Saiba a duração de Invocação do Mal 4: O Último Ritual, o filme mais longo da franquia

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O universo de Invocação do Mal está prestes a ganhar um novo capítulo — e não é qualquer capítulo. Com estreia marcada para o dia 5 de setembro de 2025, Invocação do Mal 4: O Último Ritual chega prometendo ser o mais intenso e profundo filme da série até hoje. E não é só pela trama que isso acontece: o longa terá nada menos que 135 minutos de duração, ou seja, 2 horas e 15 minutos de terror e emoção. As informações são do Digital Spy.

Para quem acompanha a franquia desde o começo, sabe que cada filme é uma experiência tensa e cheia de sustos, mas este novo tempo de tela é um sinal claro de que os realizadores querem ir além do simples susto: querem contar uma história mais completa, mais humana, mais complexa. É como se, dessa vez, o espectador fosse convidado a se sentar e acompanhar, passo a passo, uma jornada que vai misturar medo, fé e os laços familiares que unem os Warrens.

A espera por um desfecho com mais profundidade

O casal Ed e Lorraine Warren, interpretado mais uma vez por Patrick Wilson e Vera Farmiga, é a alma da franquia. Eles não são apenas caçadores de fantasmas: são pessoas reais, com medos, dúvidas, esperança e, acima de tudo, um amor que sustenta tudo o que fazem. Neste quarto filme, a presença deles se torna ainda mais humana e visceral.

Ao lado deles, personagens como Judy Warren, a filha do casal, interpretada por Mia Tomlinson, trazem uma nova camada emocional à trama. A jovem Judy está inserida em um universo que vai além do medo: é sobre proteger a família e enfrentar os horrores que ameaçam não só a casa, mas a própria alma.

Essa duração maior dá espaço para esse desenvolvimento, permitindo que o público realmente sinta o peso da missão que esses personagens carregam — algo que vai muito além das cenas de ação sobrenatural.

O que a duração diz sobre o filme

No cinema de terror, tempo é quase tudo. Um filme muito longo pode perder o ritmo, enquanto um muito curto pode deixar pontas soltas e personagens rasos. Aqui, o desafio foi usar essas 2 horas e 15 minutos para construir um ambiente onde o suspense cresce com calma, quase como um sussurro que vai ficando cada vez mais alto — até o grito final.

Essa escolha indica que a direção de Michael Chaves, que retorna depois de ter comandado o terceiro filme da franquia, está focada em uma narrativa mais cuidadosa, em que o terror não vem apenas dos sustos repentinos, mas da construção do medo dentro da história e dos próprios personagens.

Os roteiristas, entre eles David Leslie Johnson-McGoldrick, Ian Goldberg e Richard Naing, aproveitaram para desenvolver uma trama que respira. Eles se inspiraram nos relatos reais dos Warrens, o que dá ao filme uma autenticidade que ultrapassa o gênero e toca questões mais profundas sobre fé, dúvida e o mal em si.

O legado dos Warrens e a força da verdade

Invocação do Mal sempre foi mais do que filmes de terror: é uma homenagem ao trabalho do casal Warren, que dedicou a vida a investigar fenômenos que desafiam a lógica. E é essa verdade, ainda que cercada de mistério, que torna a franquia tão cativante.

Neste filme, o casal não está sozinho. Ao lado deles, novas faces entram em cena para dar vida a uma das histórias mais marcantes do arquivo Warren — o caso da família Smurl, famosa por alegações de possessão demoníaca nos anos 80. A escolha desse enredo dá ao filme uma carga dramática pesada, porque o público sabe que não se trata só de ficção, mas de relatos que causaram sofrimento real.

Essa responsabilidade também é sentida no elenco que acompanha os protagonistas. Ben Hardy, como Tony Spera, e o grupo que interpreta os membros da família Smurl ajudam a dar humanidade e realismo às situações extremas vividas no filme.

Por dentro da produção: dedicação e paixão

Um filme desse porte não nasce do acaso. Foram meses de preparação, desde o desenvolvimento do roteiro até as filmagens que aconteceram em Londres, entre setembro e novembro de 2024. A escolha da cidade não foi apenas prática, mas estratégica: o clima, a arquitetura e a atmosfera da capital inglesa contribuem para criar o ambiente sombrio e opressor que o filme pede.

Michael Chaves teve a missão de guiar essa produção com delicadeza e firmeza, equilibrando a pressão de atender às expectativas dos fãs e a vontade de entregar algo novo. E um dos grandes acertos foi a trilha sonora, composta por Benjamin Wallfisch, que assume o lugar de Joseph Bishara. A música em filmes de terror é quase um personagem — e Wallfisch promete dar ao filme uma assinatura sonora que prende o espectador na cadeira.

O impacto emocional além do susto

Se existe algo que diferencia Invocação do Mal 4 dos demais filmes da franquia é a maneira como ele abraça o lado humano da história. Não é só sobre fantasmas e demônios: é sobre como uma família lida com o desconhecido, o perigo e o medo.

Essa sensibilidade ajuda a construir um terror que não está apenas no que é visto na tela, mas naquilo que o público sente no peito. O medo de perder quem amamos, a dúvida sobre o que é real e o que não é, a luta para manter a fé mesmo diante do inexplicável — tudo isso transforma o filme em uma experiência emocional profunda.

O que esperar da estreia

Com a data de estreia chegando, a ansiedade cresce entre os fãs e também entre os amantes do cinema de terror que ainda não conhecem o universo dos Warrens. O filme promete não só sustos e cenas de arrepiar, mas também um roteiro que respeita o espectador, dando espaço para a reflexão e a empatia.

No Brasil, embora a data oficial de lançamento ainda não esteja confirmada, é esperado que o longa chegue aos cinemas pouco tempo depois da estreia americana, permitindo que o público nacional também mergulhe nesse último ritual.

Netflix inicia filmagens da nova série live-action de Scooby-Doo ainda em 2025

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A turma mais famosa do mundo dos mistérios está prestes a voltar, desta vez em um formato completamente novo. A Netflix confirmou que as filmagens da sua nova série live-action de Scooby-Doo começarão ainda este ano, durante o outono americano, que vai de setembro a dezembro de 2025. Com produção acelerada, a expectativa é que o público possa conferir as aventuras da turma já no meio de 2026, dando continuidade a um legado que já dura mais de cinco décadas. As informações são da Variety.

A série promete trazer uma história inédita, focada em um grupo de jovens em um acampamento de verão que se une para desvendar o mistério do desaparecimento de um filhote de dogue alemão — um cachorro que pode ter testemunhado um assassinato com elementos sobrenaturais. Essa proposta traz um frescor à narrativa, combinando amizade, suspense e uma pitada de mistério além do natural, e que deve conquistar tanto os fãs antigos quanto as novas gerações.

O cenário escolhido para essa nova temporada da turma do Scooby-Doo é inspirador. O acampamento de verão é um espaço que simboliza descobertas, conexões e o desafio de enfrentar o desconhecido lado a lado com amigos. A série quer explorar essa dinâmica, mostrando como esses jovens se juntam para enfrentar um mistério que vai muito além do habitual vilão mascarado — agora com um toque de sobrenatural que eleva a tensão e o suspense.

Esse ambiente cria um espaço perfeito para o desenvolvimento dos personagens, revelando suas personalidades, medos e coragens. O filhote de dogue alemão perdido não é apenas um ponto central do mistério, mas também um elo emocional que une a turma e mostra a importância do cuidado, da amizade e da lealdade.

Os mestres por trás do mistério

A responsabilidade de dar vida a essa nova fase da franquia ficou nas mãos de profissionais experientes. Josh Appelbaum e Scott Rosenberg, conhecidos por seu trabalho em produções como “Citadel” e “Jumanji: Bem-Vindo à Selva”, assinam o roteiro e são produtores executivos da série. A dupla traz um olhar moderno e dinâmico para a narrativa, combinando ação, suspense e profundidade emocional.

Além deles, Greg Berlanti, produtor executivo pela Berlanti Productions — famosa por séries de sucesso da DC Comics na emissora CW — também faz parte do time. Sua experiência em criar universos ricos em personagens e histórias complexas é um diferencial que deve enriquecer ainda mais a produção.

Uma trajetória de sucesso e reinvenção

Scooby-Doo é muito mais do que um simples desenho animado; é uma verdadeira instituição da cultura pop que atravessou gerações, continentes e estilos de narrativa. Desde sua estreia em 1969, a turma formada por Fred, Daphne, Velma, Salsicha e, claro, o icônico Scooby-Doo, conquistou o público com uma fórmula única que mistura mistério, humor e aventura leve — elementos que, até hoje, continuam a encantar crianças e adultos.

Ao longo dos mais de cinquenta anos de existência, Scooby-Doo se reinventou inúmeras vezes para se manter relevante. Passou por diversas versões animadas, especiais para a TV, séries derivadas e longas-metragens, tanto animados quanto live-action. Cada uma dessas adaptações trouxe novas camadas para os personagens e para a narrativa, respeitando a essência da franquia mas também respondendo às demandas de seu tempo.

Nos anos 2000, os filmes live-action lançados pela Warner Bros. marcaram uma tentativa ousada de trazer a turma para o mundo real, com efeitos visuais que deram vida ao personagem canino e uma abordagem mais moderna, mas ainda assim familiar. Já em outras versões animadas mais recentes, a franquia explorou temas mais sombrios e complexos, como em “Scooby-Doo on Zombie Island” (1998), que adicionou uma atmosfera de horror quase real ao mistério tradicional, agradando um público mais velho.

O desafio de renovar uma lenda

Reinventar uma franquia com tanto peso cultural quanto Scooby-Doo não é uma tarefa simples. A expectativa dos fãs é alta, e a própria história da série impõe um desafio: como inovar e trazer frescor para a narrativa, sem trair a essência que tornou a turma tão querida? A série precisa encontrar o equilíbrio delicado entre o clássico e o contemporâneo, entre a aventura divertida e o suspense que prende a atenção do público.

O contexto atual do entretenimento, com uma audiência cada vez mais diversificada e exigente, demanda personagens mais complexos, histórias com múltiplas camadas emocionais e narrativas visuais impactantes. A nova produção tem a missão de traduzir isso para o universo de Scooby-Doo, que até hoje é associado a um mistério leve e descomplicado, com pitadas de humor.

Outro aspecto importante é a transição do desenho animado para o live-action. Trazer personagens que eram caricatos e estilizados para um formato mais realista requer adaptação no roteiro, na caracterização, e até mesmo no tom da história. É preciso preservar a química e as personalidades dos personagens, ao mesmo tempo em que se ajusta a linguagem para um público moderno, acostumado a narrativas mais densas e visuais sofisticados.

Shrek 5 é adiado para 2027 e marca o aguardado retorno do ogro mais querido do cinema

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A espera vai ser um pouco mais longa para os fãs do ogro mais querido do cinema. A Universal Pictures e a DreamWorks Animation anunciaram que o lançamento do tão aguardado Shrek 5 foi adiado para 30 de junho de 2027, afastando-se do calendário original previsto para o fim de 2026. As informações são da Variety.

O comunicado oficial não detalhou os motivos do adiamento, mas indicou que a estratégia da Universal nos últimos anos tem sido concentrar esforços nas suas produções animadas de maior sucesso, como Meu Malvado Favorito, Como Treinar o Seu Dragão e Super Mario Bros. – O Filme — que têm tido destaque nos meses de verão do hemisfério norte.

Um retorno esperado, mas envolto em mistério

A nova produção promete trazer de volta as vozes que marcaram gerações: Mike Myers como Shrek, Eddie Murphy como Burro, e Cameron Diaz na princesa Fiona. A grande novidade do elenco é Zendaya, que dará voz a Felicia, filha de Shrek, ampliando o universo familiar do ogro e trazendo uma nova camada à história.

Nos bastidores, o filme será dirigido por Walt Dohrn e Conrad Vernon, veteranos da franquia e experientes em animações de sucesso. Dohrn tem uma ligação profunda com a série — já atuou como roteirista, artista e dublador na franquia, enquanto Vernon dirigiu Shrek 2 e Madagascar 2, além de emprestar sua voz ao famoso Biscoito de Gengibre.

Apesar de todo o alvoroço, os detalhes da trama de Shrek 5 continuam um mistério bem guardado, aumentando a expectativa do público para descobrir que nova aventura está reservada para Shrek e seus amigos.

Uma franquia que marcou gerações

Para entender a importância desse adiamento, vale lembrar que Shrek não é apenas uma animação qualquer: desde o seu lançamento em 2001, revolucionou o gênero com sua combinação de humor irreverente, personagens carismáticos e uma história que brinca com contos de fadas clássicos, mas com um toque moderno. A franquia teve até agora quatro filmes principais, sendo Shrek para Sempre (2010) o último, que na época foi anunciado como o encerramento da saga. Mas a história do ogro e seu universo nunca parou de gerar interesse — e os fãs mantiveram viva a chama por mais aventuras.

O percurso conturbado do quinto filme

Na verdade, a ideia de um quinto filme não é nova. Desde o lançamento do segundo filme em 2004, o então CEO da DreamWorks Animation, Jeffrey Katzenberg, já vislumbrava uma história contada em cinco capítulos, onde cada filme responderia perguntas e revelaria novas facetas do personagem principal. Originalmente, o plano era que Shrek 5 fosse lançado em 2013.

No entanto, a DreamWorks decidiu encerrar a série após o quarto filme, que foi visto como o capítulo final da jornada de Shrek. Isso fez com que os planos para uma sequência fossem temporariamente descartados.

Mas a história de Shrek nunca foi esquecida. Em 2014, o desenvolvimento de um novo filme voltou a ganhar força, especialmente após a compra da DreamWorks pela NBCUniversal em 2016. A partir daí, Shrek 5 começou a ser oficialmente retomado, com diversas atualizações ao longo dos anos e a confirmação do elenco original.

O que esperar do novo filme?

Segundo Michael McCullers, roteirista do filme, Shrek 5 promete uma “grande reinvenção” para a série. O produtor executivo Chris Meledandri, CEO da Illumination — estúdio responsável pelo sucesso da franquia Minions — afirmou que o objetivo é identificar e honrar os elementos que os fãs mais amam em Shrek, trazendo-os de forma renovada, à semelhança do que fizeram com Super Mario Bros. – O Filme.

Essa abordagem reforça a expectativa de que o novo filme será, ao mesmo tempo, uma homenagem aos clássicos que marcaram os anos 2000 e uma aposta para conquistar as novas gerações, com uma narrativa atualizada e novos personagens.

A trajetória dos diretores Walt Dohrn e Conrad Vernon

Para além da nostalgia e da nostalgia, o envolvimento de Walt Dohrn e Conrad Vernon na direção é um fator promissor para o novo Shrek. Dohrn já mostrou sua versatilidade ao longo da franquia, inclusive emprestando sua voz ao icônico vilão Rumpelstiltskin, em Shrek para Sempre.

Conrad Vernon, por sua vez, é conhecido por seu trabalho em filmes populares, como Madagascar 2, que também combinam humor e emoção em doses equilibradas.

Juntos, eles prometem trazer uma direção cuidadosa e criativa, que valorize tanto a comédia quanto os aspectos mais emocionais da narrativa.

Neusa Borges retorna às telonas em Os Quatro dos Passos, aventura infantojuvenil que valoriza Florianópolis e a cultura brasileira

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Depois de muitos anos longe das grandes telas, a atriz Neusa Borges retorna ao cinema com um papel que marca não apenas sua carreira, mas também um importante momento para o cinema nacional: o filme Os Quatro dos Passos, dirigido por Beatriz Silva e Yasser Socarrás, é uma produção infantojuvenil que mistura aventura, suspense, comédia e romance, tudo ambientado em Florianópolis — cidade natal da atriz e cenário da filmagem.

No longa, Neusa vive Dona Chica, bisavó de dois dos protagonistas, uma personagem que carrega consigo um mistério envolvente e uma presença que guia os jovens pela trama. A história gira em torno de quatro adolescentes — Francisca, Jacinto, Lúcio e Camila — que, em uma tentativa de fugir da temida recuperação escolar, acabam se envolvendo em uma jornada que mistura o real e o sobrenatural, passando pela tradição da Procissão do Senhor dos Passos, evento religioso reconhecido pelo Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional (Iphan) como Patrimônio Cultural do Brasil.

O roteiro assinado por Glauco Broering aposta em uma combinação audaciosa: a energia da juventude, a força da cultura local e um gênero híbrido que inclui animação, cenas em live-action e elementos de found footage, técnica que remete a um tipo de filme gravado em primeira pessoa, muito usada para criar suspense e realismo.

A diretora Beatriz Silva conta que a ideia de contar essa história a partir do olhar dos adolescentes foi decisiva para ela se envolver no projeto. “Quando li o roteiro, logo percebi que não era só sobre aventura, era uma narrativa que trazia a cultura brasileira para o primeiro plano, mas sem perder o frescor e o olhar genuíno dos jovens protagonistas,” comenta Beatriz.

Já o co-diretor Yasser Socarrás destaca o protagonismo dos quatro jovens negros na trama, ressaltando a importância da representatividade. “Em muitas histórias, especialmente de aventura, esses personagens são raramente o centro. Aqui, eles são quem movem a narrativa, com coragem, curiosidade e amizade. Isso é revolucionário para o cinema nacional,” afirma.

Dona Chica: o elo entre gerações

Neusa Borges, uma artista que acumulou décadas de experiência na televisão e no teatro, confessa que foi um convite especial poder viver Dona Chica. “Ela é uma mulher cheia de história, cheia de sabedoria, mas também um pouco misteriosa. Senti que era uma chance de trazer para a tela algo que vem da minha própria vivência e do amor por Florianópolis,” diz a atriz.

Para Neusa, participar de uma produção que celebra a cultura local, com elementos tão fortes da religiosidade popular, foi uma forma de homenagear suas raízes e contribuir para que as tradições brasileiras ganhem visibilidade na cultura pop.

Florianópolis: muito mais que cenário

Os locais escolhidos para as filmagens foram cuidadosamente selecionados para mostrar não só as belezas naturais da capital catarinense, mas também seu patrimônio histórico e cultural. Igrejas antigas, ruas estreitas e paisagens que transitam entre o urbano e o natural criam o ambiente perfeito para essa aventura que, apesar de ambientada em um lugar específico, fala para o Brasil inteiro.

A Procissão do Senhor dos Passos, que acontece anualmente e envolve milhares de fiéis, serve como pano de fundo para a trama, trazendo uma atmosfera de mistério e tradição que conecta passado e presente.

Nostalgia e inovação de mãos dadas

Os diretores explicam que uma das inspirações para o filme foram os clássicos infantojuvenis das décadas de 80 e 90, como “Os Goonies” e “Conta Comigo”. Essas histórias de amizade, descoberta e aventura sempre tocaram o imaginário popular, e “Os Quatro dos Passos” revive essa essência, ao mesmo tempo em que insere elementos que falam diretamente à geração atual, como a diversidade racial e a tecnologia.

Essa junção cria um filme que é ao mesmo tempo um presente para as crianças e adolescentes de hoje e uma viagem nostálgica para adultos que cresceram assistindo essas obras.

Linguagens que aproximam o público

A mistura de animação, live-action e found footage não é apenas um recurso visual: é também uma maneira de dialogar com diferentes faixas etárias e gostos. A animação ilustra as histórias contadas por Dona Chica, dando vida às lendas e ao folclore local. O found footage cria uma sensação de urgência e suspense, e o live-action dá o tom realista à aventura.

Esse casamento de estilos traz frescor e dinamismo, tornando a experiência mais rica e convidativa para quem assiste.

Representatividade que transforma

A presença de quatro jovens negros como protagonistas é, sem dúvida, um dos pontos altos do filme. Em tempos em que debates sobre diversidade e inclusão ganham força, “Os Quatro dos Passos” mostra na prática como a representatividade pode ser natural, orgânica e central em uma história que, acima de tudo, é sobre humanidade.

“Eles são esses jovens, com sonhos, medos e desafios, que embarcam juntos numa aventura. Isso muda a forma como o público se vê e se conecta com o cinema,” explica Yasser Socarrás.

Tela Quente | Bad Boys para Sempre agita a noite com ação eletrizante e reencontro da dupla Will Smith e Martin Lawrence

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Há encontros que o tempo não apaga. E, nesta segunda, 11 de agosto, milhões de brasileiros terão a chance de reencontrar dois velhos conhecidos que marcaram época no cinema: Mike Lowrey e Marcus Burnett, a dupla de detetives mais carismática e improvável que Hollywood já viu. A Tela Quente exibe Bad Boys para Sempre, o terceiro capítulo da franquia que mistura ação, humor e amizade verdadeira.

O filme, lançado em 2020, não é apenas mais uma sequência. Ele carrega o peso de quase duas décadas de espera desde o último “Bad Boys II” (2003) e o desafio de provar que, mesmo com o tempo passando, o espírito rebelde e a química entre Will Smith e Martin Lawrence continuam intactos.

De volta à ação

Em Bad Boys para Sempre, Mike e Marcus já não são os mesmos garotos imprudentes de 1995. A idade trouxe dores no corpo, responsabilidades familiares e reflexões sobre o futuro. Marcus pensa seriamente em pendurar o distintivo. Mike, por outro lado, ainda vive para a adrenalina — até que um atentado quase lhe tira a vida e traz à tona um inimigo ligado ao seu passado.

A partir daí, os dois são arrastados para uma caçada perigosa, enfrentando criminosos que não medem esforços para acabar com suas vidas. No meio do fogo cruzado, velhas piadas se misturam a novas feridas, e a parceria é posta à prova como nunca antes.

A química que atravessa décadas

O grande trunfo da franquia sempre foi a interação entre Smith e Lawrence. No primeiro filme, essa combinação foi novidade. No segundo, ela se consolidou. No terceiro, é pura nostalgia somada à maturidade.

Assistir aos dois juntos hoje é perceber que a amizade que vemos na tela também existe fora dela. Eles brincam, se provocam e, ao mesmo tempo, se cuidam — como irmãos que já passaram por tudo. Isso cria uma conexão com o público difícil de reproduzir.

Entre atrasos e incertezas

O caminho para “Bad Boys para Sempre” chegar às telas foi quase tão cheio de obstáculos quanto uma perseguição pelas ruas de Miami. Planos para um terceiro filme começaram logo após o sucesso do segundo, mas esbarraram em questões orçamentárias, agendas conflitantes e mudanças na direção.

Durante anos, boatos iam e vinham. Datas de estreia eram anunciadas e canceladas. Chegou um momento em que até Martin Lawrence declarou, em entrevistas, que já não acreditava que o projeto veria a luz do dia.

A reviravolta aconteceu quando os diretores belgas Adil El Arbi e Bilall Fallah assumiram o projeto, trazendo um olhar mais contemporâneo, mas sem apagar a essência que os fãs amavam. As filmagens começaram em 2018 e terminaram no início de 2019, gravadas entre Miami e Atlanta.

O sucesso inesperado

Lançado em janeiro de 2020, o filme tinha tudo para ser apenas um reencontro divertido para os fãs. Mas foi muito além: tornou-se o maior sucesso de bilheteria da franquia, arrecadando mais de 426 milhões de dólares no mundo todo e batendo o recorde de maior estreia de janeiro na história dos cinemas.

Parte desse êxito se deve ao equilíbrio entre ação eletrizante, humor afiado e momentos de emoção genuína — uma fórmula que conquistou tanto o público antigo quanto novos espectadores.

Personagens que marcam

Além da dupla principal, o filme apresenta novos rostos que trazem frescor à franquia. Paola Núñez vive Rita, chefe da equipe de elite AMMO e ex-namorada de Mike, enquanto Vanessa Hudgens, Alexander Ludwig e Charles Melton interpretam jovens agentes que desafiam os métodos tradicionais dos protagonistas.

No lado oposto, Kate del Castillo dá vida à vilã Isabel Aretas, uma mulher determinada a destruir tudo e todos que cruzaram seu caminho. Seu filho, Armando (Jacob Scipio), se revela um antagonista com motivações pessoais que adicionam peso à trama.

Curiosidades de bastidores

  • O diretor original da franquia, Michael Bay, faz uma participação especial como mestre de cerimônias em uma das cenas.
  • Muitas cenas de perseguição foram feitas em locações reais de Miami, mantendo a autenticidade visual que se tornou marca registrada dos filmes.
  • DJ Khaled, famoso no mundo da música, aparece como Manny, o Açougueiro, em um papel que mistura comédia e tensão.

Mais que tiros e explosões

O filme não é só ação e piadas. Ele também fala sobre envelhecer, encarar o passado e aceitar mudanças. Mike precisa lidar com segredos que guardou por anos. Marcus enfrenta o dilema entre proteger a própria vida e cumprir seu dever como policial.

Essa camada emocional dá profundidade ao filme e mostra que, mesmo dentro de um blockbuster de ação, é possível tratar de temas humanos.

Por que assistir hoje?

Na exibição desta segunda na Tela Quente, o filme ganha um sabor especial. É chance de rever — ou conhecer — uma das duplas mais icônicas do cinema, em uma história que combina adrenalina, humor e emoção na medida certa.

Para quem acompanhou a franquia desde os anos 90, é como reencontrar velhos amigos que, apesar das rugas, continuam com a mesma disposição para aprontar. Para quem nunca viu, é um convite para mergulhar em um universo onde a lealdade vale tanto quanto a mira certeira.

E o futuro?

O sucesso foi tão grande que a Sony já confirmou um quarto filme, com Will Smith e Martin Lawrence de volta. Isso mostra que, mesmo depois de tanto tempo, a fórmula “Bad Boys” continua viva e pronta para novas histórias.

Saiba qual filme vai passar no Cine Record Especial desta terça (12/08)

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Na próxima terça-feira, dia 12 de agosto, o Cine Record Especial da Record TV promete uma programação que vai prender a atenção do público do começo ao fim com a exibição do longa-metragem Panamá, uma produção que mescla ação e suspense em um contexto político marcado por intrigas, traições e jogos de poder. Dirigido por Mark Neveldine, conhecido por seu estilo ágil e enérgico, e roteirizado por Daniel Adams, o longa mergulha no turbulento cenário da América Central de 1989, trazendo uma história ficcional que dialoga de forma realista com fatos históricos da época.

Para entender a importância e o impacto de Panamá, é essencial conhecer o contexto em que a trama está inserida. No final dos anos 80, em plena Guerra Fria, a América Central era palco de intensos conflitos políticos e militares, impulsionados por ideologias divergentes, interesses estratégicos globais e uma forte presença dos Estados Unidos na região. O confronto entre forças de esquerda, como os sandinistas da Nicarágua, e grupos de oposição financiados e treinados pelos americanos, como os Contras, alimentava uma guerra por procuração que consumia vidas e recursos, gerando um ambiente de medo, desconfiança e violência. O Panamá, país crucial pela sua localização geopolítica, era governado por Manuel Noriega, uma figura complexa que transitava entre a aliança com a CIA e o envolvimento com o narcotráfico e potências rivais. Noriega simbolizava a ambiguidade da política externa americana, que por vezes apoiava regimes controversos desde que seus interesses fossem atendidos.

É justamente neste cenário tenso que o filme apresenta sua narrativa, trazendo à tona operações clandestinas e a face obscura do jogo político na América Latina. No centro da história está James Becker, personagem vivido por Cole Hauser, um ex-fuzileiro naval que carrega o peso de um passado marcado por tragédias pessoais. A perda da esposa mergulhou Becker em um ciclo de isolamento e autodestruição, consumido pelo álcool e pela dor. A vida que ele levava parecia não ter mais propósito, até que surge uma oferta que pode mudar seu destino. Stark, interpretado por Mel Gibson, é um antigo comandante de Becker que agora atua como agente da CIA. É ele quem traz a proposta que desafia Becker a sair do seu exílio emocional: uma missão secreta no Panamá, onde ele deve negociar a compra de um helicóptero russo que poderá ser decisivo na luta dos Contras contra os sandinistas.

A missão não é apenas perigosa por si só; envolve uma teia complexa de interesses e traições que Becker terá que desvendar e enfrentar. O longa acompanha seu mergulho neste universo de espionagem, mentiras e violência, onde confiança é uma moeda rara. O que torna Panamá especialmente interessante é o cuidado dado à construção dos personagens, que não se resumem a estereótipos simplistas. Becker é o anti-herói clássico: durão, marcado pela dor, mas ainda humano em suas falhas e contradições. Seu passado militar dá profundidade à sua figura, revelando um homem que carrega o peso de suas escolhas e busca um caminho para se redimir. Stark, o mentor da CIA, representa o lado pragmático e, por vezes, implacável da política americana, mas também tem momentos que mostram seu lado humano e os dilemas morais que enfrenta. Já Enrique Rodriguez, personagem vivido por Mauricio Hénao, é o traficante e intermediário cuja ambição e astúcia o colocam em uma posição ambígua, navegando entre os vários poderes em jogo.

A introdução de Camilla (Kiara Liz), uma prostituta que vive os altos e baixos do contexto perigoso do Panamá, adiciona uma camada emocional ao filme. Ela simboliza as pessoas comuns que, em meio às grandes decisões políticas e militares, acabam sendo as maiores vítimas, tentando sobreviver e manter a esperança. Panamá não decepciona quem busca um filme com ritmo acelerado e cenas de ação bem executadas. A narrativa é pontuada por momentos de suspense intenso, perseguições e confrontos que mantêm a tensão no auge. Um dos episódios que mais chama a atenção é a corrida de motocross pela selva entre Becker e Enrique, que vai muito além da competição física: é um duelo simbólico pelo controle da missão e pela confiança dos envolvidos. A natureza selvagem do cenário reforça a sensação de perigo constante.

À medida que Becker se aprofunda em sua missão, traições e assassinatos complicam ainda mais sua trajetória. Sua relação com Camilla é marcada por um misto de afeto e desconfiança, especialmente quando ele descobre que ela foi forçada a participar de uma trama que coloca sua vida em risco. A morte de Camilla representa um ponto de ruptura na história, impulsionando Becker a uma busca feroz por justiça e vingança, que o leva a confrontar os poderes que operam nas sombras do Panamá.

Reflexões sobre poder, lealdade e consequências

Mais do que um mero filme de ação, Panamá provoca reflexões importantes sobre os efeitos das decisões políticas e militares em pessoas reais. A trama escancara como a manipulação dos interesses internacionais pode desencadear ciclos de violência, desconfiança e tragédias humanas. O percurso de Becker evidencia o dilema do homem comum tentando preservar sua humanidade em um cenário dominado por jogos sujos e interesses ocultos. O filme levanta questões sobre o preço da lealdade, os limites da sobrevivência e as consequências das alianças políticas. Ao mesmo tempo, há uma crítica velada à atuação da CIA na América Latina, mostrando como sua intervenção, mesmo sob o pretexto de proteger a democracia, muitas vezes se pautava por interesses econômicos e estratégicos, ignorando o impacto social dessas ações.

Direção, produção e qualidade técnica

A direção de Mark Neveldine, conhecido por filmes como Crank, imprime ao longa um ritmo dinâmico e envolvente que prende o espectador do início ao fim. A direção aposta em sequências intensas e coreografadas com precisão, evitando exageros que poderiam tirar a veracidade da história. A cinematografia se destaca por aproveitar ao máximo os ambientes urbanos e naturais do Panamá, criando uma atmosfera que mistura tensão, perigo e beleza. A trilha sonora complementa a narrativa, alternando entre momentos de silêncio tenso e explosões dramáticas. O roteiro de Daniel Adams é enxuto, privilegiando diálogos objetivos e cenas de impacto emocional que desenvolvem os personagens sem comprometer o andamento ágil da trama.

Elenco e atuações

O sucesso do filme também passa pela força de seu elenco. Cole Hauser entrega uma atuação convincente, mostrando um homem complexo que transita entre a vulnerabilidade e a determinação, conferindo humanidade a Becker e tornando-o uma figura memorável. Mel Gibson traz sua experiência e carisma para o papel de Stark, equilibrando a rigidez da espionagem com momentos de humanidade, o que torna seu personagem mais tridimensional. Mauricio Hénao encarna Enrique Rodriguez com um misto de ambição, astúcia e vulnerabilidade, um antagonista que foge do maniqueísmo tradicional. Kiara Liz, no papel de Camilla, e Néstor Rodulfo como o coronel Marcos Justines complementam o elenco, enriquecendo a trama com suas presenças intensas.

Vale a pena assistir?

Se você é fã de filmes que vão além do entretenimento superficial e trazem uma narrativa carregada de significado, Panamá é uma excelente escolha. Ele mistura ação, drama e uma análise crítica dos conflitos políticos que marcaram a América Latina no fim do século XX. Além disso, o filme abre uma janela para um capítulo pouco explorado da história, permitindo que o público reflita sobre as consequências das decisões globais para as vidas individuais, muitas vezes esquecidas nas grandes manchetes. A combinação de personagens complexos, reviravoltas inesperadas e um cenário realista faz de Panamá um filme que desafia sua atenção e oferece uma experiência cinematográfica rica e emocionante.

Onde posso assistir?

Você pode assistir ao filme em diversas plataformas de streaming e vídeo sob demanda (VOD). Está disponível para assinantes no Telecine, onde é possível assistir com qualidade e comodidade. Outra opção por assinatura é a plataforma Adrenalina Pura, que também oferece o filme para seu público. Para quem prefere o serviço de compra digital, o longa está disponível no Prime Video em HD, podendo ser adquirido a partir de R$ 29,90.

Record anuncia estreia de A Vida de Jó em setembro após sucesso de Paulo, o Apóstolo

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No cenário audiovisual brasileiro, poucas histórias têm o poder de tocar tão profundamente o público quanto aquelas que exploram as emoções humanas em sua forma mais crua — a dor, a dúvida, a esperança e, acima de tudo, a fé. É nesse território que se aventura a nova minissérie da Seriella Productions, A Vida de Jó, que estreia em agosto de 2025 com a missão de contar uma narrativa atemporal: a do homem que, mesmo diante das maiores adversidades, não perde sua integridade nem sua crença.

A trama da nova novela gira em torno do personagem que dá nome à série, um homem respeitado pela sua retidão moral e devoção espiritual. A série acompanha suas provações, que vão desde perdas materiais e familiares até graves enfermidades, num cenário que reflete o quanto a vida pode ser injusta, mesmo com aqueles que buscam fazer o bem.

Para dar vida a essa história, a Seriella Productions apostou em um elenco robusto e talentoso. O papel principal será dividido entre Enzo Krieger (Malhação, Verdades Secretas) e Guilherme Berenguer (Amor e Intrigas, Estrela Guia), que interpretam Jó em diferentes fases da vida, capturando a evolução do personagem desde sua juventude até a maturidade marcada pelas provações.

Além deles, nomes como Juliana Didone (Malhação, Pé na Jaca), Mah Duarte (Gênesis, A Terra Prometida), Camila Rodrigues (Vidas em Jogo, Escrava Mãe), Mharessa (Dona do Pedaço, Amor de Mãe), Giuseppe Oristanio (Jezabel, Apocalipse) e Emilio Orciollo Netto (Amor à Vida, Rei Davi) enriquecem o time de atores, dando corpo e emoção às diversas figuras que cruzam a trajetória do protagonista.

A minissérie também marca o aguardado retorno de Fernando Pavão à Record, que soma ao projeto sua experiência em produções reconhecidas como Família é Tudo e Arcanjo Renegado, agregando ainda mais qualidade ao conjunto.

A direção está a cargo de Alexandre Avancini, um profissional experiente conhecido por sua habilidade em equilibrar o ritmo da narrativa e a profundidade emocional dos personagens. Sob sua liderança, as gravações aconteceram nos estúdios da Seriella Productions, no Rio de Janeiro, com atenção minuciosa a detalhes que dão vida à ambientação bíblica.

Cada cenário, figurino e iluminação foram pensados para não apenas ilustrar o período, mas para provocar sensações e imersão total do público, permitindo que cada cena carregue o peso dramático necessário para o impacto da história.

Quando a novela estreia?

A Vida de Jó estreia inicialmente no dia 15 de agosto de 2025 na plataforma de streaming Univer Vídeo, antecipando sua exibição na televisão aberta, prevista para o dia 15 de setembro de 2025, quando será transmitida pela Record no horário nobre. Esse lançamento duplo evidencia a estratégia atual do mercado audiovisual, que valoriza a convergência entre o streaming e a televisão tradicional para ampliar o alcance e atender a diferentes públicos.

Mais do que uma releitura fiel da história bíblica, A Vida de Jó oferece um olhar contemporâneo sobre a experiência humana do sofrimento e da esperança. Em tempos de tantas incertezas, onde crises pessoais e coletivas se misturam, a série convida a audiência a encontrar, através da história de Jó, inspiração para resistir, questionar e, sobretudo, acreditar.

Desde a retomada da dramaturgia pela Record em 2004, as produções bíblicas têm ganhado destaque por sua capacidade de dialogar com públicos diversos, unindo história, cultura e fé. A novela é mais uma produção que reforça esse movimento, seguindo os passos de sucessos como Paulo, o Apóstolo, cuja recepção positiva abriu caminho para novas narrativas desse gênero.

O sucesso de Paulo, o Apóstolo

Com um elenco dedicado, liderado por Murilo Cezar, e sob a direção de Leonardo Miranda, a minissérie consegue mostrar não apenas os fatos históricos, mas também a humanidade de Paulo. Seus conflitos internos, suas dúvidas e a luta para se reconciliar com seu passado são elementos que aproximam o personagem do público, fazendo com que sua jornada de fé pareça real e próxima.

Lançada primeiro no Univer Vídeo, em maio, Paulo, o Apóstolo encontrou um público ávido por histórias que tragam inspiração e emoção sem abrir mão da qualidade. A exibição na Record, em um horário de destaque, consolidou a minissérie como um marco na dramaturgia bíblica nacional, destacando-se pela narrativa enxuta e envolvente, com apenas 36 capítulos que contam a essência dessa transformação.

Mais do que uma simples adaptação bíblica, a série reforça o interesse crescente do público por conteúdos que misturam espiritualidade e humanidade. A história de Paulo, marcada por coragem, perdão e busca por um propósito, ressoa em cada episódio, convidando quem assiste a pensar sobre suas próprias jornadas e escolhas na vida.


Flávia Garrafa abre o coração e diverte no Companhia Certa com Ronnie Von, nesta segunda (11/08)

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Na madrugada desta segunda, 11 de agosto, às 0h, a RedeTV! exibirá uma edição especial do programa Companhia Certa, comandado pelo carismático Ronnie Von. O convidado da noite é a atriz e psicóloga Flávia Garrafa, uma artista multifacetada que tem encantado o público há mais de três décadas por meio de seu talento na dramaturgia e sua sensibilidade para temas profundos, sempre temperados por um humor inteligente e afiado.

Flávia chega ao programa em um momento especial de sua carreira. Atualmente em cartaz com os solos de humor “Fale Mais Sobre Isso” e “Faça Mais Sobre Isso”, ela une a sua formação acadêmica em Psicologia com sua experiência como atriz para criar espetáculos que provocam não apenas risadas, mas também reflexão. A entrevista com Ronnie Von promete uma viagem por histórias que atravessam o universo da arte e da mente humana, revelando como o humor pode ser uma poderosa ferramenta de transformação.

Nascida em 17 de abril de 1974, Flávia possui uma trajetória singular. Formada em Psicologia pela renomada Universidade de São Paulo (USP) em 1996, ela decidiu ampliar seus horizontes e se aprofundar no teatro. Para isso, foi até Nova Iorque, onde estudou no Lee Strasberg Theatre and Film Institute, uma das escolas mais conceituadas para atores, reconhecida mundialmente pela técnica do “Método”. Passou quase um ano nos Estados Unidos aprimorando suas habilidades antes de retornar ao Brasil para consolidar sua carreira artística.

Essa junção entre psicologia e artes cênicas não é mera coincidência na vida de Flávia. Ela acredita que o humor, a empatia e a compreensão do comportamento humano caminham lado a lado. Para ela, o palco é um espaço seguro onde as emoções podem ser exploradas, discutidas e transformadas. E é exatamente isso que ela tem feito, mesclando essas duas áreas com muita criatividade.

O humor como instrumento de transformação

Durante a entrevista, Flávia compartilha a visão de que o humor não serve apenas para divertir, mas para provocar mudanças internas e sociais. “O riso abre portas que muitas vezes estão fechadas pelo medo ou pela dor”, explica ela, com a serenidade de quem conhece bem os labirintos da mente humana. Seus solos, “Fale Mais Sobre Isso” e “Faça Mais Sobre Isso”, são exemplos claros dessa proposta: convidar o público a refletir sobre temas cotidianos, conflitos emocionais e relações interpessoais, tudo com leveza e graça.

Para Flávia, o humor é uma forma de terapia coletiva — um convite para olhar para dentro, mas sem peso, com acolhimento e um sorriso. E essa combinação parece funcionar. Seu público se identifica, ri, mas também se reconhece nas situações apresentadas, criando uma cumplicidade que ultrapassa o simples entretenimento.

Momentos marcantes da carreira

Com mais de 30 anos de atuação, Flávia Garrafa acumula uma filmografia diversificada que inclui cinema, televisão e teatro. Sua carreira no cinema apresenta trabalhos desde 2003, com o filme “Cristina Quer Casar”, até produções mais recentes como “Meu Casulo de Drywall” (2023) e “Chama a Bebel” (2024). Nesses trabalhos, ela demonstra versatilidade ao interpretar personagens distintos, sempre com uma autenticidade que cativa.

Na televisão, Flávia participou de séries e novelas muito populares, como “Sandy & Junior” (1999), “Morde & Assopra” (2011) e “Espelho da Vida” (2018), entre outras. Sua presença marcante mesmo em papéis menores revela sua dedicação e profissionalismo. Além disso, ela já protagonizou quadros humorísticos como em “Tô de Graça”, onde interpretou Abigail, e tem sido presença constante em produções que misturam comédia e crítica social.

Mas é no teatro que Flávia realmente deixa sua marca mais profunda. Com uma carreira que começou no início dos anos 1990, ela participou de peças que vão de clássicos como “Bodas de Sangue” (1994) a comédias contemporâneas como “Sex Shop, uma Comédia Erótica” (2001-2002) e o sucesso do público “Fale Mais Sobre Isso” (2015-2022). O teatro é sua casa, onde pode explorar com mais liberdade as nuances do humor e da emoção.

Psicologia e arte: um diálogo constante

Flávia não é apenas uma atriz; ela também é professora de teatro e psicóloga, um diferencial que enriquece sua abordagem artística. Em suas palavras, “entender o comportamento humano me ajuda a construir personagens mais reais e profundos. Ao mesmo tempo, atuar me traz uma compreensão mais prática das emoções e relações.”

Essa troca constante entre as duas áreas confere aos seus trabalhos uma profundidade rara no meio artístico. Ao abordar temas como ansiedade, relacionamentos, papéis sociais e autoaceitação, Flávia consegue levar o público a uma experiência que vai além do riso imediato.

Vida pessoal e parcerias importantes

De 2012 a 2020, Flávia foi casada com o diretor Pedro Vasconcelos, uma parceria que certamente influenciou sua trajetória profissional e pessoal. Ao longo desses anos, a atriz construiu uma rede sólida de contatos e aprendizados, ampliando seu repertório e enfrentando os desafios da vida artística com coragem e determinação.

Profissão Repórter de terça (12/08) revela como pequenos conflitos de vizinhança viram grandes batalhas em São Paulo

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Na noite desta terça-feira, dia 12, o Profissão Repórter coloca em pauta um tema que, para muitos, é quase invisível até se tornar um problema pessoal: as desavenças entre vizinhos. A proposta é simples, mas carregada de complexidade — mostrar como a convivência diária em uma cidade como São Paulo pode passar, num piscar de olhos, da cordialidade ao confronto.

Embora as imagens mais clássicas de brigas de vizinhança envolvam disputas em filmes ou novelas, na vida real, esses conflitos são bem mais frequentes e, muitas vezes, mais graves do que imaginamos. E é justamente isso que a equipe do programa foi investigar, mergulhando em histórias que revelam muito mais sobre nós, como sociedade, do que sobre o simples incômodo com barulhos ou vagas de estacionamento.

O início de tudo: o incômodo que não se apaga

Conflitos de vizinhança quase sempre começam de forma sutil. É o cachorro que late à noite, a música alta que não respeita o horário de silêncio, o carro parado na vaga errada. Pequenos desconfortos que, acumulados, vão construindo um muro invisível entre pessoas que dividem o mesmo teto, a mesma rua ou o mesmo quintal.

A Guarda Civil Metropolitana (GCM) tem sentido esse aumento na pele. O serviço de mediação da corporação, criado para evitar que casos simples cheguem ao tribunal, hoje recebe, com frequência, chamados que começam como reclamações e terminam como boletins de ocorrência. Segundo os dados acompanhados pelo programa, desentendimentos entre vizinhos já figuram entre as demandas mais constantes.

Para a repórter que acompanha o tema, não é difícil entender o motivo: “A cidade está cada vez mais adensada, os prédios mais cheios e as casas mais próximas. Isso aumenta a chance de contato… e de atrito.”

Pirituba: o condomínio que é quase uma cidade

O programa decidiu começar a investigação por Pirituba, na zona norte de São Paulo, onde fica o maior conjunto residencial do Brasil. São 50 prédios, 20 mil moradores e um desafio diário: fazer tanta gente conviver em harmonia.

Nas áreas comuns, há de tudo — playgrounds, quadras, estacionamentos, corredores e, claro, uma lista quase infinita de regras. Mas, como mostram as câmeras, regras nem sempre garantem paz. Barulho fora de hora, lixo deixado em locais impróprios e mau cheiro vindo de animais de estimação são reclamações quase diárias.

O caso mais impressionante registrado no local é o de um morador que, irritado com ruídos, decidiu “resolver” a situação à sua maneira: usando spray de pimenta e até pequenos explosivos nos corredores. A atitude espalhou medo e insegurança. “Eu tenho medo até de abrir a porta”, conta uma vizinha, que pediu para não ser identificada. “Antes, eu conhecia todo mundo do meu bloco. Hoje, evito contato.”

Quando um vaso de planta vira motivo de guerra

Se os prédios gigantes trazem seus próprios desafios, bairros menores não ficam imunes a problemas. Na zona leste, o repórter Everton Lucas acompanhou um dia de mediação da GCM. Na sala, duas moradoras sentadas lado a lado mal se olhavam. O motivo? Um vaso de planta.

Colocado no corredor por uma delas, o vaso teria atrapalhado a passagem e se tornado um incômodo estético para a outra. Ao longo dos meses, a discussão se transformou em troca de ofensas, ameaças veladas e uma recusa absoluta em dialogar sem intermediários.

“Às vezes, o objeto em si deixa de ser o centro da questão. Passa a ser uma disputa de território e poder. O vaso é só o gatilho”, explicou um dos mediadores. O caso, aparentemente pequeno, é um exemplo claro de como relações frágeis podem se romper por detalhes — e, sem cuidado, se transformar em batalhas de longo prazo.

A Mooca e o vizinho mais difícil de todos: o Estado

Se em alguns conflitos o problema é o barulho da festa, em outros é o próprio cenário urbano que muda a vida das pessoas. É o que aconteceu com Gustavo Rodrigues, dentista, pai de três filhos, morador da Mooca, zona leste. Sua casa fica em frente a uma delegacia da Polícia Civil, algo que, por muito tempo, não foi problema. Até que, há seis anos, uma reforma ampliou as instalações e aumentou a movimentação no local.

O resultado foi imediato: viaturas indo e vindo a todo momento, detidos desembarcando na calçada e, o pior para Gustavo, carros de policiais estacionados bloqueando a entrada da sua garagem. As tentativas de reclamar renderam uma escalada de tensão: 11 multas por estacionar em frente à própria casa, duas detenções por suposto desrespeito e até um episódio registrado por câmeras em que um policial sacou a arma contra ele.

O ponto mais dramático aconteceu recentemente, quando Gustavo foi retirado de casa, algemado e levado à delegacia. Passou seis horas detido. “Não é sobre vaga de estacionamento. É sobre respeito e dignidade. Sinto que perdi o direito de viver em paz na minha própria rua”, disse à reportagem, visivelmente abalado.

Por que brigamos tanto?

Especialistas ouvidos pelo programa apontam para um conjunto de fatores que alimentam as desavenças de vizinhança. Em primeiro lugar, a sobreposição de espaços. “Quanto mais gente vivendo perto, maior a chance de choques culturais, de valores e de hábitos”, explica a urbanista Clarissa Gomes.

Além disso, o estresse da vida urbana, o excesso de trabalho e a falta de espaços de lazer comunitário contribuem para um clima de intolerância. Pequenos gestos — como pedir silêncio ou sugerir que um lixo seja colocado no lugar correto — podem ser recebidos como ataques pessoais.

O isolamento também tem um papel importante. Muitos moradores não conhecem sequer o nome do vizinho da porta ao lado. Essa falta de vínculo dificulta a resolução de conflitos, porque reduz a empatia. “É mais fácil brigar com quem é um desconhecido do que com alguém que você conhece e respeita”, completa Clarissa.

O trabalho silencioso da mediação

A GCM mantém equipes treinadas para atuar como mediadoras. Não é um trabalho simples: exige paciência, escuta ativa e neutralidade. Durante as sessões, os mediadores buscam fazer com que cada parte ouça a outra, sem interrupções, para que se possa encontrar um ponto de equilíbrio.

Muitos casos são resolvidos ali mesmo, com acordos simples. Outros, no entanto, acabam voltando às mãos da corporação semanas depois. “Tem gente que não quer resolver. Quer ganhar”, lamenta um mediador veterano.

Apesar disso, o serviço tem sido uma alternativa valiosa para evitar processos longos e custosos. De acordo com a GCM, a maior parte dos casos atendidos não chega a virar ação judicial — uma vitória silenciosa em meio à tensão.

Invocação do Mal ganha maratona exclusiva nos cinemas antes do lançamento do grande desfecho

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Há histórias que nascem para entreter, outras para provocar reflexões — e algumas, como Invocação do Mal, para assombrar gerações inteiras. Mais de uma década depois de estrear nas telonas, a franquia que colocou o casal de investigadores paranormais Ed e Lorraine Warren no imaginário popular está prestes a se despedir do público.

E, para tornar esse adeus ainda mais memorável, a Warner Bros. Pictures Brasil anunciou uma maratona especial com os três primeiros filmes da série, que será exibida entre os dias 21 e 27 de agosto, pouco antes da estreia de Invocação do Mal: O Último Ritual, marcada para 4 de setembro.

Não é apenas um evento para assistir filmes — é uma celebração do legado de uma das maiores sagas de terror do cinema moderno, que conquistou milhões de espectadores ao redor do mundo com histórias baseadas em investigações reais e um suspense capaz de provocar frio na espinha até no mais cético dos espectadores.

Um retorno à origem do medo

Quando Invocação do Mal chegou aos cinemas em 2013, dirigido por James Wan, o público não estava preparado para a intensidade da experiência. Inspirado nos arquivos reais dos Warrens, o filme contava o caso da família Perron, que vivia em uma casa no interior de Rhode Island e passou a ser aterrorizada por uma presença demoníaca.

A mistura de narrativa bem construída, atmosfera sufocante e personagens cativantes fez com que o longa se tornasse um fenômeno de bilheteria e crítica. Agora, a maratona especial vai permitir que o público reviva — ou conheça pela primeira vez — esse ponto de partida.

Entre sustos inesperados e momentos de tensão quase insuportável, o primeiro filme não só apresentou o casal Warren como construiu a base para um universo cinematográfico que se expandiria muito além do previsto.

O encerramento da jornada

O Último Ritual não chega apenas como mais uma sequência dentro de uma franquia de sucesso — ele carrega o peso de ser o capítulo derradeiro de uma das sagas de terror mais marcantes do cinema recente. Nesta despedida, Ed e Lorraine Warren não estão apenas diante de uma nova assombração; eles encaram um desafio que coloca à prova tudo o que aprenderam ao longo de décadas de investigações paranormais. A ameaça é mais imprevisível, mais violenta e, acima de tudo, mais pessoal.

Vera Farmiga e Patrick Wilson voltam aos papéis que se tornaram icônicos, agora interpretando um casal que sente o peso do tempo, das cicatrizes emocionais e das perdas acumuladas. O caso que investigam não é apenas um quebra-cabeça sobrenatural: é um espelho sombrio que reflete traumas antigos e fragilidades que jamais imaginaram expor. Cada passo da investigação os conduz a um território onde o mal não está apenas nos corredores escuros, mas também nos recantos mais íntimos da mente.

O tom do filme é claustrofóbico, com uma fotografia que parece comprimir o ar à volta dos personagens, aumentando a sensação de que não há fuga possível. O roteiro aposta na tensão psicológica tanto quanto no terror físico, embaralhando a fronteira entre o que é real e o que é fruto da influência maligna. A cada nova visão, o público é arrastado junto, sentindo a mesma dúvida que consome os Warren: será que estão realmente enfrentando uma entidade… ou suas próprias memórias estão sendo distorcidas para se tornarem armas contra eles?

Outro elemento que torna o último filme especial é a forma como ele conversa com toda a franquia. Pequenos gestos, objetos e diálogos funcionam como elos invisíveis com investigações passadas, criando um clima de despedida para quem acompanhou essa jornada desde 2013. Não é apenas um terror sobre casas assombradas ou possessões; é também uma história sobre parceria, fé e a capacidade humana de resistir, mesmo quando o inimigo se infiltra no que há de mais sagrado: o vínculo entre duas pessoas.

Dirigido por Michael Chaves, que já esteve à frente de Invocação do Mal 3 e A Freira II, o filme traz novamente Patrick Wilson e Vera Farmiga nos papéis de Ed e Lorraine, agora envolvidos em um caso que ameaça não apenas sua integridade física, mas também seus laços familiares e espirituais.

Além dos protagonistas, o elenco conta com Mia Tomlinson como Judy Warren, filha do casal, e Ben Hardy como Tony Spera, seu namorado. É a primeira vez que a história explora mais profundamente o envolvimento da filha dos Warrens, o que promete acrescentar emoção e vulnerabilidade à narrativa.

Por que a franquia virou fenômeno?

Uma das principais razões para o sucesso da franquia está na habilidade de equilibrar sustos e emoção. Diferente de muitas produções do gênero, Invocação do Mal não se apoia apenas em efeitos visuais ou sons repentinos para assustar. Os filmes constroem seus momentos de terror a partir de um enredo sólido, personagens críveis e um trabalho cuidadoso de atmosfera.

A química entre Patrick Wilson e Vera Farmiga também é um ponto central. O público acredita no relacionamento de Ed e Lorraine — não apenas como parceiros de investigação, mas como marido e mulher que se apoiam incondicionalmente, mesmo diante do desconhecido.

Como participar da maratona?

A pré-venda para as sessões especiais já está aberta e, considerando a base de fãs da franquia no Brasil, a recomendação é garantir os ingressos o quanto antes. As exibições acontecerão em diferentes redes de cinema pelo país, com horários variados para atender tanto quem quer maratonar tudo em um único dia quanto quem prefere assistir um filme por vez.

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