vão marcar a série. O pôster não só reforça a identidade visual da produção, mas também dá pistas sobre o enredo envolvente que mistura romance, descobertas e emoções inesperadas.

A trama acompanha um fotógrafo reservado que se vê envolvido com um jovem rico, confiante e totalmente inexperiente no amor. Quando o rapaz pede sua ajuda para conquistar outra pessoa, o que parecia ser apenas um plano se transforma em um romance inesperado, com momentos de humor, tensão e conexão emocional. O enredo promete explorar de maneira delicada as nuances do amor, a insegurança nos relacionamentos e a intensidade do primeiro afeto.

O elenco principal reúne talentos já conhecidos pelos fãs de BL: Pond Naravit Lertratkosum (Never Let Me Go, Bad Buddy) vive Thee, o fotógrafo introspectivo; Phuwin Tangsakyuen (Not Me, F4 Thailand) interpreta Peach, o jovem confiante que muda a rotina do protagonista; Est Supha Sangaworawong (Love Mechanics) é Mok, trazendo leveza à trama; e Bonnie Pattraphus Borattasuwan (Why R U?) dá vida a Phlab, adicionando momentos de emoção e humor. As informações são do IMDb.

Outros nomes do elenco também se destacam, como Santa Pongsapak Oudompoch (My Gear and Your Gown) no papel de Aran, Perth Tanapon Sukumpantanasan (2gether: The Series, Bad Buddy) como Tawan, JJ Chayakorn Jutamas (Boy For Rent) como Tee, Teeradech Vitheepanich (Until We Meet Again) interpretando Mint, e Thishar Thurachon (I Told Sunset About You) como Godji. Com esse time, Me And Thee combina experiência, carisma e química, fortalecendo ainda mais o apelo da série.

A direção fica a cargo de Nattapong Mongkolsawat, que já tem experiência em projetos de destaque no gênero. Ele promete conduzir a narrativa de forma sensível, equilibrando momentos de romance, tensão e leveza, enquanto aprofunda a relação entre os personagens e explora a evolução do amor de maneira natural e envolvente.

No Brasil, Me And Thee estará disponível com legendas em português pela plataforma iQIYI, que transmite oficialmente a maioria das produções BL da GMMTV. A estreia acontece no dia 15 de novembro, simultaneamente à exibição na Tailândia.

Wagner Moura vence prêmio de Melhor Performance por O Agente Secreto no Newport Beach Film Festival

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O Brasil voltou a ocupar um lugar de destaque no cenário do cinema mundial. Na última quarta-feira (5), o ator Wagner Moura (Tropa de Elite, Narcos e Guerra Civil) foi consagrado com o prêmio de Melhor Performance por sua atuação em O Agente Secreto, durante o Newport Beach Film Festival, realizado anualmente na Califórnia. As informações são do Omelete.

Entre produções de Hollywood e nomes consagrados da indústria, ver um ator brasileiro subir ao pódio em um festival americano é motivo de orgulho. Wagner foi homenageado na categoria de Honrarias do Festival, e sua premiação simboliza o alcance global de um cinema que fala sobre o Brasil — mas emociona o mundo inteiro.

O filme que conquistou Cannes e agora a Califórnia

O longa-metragem vem acumulando conquistas desde sua estreia mundial no Festival de Cannes 2025, onde foi ovacionado por mais de 10 minutos e saiu com quatro prêmios — incluindo Melhor Ator (Wagner Moura) e Melhor Diretor (Kleber Mendonça Filho). A produção também levou o Prêmio FIPRESCI, concedido pela crítica internacional, e o Prix des Cinémas d’Art et Essai, da Associação Francesa de Cinemas de Arte (AFCAE).

Agora, o longa repete o sucesso nos Estados Unidos, reforçando o nome de Kleber Mendonça Filho como um dos diretores mais respeitados da atualidade. Produzido pela CinemaScópio, o filme teve estreia nos cinemas brasileiros em 6 de novembro de 2025 e foi escolhido para representar o Brasil na corrida pelo Oscar 2026 — a terceira vez que uma obra do diretor representa o país.

Um thriller político com alma brasileira

Ambientado no Recife de 1977, o filme mistura drama, suspense e crítica política para contar a história de Marcelo (Wagner Moura), um professor universitário e especialista em tecnologia que retorna à cidade natal após anos afastado. Carregando um passado misterioso e perigoso, ele tenta se reconectar com o filho pequeno e reconstruir a vida, mas encontra um país em plena ditadura militar, marcado pela repressão, pela vigilância e pelo medo.

Marcelo passa a viver como fugitivo, tentando escapar de um conflito antigo com um poderoso industrial ligado ao regime. Em sua fuga, encontra abrigo com dissidentes políticos e refugiados angolanos, liderados por Dona Sebastiana, uma mulher que simboliza resistência e coragem.

Um elenco de peso e uma produção meticulosa

Além de Wagner Moura, o elenco de O Agente Secreto reúne nomes que reforçam a força dramática e simbólica da obra. Tânia Maria (Bacurau), Maria Fernanda Cândido (Através da Janela), Gabriel Leone (Ferrari), Alice Carvalho (Cangaço Novo), Udo Kier (Melancholia) e Thomás Aquino (Bacurau) compõem um conjunto de atuações que traduzem o mosaico político, emocional e humano que o roteiro desenha com precisão.

A fotografia é assinada por Dion Beebe (Memórias de uma Gueixa), vencedor do Oscar, que transforma a luz do Recife em mais do que um pano de fundo — ela se torna uma linguagem. A luz quente e vibrante do dia contrasta com o frio das sombras noturnas, revelando o clima de constante ameaça que paira sobre os personagens.

De Pernambuco para o mundo

Com cada nova exibição, O Agente Secreto reafirma a força do cinema brasileiro como instrumento de resistência, memória e expressão artística. A conquista de Wagner Moura na Califórnia representa mais do que um prêmio individual — é o reconhecimento de um cinema que encara suas próprias feridas e as transforma em arte, emoção e reflexão. E talvez seja justamente essa coragem de olhar para dentro que faz o filme tocar o público onde quer que esteja. O filme segue em cartaz nas principais redes de cinema de todo o Brasil.

Quem é Wagner Moura?

Nascido em Rodelas, uma pequena cidade do sertão da Bahia, o ator cresceu longe dos holofotes — mas com uma inquietude que o empurrava para o palco desde cedo. Em Salvador, quando começou no teatro, já chamava atenção pelo olhar curioso, quase investigativo, com que observava o comportamento humano. Nada nele parecia superficial. Wagner se interessava pelo que há de mais real nas pessoas: as contradições, os medos, as dores e as pequenas grandezas do cotidiano.

Não demorou para o cinema brasileiro perceber que ali havia algo diferente. Seu nome começou a ganhar força com Carandiru (2003), mas foi com Tropa de Elite (2007) que o país inteiro entendeu quem era Wagner. O Capitão Nascimento virou ícone — um personagem que dividiu opiniões, despertou discussões sobre ética, violência e poder, e colocou o ator no centro de um dos maiores fenômenos culturais do Brasil. Sua atuação era crua, intensa, quase física. A cada cena, parecia que ele estava disposto a ir até o limite — e talvez por isso o público tenha se identificado tanto.

Com Tropa de Elite 2 (2010), reafirmou seu talento e se consolidou como um dos grandes nomes do cinema nacional. Mas parar ali seria pouco para alguém movido por curiosidade. A carreira de Moura tomou rumos ousados, atravessando fronteiras. Ele mergulhou em produções autorais, encarou o desafio de Hollywood e mostrou que talento brasileiro não conhece limites. Em Elysium (2013), contracenou com Matt Damon como um vilão cheio de nuances — prova de que sua intensidade não se perde nem quando o idioma muda.

E então veio Narcos (2015–2017), a série da Netflix que mudaria o rumo da carreira de Wagner Moura — e, de certa forma, também a forma como o mundo o enxergava. Para viver Pablo Escobar, ele fez o improvável: aprendeu espanhol do zero em poucos meses, mudou-se para a Colômbia e se jogou de cabeça na pele de um dos homens mais temidos e fascinantes da história. O desafio era imenso, mas o ator não é do tipo que recua diante do impossível. Sua entrega foi tamanha que o público mal conseguia separar o ator do personagem. O resultado foi uma performance intensa, quase hipnótica, que lhe rendeu uma indicação ao Globo de Ouro e o colocou definitivamente no mapa do cinema mundial.

Michael | Teaser da cinebiografia de Michael Jackson quebra recordes e emociona fãs ao redor do mundo

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O Rei do POP voltou a quebrar recordes — mesmo décadas depois de sua morte. O primeiro teaser de Michael, a aguardada cinebiografia que retrata a vida e a carreira de Michael Jackson, alcançou a impressionante marca de 116,2 milhões de visualizações globais nas primeiras 24 horas após o lançamento. O feito não apenas consagrou o vídeo como o maior lançamento da história da Lionsgate, mas também o transformou no trailer de cinebiografia musical mais assistido de todos os tempos.

Antes disso, o recorde pertencia a ninguém menos que Taylor Swift, cujo trailer do filme The Eras Tour acumulou 96,1 milhões de visualizações em um dia. A superação por Michael não é apenas uma vitória numérica, mas também simbólica — uma reafirmação de como a figura de Jackson continua a fascinar e emocionar públicos de todas as gerações.

Com lançamento previsto para 23 de abril de 2026 no Brasil, o filme promete ser uma das cinebiografias mais aguardadas da década. A produção encerrou suas filmagens em 30 de maio de 2024, com trilha sonora que trará gravações originais remasterizadas e versões inéditas de clássicos como Beat It e Smooth Criminal.

O legado que nunca saiu de cena

Poucos artistas na história da música deixaram um impacto tão profundo quanto o eterno Rei do POP. Mais do que um cantor e dançarino, ele foi um fenômeno cultural que moldou a indústria do entretenimento e redefiniu os limites entre música, moda e performance.
Com sucessos que atravessaram décadas — de Thriller e Billie Jean a Black or White e Man in the Mirror —, Jackson se tornou uma referência global. Sua história, marcada por genialidade, excentricidade e polêmicas, sempre despertou curiosidade.

Agora, o filme Michael, dirigido por Antoine Fuqua (Dia de Treinamento, O Protetor), promete mergulhar mais fundo nesse universo, mostrando não apenas o astro dos palcos, mas também o homem por trás do mito.

Jaafar Jackson: o sobrinho que herdou o ritmo

A escolha de Jaafar Jackson, sobrinho do Rei do Pop, para interpretar o próprio tio, foi recebida com entusiasmo e emoção pelos fãs. Filho de Jermaine Jackson — um dos integrantes do Jackson 5 —, Jaafar cresceu cercado pelo legado da família e traz no sangue o DNA musical que revolucionou o mundo.

Desde o início das filmagens, em janeiro de 2024, as redes sociais foram tomadas por comparações entre os dois. E o teaser, lançado pela Lionsgate, só reforçou o quanto Jaafar parece ter incorporado a essência do cantor. Seus gestos, olhares e movimentos corporais remetem diretamente ao ídolo, despertando uma nostalgia imediata nos fãs que acompanharam o auge de Jackson nas décadas de 1980 e 1990.

Um time de peso por trás das câmeras

O projeto tem direção de fotografia de Dion Beebe, vencedor do Oscar por Memórias de uma Gueixa, e design de produção de Barbara Ling, premiada por Batman Eternamente e responsável por recriar o visual dos anos dourados do pop. A figurinista Marci Rodgers, conhecida por seu trabalho em Infiltrado na Klan, foi a responsável por reconstruir com fidelidade o guarda-roupa icônico de Michael — das jaquetas militares aos sapatos com salto invertido.

Com roteiro assinado por John Logan (Gladiador, O Aviador), o filme promete equilibrar espetáculo e intimidade, abordando tanto os bastidores das grandes turnês quanto os dilemas pessoais que acompanharam Jackson ao longo da vida.

Um elenco diversificado e talentoso

Além de Jaafar Jackson, o elenco conta com nomes de peso. Colman Domingo, indicado ao Oscar por Rustin, interpreta Joe Jackson, o exigente e controverso patriarca da família. Nia Long assume o papel de Katherine Jackson, a matriarca que sempre acreditou no talento dos filhos. Outros nomes como Miles Teller, Laura Harrier, Kat Graham, Larenz Tate e Derek Luke completam o elenco, reforçando a proposta de construir uma narrativa grandiosa, mas ao mesmo tempo emocionalmente honesta.

A promessa de uma cinebiografia definitiva

De acordo com a sinopse do AdoroCinema, o longa-metragem é uma viagem emocional pela vida de Michael, o artista que redefiniu a música pop e encantou gerações inteiras. O filme acompanha sua trajetória desde os dias de infância, quando ainda era o carismático líder do Jackson 5, até o auge da fama mundial, quando se tornou o Rei do Pop e transformou o palco em um espetáculo de arte, emoção e perfeição.

A obra revisita performances lendárias de sua carreira solo e recria com emoção os bastidores de sua criação artística — os ensaios exaustivos, o perfeccionismo, as dúvidas e o impulso de sempre ir além. O filme presta homenagem ao espírito de um homem que acreditava que a música podia curar, unir e inspirar o mundo. É um retrato íntimo, intenso e profundamente humano de um artista que nunca deixou de sonhar, mesmo quando o preço da glória se tornava alto demais.

Na Tela Quente, TV Globo apresenta a premiada comédia Ficção Americana nesta segunda (10)

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Foto: Reprodução/ Internet

Segunda é dia de Tela Quente, e a TV Globo promete fugir do comum. O filme da vez é Ficção Americana — uma comédia dramática que faz rir, pensar e, principalmente, questionar. Escrito e dirigido por Cord Jefferson, em sua estreia como diretor de longas, o longa traz Jeffrey Wright no papel de um escritor que se rebela contra o racismo disfarçado de “boa intenção” dentro do mercado literário. Pode parecer um tema pesado, e de fato é, mas Jefferson transforma esse terreno espinhoso em uma narrativa afiada, divertida e profundamente humana.

Quando a genialidade não vende

O protagonista é Thelonious “Monk” Ellison, um autor negro brilhante, culto, dono de uma mente afiada — mas que simplesmente não vende livros. O motivo? Ele se recusa a seguir o que o mercado quer: histórias “sobre negros” cheias de dor, violência e estereótipos. Para o público branco, Monk é “intelectual demais”. Para as editoras, falta “autenticidade”. Em resumo: ninguém sabe onde colocá-lo.

Cansado de tanta hipocrisia, ele decide dar o troco. Sob um pseudônimo, escreve um livro propositalmente recheado de tudo o que o mercado adora — clichês raciais, gírias forçadas e tragédias previsíveis. O resultado é um best-seller instantâneo. Críticos o chamam de “revolucionário”, o público o adora e Monk, de repente, vira o escritor do momento… justamente por tudo o que ele despreza.

O filme é uma daquelas obras raras que conseguem ser engraçadas e sérias ao mesmo tempo. Cord Jefferson, que já tinha mostrado talento em séries como Watchmen e The Good Place, acerta o tom em cheio. É uma história sobre o peso de representar, sobre o que acontece quando um artista é forçado a falar por um grupo inteiro, e sobre como o mercado adora lucrar com a dor dos outros enquanto diz estar “dando voz”. Mas Jefferson faz isso com leveza. O humor surge nos lugares certos, a ironia é afiada sem ser cruel, e a empatia é o que amarra tudo.

Uma história sobre família e solidão

O que faz Ficção Americana ser mais do que uma crítica social é o quanto ele é pessoal. Entre as reuniões editoriais e as confusões do sucesso inesperado, Monk também precisa lidar com a própria vida: a mãe, Agnes (Leslie Uggams), começa a enfrentar problemas de memória; o irmão, Clifford (Sterling K. Brown), vive uma crise de identidade e tenta se reencontrar; e a irmã, Lisa (Tracee Ellis Ross), serve como um elo emocional que tenta manter a família unida. Essas relações trazem para o filme um calor humano que equilibra o sarcasmo. É nesses momentos mais íntimos que o público enxerga o verdadeiro Monk — não o escritor cínico, mas o homem que só quer ser compreendido sem precisar caber em uma caixinha.

Jeffrey Wright está gigante

Quem já conhece Jeffrey Wright de Westworld ou The Batman sabe do que ele é capaz — mas aqui ele se supera. Sua atuação é um show de sutilezas: Monk é ao mesmo tempo arrogante, ferido, divertido e incrivelmente real. Wright domina cada cena, e é impossível não se identificar com seu olhar cansado diante de um mundo que insiste em simplificar tudo. Não à toa, o ator foi indicado ao Oscar de Melhor Ator — e muita gente apostava que ele merecia levar. O elenco ainda conta com Sterling K. Brown (maravilhoso como o irmão carismático e confuso), Issa Rae, John Ortiz, Erika Alexander, Adam Brody, Leslie Uggams e Keith David. Todos têm tempo para brilhar, cada um contribuindo com uma camada diferente para o mosaico de emoções que o filme constrói.

Um dos filmes mais premiados de 2023

O longa-metragem estreou no Festival de Toronto, em setembro de 2023, e foi um sucesso imediato. Levou o People’s Choice Award, prêmio que já previu vencedores do Oscar como Green Book e 12 Anos de Escravidão. Pouco depois, o filme foi lançado nos Estados Unidos pela Amazon MGM Studios e virou um dos títulos mais comentados da temporada. No Oscar 2024, recebeu cinco indicações, incluindo Melhor Filme e Melhor Ator Coadjuvante (para Sterling K. Brown). Cord Jefferson levou para casa a estatueta de Melhor Roteiro Adaptado, e com razão — o texto é afiado como uma navalha e, ainda assim, profundamente humano.

Um espelho com senso de humor

O que faz Ficção Americana ser tão especial é que, no fundo, ele está falando sobre todos nós — sobre o que consumimos, o que achamos “autêntico” e o quanto deixamos os rótulos definirem as pessoas. Monk é um personagem que provoca o público: ele não é um herói nem uma vítima. É alguém tentando ser ouvido sem ser reduzido. E quem nunca se sentiu assim em algum momento? O filme também brinca com o próprio público branco liberal, aquele que quer apoiar causas sociais, mas muitas vezes faz isso de forma performática. Jefferson não poupa ninguém, mas o faz com elegância e afeto — sem ódio, só com lucidez.

A Múmia vai despertar outra vez! Universal desenvolve novo filme com Brendan Fraser e Rachel Weisz

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Foto: Reprodução/ Internet

Depois de mais de duas décadas desde a última aventura no deserto, parece que o antigo Egito vai voltar a ganhar vida — e poeira — nas telonas. A Universal Pictures está desenvolvendo um novo filme de A Múmia, um dos maiores sucessos do estúdio nos anos 1990, e as novidades já estão sacudindo o mundo do cinema: Brendan Fraser (A Baleia, George, o Rei da Floresta e Viagem ao Centro da Terra: O Filme) e Rachel Weisz (Desobediência, Viúva Negra e Constantine) estão em negociações para reprisar seus papéis icônicos, segundo informações do Deadline.

O novo longa será dirigido por Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett, dupla conhecida como Radio Silence — os mesmos nomes por trás dos elogiados Casamento Sangrento e Pânico VI. O roteiro está nas mãos de David Coggeshall, enquanto Sean Daniel, produtor veterano da franquia, retorna para garantir que a essência original não se perca em meio às múmias digitais e efeitos de última geração. A produção ainda conta com o envolvimento da Project X Entertainment, responsável por títulos como Ready or Not e Scream. O projeto ainda está em fase inicial, sem data de estreia confirmada.

Um legado que nunca morreu

Para entender o peso dessa notícia, é preciso voltar às origens. A franquia é uma marca que atravessou quase um século de história do cinema. Tudo começou em 1932, quando Boris Karloff vestiu as ataduras do temível Imhotep, dando vida ao primeiro filme da franquia. A produção, dirigida por Karl Freund, definiu o padrão do terror clássico da Universal, ao lado de monstros como Drácula e Frankenstein.

Entre 1932 e 1955, a Universal lançou seis longas da série original, todos explorando o mito da múmia como uma força antiga, trágica e implacável. Os títulos incluíam A Mão da Múmia, A Tumba da Múmia, O Fantasma da Múmia e A Maldição da Múmia. Esses filmes consolidaram o personagem no imaginário popular e ajudaram a moldar o gênero de horror moderno.

A reinvenção dos anos 90

Em 1999, o diretor Stephen Sommers reinventou A Múmia para uma nova geração. O terror sombrio deu lugar à aventura de ação com toques de humor, e o público abraçou a mudança de braços abertos. Fraser brilhou como Rick O’Connell, o aventureiro corajoso e desajeitado, enquanto Rachel Weisz encantou como a bibliotecária e arqueóloga Evelyn Carnahan.

O sucesso foi imediato. O filme arrecadou mais de US$ 400 milhões e se tornou um fenômeno cultural. Sua mistura de efeitos práticos, CGI inovador para a época e carisma do elenco principal transformou A Múmia em um clássico moderno — o tipo de produção que passava na Sessão da Tarde e ninguém conseguia mudar de canal.

As continuações vieram logo em seguida. O Retorno da Múmia (2001) trouxe de volta o casal O’Connell, introduziu o vilão Escorpião Rei (vivido por Dwayne Johnson) e ampliou o universo da saga. Já A Múmia: Tumba do Imperador Dragão (2008), dirigido por Rob Cohen, levou a ação para a China antiga, com Jet Li e Maria Bello substituindo Rachel Weisz. Embora o terceiro filme tenha dividido opiniões, a trilogia consolidou um legado de mais de US$ 1,4 bilhão em bilheteria mundial.

A maldição dos reboots

Em 2017, a Universal tentou mais uma ressurreição com um reboot estrelado por Tom Cruise, prometendo inaugurar o “Dark Universe”, um universo compartilhado de monstros clássicos. A ideia era ambiciosa — conectar A Múmia, Frankenstein, O Lobisomem, O Homem Invisível e outros monstros lendários. Mas o feitiço virou contra o feiticeiro: o filme não convenceu o público nem a crítica. Apesar dos visuais impressionantes e do orçamento generoso, faltou coração e autenticidade. O projeto acabou enterrado junto com o próprio Dark Universe.

Mais do que nostalgia

Se há algo que A Múmia provou ao longo de suas muitas encarnações, é que boas histórias nunca morrem — apenas esperam o momento certo para despertar novamente. E talvez este seja o momento. Em uma era dominada por reboots e sequências, o desafio da Universal será trazer algo que não pareça apenas um exercício de nostalgia, mas uma nova aventura que emocione tanto quem cresceu com os filmes originais quanto quem os descobrir agora.

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