Saiba quais são os filmes da Sessão da Tarde (02/03 a 05/03) – Miss Simpatia 2, Luta Pela Fé, Annie e Tire 5 Cartas

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Esdras Ribeiro
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A Sessão da Tarde desta segunda, 2 de março, traz uma comédia repleta de ação, carisma e muito brilho. A clássica faixa vespertina apresenta Miss Simpatia 2: Armada e Poderosa, sequência estrelada por Sandra Bullock que conquistou o público ao misturar universo policial com concursos de beleza e situações completamente improváveis.

Lançado originalmente como Miss Congeniality 2: Armed and Fabulous, o longa dá continuidade à história da agente do FBI Gracie Hart. Depois de impedir um atentado durante o concurso Miss Estados Unidos no primeiro filme, Gracie se torna uma celebridade nacional. O problema é que a fama atrapalha — e muito — sua vida como agente secreta. Agora conhecida do grande público, ela já não consegue mais trabalhar infiltrada.

Para aproveitar a popularidade repentina, o FBI decide transformá-la na nova “cara” oficial da agência. Em vez de perseguir criminosos, Gracie passa a circular por programas de televisão, dar entrevistas e até oferecer dicas de moda. A agente durona que mal sabia usar salto alto se vê, de repente, promovendo sua imagem em atrações como Live with Regis and Kelly e The Oprah Winfrey Show, além de divulgar seu próprio livro.

Se no início ela resiste à nova função, aos poucos começa a gostar da atenção. O problema é que nem todos levam essa transformação a sério. Dentro da própria corporação, Gracie ganha o apelido irônico de “Barbie do FBI”, especialmente por parte de sua nova parceira, a agente Sam Fuller, interpretada por Regina King. Sam é transferida de Chicago para Nova York e designada como guarda-costas de Gracie — uma missão que nenhuma das duas recebe com entusiasmo.

A tensão entre elas é imediata. Sam é prática, séria e pouco paciente com o estrelismo involuntário da colega. Já Gracie ainda tenta equilibrar sua essência de agente com a nova rotina glamourosa. A relação começa marcada por atritos, mas a dinâmica entre as duas é um dos pontos altos do filme, trazendo diálogos afiados e situações cômicas que exploram o contraste de personalidades.

A história ganha novo rumo quando Cheryl Frazier, atual Miss Estados Unidos e amiga de Gracie, e o apresentador Stan Fields são sequestrados em Las Vegas. Mesmo contra as ordens do FBI, que não quer arriscar perder sua “mascote”, Gracie decide agir. Oficialmente, ela viaja à cidade para participar de uma conferência de imprensa, acompanhada por Sam. Extraoficialmente, está determinada a resolver o caso.

A investigação leva a dupla a ambientes inusitados, incluindo um clube drag onde precisam improvisar uma performance musical para conseguir informações. A sequência, que envolve interpretações inspiradas em Tina Turner e uma personagem caracterizada como Dolly Parton, é um dos momentos mais divertidos do longa e reforça o tom leve da produção.

Dirigido por John Pasquin, o filme aposta na mistura de comédia física, situações absurdas e uma trama policial relativamente simples, mas eficiente para sustentar o ritmo. Embora não tenha repetido o mesmo impacto cultural do primeiro filme, a sequência mantém o carisma de Sandra Bullock como seu principal trunfo. A atriz consegue equilibrar vulnerabilidade, humor e ação, tornando Gracie uma personagem fácil de torcer.

Com orçamento de aproximadamente 60 milhões de dólares e arrecadação superior a 100 milhões mundialmente, o longa mostrou desempenho modesto nas bilheterias, mas consolidou seu espaço na televisão aberta, tornando-se presença frequente em sessões da tarde e maratonas de comédia.

Na terça, 3 de março, a emissora apresenta o emocionante drama Father Stu, exibido no Brasil com o título “Luta Pela Fé: A História do Padre Stu”. Inspirado em fatos reais, o longa acompanha a trajetória intensa e transformadora de Stuart Long, um homem que saiu dos ringues de boxe para os púlpitos da Igreja Católica, marcando a vida de muitas pessoas com sua fé e perseverança.

Estrelado por Mark Wahlberg, o filme apresenta Stuart como um jovem de temperamento forte, determinado e acostumado a enfrentar desafios físicos. Sua carreira como boxeador, no entanto, é interrompida de forma abrupta após uma lesão séria, obrigando-o a abandonar o esporte que sempre definiu sua identidade. Sem saber exatamente qual caminho seguir, Stu decide tentar a sorte como ator e se muda para Los Angeles em busca de novas oportunidades.

É nesse período de incertezas que ele conhece Carmen, interpretada por Teresa Ruiz, uma professora católica dedicada e de fé inabalável. Encantado por ela, Stu começa a frequentar a igreja inicialmente com a intenção de se aproximar. O que começa como um gesto motivado por interesse amoroso logo se transforma em algo muito mais profundo.

Um grave acidente de moto muda completamente o rumo de sua vida. Confrontado com a fragilidade da própria existência, Stuart passa a refletir sobre seus erros, seus impulsos e o vazio que sente apesar de toda a postura confiante que sempre exibiu. A experiência traumática funciona como um divisor de águas, despertando nele um chamado espiritual inesperado.

A decisão de se tornar padre não é simples. Stu carrega um histórico de brigas, orgulho e comportamentos autodestrutivos que entram em choque com a imagem tradicional de um sacerdote. Seu pai, vivido por Mel Gibson, representa parte dessa resistência, refletindo conflitos familiares e emocionais mal resolvidos. A mãe, interpretada por Jacki Weaver, também enfrenta o desafio de entender a transformação do filho.

Dirigido por Rosalind Ross, o filme aposta em uma narrativa direta e emocional, explorando não apenas a fé, mas também as falhas humanas. “Luta Pela Fé” não retrata Stuart como um homem perfeito após sua conversão. Pelo contrário, mostra que sua personalidade intensa continua presente, agora canalizada para defender aquilo em que acredita. Sua franqueza e linguagem simples aproximam fiéis e pessoas afastadas da religião, tornando-o um padre pouco convencional, mas profundamente autêntico.

Outro ponto marcante da história é a batalha de Stu contra uma doença degenerativa que surge posteriormente, limitando seus movimentos e impondo novas provações físicas. Para alguém que construiu sua identidade na força do corpo, enfrentar a fragilidade se torna mais um teste de fé. Ainda assim, ele transforma o sofrimento em instrumento de conexão com aqueles que também enfrentam dores e desafios.

Com orçamento modesto de cerca de 4 milhões de dólares e arrecadação superior a 20 milhões mundialmente, o longa encontrou seu público principalmente pela força de sua mensagem e pela curiosidade em torno da história real de Stuart Long, que viveu entre 1963 e 2014. Mark Wahlberg, que também produziu o filme, demonstra envolvimento pessoal com o projeto, entregando uma atuação comprometida, marcada por intensidade e vulnerabilidade.

Nesta quarta, 4 de março, o grande destaque é a comédia brasileira Tire 5 Cartas. Estrelado por Lilia Cabral e Stepan Nercessian, o filme entrega uma história leve, espirituosa e cheia de personalidade, daquelas que misturam risadas com um toque de emoção e identidade cultural.

No centro da trama está Fátima, uma mulher de 60 anos que já viveu grandes sonhos e algumas decepções. Anos atrás, ela deixou São Luís, no Maranhão, decidida a conquistar o Rio de Janeiro com sua voz. Queria ser cantora, brilhar nos palcos, ouvir aplausos. Mas a vida, como costuma acontecer, seguiu por outro caminho. O sucesso não veio, as oportunidades não se concretizaram e ela precisou se reinventar.

É aí que surge sua nova versão: Fátima, a taróloga. Sentada diante de uma mesa cheia de cartas e símbolos místicos, ela atende clientes aflitos em busca de respostas sobre amor, dinheiro e futuro. Só que existe um pequeno detalhe que torna tudo ainda mais divertido. Suas previsões não vêm exatamente de um dom sobrenatural. Com a ajuda do marido Lindoval, ela pesquisa a vida dos clientes nas redes sociais antes das consultas e transforma informações simples em “revelações” surpreendentes.

Lindoval é cúmplice em todos os sentidos. Interpretado por Stepan Nercessian, ele é um eterno apaixonado pela música e faz cover de Sidney Magal, mantendo viva, de forma bem-humorada, a ligação do casal com o universo artístico. Entre figurinos extravagantes e apresentações cheias de charme, ele representa o parceiro fiel que embarca nas loucuras da esposa sem pensar duas vezes.

A rotina de pequenas armações e consultas místicas sai do controle quando um anel valioso aparece misteriosamente na casa de Fátima. Sem saber como a joia foi parar ali, ela e Lindoval acabam se envolvendo em uma confusão perigosa com criminosos interessados no objeto. De repente, a vida tranquila dá lugar a uma fuga às pressas.

O destino os leva de volta ao Maranhão. O retorno à terra natal não é apenas uma estratégia para despistar os bandidos, mas também um reencontro com o passado. Lá, Fátima descobre que herdou um antigo casarão da família e precisa lidar com a irmã, com quem mantém uma relação marcada por distâncias e ressentimentos antigos. O que começa como uma fuga se transforma em uma oportunidade inesperada de reconciliação e recomeço.

O grande charme do filme está justamente nessa mistura de comédia e humanidade. Fátima é exagerada, dramática, cheia de frases de efeito e segurança quando fala do destino alheio. Mas, no fundo, carrega frustrações e medos como qualquer pessoa. Ela passou a vida tentando prever o futuro dos outros, mas nunca conseguiu antecipar os próprios tropeços.

A direção de Diego Freitas aposta em um humor caloroso, valorizando as raízes maranhenses e a cultura local. A cidade, os costumes e os personagens secundários ajudam a dar textura à história, tornando o filme mais do que uma simples comédia de situação.

Lilia Cabral brilha ao construir uma protagonista intensa e carismática. Sua Fátima é ao mesmo tempo engraçada e vulnerável. O público ri de suas armações, mas também se identifica com seus sonhos interrompidos e com a necessidade de encontrar um novo sentido para a própria vida. A química com Stepan Nercessian reforça o tom leve da narrativa, criando momentos de cumplicidade que aquecem a tela.

Na Sessão da Tarde de quinta, 4 de março, a emissora apresenta a versão moderna de Annie, musical inspirado no clássico da Broadway que conquistou gerações. Colorido, atual e embalado por novas canções, o longa traz uma releitura contemporânea da história da órfã mais otimista do cinema.

Na trama, conhecemos Annie, vivida por Quvenzhané Wallis, uma garota esperta e cheia de esperança que vive em um orfanato no Brooklyn. Apesar das dificuldades e da rotina dura imposta pela senhora Hannigan, Annie mantém um olhar positivo sobre o mundo. Seu maior sonho é reencontrar os pais biológicos, que um dia prometeram voltar para buscá-la.

A responsável pelo orfanato é a amarga senhorita Hannigan, interpretada por Cameron Diaz. Diferente das vilãs tradicionais, esta versão aposta em um tom mais cômico e exagerado. Hannigan é desorganizada, sarcástica e claramente frustrada com a própria vida, o que acaba rendendo momentos divertidos ao longo do filme.

O rumo da história muda quando Annie cruza o caminho de Will Stacks, um empresário bilionário e candidato à prefeitura de Nova York, vivido por Jamie Foxx. Após salvá-la de um acidente em plena rua, Stacks percebe que o gesto pode render bons pontos em sua campanha eleitoral. A ideia de acolher Annie temporariamente surge como uma estratégia de marketing, cuidadosamente planejada por sua equipe.

O que começa como uma jogada política vai, aos poucos, se transformando em algo mais sincero. Na luxuosa mansão de Stacks, Annie conquista os funcionários, especialmente Grace, sua dedicada assistente, e começa a quebrar as barreiras emocionais do empresário. Acostumado a viver cercado de números, metas e compromissos, ele se vê diante da espontaneidade e da doçura da menina.

Dirigido por Will Gluck, o filme transporta a história clássica para a Nova York contemporânea, com celulares, redes sociais e estratégias políticas modernas. A produção apostou em uma trilha sonora renovada, com participação de Jay-Z como produtor musical, trazendo novas versões para canções icônicas como “Tomorrow”.

A trajetória do longa até as telas também passou por mudanças. Inicialmente anunciado em 2011, o projeto teria Will Smith e Jay-Z como produtores, e a jovem Willow Smith cotada para viver a protagonista. Com o tempo, o elenco e a direção foram redefinidos até chegar à versão final lançada nos cinemas.

Com orçamento estimado em 65 milhões de dólares e arrecadação global superior a 130 milhões, o filme encontrou seu público principalmente entre famílias e fãs de musicais leves. Embora tenha dividido opiniões da crítica, conquistou espaço como entretenimento despretensioso e acessível.

O coração da história continua sendo a força do otimismo infantil. Annie representa aquela capacidade rara de acreditar que dias melhores virão, mesmo quando as circunstâncias parecem desfavoráveis. Sua presença ilumina ambientes, transforma relações e faz com que adultos endurecidos revisitem sentimentos esquecidos.

Para fechar a semana com emoção, a Globo exibe o tocante drama The Art of Racing in the Rain, conhecido no Brasil como “Meu Amigo Enzo”. Baseado no livro homônimo de Garth Stein, o filme acompanha a trajetória do piloto Denny Swift, interpretado por Milo Ventimiglia. Ambicioso e talentoso nas pistas, Denny vive em busca de seu espaço no automobilismo profissional. Mas, longe dos autódromos, sua maior corrida é equilibrar sonhos, família e desafios inesperados.

Tudo começa quando ele adota um filhote carismático chamado Enzo. O cão, que ganha voz na narração de Kevin Costner, não é apenas um companheiro de quatro patas. Ele se torna observador atento da vida humana, refletindo sobre sentimentos, escolhas e aprendizados com uma sensibilidade que surpreende.

Enzo cresce ao lado de Denny e acompanha cada fase de sua vida. Quando o piloto conhece Eve, vivida por Amanda Seyfried, o cachorro também passa a fazer parte dessa nova dinâmica familiar. O relacionamento floresce, o casal constrói uma vida juntos e a chegada da pequena Zoe transforma a casa em um lar ainda mais completo.

Mas, assim como nas corridas, a vida traz curvas perigosas. Problemas de saúde, conflitos familiares e batalhas judiciais colocam Denny à prova de maneiras que ele jamais imaginou. Em meio às dificuldades, Enzo permanece firme, observando tudo com a esperança de que seu dono consiga aplicar nas adversidades as mesmas técnicas que usa nas pistas: foco, paciência e coragem.

O grande diferencial do filme é justamente essa perspectiva canina. Enzo acredita que, ao compreender profundamente os humanos, poderá evoluir espiritualmente e, quem sabe, voltar em outra vida como uma pessoa. Suas reflexões sobre amor, perda e persistência dão à narrativa um tom poético e delicado.

Dirigido por Simon Curtis, o longa aposta em uma fotografia sensível e em cenas de corrida que contrastam com momentos intimistas dentro de casa. O roteiro equilibra drama familiar com a paixão pelo automobilismo, mostrando que a verdadeira vitória nem sempre acontece sob aplausos, mas sim nas pequenas escolhas diárias.

Disney+ Canadá vaza data de “Zootopia 2” e sequência se consolida como fenômeno bilionário

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Uma publicação feita e rapidamente apagada pelo perfil do Disney+ no Canadá acabou revelando antes da hora a data de lançamento de Zootopia 2 na plataforma. Segundo o post, a animação chega ao catálogo em 11 de março de 2026. Embora a postagem tenha sido deletada poucos minutos depois, internautas conseguiram capturar a informação, que se espalhou rapidamente nas redes sociais. As informações são do Omelete.

O vazamento acontece em meio ao enorme sucesso comercial da sequência produzida pela Walt Disney Animation Studios e distribuída pela Walt Disney Studios Motion Pictures. Lançado nos Estados Unidos em 26 de novembro de 2025, durante o feriado de Ação de Graças, o longa não apenas conquistou o público como também se tornou um dos maiores fenômenos de bilheteria do ano.

Nos Estados Unidos, o filme superou inclusive Um Filme Minecraft, assumindo o posto de maior bilheteria de 2025 no país. A animação manteve um desempenho consistente por semanas e permaneceu impressionantes 13 finais de semana no Top 10 americano, algo raro mesmo para grandes produções familiares.

Globalmente, o desempenho foi ainda mais expressivo. Com arrecadação de US$ 1,85 bilhão em todo o mundo, sendo US$ 1,425 bilhão apenas no mercado internacional, “Zootopia 2” consolidou-se como um dos maiores sucessos da história recente da Disney. Com orçamento estimado em US$ 150 milhões, o retorno financeiro foi gigantesco, transformando o longa em um verdadeiro fenômeno cultural e comercial.

Dirigido e roteirizado por Jared Bush, com codireção de Byron Howard, o filme traz de volta as vozes de Ginnifer Goodwin como Judy Hopps e Jason Bateman como Nick Wilde. A dupla retorna após os eventos do primeiro longa, lançado em 2016, agora como parceiros oficiais na Polícia de Zootopia.

A trama começa apenas uma semana após Judy e Nick se tornarem oficialmente uma dupla. Apesar do entusiasmo inicial, as diferenças de personalidade rapidamente criam atritos. Após atrapalharem uma operação contra uma quadrilha de contrabando de tamanduás, o Chefe Bogo ameaça separá-los, a menos que participem de sessões de terapia conduzidas pela carismática quokka Dra. Fuzzby.

Paralelamente, Judy começa a suspeitar da presença de uma cobra na cidade ao encontrar pistas intrigantes durante a operação. A investigação leva a dupla ao luxuoso Baile Zootenário, evento que celebra o centenário da cidade e é organizado pela influente família Lincesley, descendente do fundador oficial de Zootopia, Ebenezer Lincesley.

No baile, o clima festivo é interrompido quando uma víbora surge, sequestra Milton Lincesley e rouba um antigo diário que contém detalhes sobre o projeto das muralhas climáticas da cidade. O pânico se instala e, em meio ao caos, Judy tenta entender as verdadeiras intenções da cobra, que afirma que os répteis não são os vilões que a história oficial descreve.

A narrativa então mergulha em um mistério mais profundo. Acusados injustamente, Judy e Nick se tornam fugitivos e descobrem que os répteis foram expulsos de Zootopia no passado após uma fraude envolvendo a verdadeira criadora da tecnologia das muralhas climáticas, Agnes, ancestral da víbora Gary A’Cobra. Segundo a revelação, Ebenezer teria roubado o crédito pela invenção e incriminado Agnes para apagar sua contribuição da história.

A investigação leva a dupla à Ravina dos Répteis, uma antiga vila soterrada sob a neve de Tundralândia, onde estaria escondida a patente original da invenção. Em meio a traições e reviravoltas, Patalberto Lincesley revela sua ambição de destruir as provas para preservar o nome de sua família. O confronto final mistura ação, emoção e reconciliação, culminando na exposição da verdade e na reintegração dos répteis à sociedade.

Além do sucesso comercial, “Zootopia 2” recebeu forte aclamação da crítica e garantiu indicação ao Oscar, reforçando o prestígio da produção. A combinação de roteiro envolvente, personagens carismáticos e animação de alto nível técnico ajudou a consolidar a sequência como um dos grandes marcos da animação contemporânea.

Saiba qual filme vai passar na Temperatura Máxima deste domingo, 1º de março, na Globo

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A tarde deste domingo, 1º de março de 2026, será dominada por rugidos, explosões e batalhas monumentais na TV Globo. A tradicional sessão Temperatura Máxima apresenta o épico Godzilla vs. Kong, colocando frente a frente dois dos maiores ícones da história do cinema em um confronto que ultrapassa qualquer noção de escala.

A produção representa o encontro de lendas. De um lado, Godzilla, o rei dos monstros, símbolo de destruição e força da natureza. Do outro, Kong, o gigante que, apesar da imponência, carrega uma conexão mais emocional com os humanos. O longa parte justamente desse contraste para construir uma narrativa que mistura espetáculo visual e disputa de territórios.

A história começa acompanhando Kong em cativeiro monitorado pela organização Monarch. O gigante vive sob observação, em um ambiente criado para simular seu habitat natural, enquanto cientistas tentam entender melhor sua origem e comportamento. Entre eles está a personagem vivida por Rebecca Hall, que desenvolve uma relação especial com o animal, especialmente por meio de uma jovem garota surda que se comunica com ele por linguagem de sinais. (Via AdoroCinema)

Enquanto isso, Godzilla passa a atacar instalações humanas sem motivo aparente, colocando em dúvida a confiança que havia sido estabelecida após os eventos de Godzilla II: Rei dos Monstros. O que antes parecia um equilíbrio frágil entre titãs e humanidade se transforma em caos. Cidades são evacuadas, autoridades entram em estado de alerta e cresce a sensação de que algo muito maior está por trás desses ataques.

É nesse cenário de tensão que surge a proposta arriscada de levar Kong até a Terra Oca, um mundo subterrâneo que pode ser sua verdadeira casa. A expedição é liderada pelo personagem de Alexander Skarsgård, que acredita que ali esteja escondida uma fonte de energia capaz de explicar a origem dos titãs e, talvez, conter a fúria de Godzilla. A jornada rumo ao desconhecido adiciona um tom de aventura ao filme, ampliando ainda mais a escala da narrativa.

Mas o que o público realmente espera acontece quando os dois gigantes finalmente se encontram. O primeiro embate acontece em alto-mar e já deixa claro que não haverá trégua. Navios militares parecem brinquedos diante da força bruta das criaturas. Cada golpe reverbera como um terremoto, e a sensação de impotência humana é constante. A batalha seguinte, ambientada em uma metrópole iluminada por neon, eleva o espetáculo visual a outro nível, com prédios sendo destruídos como peças de dominó.

Dirigido por Adam Wingard, o filme aposta em uma abordagem mais dinâmica e direta, priorizando o ritmo acelerado e os confrontos grandiosos. Wingard já havia declarado que queria entregar um vencedor definitivo para o duelo, evitando a ambiguidade que marcou o clássico encontro entre os dois monstros nos anos 1960. Essa decisão dá ao longa uma tensão adicional, pois deixa claro que não se trata apenas de um confronto simbólico.

O elenco humano também conta com Millie Bobby Brown, que reprisa seu papel do filme anterior, além de Brian Tyree Henry, Kyle Chandler e Demián Bichir. Embora os personagens sirvam principalmente como ponte entre uma batalha e outra, eles ajudam a construir o contexto que sustenta o conflito principal.

Lançado em 2021, em meio aos desafios da pandemia, “Godzilla vs. Kong” foi um dos primeiros grandes blockbusters a testar um modelo híbrido de distribuição, chegando simultaneamente aos cinemas e ao streaming nos Estados Unidos. Mesmo com restrições de público em várias partes do mundo, o filme arrecadou cerca de 467 milhões de dólares globalmente, consolidando-se como um dos maiores sucessos daquele ano e reafirmando a força do chamado MonsterVerse.

Visualmente, a produção impressiona. Os efeitos especiais criam criaturas com peso, textura e presença realista, algo essencial para que o público aceite a fantasia proposta. As cenas de luta são coreografadas como verdadeiros duelos de titãs, com enquadramentos que destacam a diferença de tamanho em relação ao ambiente urbano e aos humanos que tentam sobreviver ao caos.

Ao mesmo tempo, o filme carrega uma dimensão simbólica interessante. Godzilla representa a força incontrolável da natureza, enquanto Kong carrega traços mais humanizados, como lealdade e instinto de proteção. O embate entre eles vai além da disputa física e sugere um choque entre instinto e estratégia, entre isolamento e convivência.

Para quem acompanha a trajetória desses personagens desde os filmes clássicos, o longa é também um momento histórico. Trata-se do 36º filme da franquia Godzilla e do 12º da franquia King Kong, além de ser o quarto capítulo do universo compartilhado da Legendary. A união dessas mitologias consolida uma nova fase para o cinema de monstros, que combina tradição e tecnologia de ponta.

BL japonês “Unexpectedly Naughty Fukami” ganha data de estreia e protagonistas revelados

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Os fãs de doramas BL já podem anotar na agenda: Unexpectedly Naughty Fukami estreia no dia 6 de abril e promete entregar romance, tensão e aquela química irresistível que conquista o público logo nos primeiros episódios.

A produção será estrelada por Kashio Atsuki e Miyazaki Yuu, que assumem os papéis centrais da trama. A história acompanha Kaji, um funcionário bonito, carismático e extremamente popular no escritório onde trabalha. Confiante e um tanto narcisista, ele está acostumado a chamar atenção por onde passa.

Tudo muda quando ele conhece Fukami. Em um primeiro momento, Kaji afirma para si mesmo que jamais se envolveria com alguém como ele. Determinado e seguro de suas próprias escolhas, ele acredita ter total controle sobre seus sentimentos. No entanto, uma viagem muda completamente o rumo da história.

Durante a estadia, Kaji vê Fukami sair do banho e, nesse instante aparentemente simples, descobre um lado inesperado e encantador que o deixa completamente desarmado. A partir daí, a certeza dá lugar à dúvida, e o que era rejeição começa a se transformar em curiosidade e atração.

“Unexpectedly Naughty Fukami” aposta justamente nesse contraste entre aparência e vulnerabilidade, orgulho e entrega. A série deve explorar o desenvolvimento da relação entre os dois protagonistas, misturando momentos leves, tensão romântica e aquele clima típico das produções BL japonesas que conquistam pela delicadeza e pela intensidade emocional.

Crítica – “Pânico 7” tropeça no próprio legado e entrega o desfecho mais fraco da franquia

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Depois de décadas transformando a máscara de Ghostface em símbolo máximo do terror metalinguístico, a franquia chega ao seu capítulo mais problemático com Pânico 7. O retorno de Sidney Prescott, novamente interpretada por Neve Campbell, tinha tudo para ser um reencontro poderoso com as origens da saga. Em vez disso, o que se vê é um filme que oscila entre a nostalgia fácil e decisões criativas que enfraquecem perigosamente o próprio mito que tenta sustentar.

A premissa é promissora. Um novo Ghostface surge para atormentar Sidney, agora vivendo em uma cidade pacata e dedicada à criação da filha. A ameaça deixa de ser apenas pessoal e passa a atingir diretamente sua família, elevando o conflito emocional. O roteiro sugere que este será o confronto definitivo com os traumas do passado. Porém, a execução raramente alcança a profundidade que a ideia promete.

A tentativa de atualizar o terror com elementos contemporâneos, como deepfakes, sistemas de segurança e vigilância digital, parece mais um recurso superficial do que uma real reinvenção narrativa. A tecnologia é usada como enfeite temático, mas não é explorada com inteligência suficiente para gerar tensão consistente. Em vários momentos, ela surge como solução conveniente ou como desculpa para reviravoltas pouco orgânicas.

O longa também aposta na nostalgia como muleta. Personagens antigos retornam, referências se acumulam e o discurso sobre legado é repetido à exaustão. O problema é que essa reverência ao passado não vem acompanhada de novas ideias à altura. A franquia sempre foi conhecida por brincar com as regras do slasher e subverter expectativas. Aqui, a sensação é de repetição. Dois assassinos sob a máscara, motivações mirabolantes e um jogo de suspeitas que parece reciclado de capítulos anteriores.

Durante boa parte da projeção, o filme até consegue prender a atenção. A condução é ágil e há sequências violentas bem coreografadas, mantendo a tradição sangrenta da série. No entanto, o ritmo é irregular. Personagens se deslocam de um ponto a outro com conveniência quase sobrenatural quando a trama precisa acelerar, mas tornam-se inexplicavelmente lentos quando o suspense exige tensão gradual. Essas falhas de continuidade quebram a imersão e evidenciam descuidos estruturais.

A direção de Kevin Williamson demonstra domínio do universo que ajudou a criar, mas encontra dificuldade em fechar a própria proposta. A constante tentativa de enganar o público, multiplicando pistas falsas e suspeitos descartáveis, acaba diluindo o impacto da revelação. Em vez de surpreender, o filme cansa.

E é no desfecho que “Pânico 7” realmente desmorona. Depois de preparar o terreno para um confronto grandioso com o legado de Ghostface, a revelação dos vilões soa desproporcional ao que foi sugerido. As motivações beiram o absurdo e não sustentam o peso dramático que a narrativa tenta impor. O clímax, que deveria ser catártico, torna-se anticlimático e frustrante. A sensação é de que todas as possibilidades já foram exploradas, reutilizadas e esgotadas.

O resultado é o final mais frágil da franquia. Não por falta de sangue ou de reviravoltas, mas pela ausência de impacto real. O terror sempre foi eficaz quando conseguia equilibrar crítica ao gênero, suspense genuíno e personagens carismáticos. Aqui, sobra autoconsciência e falta frescor.

“Pânico 7” ainda oferece entretenimento momentâneo e algumas sequências intensas, mas evidencia que a saga pode ter entrado em um ciclo de desgaste criativo. Quando a maior surpresa de um filme é perceber que ele já não consegue surpreender, talvez seja hora de questionar se o legado está sendo honrado ou apenas prolongado por insistência.

Supercine exibe “De Pernas Pro Ar 2” e leva o sucesso de Ingrid Guimarães para a madrugada de sábado, 28 de fevereiro

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Tem filme que a gente assiste e dá risada. E tem filme que, além de arrancar gargalhadas, faz a gente se reconhecer nas loucuras do dia a dia. É exatamente esse o clima de De Pernas Pro Ar 2, atração do Supercine neste sábado na TV Globo.

Na continuação da história, Alice está longe de ser aquela mulher insegura que tentava equilibrar casamento, filho e trabalho. Agora ela é uma empresária de sucesso, dona de uma rede de sex shops que só cresce. Interpretada com energia contagiante por Ingrid Guimarães, a personagem vive o auge profissional. O problema é que, junto com o sucesso, vieram a ansiedade, a obsessão pelo crescimento e a dificuldade de colocar o pé no freio. As informações são do AdoroCinema.

Ao lado da fiel escudeira Marcela, vivida por Maria Paula, Alice decide dar um passo ainda maior. Ela quer abrir uma filial da SexDelícia em Nova York e levar para o mercado americano um produto inovador. A ideia é grandiosa, empolgante e completamente a cara dela. Só que ninguém avisou que conquistar o mundo exige mais do que coragem. Exige equilíbrio, algo que Alice definitivamente não tem naquele momento.

O filme mostra com leveza aquilo que muita gente vive na vida real. Quando o trabalho começa a ocupar todos os espaços, até as comemorações viram motivo de tensão. Durante a festa que marca a centésima loja da rede no Brasil, a protagonista simplesmente entra em colapso. O surto é exagerado como pede a comédia, mas o sentimento por trás dele é bastante reconhecível. Quem nunca se sentiu sobrecarregado tentando dar conta de tudo ao mesmo tempo?

Depois do episódio, Alice vai parar em um spa voltado para pessoas que precisam reaprender a desacelerar. A proposta é clara: respirar fundo, reorganizar prioridades e se reconectar consigo mesma. Mas tentar convencer Alice a descansar é quase uma missão impossível. Mesmo cercada por terapias relaxantes, ela continua pensando em planilhas, contratos e na expansão internacional.

A fuga do spa e a viagem para Nova York colocam a história em movimento mais uma vez. O detalhe é que a ida aos Estados Unidos não é exatamente férias, embora ela tente vender essa ideia para a família. Entre reuniões escondidas e passeios turísticos improvisados, Alice se divide em mil para manter as aparências. E é justamente nessa tentativa de ser supermulher que o humor encontra terreno fértil.

As cenas em Nova York dão ao filme um charme especial e reforçam o contraste entre o sonho de sucesso e a bagunça emocional da protagonista. No meio das confusões, o público acompanha também o marido, interpretado por Bruno Garcia, tentando entender a nova fase da esposa. O elenco ainda conta com nomes como Eriberto Leão, ampliando as situações divertidas que surgem ao longo da trama.

Dirigido por Roberto Santucci, com roteiro de Mariza Leão, o longa mantém o estilo direto e popular que conquistou o público no primeiro filme. Quando chegou aos cinemas, repetiu o sucesso e levou milhões de espectadores às salas, provando que a comédia brasileira tem força e sabe dialogar com quem está do outro lado da tela.

O que torna “De Pernas Pro Ar 2” especial não é apenas a sucessão de cenas engraçadas. É a maneira como ele brinca com uma realidade cada vez mais comum. A busca por reconhecimento profissional pode ser empolgante, mas também pode nos afastar de quem está por perto. Alice quer ser gigante nos negócios, mas precisa aprender que sucesso nenhum compensa perder os momentos simples da vida.

Na Sessão de Sábado, TV Globo exibe “Plano B”, com Jennifer Lopez, neste 28 de fevereiro

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A tarde deste sábado, 28 de fevereiro de 2026, promete ser leve e romântica na TV Globo. A emissora exibe na faixa Sessão de Sábado o filme Plano B, produção estrelada por Jennifer Lopez e Alex O’Loughlin. Lançado originalmente nos cinemas como The Back-Up Plan, o longa aposta em uma premissa simples, mas carregada de identificação, ao contar a história de uma mulher que decide não esperar mais pelo amor ideal para realizar o sonho de ser mãe.

Na trama, Zoe é uma mulher independente, bem resolvida profissionalmente e cercada de amigos. Apesar de ter uma vida estável, ela sente que o tempo está passando e que o desejo de construir uma família não pode mais ficar em segundo plano. Depois de muitos relacionamentos frustrados e encontros que não deram em nada, ela toma uma decisão corajosa. Resolve fazer inseminação artificial e assumir sozinha a maternidade. (Via AdoroCinema)

A escolha representa autonomia e força, mas também revela uma certa decepção com a busca por um parceiro que nunca pareceu chegar na hora certa. No mesmo dia em que realiza o procedimento, o destino resolve brincar com seus planos. Zoe conhece Stan, um homem charismático, gentil e diferente dos outros com quem já se envolveu. A conexão entre os dois acontece de maneira espontânea e cheia de química, como nos clássicos romances de cinema.

O início do relacionamento é marcado por entusiasmo e descobertas. Stan demonstra interesse genuíno, conquista Zoe com seu jeito simples e se mostra disposto a investir na relação. O problema surge quando ela precisa contar que já está grávida. A revelação muda completamente o rumo da história, porque o romance que estava apenas começando passa a lidar com uma responsabilidade enorme.

O filme explora com leveza as inseguranças que surgem quando duas pessoas ainda estão se conhecendo e, de repente, precisam discutir futuro, filhos e compromisso. Zoe teme que Stan se afaste ao descobrir que ela já está esperando um bebê. Stan, por sua vez, precisa refletir se está preparado para assumir um papel tão importante na vida de alguém que acabou de conhecer.

A narrativa encontra humor justamente nessas situações delicadas. As consultas médicas, os grupos de gestantes e os preparativos para o parto rendem momentos divertidos e constrangedores. A presença de coadjuvantes como Melissa McCarthy ajuda a dar ainda mais ritmo às cenas, trazendo comentários afiados e situações inusitadas que equilibram emoção e comédia.

Sob a direção de Alan Poul, o longa mantém o tom leve característico das comédias românticas da década de 2010. O roteiro aposta em conflitos previsíveis, mas eficientes, que dialogam com um público que gosta de histórias sobre segundas chances e recomeços inesperados. Jennifer Lopez conduz a trama com carisma e entrega uma personagem vulnerável e determinada ao mesmo tempo. Sua atuação foi um dos pontos mais elogiados na época do lançamento, mesmo com a recepção crítica dividida em relação ao roteiro.

Nos cinemas, o filme teve desempenho comercial sólido. Produzido com orçamento estimado em 35 milhões de dólares, arrecadou cerca de 77,5 milhões mundialmente, garantindo retorno financeiro satisfatório e consolidando seu espaço entre as comédias românticas populares daquele período. O público abraçou a proposta, principalmente por enxergar na protagonista uma mulher moderna que decide assumir o controle da própria história.

Mais do que falar sobre maternidade, Plano B discute expectativas. Muitas pessoas crescem acreditando que existe uma ordem ideal para a vida acontecer, primeiro o namoro estável, depois o casamento, em seguida os filhos. Zoe rompe com essa sequência tradicional ao escolher ser mãe antes de encontrar o parceiro definitivo. A chegada de Stan coloca em xeque essa decisão e mostra que nem sempre o amor surge no momento mais organizado ou planejado.

Ao longo da trama, o casal aprende que relacionamentos exigem diálogo e disposição para enfrentar medos. A proximidade do nascimento do bebê intensifica emoções, provoca discussões e revela diferenças de personalidade. Ainda assim, também fortalece o vínculo entre os dois, que começam a construir algo mais sólido do que uma paixão inicial.

Amor do Meu Curry | BL tailandês mistura sonhos de estrelato e romance em cidade pequena

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Esdras Ribeiro
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Se você gosta de histórias românticas com clima leve, personagens carismáticos e aquele dilema clássico entre amor e carreira, o dorama Amor do Meu Curry é uma excelente pedida. Lançado em 2024, o BL tailandês combina música, juventude e descobertas emocionais em uma narrativa delicada que tem conquistado fãs do gênero. No Brasil, a série está disponível no catálogo de conteúdos do Viki.

A trama acompanha Moo, interpretado por Keen Suvijak Piyanopharoj, um adolescente determinado a se tornar uma celebridade. Ele é impulsivo, sonhador e movido por uma confiança quase inabalável no próprio talento. O problema é que sua dedicação ao sonho vai longe demais: Moo abandona a escola para focar em treinamentos e audições, deixando sua mãe desesperada com o futuro do filho.

Preocupada, ela toma uma decisão radical. Moo é enviado para uma cidade pequena, longe da agitação e das oportunidades artísticas, com a esperança de que ele volte a priorizar os estudos. O que parecia ser um castigo, no entanto, acaba se transformando em uma fase de grandes descobertas — especialmente quando ele conhece Kang.

Kang, vivido por Sea Dechchart Tasilp, é um jovem gentil e reservado que ajuda no restaurante da família. Diferente de Moo, ele é mais centrado e acostumado à rotina simples da cidade. O primeiro encontro entre os dois já deixa claro que são opostos: enquanto Moo é expansivo e cheio de energia, Kang reage às investidas com respostas secas e rejeições bem-humoradas.

Mas é justamente nesse contraste que nasce a química. Moo se encanta pela natureza bondosa de Kang e passa a frequentar o restaurante com frequência cada vez maior — sempre encontrando desculpas para puxar conversa. As tentativas atrapalhadas de aproximação rendem momentos cômicos e fofos, que equilibram bem o tom da narrativa.

À medida que convivem, o relacionamento evolui de provocações para cumplicidade. Kang começa a enxergar além da postura exagerada de Moo e percebe sua vulnerabilidade: por trás do sonho de estrelato existe um jovem inseguro, que busca validação e teme decepcionar a mãe. Já Moo aprende que nem tudo se resume a fama e aplausos — há valor na estabilidade, na simplicidade e nos sentimentos genuínos.

O grande conflito surge quando Moo finalmente alcança aquilo que sempre desejou. Após insistência e esforço, ele consegue assinar contrato com uma gravadora. O sonho de ser idol começa a se tornar realidade. Contudo, a oportunidade vem acompanhada de uma cláusula rígida: ele não pode namorar.

A partir desse ponto, “Amor do Meu Curry” ganha uma camada mais dramática. Moo se vê dividido entre dois mundos. De um lado, está a carreira que sempre perseguiu, a chance de subir aos palcos e conquistar reconhecimento. Do outro, está Kang, que representa um amor tranquilo, sincero e longe das pressões da indústria do entretenimento.

O dorama aborda esse dilema com sensibilidade, evitando exageros melodramáticos. Em vez disso, aposta em olhares, silêncios e conversas francas para construir a tensão emocional. O público é convidado a refletir junto com o protagonista: vale a pena abrir mão do amor por um sonho? Ou é possível encontrar equilíbrio?

Dirigido por Golf Sakon Wongsinwiset, a produção investe em uma fotografia acolhedora e em cenários que reforçam o clima intimista da cidade pequena. O restaurante da família de Kang se torna quase um personagem à parte — um espaço onde aromas, risadas e sentimentos se misturam, simbolizando aconchego e pertencimento.

O elenco de apoio também contribui para enriquecer a narrativa, trazendo leveza e momentos de descontração que equilibram o arco romântico principal. A química entre Keen e Sea é um dos pontos altos da série, sustentando tanto as cenas cômicas quanto as mais emocionais.

“Força, Nakamura” ganha data de estreia e chega em abril com transmissão simultânea no Brasil

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Esdras Ribeiro
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Boas notícias para os fãs de romance colegial e histórias cheias de delicadeza: o anime Força, Nakamura! finalmente teve sua data de estreia confirmada para 1º de abril — e, apesar da proximidade com o Dia da Mentira, não se trata de nenhuma pegadinha. A aguardada adaptação do mangá de Syundei chega oficialmente à temporada de primavera japonesa e contará com transmissão simultânea no Brasil pela Crunchyroll, conforme já havia sido anunciado anteriormente pela plataforma.

A expectativa em torno da série só cresceu desde o anúncio da adaptação, feito em agosto de 2024. Inicialmente prevista para 2025, a produção acabou sendo adiada devido a circunstâncias de produção, aumentando ainda mais a ansiedade do público. Agora, com data confirmada e trailer divulgado, a história do tímido Nakamura está pronta para conquistar uma nova audiência — desta vez em movimento e com trilha sonora.

Um romance tímido, doce e cheio de situações constrangedoras

A trama acompanha Okuto Nakamura, um estudante do ensino médio de 16 anos que guarda um segredo: ele esconde sua homossexualidade enquanto nutre uma paixão intensa e silenciosa por seu colega de classe, Aiki Hirose. O detalhe é que os dois praticamente não se conhecem.

Extremamente introvertido e desajeitado, Nakamura se apaixona por Hirose à primeira vista. Desde então, passa a fantasiar diálogos perfeitos e encontros ideais que raramente saem do campo da imaginação. Na prática, cada tentativa de aproximação resulta em situações embaraçosas e fracassos cômicos — o que dá à obra um charme especial, equilibrando humor leve e sensibilidade emocional.

Ao longo da história, o público acompanha o crescimento pessoal de Nakamura. Entre tropeços, mal-entendidos e momentos de coragem inesperada, ele começa lentamente a ganhar confiança. O desenvolvimento do relacionamento não acontece de forma explosiva ou dramática, mas sim com delicadeza: primeiro surge a amizade, depois a cumplicidade. É uma narrativa sobre amadurecimento, vulnerabilidade e os pequenos passos que constroem grandes mudanças.

Do mangá independente ao sucesso editorial

Antes de ganhar as telas, “Go For It, Nakamura!” teve uma trajetória curiosa no universo dos quadrinhos. O personagem surgiu inicialmente em ilustrações e pequenas histórias publicadas online por Syundei. O tom bem-humorado e a personalidade cativante de Nakamura chamaram atenção, abrindo portas para algo maior.

Em 2014, Syundei foi convidado pelo editor-chefe da revista Opera para criar uma história curta que ocupasse páginas em branco de uma edição da publicação. O one-shot lançado em dezembro daquele ano acabou se tornando o primeiro capítulo oficial da série. A recepção positiva levou à serialização regular a partir de 2015.

A obra foi concluída com onze capítulos, posteriormente compilados em um volume único lançado em 2017 pela editora Akane Shinsha. O sucesso ultrapassou as fronteiras japonesas quando a Seven Seas Entertainment licenciou a versão em inglês, marcando a entrada da editora no segmento boys’ love com o título.

O êxito foi suficiente para render uma sequência, intitulada “Go For It Again, Nakamura!”, que expandiu ainda mais o universo dos personagens e consolidou a série como uma queridinha entre leitores que buscam romances LGBTQIA+ leves e representativos.

No Brasil, o mangá é publicado pela Editora NewPOP, permitindo que leitores brasileiros acompanhem oficialmente a história em português.

Produção do anime e equipe criativa

A adaptação para anime será produzida pelo estúdio Studio Drive, com direção de Aoi Umeki. O roteiro fica por conta de Umeki em parceria com Yasuko Aoki, enquanto o design de personagens também leva a assinatura de Umeki — o que indica um cuidado especial em preservar o traço expressivo e delicado do mangá original.

A trilha sonora será composta por Ayana Tsujita, prometendo reforçar o clima sensível e juvenil da narrativa. Já as músicas-tema adicionam uma camada nostálgica e energética à produção: a abertura “Glory Days” será interpretada por Senri Oe, enquanto o encerramento trará “Sekai de Ichiban Atsui Natsu”, clássico do grupo Princess Princess.

Outro detalhe interessante é que os dois primeiros episódios serão disponibilizados juntos online no Japão, estratégia que pode ajudar a envolver rapidamente o público na jornada emocional de Nakamura.

Representatividade e leveza

Embora esteja inserido no gênero boys’ love, “Go For It, Nakamura!” se destaca por adotar uma abordagem leve, quase inocente. A narrativa foca mais nas inseguranças adolescentes e na dificuldade de comunicação do que em conflitos dramáticos intensos.

O anime tem potencial para dialogar não apenas com fãs do gênero BL, mas também com qualquer espectador que já tenha vivido um amor platônico no ambiente escolar. A timidez extrema de Nakamura, suas fantasias exageradas e o medo constante de fazer tudo dar errado tornam o personagem universalmente identificável.

Em um cenário em que produções LGBTQIA+ ganham cada vez mais espaço na animação japonesa, a estreia da série representa mais um passo importante na ampliação de narrativas diversas — especialmente aquelas que apostam na ternura como força principal.

Onde assistir no Brasil

Os fãs brasileiros poderão acompanhar a estreia simultaneamente com o Japão pela Crunchyroll, que já confirmou a exibição da série em seu catálogo. A plataforma tem investido fortemente em títulos da temporada e mantém o compromisso de disponibilizar episódios com rapidez e qualidade.

Saiba qual filme vai passar no Cine Aventura deste sábado, 28 de fevereiro, na Record TV

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Esdras Ribeiro
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Neste sábado, 28 de fevereiro de 2026, a Record TV leva ao ar, na faixa Cine Aventura, o filme Nerve: Um Jogo Sem Regras, um suspense tecnológico que combina romance, adrenalina e uma crítica direta à cultura da superexposição nas redes sociais. Lançado em 2016, o longa conquistou o público jovem ao transformar um simples jogo online em um verdadeiro teste de coragem — e de limites.

Dirigido por Henry Joost e Ariel Schulman, com roteiro assinado por Jessica Sharzer, o filme é inspirado no livro homônimo da escritora Jeanne Ryan. No elenco principal estão Emma Roberts, Dave Franco e Juliette Lewis, que entregam atuações marcadas pela intensidade e pela química em cena.

A história acompanha Venus “Vee” Delmonico (Emma Roberts), uma adolescente inteligente e talentosa que vive em Staten Island e sonha em estudar arte fora da cidade. No entanto, o luto pela morte recente do irmão mais velho torna o ambiente familiar delicado, fazendo com que ela adie seus próprios planos para não ferir ainda mais a mãe.

Enquanto Vee hesita em dar o próximo passo em sua vida, sua melhor amiga, Sydney, vive mergulhada no Nerve, um jogo de desafios transmitido ao vivo pela internet. A dinâmica é simples: usuários se inscrevem como “jogadores” ou “observadores”. Os jogadores cumprem tarefas enviadas pelos espectadores e, quanto mais ousadas e arriscadas forem as missões, maior a recompensa em dinheiro e popularidade.

Provocada por Sydney por ser “certinha” demais, Vee decide se inscrever no jogo quase como um ato impulsivo. Seu primeiro desafio é beijar um estranho. É assim que ela conhece Ian (Dave Franco), que também está participando do Nerve. O encontro, inicialmente despretensioso, rapidamente ganha a atenção do público online, que passa a acompanhar cada passo da dupla.

Da empolgação ao perigo real

O que começa como uma brincadeira ousada evolui para desafios cada vez mais extremos. Incentivados pelos espectadores, Vee e Ian atravessam Manhattan cumprindo tarefas que envolvem experimentar roupas de luxo sem pagar, fazer tatuagens inesperadas e até pilotar uma motocicleta em alta velocidade com os olhos vendados.

A adrenalina, a estética vibrante da cidade à noite e a crescente conexão entre os dois transformam o casal nos favoritos do público. O número de visualizações sobe, o dinheiro aumenta e a sensação de invencibilidade toma conta.

Mas o jogo cobra seu preço.

Sydney, incomodada com a ascensão meteórica da amiga, aceita um desafio arriscado durante uma festa: atravessar uma escada posicionada entre dois prédios. O medo fala mais alto, ela desiste e acaba eliminada da competição. O episódio marca o início de uma ruptura na amizade das duas.

Ao mesmo tempo, Vee descobre que Ian havia recebido a missão secreta de levá-la até aquela festa e provocar um conflito entre as amigas — tudo para gerar mais audiência. A revelação expõe o lado manipulador do Nerve, que transforma relações pessoais em espetáculo.

Um sistema que não aceita desistências

À medida que os desafios se tornam mais perigosos, Vee percebe que está presa em algo muito maior do que imaginava. Quando tenta procurar ajuda e denunciar o jogo, não é levada a sério. Como punição, todo o dinheiro da conta bancária que divide com a mãe desaparece.

Ela descobre então a existência de uma terceira categoria dentro do Nerve: os “prisioneiros”. São jogadores que tentaram abandonar o jogo ou denunciá-lo e acabaram sendo chantageados digitalmente. Ian revela que ele e outro participante, Ty, já perderam um amigo durante um desafio e tiveram suas vidas destruídas ao tentar expor o esquema.

Enquanto isso, o amigo hacker de Vee, Tommy, tenta desativar o sistema com a ajuda de outros jovens especialistas em tecnologia. Porém, o Nerve opera como uma rede descentralizada: cada celular conectado funciona como parte do servidor. Derrubar o jogo significa convencer as próprias pessoas a saírem dele.

A final que choca o público

A competição chega ao clímax em uma rodada final tensa e perturbadora. Vee e Ian são colocados frente a frente e recebem a ordem de atirar um no outro. A decisão depende do voto dos espectadores, que acompanham tudo em tempo real.

Quando a maioria vota a favor do disparo, o filme escancara sua principal crítica: a facilidade com que o anonimato e a distância da tela podem transformar pessoas comuns em cúmplices de atos extremos.

O tiro é disparado e Vee aparentemente morre, deixando Ian devastado. Mas a cena é parte de um plano arriscado. Com a ajuda de Ty, ela encena a própria morte para chocar o público e forçar o colapso do sistema.

Simultaneamente, Tommy e os hackers conseguem revelar as identidades reais dos espectadores que votaram pelo assassinato, enviando uma mensagem direta: “Você é cúmplice.” O choque faz com que milhares de usuários abandonem o jogo ao mesmo tempo, derrubando os servidores e encerrando o Nerve.

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