O Telefone Preto, dirigido por Scott Derrickson e estrelado por Mason Thames, Madeleine McGraw e Ethan Hawke, apresenta uma narrativa sombria ambientada em Denver, uma pequena cidade nos Estados Unidos. O filme segue uma série de sequestros de crianças cometidos por um serial killer mascarado, que usa uma van para capturar suas vítimas. Ele as aprisiona em um porão, onde cria um jogo psicológico mortal, no qual as crianças devem tentar escapar antes de serem assassinadas. Esse jogo macabro é chamado de “Menino Travesso”.

A trama se intensifica com a personagem Gwen, irmã de Finney Shaw, um garoto de 13 anos que é o mais recente sequestrado. Gwen começa a ter sonhos perturbadores com as crianças assassinadas, o que a leva a uma busca desesperada para entender essas visões e descobrir uma maneira de ajudar seu irmão a escapar. A polícia, intrigada com os sonhos de Gwen, tenta usá-los como pista para avançar na investigação.

O filme também aborda os traumas do pai de Finney e Gwen, que ainda é atormentado pela morte repentina da esposa, que também tinha sonhos sobrenaturais. Ele culpa esses sonhos pela morte dela e tenta impedir a filha de se aprofundar em suas visões, gerando conflitos sobre como esses sonhos poderiam ajudar na busca pelo irmão.

Embora o longa não seja uma produção de terror tradicional, ele explora temas que fazem o público refletir sobre os traumas da infância, que podem roubar a inocência de crianças sequestradas ou que enfrentaram tentativas de sequestro.

O filme mantém o espectador preso e hipnotizado do início ao fim, fazendo com que todos torçam por Finney em sua luta para escapar do sequestrador, que parece ser intocável, passando despercebido pelas autoridades e não levantando suspeitas. Um elemento intrigante é o uso da máscara pelo sequestrador e o simbolismo das bolas pretas nos sonhos de Gwen. Nas cenas finais, é revelado que o vilão teme mostrar seu rosto, o que adiciona uma camada de mistério e terror ao personagem.

O elemento sobrenatural do filme é destacado pelo toque de um antigo telefone preto, aparentemente fora de serviço, mas que toca para Finney de forma inexplicável. As ligações são feitas pelas crianças mortas, que tentam ajudar Finney a escapar. Essa comunicação sobrenatural levanta questões sobre como sequestradores podem operar nas cidades sem levantar suspeitas e como o trabalho da polícia pode ser ineficaz ao se concentrar apenas no óbvio.

Vale a pena assistir o filme?

O longa-metragem apresenta uma história simples de terror sobrenatural, focada no embate entre o bem e o mal, mas se destaca pela criação de tensão e pelo desenvolvimento da relação afetuosa entre os irmãos protagonistas. Essa dinâmica gera empatia e faz refletir sobre experiências traumáticas na infância. Com um final surpreendente, o filme provoca reflexões sobre a segurança nas cidades e a eficácia das autoridades em lidar com crimes tão sinistros.

O lançamento oferece uma visão comovente e inspiradora da notável façanha de Nicholas Winton, que organizou a partida de centenas de crianças judias para lares adotivos durante a Segunda Guerra Mundial. O filme, habilmente estruturado em duas linhas do tempo, alterna entre a juventude de Winton e a descoberta de sua história pela mídia britânica anos depois, oferecendo uma narrativa rica e emocionante.

A representação da juventude de Winton é especialmente eficaz, explorando suas motivações e os eventos que o levaram a realizar esse extraordinário ato de humanidade. A narrativa capta bem a essência de sua determinação e altruísmo, proporcionando ao espectador uma visão profunda de sua trajetória heroica. No entanto, o filme deixa a desejar em alguns aspectos cruciais. Embora consiga prender a atenção com momentos emocionantes, faltam detalhes sobre os desafios enfrentados por Winton, tanto pessoais quanto logísticos. Uma exploração mais aprofundada das complexidades políticas e das lutas internas que ele enfrentou teria enriquecido a narrativa, oferecendo uma compreensão mais completa de sua jornada.

Além disso, a edição do filme peca por alguns prolongamentos desnecessários que prejudicam o ritmo da história. Certas cenas poderiam ter sido eliminadas ou simplificadas para manter a fluidez e a intensidade emocional, evitando que o interesse do espectador oscilasse. Uma edição mais enxuta teria beneficiado a consistência do ritmo e intensificado o impacto emocional da história.

Apesar dessas falhas, o longa-metragem se destaca como uma obra digna de reconhecimento. O filme traz à tona um importante capítulo da história e celebra o heroísmo singular de Winton em meio ao caos da guerra. Sua coragem e compaixão são apresentadas de forma inspiradora, oferecendo uma poderosa reflexão sobre o impacto que um indivíduo pode ter ao enfrentar a injustiça e promover o bem, mesmo nas circunstâncias mais adversas. O filme serve como um vívido lembrete do que é possível quando a humanidade se une em solidariedade e resistência contra a opressão, mantendo viva a memória de um herói que fez uma diferença significativa em tempos sombrios.

Dirigido por Jeff Wadlow, o filme tenta explorar o gênero do terror, mas acaba se perdendo em um enredo que prioriza o drama familiar em vez de mergulhar profundamente no medo. A trama foca nas relações entre Jessica (interpretada por DeWanda Wise) e Taylor (interpretada por Taegen Burns), e embora tente criar um vínculo emocional entre os personagens, falha em envolver verdadeiramente o espectador.

O elenco, embora composto por talentos notáveis, não consegue entregar a profundidade necessária para tornar os personagens memoráveis. Após o término do filme, as nuances e jornadas individuais dos personagens são facilmente esquecidas, comprometendo a eficácia da narrativa e prejudicando a conexão emocional com o público.

Visualmente, a produção americana deixa a desejar. Os efeitos especiais são pouco convincentes e datados, sugerindo limitações orçamentárias ou falta de cuidado na execução. A direção de arte e o design de produção também não ajudam, resultando em uma estética que parece mais adequada para um público infantil do que para aqueles que buscam uma experiência realmente assustadora.

A tentativa de combinar elementos de terror com uma narrativa centrada na realidade falha em sua execução, criando uma desconexão que prejudica a imersão do espectador. O filme parece mais uma tentativa mal-sucedida de homenagear os clássicos do terror, como “Poltergeist” (1982), do que uma obra autêntica e eficaz no gênero.

“Imaginário: Brinquedo Diabólico” pode ser uma opção razoável para uma sessão de cinema em família, mas para aqueles que buscam uma experiência verdadeiramente aterrorizante, o filme provavelmente não atenderá às expectativas. A tentativa de capturar a essência do terror falha, resultando em uma obra que não consegue entregar o susto prometido e que pode deixar os espectadores em busca de uma experiência mais genuína e impactante.

Baseado no renomado musical da Broadway de mesmo nome, o filme enfrenta o desafio de ser comparado com suas influentes adaptações anteriores, e, ao final, não consegue alcançar a excelência de nenhum deles.

A nova adaptação de “A Cor Púrpura” segue a história de Celie (interpretada por Fantasia Barrino), uma mulher virtuosa que enfrenta abusos terríveis, sendo engravidada por seu pai e separada de seus filhos. Posteriormente, ela é vendida para viver com Mister (interpretado brilhantemente por Colman Domingo, indicado ao Oscar). Sua única ligação forte com o mundo é sua irmã Nettie (interpretada por Halle Bailey na adolescência e pela cantora Ciara na fase adulta), mas as duas perdem contato após Nettie quase ser estuprada e ser expulsa de casa.

As cenas musicais são verdadeiramente encantadoras e bem filmadas, destacando grandes vozes que também brilharam nos palcos da Broadway. Fantasia Barrino, que reprisa seu papel como Celie, e Danielle Brooks, que interpretou Sophia no revival do musical em 2015, trazem uma intensidade vibrante para suas performances.

No entanto, a adaptação dirigida por Blitz Bazawule (Black Is King) enfrenta um dilema. Enquanto o drama intenso da história original está presente, ele é suavizado pelos números musicais, que dividem os momentos da vida de Celie. O filme tenta equilibrar sua identidade como musical e drama, mas hesita em se entregar totalmente à teatralidade, correndo o risco de parecer apenas um filme com música — ainda que as músicas sejam de alta qualidade.

Essa escolha de intercalar momentos intensos com músicas resulta em um desconforto notável. Os momentos cruciais ou importantes frequentemente são interrompidos abruptamente pelas sequências musicais, o que compromete o ritmo do filme e dificulta uma conexão genuína com os personagens em certos pontos. Considerando que o filme abrange cerca de quarenta anos da vida de Celie, a conexão com a protagonista e a integração dos coadjuvantes importantes parece demorada e, por vezes, desconectada.

O filme oferece cenas musicais de alta qualidade e performances poderosas, mas luta para equilibrar a profundidade dramática com sua estrutura musical. O resultado é uma adaptação que, embora encantadora em certos aspectos, não consegue capturar plenamente a magnitude emocional das versões anteriores.

“O Errado Que Deu Certo“, dirigido por Marco Antonio de Carvalho, convida os espectadores a embarcarem em uma viagem nostálgica pela carreira de Sérgio Mallandro, um dos comediantes mais icônicos do Brasil. Embora a proposta seja ambiciosa, o filme não consegue capturar a verdadeira essência do humor irreverente de Mallandro, resultando em uma mistura desordenada de comédia e drama.

A trama acompanha Sérgio interpretando uma versão ficcional de si mesmo, enfrentando uma crise pessoal e profissional. Endividado, ele aceita participar de um piloto de programa de auditório na tentativa de resolver seus problemas financeiros. No entanto, uma pegadinha que dá terrivelmente errado coloca Sérgio em uma situação crítica, forçando-o a reavaliar sua carreira e vida pessoal.

O filme tenta reviver os momentos clássicos que consolidaram a fama de Mallandro, repletos de suas pegadinhas e bordões característicos. No entanto, o humor parece datado e muitas piadas falham em ressoar com o público contemporâneo. Participações especiais de figuras como Xuxa e Zico são usadas na tentativa de arrancar risadas, mas acabam gerando mais pena do que diversão genuína. Essa tentativa de evocar nostalgia sublinha a falta de originalidade e a repetição de fórmulas desgastadas, fazendo o humor parecer forçado e sem o impacto de outrora.

A adição de elementos dramáticos torna a narrativa ainda mais problemática. O personagem é retratado como um comediante em crise, lutando para se reinventar em um cenário que já não comporta seu estilo de humor. Essa premissa, que poderia ser explorada com maior profundidade, é tratada de forma superficial e pouco convincente. As situações dramáticas são exageradas e carecem de realismo, dificultando a conexão emocional do público com o personagem. A tentativa de explorar a vulnerabilidade de Mallandro se perde em um roteiro repleto de clichês e contradições, fazendo com que sua crise de identidade pareça rasa e caricatural.

Apesar dos esforços, o filme é prejudicado por diálogos fracos e atuações que não conseguem superar o material limitado do roteiro. A falta de coesão entre o retrato de Mallandro na vida real e o personagem fictício é evidente, resultando em uma experiência desconexa e pouco envolvente para os espectadores. A trilha sonora, embora nostálgica, serve apenas para destacar o humor ultrapassado que marcou a carreira do personagem, proporcionando momentos de leve diversão, mas também evidenciando a passagem do tempo.

Em resumo, o filme tenta prestar uma homenagem ao comediante, mas falha em justificar sua existência. O resultado é uma coleção de piadas antigas e momentos embaraçosos que pouco contribuem para a celebração da carreira de Sérgio Mallandro, deixando a sensação de que o filme poderia ter sido muito mais do que uma simples viagem ao passado.