“O Jogo de uma Vida” inspira a Sessão da Tarde da próxima segunda (21/07) com história real de superação no esporte

0
Foto: Reprodução/ Internet

Na próxima segunda-feira, 21 de julho de 2025, a Sessão da Tarde, da Globo, apresenta um filme que vai muito além do esporte. “O Jogo de uma Vida”, dirigido por Thomas Carter, é uma daquelas histórias que tocam fundo e lembram o espectador do verdadeiro significado da palavra “vitória”. Baseado em uma história real, o longa acompanha a jornada de Bob Ladouceur, treinador de um time colegial que conquistou o impossível: 151 vitórias consecutivas no futebol americano estudantil — um feito que ainda hoje é lembrado como um dos maiores da história esportiva dos Estados Unidos.

Mas se engana quem pensa que o filme se resume a números e troféus. “O Jogo de uma Vida” é, acima de tudo, uma narrativa sobre fé, caráter, empatia e liderança. É sobre como um professor – antes de ser técnico – inspirou jovens a se tornarem mais do que atletas: cidadãos conscientes, resilientes e preparados para os desafios da vida.

Muito além do placar

Interpretado com profundidade por Jim Caviezel (conhecido por seu papel como Jesus em “A Paixão de Cristo”), Bob Ladouceur não é o típico herói hollywoodiano. Ele não grita, não impõe pelo medo, nem transforma seus jogadores com discursos inflamados. Pelo contrário. Sua liderança se manifesta em gestos contidos, na escuta paciente, nas perguntas feitas na hora certa. Ele guia pelo exemplo — e é isso que torna sua história tão poderosa.

Quando assumiu o modesto time dos Spartans de De La Salle High School, na Califórnia, Bob encontrou um grupo de garotos sem perspectiva, desacreditados até por eles mesmos. Em vez de buscar vitórias imediatas, ele plantou valores: humildade, disciplina, espírito coletivo. Os resultados, ironicamente, vieram como consequência — e não como obsessão.

E vieram em grande estilo: mais de uma década sem perder uma única partida. Mas o roteiro do filme, assim como a vida real, é cheio de reveses. Crises familiares, tragédias pessoais, problemas de saúde e pressões externas colocam à prova a fibra moral da equipe e a serenidade do treinador.

Elenco em sintonia revela emoção sem exageros

O elenco é um dos pontos altos do filme. Jim Caviezel constrói um Bob Ladouceur introspectivo, mas com firmeza espiritual impressionante, revelando o tipo de força silenciosa que transforma realidades. Ao seu lado, Laura Dern entrega uma atuação comovente como Bev Ladouceur, a esposa que acompanha de perto os altos e baixos do marido, equilibrando lucidez, amor e preocupação.

Michael Chiklis, no papel do assistente técnico Terry Eidson, funciona como a alma prática da equipe — mais direto, mais duro, mas igualmente apaixonado. Ele é o tipo de aliado que empurra para frente quando o caminho começa a parecer pesado demais.

Já os jovens atores — como Alexander Ludwig (da série “Vikings”) e Stephan James (“Selma”, “Se a Rua Beale Falasse”) — carregam nas costas o peso de representar uma geração pressionada por expectativas e carente de referenciais reais. Com honestidade, eles mostram que nem sempre é fácil ser jovem em um mundo que cobra vitórias, mas não ensina a lidar com derrotas.

Uma direção segura que entende o que realmente importa

A condução do diretor Thomas Carter, que já havia trabalhado no universo esportivo com “Coach Carter”, é sensível e eficiente. Carter não se prende ao clichê do “jogo do século” — embora as cenas de campo sejam empolgantes —, e prefere mergulhar nos bastidores das decisões, nos silêncios entre as jogadas, nos dilemas que se escondem no vestiário ou no jantar em família.

A fotografia é intimista quando precisa ser e enérgica nos momentos certos. A trilha sonora, discreta, colabora para uma narrativa que emociona sem manipular. O resultado é um filme que funciona tanto como entretenimento quanto como reflexão.

Lições para muito além do esporte

A exibição do filme em pleno 2025, na tradicional Sessão da Tarde, é mais do que uma escolha de grade. É um lembrete necessário em tempos de imediatismo e cultura da performance. Num mundo onde a vitória se tornou quase uma obsessão e o fracasso virou sinônimo de fraqueza, o filme vem com a força de uma parábola moderna: o que realmente significa vencer?

Bob Ladouceur ensina, com simplicidade, que a verdadeira vitória não está no placar, mas no crescimento pessoal, na integridade e na coragem de ser fiel aos próprios valores mesmo sob pressão. Não há prêmios para isso. Mas há transformação — e ela é profunda.

O legado que continua vivo

Na vida real, Bob Ladouceur se aposentou do cargo de técnico em 2013, após 34 anos dedicados ao ensino e ao esporte. Seu legado, no entanto, segue vivo. Mais do que títulos, ele deixou uma comunidade marcada por seus ensinamentos. Pais, professores e ex-alunos o reverenciam como um exemplo de ética, humanidade e compromisso com a juventude.

Sua filosofia — baseada na formação de caráter — hoje é estudada em universidades, clínicas esportivas e fóruns de liderança. Ele mostrou que um bom treinador não forma apenas jogadores: forma cidadãos. E que o impacto de um educador vai muito além dos muros da escola.

Um convite para ver (ou rever) com o coração aberto

“O Jogo de uma Vida” é um filme ideal para assistir em família, sozinho ou com amigos, especialmente em momentos em que precisamos reencontrar sentido em meio à correria do dia a dia. Ele emociona sem ser piegas, inspira sem precisar levantar bandeiras, e nos faz lembrar que cada escolha, por menor que pareça, pode transformar vidas.

E para quem perder a exibição na televisão, há uma boa notícia: o longa também está disponível para aluguel no Prime Video, com valores a partir de R$ 6,90. Uma ótima oportunidade para conhecer — ou revisitar — essa obra que emociona por dentro, nos lembrando que os melhores jogos da vida são aqueles em que se joga com o coração.

TurmaTube ganha vida: série live-action “A Primeira Aventura” marca nova fase do universo criado por Viih Tube

0

Imagina só trocar os desenhos animados por rostos reais, a tela fria por uma floresta viva, e dar à infância o palco que ela merece. Esse é o espírito por trás de “TurmaTube – A Primeira Aventura”, nova série live-action inspirada na animação criada por Viih Tube, que conquistou as famílias brasileiras com histórias doces, visuais cativantes e um compromisso inabalável com valores como empatia, diversidade e respeito.

Agora, os animaizinhos da TurmaTube — antes saltitantes nas telas em forma de desenhos — ganham carne, osso e muita personalidade em um projeto ousado, sensível e cheio de vida, gravado em pleno mato, entre árvores, barracas e risadas de verdade. É nesse cenário que o universo idealizado por Viih cresce, amadurece e, ao mesmo tempo, mantém sua essência: ser feito por e para crianças, sem perder a conexão com o coração dos adultos.

Do YouTube à floresta: o poder de sonhar grande

A história da TurmaTube começa com uma ideia aparentemente simples: criar uma animação infantil que conversasse com as emoções dos pequenos. Mas Viih Tube — influenciadora, atriz, empresária e mãe — sabia que queria mais. Não bastava entreter, era preciso ensinar com carinho, acolher sem julgamento e celebrar as diferenças com naturalidade.

Depois do sucesso da animação lançada em 2023, que rapidamente virou febre entre crianças de 2 a 4 anos, a criadora deu o próximo passo. Agora, com um público um pouco mais crescido — crianças de 5 a 7 anos — nasce a primeira série live-action da TurmaTube, um projeto que coloca crianças reais no centro da narrativa, vivendo aventuras que misturam fantasia, música e descobertas emocionais.

“Sempre sonhei com algo que fosse além do desenho. Queria ver essas crianças vivendo aquilo de verdade, correndo na floresta, se sujando, se abraçando. Queria que o público se visse nelas”, diz Viih, emocionada nos bastidores da gravação.

Criança brincando é criança aprendendo

Gravada em Sapucaí-Mirim, no interior de Minas Gerais, dentro da tradicional colônia NR Acampamentos, a série traz como cenário a própria natureza — e isso muda tudo. Não há efeitos especiais grandiosos ou cenários artificiais: aqui, o mato é real, o vento bagunça o cabelo, e as experiências acontecem com cheiro de terra molhada.

É nesse espaço que o grupo de amigos formado por Mari Yumi (Lara), Lorena Candido (Valentina), Theo Radicchi (Ruan), Diego Laumar (Nino), Vitinho Lima (Tião), Helena Vilhena (Nina) e Davi Damin (Hugo) vai se conhecendo, criando laços, enfrentando medos e celebrando conquistas pequenas — mas profundamente significativas.

Entre uma brincadeira e outra, a série planta sementes importantes: o cuidado com o outro, o respeito ao tempo de cada um, a escuta atenta e a beleza do coletivo. E faz isso de forma leve, com música, cor e simplicidade.

No centro dessa dinâmica está a Prô Júlia, interpretada pela própria Viih Tube, uma figura adulta que não controla, mas acompanha. “Ela é como aquela professora que a gente lembra com carinho, que não gritava, que olhava no olho. A Prô Júlia está lá, mas quem resolve os conflitos são as crianças”, explica Viih

Representatividade que nasce da convivência

Em um país tão plural como o Brasil, ver uma série infantil com elenco diverso, sem estereótipos ou caricaturas, ainda é raro — mas absolutamente necessário. Em TurmaTube – A Primeira Aventura, as diferenças de origem, tom de pele, personalidade e modos de pensar não são discutidas, são vividas. Estão ali, presentes e integradas, como devem ser na vida real.

As crianças se expressam com liberdade, sem filtros adultos, e constroem uma convivência que valoriza as singularidades sem forçar lições de moral. Cada personagem tem sua maneira de lidar com o mundo — e é isso que faz da série um espaço tão rico e acolhedor.

“As crianças entendem muito mais do que a gente imagina. Elas não precisam de discursos longos sobre inclusão, elas precisam ver isso na prática. E foi isso que a gente fez”, conta Clara Ramos, diretora geral do projeto.

Por trás das câmeras: um time que acredita no afeto

Além da direção sensível de Clara, o projeto reúne nomes como Plinio Scambora (diretor e diretor de fotografia), Raquel Tejada (direção de arte), Fernanda Melo (figurinos), Ricardo Feliciano (montagem) e uma produção assinada por Viih Tube ao lado de Tomás Darcyl, Ricardo Costianovsky e Clara Ramos. Um time experiente que entendeu desde o início que o maior efeito especial da série seria algo simples, porém raro: a verdade nos olhos de uma criança.

Toda a equipe técnica trabalhou com foco no conforto, segurança e bem-estar dos pequenos atores, respeitando seus ritmos e suas emoções. Nada era forçado: se alguém estava triste, a gravação parava. Se a cena virava brincadeira, melhor ainda. Foi dessa liberdade que nasceram os momentos mais bonitos.

Viih Tube: de fenômeno digital à construtora de futuros possíveis

Com apenas 24 anos, Viih Tube tem uma trajetória que impressiona. De youtuber adolescente a influenciadora de milhões, ela se reinventou diversas vezes — como atriz, escritora, empresária e agora como produtora de conteúdo infantil. Mas talvez seu maior mérito esteja em entender o valor da infância como território sagrado.

Depois de sua participação no BBB 21, Viih decidiu usar sua visibilidade para falar de temas mais profundos — como saúde mental, redes sociais e, agora, infância com propósito. Com a TurmaTube, ela não entrega apenas um produto: entrega uma experiência feita com escuta, sensibilidade e intenção.

“Quero que as crianças cresçam com afeto, com referências positivas, com personagens que se parecem com elas. E quero que os pais saibam que existe conteúdo em que podem confiar”, diz Viih.

Festival de Veneza abre as portas para quatro joias da MUBI — com Sorrentino, Park Chan-wook, László Nemes e Jim Jarmusch

0

A MUBI, plataforma global que une serviço de streaming, distribuidora e produtora, chega com força total ao 82º Festival Internacional de Cinema de Veneza. São quatro estreias de peso — “La Grazia”, “No Other Choice”, “Orphan” e “Father Mother Sister Brother” — que prometem marcar a temporada de premiações e confirmar o investimento da empresa em um cinema autoral, profundo e esteticamente marcante. As informações são da Vogue.

Com direção de nomes como Paolo Sorrentino, Park Chan-wook, László Nemes e Jim Jarmusch, os filmes não apenas competem pelo Leão de Ouro, como representam uma pluralidade de vozes e estéticas cinematográficas, abordando temas como o poder, a moralidade, a perda, a memória e os laços familiares.

A seguir, mergulhamos em cada uma das obras e em suas nuances, personagens e contextos, para entender por que essas estreias estão entre as mais esperadas do ano.

“La Grazia” — O poder e o peso das decisões morais

Estreia: 27 de agosto de 2025, Sala Grande do Palazzo del Cinema (filme de abertura do festival) Direção: Paolo Sorrentino
Elenco: Toni Servillo (“A Grande Beleza”), Anna Ferzetti (“A Máfia só Mata no Verão”), Massimo Venturiello (“Suburra”)

No que pode ser seu filme mais contido e maduro até aqui, Paolo Sorrentino retorna a Veneza para abrir o festival com “La Grazia”. O diretor, conhecido por seu estilo visual exuberante e crítica política embutida em lirismo, retrata aqui o cotidiano de Mariano De Santis, um fictício presidente da República Italiana à beira do fim de seu mandato.

Viúvo, católico e pai de uma jurista, Mariano se depara com dois pedidos de indulto que desafiam sua consciência. São decisões aparentemente técnicas, mas que se imbricam com sua história pessoal de maneira inesperada. Em um clima de introspecção e melancolia, o longa reflete sobre justiça, perdão e o papel do indivíduo em estruturas de poder.

Toni Servillo, colaborador frequente de Sorrentino, entrega mais uma performance que promete arrebatar o público. O roteiro equilibra a tensão moral com diálogos densos e momentos de rara sensibilidade.

“No Other Choice” — A fúria silenciosa da sobrevivência

Estreia: A confirmar
Direção: Park Chan-wook
Elenco: Lee Byung-hun (“Mr. Sunshine”), Son Ye-jin (“Pousando no Amor”), Park Hee-soon (“Meu Nome”), Lee Sung-min (“Misaeng”)

Park Chan-wook — mestre do suspense emocional e da brutalidade poética — adapta o romance “O Machado”, de Donald E. Westlake, para criar um retrato contemporâneo da desesperança masculina no capitalismo tardio.

Em “No Other Choice”, acompanhamos Man-su, um homem comum, dispensado da fábrica onde trabalhou por 25 anos. O que começa como um drama social rapidamente ganha contornos de thriller psicológico: ele resolve eliminar todos os concorrentes às vagas de emprego que ambiciona, numa espiral de violência silenciosa, disfarçada de pragmatismo.

Mais do que um suspense, o filme é uma crítica aguda ao sistema que transforma seres humanos em números descartáveis. Park explora as contradições morais desse protagonista de forma quase cirúrgica, com uma câmera que vigia, enquadra e sufoca.

O elenco entrega performances intensas, especialmente Lee Byung-hun, cuja contenção e expressividade remetem à sua atuação em “I Saw the Devil”.

“Orphan” — As cicatrizes da História e a perda da identidade

Estreia: A confirmar
Direção: László Nemes
Elenco: Bojtorján Barabas (estreante), Grégory Gadebois (“O Oficial e o Espião”), Andrea Waskovics (“Curtas de Budapeste”)

Vencedor do Oscar por “O Filho de Saul”, o húngaro László Nemes retorna com um novo mergulho nas feridas abertas da Europa do pós-guerra. Em “Orphan”, ambientado em 1957, vemos o trauma coletivo refletido na vida de um jovem judeu, Andor, criado sob a imagem idealizada de um pai heróico — até que um homem violento bate à porta, dizendo ser o verdadeiro pai.

A abordagem de Nemes é íntima, quase claustrofóbica. Ele usa longos planos-sequência e foco reduzido para aproximar o espectador da confusão e do pânico de Andor. A narrativa fragmentada, como a memória de quem sobreviveu à dor, exige paciência e entrega, mas recompensa com força emocional bruta.

Mais uma vez, o diretor usa um protagonista jovem como ponto de vista para refletir sobre responsabilidade histórica, identidade e reconstrução pós-trauma.

“Father Mother Sister Brother” — Laços familiares em ruínas (e redenção)

Estreia: A confirmar
Direção: Jim Jarmusch
Elenco: Tom Waits (“Flores Partidas”), Adam Driver (“Annette”), Mayim Bialik (“The Big Bang Theory”), Charlotte Rampling (“45 Anos”), Cate Blanchett (“TÁR”), Vicky Krieps (“Bergman Island”), Sarah Greene (“Normal People”), Indya Moore (“Pose”), Luka Sabbat (“Grown-ish”), Françoise Lebrun (“A Mãe e a Puta”)

Jim Jarmusch volta com um projeto ambicioso, mas surpreendentemente delicado. “Father Mother Sister Brother” é um tríptico — três histórias independentes, passadas nos EUA, Irlanda e França — conectadas por um fio comum: filhos adultos confrontando seus pais e entre si.

Com sua marca registrada de diálogos pausados, enquadramentos contemplativos e trilhas sonoras que misturam jazz e silêncios, Jarmusch retrata a incomunicabilidade dos afetos. Mas aqui há também ternura, humor sutil e uma certa aceitação do caos.

Na primeira parte, Adam Driver e Tom Waits interpretam pai e filho que só se entendem na ausência de palavras. Em Dublin, Mayim Bialik e Charlotte Rampling revivem ressentimentos e culpas em um reencontro tardio. Já em Paris, Cate Blanchett e Vicky Krieps vivem irmãs que precisam decidir o destino da mãe enferma.

O filme é, acima de tudo, um ensaio sobre o envelhecer, sobre o que se herda e o que se perde, com um olhar melancólico, mas sem cinismo.

MUBI e Veneza: uma aliança cada vez mais estratégica

As quatro estreias da MUBI em Veneza sinalizam o papel central que a plataforma tem assumido no novo ecossistema audiovisual. Mais do que um canal de distribuição, a MUBI investe diretamente na produção de filmes de alto padrão artístico, conectando realizadores renomados ao público global.

Em um contexto em que blockbusters dominam salas de cinema e algoritmos regem o conteúdo online, a curadoria da MUBI aparece como um oásis de cinema autoral, diversificado e arriscado. Sua presença forte em festivais — de Cannes a Berlim, agora Veneza — reforça o prestígio da marca.

Quarteto Fantástico: Primeiros Passos faz história nas bilheterias com US$ 23 milhões em pré-estreia nos Estados Unidos

0
Foto: Reprodução/ Internet

Nos últimos anos, a expectativa em torno do retorno do Quarteto Fantástico ao Universo Cinematográfico Marvel (MCU) chegou a um nível quase palpável. Fãs da primeira hora, leitores fiéis dos quadrinhos e espectadores do cinema de super-heróis aguardavam ansiosamente uma produção que pudesse, enfim, fazer justiça à complexidade e importância desse grupo seminal da cultura pop. Com o lançamento de Quarteto Fantástico: Primeiros Passos, a Marvel Studios não apenas atendeu a essa demanda, mas superou as expectativas, entregando uma obra que dialoga com o passado, abraça o presente e projeta um futuro promissor para seus personagens.

A pré-estreia do filme nos Estados Unidos, que arrecadou impressionantes US$ 23 milhões, já sinalizava o êxito comercial do longa-metragem. Tal valor, que iguala a recente pré-estreia do reboot de Superman, coloca o filme em um patamar de destaque para o fim de semana de estreia, com previsões de arrecadação que ultrapassam os US$ 110 milhões. No entanto, mais do que números, Primeiros Passos oferece uma experiência cinematográfica rica, fundamentada em personagens multifacetados, dilemas morais profundos e uma narrativa que ressoa para além das tradicionais batalhas heroicas.

O contexto: uma história marcada por tentativas e erros

Para compreender o peso deste lançamento, é fundamental revisitar o histórico atribulado do Quarteto Fantástico nas telas. Desde a produção amadora de 1994, feita exclusivamente para manter os direitos cinematográficos, passando pelas versões de 2005 e 2007, que, apesar do sucesso moderado, não conseguiram se firmar como referência na franquia, o caminho até aqui foi pontuado por altos e baixos. A saída da Fox do controle dos direitos abriu uma nova era de possibilidades para o grupo, agora sob o comando da Marvel Studios, que buscava redefinir não só os personagens, mas também o tom e a relevância dentro de um universo compartilhado que já é um fenômeno cultural global.

A chegada de Matt Shakman à direção, conhecido pelo trabalho aclamado em WandaVision, representou um marco na condução do projeto. Combinando experiência em narrativas televisivas e cinema, Shakman trouxe uma sensibilidade narrativa que equilibrasse ação e emoção, elementos essenciais para que o Quarteto fosse apresentado não só como super-heróis, mas como pessoas.

Enredo: uma viagem entre o épico e o íntimo

Situado na Terra-828, uma realidade paralela dentro do multiverso da Marvel, o filme começa quatro anos após o evento que conferiu poderes a Reed Richards (Pedro Pascal), Sue Storm (Vanessa Kirby), Ben Grimm (Ebon Moss-Bachrach) e Johnny Storm (Joseph Quinn). O que poderia ser apenas uma história de origem tradicional se transforma em uma narrativa sobre legado, família e responsabilidade.

A trama gira em torno da Fundação Futuro, instituição liderada por Reed e Sue que simboliza a esperança de um mundo menos marcado por conflitos e pela militarização excessiva. Sue, que está grávida, enfrenta uma ameaça inesperada: Galactus (Ralph Ineson), uma entidade cósmica devoradora de mundos, que exige a entrega do bebê que ela carrega, pois nele reside um poder capaz de desequilibrar o universo.

Esse cenário proporciona uma tensão constante entre os laços familiares e a ameaça existencial, colocando os personagens em um confronto que vai além da força bruta, envolvendo sacrifícios e escolhas morais que refletem no espectador. O filme não se apoia apenas em cenas de ação grandiosas, mas investe pesado no drama pessoal de cada personagem, tornando-os críveis e complexos.

Personagens que respiram e emocionam

A performance de Vanessa Kirby como Sue Storm é um dos pontos altos do filme. Sua atuação transmite não só a força de uma mulher que lidera uma instituição revolucionária, mas também a fragilidade e a coragem de uma mãe que enfrenta o desconhecido para proteger seu filho e o mundo. Em entrevista exclusiva, Kirby comentou:

“Sue não é uma heroína perfeita; ela é humana, cheia de dúvidas e medos. Isso a torna muito mais real e inspiradora. Interpretá-la me desafiou a encontrar esse equilíbrio entre a cientista racional e a mãe protetora.”

Pedro Pascal, por sua vez, dá vida a um Reed Richards menos cartunesco e mais próximo de um homem dividido entre a genialidade e a vulnerabilidade. Pascal explicou a abordagem:

“Reed é alguém que carrega um peso enorme — o de ser um visionário, mas também um homem comum. A paternidade o torna mais complexo, mais humano, e isso estava no centro do que queríamos contar.”

Joseph Quinn e Ebon Moss-Bachrach completam a equipe com interpretações que adicionam camadas às personalidades dos irmãos Storm e do amigo de longa data, Ben Grimm. O carisma e a química entre os quatro são palpáveis, um elemento fundamental para que o público se conecte emocionalmente com a narrativa.

Galactus: uma ameaça distinta

A construção do vilão Galactus, vivido por Ralph Ineson, foge do estereótipo do antagonista tradicional. Com uma interpretação que privilegia a presença e o peso existencial, Ineson incorpora um ser que é tanto uma força da natureza quanto um agente do destino. A caracterização visual do personagem, com armadura fiel aos quadrinhos, reforça essa dualidade.

A dinâmica entre Galactus e sua arauta, a Surfista Prateada (Julia Garner), adiciona uma camada de tragicidade ao conflito. A relação entre eles explora temas como sacrifício e inevitabilidade, tornando o confronto final não apenas um embate físico, mas um choque filosófico.

Referências, surpresas e futuro promissor

Além da narrativa principal, o filme agrada aos fãs com referências discretas ao universo expandido e ao passado da franquia. Um dos momentos mais comentados é a participação especial de Robert Downey Jr. como Doutor Destino, que abre portas para futuras conexões e expande o horizonte do MCU.

A escolha de focar no uso dos poderes em vez da origem tradicional permite que o longa explore novas possibilidades e aprofunde as motivações dos personagens, afastando-se de clichês e fórmulas desgastadas.

Técnica e arte a serviço da narrativa

Tecnicamente, Primeiros Passos impressiona com efeitos visuais que transportam o espectador para um espetáculo intergaláctico sem perder o foco na intimidade dos personagens. A Times Square, cenário de uma das batalhas mais impactantes, é recriada com detalhes minuciosos, refletindo o cuidado da produção em equilibrar o grandioso e o cotidiano.

A trilha sonora, assinada por Michael Giacchino, casa-se perfeitamente com o tom do filme, ora exaltando a aventura, ora destacando o drama interno. A fotografia de Autumn Durald Arkapaw reforça essa dualidade, utilizando luz e sombra para sublinhar os conflitos pessoais e universais.

O impacto cultural e a recepção crítica

Desde sua estreia, Quarteto Fantástico: Primeiros Passos recebeu elogios unânimes pela crítica especializada. A combinação de narrativa madura, personagens tridimensionais e visual deslumbrante colocou o filme em listas de melhores do ano e reacendeu discussões sobre o lugar do Quarteto Fantástico na cultura pop contemporânea.

Analistas apontam que o longa é um marco para o MCU, por trazer diversidade temática e emocional, elementos que aprofundam o gênero de super-heróis e ampliam seu alcance para públicos mais amplos e exigentes.

Websérie “O Que Não Falamos” estreia com sucesso no YouTube e traz drama, música e segredos de uma girlband dos anos 2000

0
Foto: Reprodução/ Internet

A produtora Bera Play, reconhecida por suas séries de sucesso como Estranho Jeito de Amar e Entre Nós, lançou na última quinta-feira, 17 de julho, a tão aguardada websérie O Que Não Falamos. Com uma narrativa envolvente e inspirada pelas lendárias girlbands Rouge e Spice Girls, a série já conquistou o público ao alcançar a marca de 40 mil visualizações em apenas um episódio, reafirmando o poder da dramaturgia digital e o fascínio por histórias que mesclam música, emoção e segredos. As informações são do Sessão Cinéfila.

Uma trama que revisita o auge das girlbands com um olhar contemporâneo

O Que Não Falamos acompanha o reencontro da fictícia girlband Moulin, um grupo formado por cinco mulheres que fez sucesso no início dos anos 2000 e, após uma década afastada dos holofotes, decide voltar a se reunir. No entanto, o retorno não é apenas uma celebração do passado: ele traz à tona traumas, conflitos e sentimentos que foram mantidos em silêncio por muito tempo.

A série não apenas presta homenagem às girlbands que marcaram época, mas também aborda temas atuais, como os desafios enfrentados por mulheres em espaços de poder, a pressão da indústria da música e a importância da autenticidade e do apoio mútuo. É uma produção que dialoga com as novas gerações, ao mesmo tempo em que desperta a nostalgia daqueles que viveram a febre dos anos 2000.

Personagens complexas e um romance secreto que muda tudo

No coração da narrativa está o relacionamento oculto entre Luciana, interpretada pela talentosa Gabi Dallacosta, e Fabiana, papel de Maria Fernanda. O romance entre as duas integrantes da Moulin é um dos principais motores da trama, trazendo à tona questões sobre amor, sigilo e aceitação. Durante anos, o relacionamento foi mantido longe do público, um segredo que cria tensão tanto dentro do grupo quanto entre os fãs.

Esse arco emocional não só oferece profundidade à história, mas também contribui para um debate importante sobre representatividade LGBTQ+ na mídia. A websérie, com sensibilidade e naturalidade, mostra os impactos do segredo em cada personagem, revelando medos, angústias e a busca por liberdade para serem quem realmente são.

Além de Luciana e Fabiana, o elenco conta com Francis Helena Cozta no papel de Paloma, Gabriella Cristina como Amanda, e a ex-BBB Leidy Elin interpretando Karine. Cada uma das personagens carrega suas próprias bagagens emocionais, conflitos pessoais e sonhos, criando um mosaico rico e multifacetado de histórias.

Produção e lançamento: inovação e interação com o público

O lançamento de O Que Não Falamos é parte de uma estratégia inovadora da Bera Play, que tem se destacado no cenário digital brasileiro por criar conteúdos que exploram narrativas contemporâneas com qualidade cinematográfica. Os episódios são lançados semanalmente, sempre às quintas-feiras às 20h, no canal oficial da produtora no YouTube, o que cria uma rotina de engajamento e expectativa entre os espectadores.

Essa periodicidade ajuda a construir uma comunidade de fãs que se conecta com a série não apenas pelo conteúdo, mas também por debates e interações nas redes sociais. A produtora estimula o diálogo aberto sobre os temas abordados, criando espaços para discussões sobre diversidade, empoderamento feminino e os bastidores da indústria musical.

Música que é protagonista: EP exclusivo da banda fictícia Moulin

A música tem papel fundamental em O Que Não Falamos, não só como elemento narrativo, mas também como produto cultural. A banda Moulin ganhou vida fora da tela com o lançamento de um EP exclusivo, contendo faixas autorais que refletem o universo das personagens e a atmosfera dos anos 2000.

Disponível nas principais plataformas digitais de áudio, o EP amplia a experiência dos fãs, que podem ouvir e se conectar com as músicas apresentadas na série. Essa integração entre audiovisual e música digital representa uma tendência crescente no mercado de entretenimento, que aposta em projetos multiplataformas para fortalecer a relação com o público.

Repercussão e expectativas para a continuação da série

Desde a estreia, O Que Não Falamos tem recebido críticas positivas pelo roteiro bem construído, atuações convincentes e produção cuidadosa. A websérie combina elementos de drama, mistério e música de forma harmoniosa, capturando a atenção de diferentes públicos, desde fãs de música pop até espectadores que buscam histórias humanas e representativas.

A presença de atrizes já reconhecidas pelo público, como Gabi Dallacosta e Leidy Elin, contribui para a visibilidade da série e amplia seu alcance. Além disso, a abordagem do romance entre Luciana e Fabiana tem sido muito elogiada por trazer um olhar sensível e realista sobre a comunidade LGBTQ+, tema ainda pouco explorado com profundidade em produções digitais brasileiras.

Os próximos episódios prometem aprofundar os conflitos, revelar segredos guardados há anos e mostrar a transformação das personagens à medida que confrontam seus passados e tentam reconstruir suas vidas pessoais e profissionais.

O impacto da websérie no cenário digital brasileiro

A chegada de O Que Não Falamos ao YouTube reforça o potencial das plataformas digitais como espaços para a criação e difusão de conteúdo audiovisual de qualidade. Com produção independente e distribuição direta ao público, a websérie demonstra que é possível aliar criatividade, relevância social e entretenimento em um formato acessível.

Além disso, o projeto reafirma a importância da representatividade e da diversidade nas narrativas brasileiras, trazendo para o centro da cena personagens complexas que fogem de estereótipos e dialogam com as múltiplas realidades do país.

O sucesso inicial da série também indica uma tendência de fortalecimento da cultura pop nacional no ambiente digital, que tem se tornado cada vez mais rico e plural, com projetos que valorizam a identidade brasileira e incentivam o diálogo sobre temas contemporâneos.

Onde assistir e o que esperar

Os episódios de O Que Não Falamos são disponibilizados toda quinta-feira, às 20h, no canal oficial da Bera Play no YouTube, onde o público pode acompanhar a trama desde o começo e interagir com a produtora e os fãs.

Além da trama envolvente e das músicas que embalam a história, a série convida o público a refletir sobre a importância de enfrentar o que não foi dito, seja na vida pessoal ou coletiva. É um convite para olhar para o passado com coragem, transformar dores em aprendizado e celebrar a força das mulheres que, juntas, desafiam o silêncio.

“A Voragem” | HBO Max mergulha na selva da alma humana em nova série colombiana

0
Foto: Reprodução/ Internet

Existe algo na selva que não pode ser explicado — só sentido. Um tipo de silêncio espesso, de verde que parece eterno, de calor que invade a alma. É nesse cenário ao mesmo tempo mágico e ameaçador que A Voragem, nova série da HBO Max, se desenrola. Mas engana-se quem acha que se trata apenas de mais uma aventura exótica. A série, inspirada na célebre obra do escritor colombiano José Eustasio Rivera, mergulha fundo nas contradições humanas e transforma um romance clássico de 1924 em uma experiência audiovisual intensa e atual.

Com uma primeira temporada de oito episódios — três já disponíveis na plataforma e os dois últimos programados para 7 de agosto —, A Voragem estreia com ambição e sensibilidade. Ao invés de apenas contar uma história, ela convida o espectador a atravessá-la, como quem caminha por dentro da mata fechada, tropeçando em emoções, conflitos e escolhas irreversíveis.

De Bogotá à floresta: uma fuga que vira provação

A série começa com um gesto de rebeldia. Arturo Cova, um poeta idealista interpretado com intensidade por Juan Pablo Urrego (Distrito Salvaje, El Patrón del Mal), foge da capital com Alicia (vivida pela expressiva Viviana Serna, de Narcos: México), uma jovem que se recusa a aceitar um casamento arranjado. A fuga romântica, impulsiva e cheia de promessas se transforma rapidamente numa viagem sem retorno.

Eles partem rumo aos llanos — as planícies colombianas — e depois penetram a selva amazônica, acreditando que encontrarão liberdade e paz longe da sociedade opressora. Mas o que os espera é uma realidade muito mais crua, onde a natureza, ao invés de acolher, engole. É nesse caminho que conhecem Clemente Silva, personagem vivido por Nelson Camayo, que dá voz e corpo a um homem forjado pelo sofrimento e pelas perdas que só a selva é capaz de impor.

Essa é, em essência, a espinha dorsal da trama: uma jornada em busca de um paraíso idealizado que, aos poucos, se revela um pesadelo profundo.

A selva não é só cenário. Ela é personagem.

Uma das maiores forças da série está em como ela retrata a floresta. Nada nela é pintado com cores de cartão-postal. O que vemos é uma natureza viva, imprevisível, e às vezes, francamente hostil. A selva aqui não é pano de fundo — ela reage, molda e transforma quem se atreve a atravessá-la. Ela é personagem central, silenciosa, mas presente o tempo inteiro.

A fotografia é um espetáculo à parte. Com planos que exploram a densidade das folhas, o vapor da terra molhada e a luz filtrada entre as copas, a série constrói uma atmosfera quase hipnótica. Os sons — de bichos, de água, de vento — são tão importantes quanto os diálogos. Tudo contribui para essa sensação de que estamos, junto com os personagens, sendo lentamente engolidos por algo maior do que nós.

O diretor Luis Alberto Restrepo, conhecido por trabalhos densos como La Ley del Corazón e Garzón, orquestra a narrativa com firmeza e sensibilidade. Ele não se apressa. Deixa que a selva dite o ritmo, que os silêncios falem tanto quanto as palavras.

Um clássico da literatura que ganha nova vida

Adaptar um livro como La Vorágine, com seu estilo rebuscado e seu caráter alegórico, não é tarefa fácil. José Eustasio Rivera escreveu a obra em tom de denúncia e poesia, combinando uma crítica feroz à exploração de trabalhadores na indústria do látex com uma profunda reflexão sobre a alma humana.

A série faz um trabalho cuidadoso ao respeitar esse espírito. Não se trata de uma transposição literal — e isso é uma virtude. A Voragem pega o núcleo emocional do livro e o transforma em drama visual. Os diálogos são mais acessíveis, os personagens têm mais nuances, e há um foco claro em tornar a história relevante para o público atual.

Ainda assim, há momentos em que o texto original ecoa. Frases que soam como poemas surgem em meio ao caos. E isso não acontece à toa. A produção teve consultoria literária e cuidou para que a adaptação não perdesse a alma da obra.

Amor, obsessão e liberdade

No centro da história está o casal Arturo e Alicia. Ele é apaixonado por liberdade, por ideias, por poesia — mas também por controle. Com o passar dos episódios, Arturo deixa de ser o herói romântico idealista e revela um lado possessivo, até mesmo violento. Já Alicia é a alma livre que paga um alto preço por não querer se submeter. O embate entre os dois é carregado de tensão emocional, e a atuação de Urrego e Serna sustenta cada reviravolta com autenticidade.

A presença de Clemente, por sua vez, funciona quase como um espelho do que Arturo pode se tornar. Ele é o retrato do homem que já enfrentou a floresta — e saiu quebrado, mas sobrevivente. Sua experiência traz densidade à narrativa e abre espaço para discussões sobre masculinidade, poder e redenção.

Tapete vermelho, emoção e resgate cultural

O lançamento da série foi celebrado com um evento especial em Bogotá, no último dia 24 de julho. O Teatro Colón recebeu elenco, equipe técnica, jornalistas e convidados especiais. Tapete vermelho, coquetel, discursos emocionados e muita expectativa marcaram a noite. Não era apenas uma estreia — era a chegada de um projeto que busca reconectar o público com um dos maiores símbolos da literatura colombiana.

A HBO Max apostou alto na produção, que também conta com produção executiva de Jorge López Abella, Rous Mary Muñoz e José Lombana. O plano de lançamento foi cuidadosamente pensado: os três primeiros episódios já estão disponíveis na plataforma; outros três estreiam na próxima semana; e os dois últimos serão lançados em 7 de agosto. A série também será exibida no canal TNT a partir de sábado, 26 de julho, sempre à meia-noite.

Uma série sobre o que nos move — e o que nos destrói

Assistir A Voragem é como entrar num terreno desconhecido. A cada episódio, o espectador é desafiado a abandonar certezas, a rever ideias sobre liberdade, civilização e amor. A narrativa não entrega respostas fáceis, mas provoca. Ao final, a pergunta que fica não é “o que aconteceu?”, mas sim “quem nos tornamos ao atravessar essa floresta?”.

A série fala sobre paixão, mas também sobre obsessão. Sobre fugir das amarras da sociedade, mas acabar prisioneiro dos próprios impulsos. E principalmente, sobre o que resta quando o mundo idealizado desmorona.

Para quem é essa série?

Essa não é uma série para quem procura ação frenética ou soluções rápidas. A Voragem exige tempo, atenção e entrega. É uma obra que conversa com quem gosta de literatura, de drama humano, de paisagens que falam e silêncios que gritam. Mas também é, curiosamente, uma porta de entrada para quem nunca leu Rivera. A série pode funcionar como convite à leitura do livro — ou até como substituto sensorial para quem prefere vivenciar histórias com os olhos e os ouvidos.

“Cais” cruza fronteiras e estreia nos EUA: documentário brasileiro ganha espaço no BlackStar Film Festival, na Filadélfia

0
Screenshot

O coração de uma filha enlutada encontra espaço para respirar entre as margens de dois rios, nos interiores da Bahia e do Maranhão. Foi assim, em um movimento delicado de escuta e travessia, que nasceu “Cais“, o filme de Safira Moreira que estreia no próximo dia 31 de julho nos Estados Unidos, integrando a programação do BlackStar Film Festival, na Filadélfia.

A sessão será realizada às 19h (horário local) no Suzanne Roberts Theatre, marcando a abertura da mostra de longas-metragens do festival, que se tornou referência global por celebrar criações audiovisuais de artistas negros e racializados. A exibição internacional consolida o impacto do longa, que já havia arrebatado três importantes prêmios no Olhar de Cinema – Festival Internacional de Curitiba: escolha do júri oficial, da crítica e do público.

Quando a ausência guia o caminho

O que impulsiona a diretora à frente da câmera não é a vontade de contar uma história linear. É o desejo, íntimo e silencioso, de compreender a ausência de sua mãe, Angélica, falecida dois meses antes do início das filmagens. Em vez de parar, Safira decidiu partir: cruzou o Rio Paraguaçu, na Bahia, e o Rio Alegre, no Maranhão, em uma busca não por respostas, mas por sinais, por memórias vivas nas pessoas, nos rostos, nas águas e nas paisagens que a cercavam.

Esse percurso revela um cinema sensível, onde o tempo não é cronológico, mas emocional. A diretora se permite sentir antes de narrar, captando com delicadeza os detalhes que a maioria não vê: o modo como alguém olha para o rio, o silêncio entre duas frases, a forma como uma lembrança escapa de quem tenta contê-la. Cais se constrói assim: na borda entre o visível e o que se carrega por dentro.

Uma escuta que transcende o individual

Ainda que parta de uma experiência íntima, o filme atinge algo coletivo. Safira Moreira convida o público a atravessar com ela esse processo, não com explicações, mas com presença. O impacto disso foi sentido com intensidade em Curitiba, onde o longa foi exibido pela primeira vez. Plateias emocionadas permaneceram em silêncio após os créditos finais — como se o filme pedisse um tempo para ser absorvido antes que qualquer palavra pudesse quebrar sua vibração.

E não é por acaso que Cais encontra acolhimento em um festival como o BlackStar. Criado em 2012, o evento se tornou símbolo de resistência e visibilidade para produções independentes criadas por cineastas negros e indígenas. A escolha de exibir o filme logo no primeiro dia do festival evidencia o reconhecimento internacional de uma narrativa que, mesmo profundamente enraizada no Brasil, ecoa além das fronteiras geográficas.

Uma rede por trás do filme

Por trás da potência emocional da obra, existe uma equipe alinhada com os mesmos valores de escuta, cuidado e representatividade. A produção executiva ficou a cargo de Flávia Santana, e o filme é fruto da colaboração entre a baiana Mulungu Realizações Culturais, a Omnirá Filmes e a Giro Planejamento Cultural.

A Mulungu, com sede em Salvador, tem desempenhado um papel fundamental no fortalecimento do audiovisual protagonizado por mulheres, pessoas negras e LGBTQIA+. Seu portfólio reúne títulos como “Como Nasce um Rio”, “Menarca”, “Receba!” e a produção internacional “Mulheres Negras em Rotas de Liberdade”, que reúne nomes como Sueli Carneiro, Conceição Evaristo, Luedji Luna, Erica Malunguinho, Mirtes Renata e Carla Akotirene.

A realização do projeto também foi possível graças a incentivos de destaque no cenário nacional e internacional, como o Rumos Itaú Cultural, o Fundo Avon Mulheres no Audiovisual (FAMA) e o prestigiado Sundance Documentary Fund, que reconheceu o valor e a originalidade da obra ainda em fase de desenvolvimento.

Safira Moreira e a construção de um cinema com alma

O trabalho de Safira já havia chamado atenção em “Travessia”, curta-metragem de 2017 no qual ela refletia sobre a ausência de fotografias de famílias negras em acervos públicos e privados no Brasil. Em seus filmes, a diretora parece sempre propor a mesma pergunta: o que acontece com a memória quando ela não pode ser vista?

Com Cais, essa questão se transforma. Agora, a memória não precisa ser visual para existir — ela pulsa nas águas, nos gestos herdados, nos rostos que lembram outros rostos. A câmera de Safira não busca o espetáculo. Ela prefere o murmúrio, o sopro, o resíduo que fica depois que o momento já passou.

Seu cinema é o da escuta e da espera. E isso, em tempos acelerados, se torna revolucionário.

O que o público leva consigo

Não é exagero dizer que muitos espectadores deixam a sala de exibição diferentes de como entraram. O filme não oferece uma catarse imediata, mas convida à introspecção. Há quem lembre da própria mãe, da avó, da infância. Há quem se reconheça no silêncio da diretora, na fluidez dos rios, na tentativa de reorganizar o mundo interno depois de uma perda.

Ao fim, Cais entrega muito mais do que uma narrativa: entrega uma experiência sensorial. Seu maior valor talvez esteja em tudo que não é dito. No tempo que se leva para compreender o que foi sentido. E nos ecos que o filme deixa mesmo depois de encerrada a sessão.

Um porto seguro para histórias que resistem

A estreia em solo americano marca não apenas a conquista de um espaço no circuito internacional, mas também a confirmação de que o cinema brasileiro tem, sim, histórias urgentes a serem ouvidas — especialmente quando contadas por mulheres negras, com autonomia estética, política e emocional.

Safira Moreira representa essa geração que filma a partir do próprio corpo, da própria história, da própria escuta. E o filme que ela oferece ao mundo agora atravessa o oceano não como produto, mas como ritual. Um gesto íntimo que encontra abrigo no outro. Um barco que carrega saudade, mas também possibilidade de reencontro.

Assista a uma cena exclusiva de Rosario, novo terror sombrio com estreia marcada para 28 de agosto nos cinemas

0

O silêncio de um apartamento antigo guarda histórias que não foram contadas. É entre paredes manchadas pelo tempo, fotografias esquecidas e símbolos religiosos inquietantes que se desenrola a trama de Rosario, novo longa de terror dirigido pelo colombiano Felipe Vargas, que chega aos cinemas brasileiros no dia 28 de agosto, com distribuição da Imagem Filmes.

O filme acaba de ganhar uma cena exclusiva, que você pode ver logo abaixo, que mostra a protagonista em um dos primeiros momentos de tensão dentro do apartamento da avó. A sequência, marcada por sons abafados, ausência de trilha sonora convencional e a presença sutil de movimentos estranhos ao fundo do quadro, antecipa o que Rosario pretende construir: uma narrativa de horror calcada no desconforto, na herança espiritual e nos vínculos familiares.

Uma trama construída a partir da ausência

A protagonista é Rosario Fuentes, interpretada por Emeraude Toubia, conhecida por papéis em Shadowhunters e With Love. Rosario é uma executiva do mercado financeiro, racional, objetiva e afastada de suas origens. Quando sua avó, Griselda, morre de forma repentina, Rosario retorna a Nova York para resolver assuntos pendentes. A visita, inicialmente prática e breve, ganha outras proporções ao descobrir que o apartamento da avó esconde uma câmara secreta, repleta de símbolos religiosos, artefatos de rituais e uma coleção de registros que apontam para práticas espirituais não convencionais.

Ao explorar esse espaço, Rosario se vê confrontada por uma memória familiar que havia escolhido ignorar. Os ruídos nas paredes, os sonhos recorrentes e a sensação de estar sendo observada constroem, aos poucos, um estado de instabilidade emocional. Não se trata apenas de um confronto com o sobrenatural, mas com a própria identidade.

O olhar de uma protagonista entre dois mundos

A atuação de Emeraude se destaca pela contenção. Sua personagem está constantemente em tensão entre o mundo que construiu — estruturado, pragmático, financeiro — e aquele que insiste em retornar, onde símbolos religiosos, fé popular e luto se entrelaçam. Toubia, de origem mexicana e libanesa, entrega uma performance que valoriza nuances. Não há excessos, nem reações caricatas ao medo. Há inquietação. Há hesitação.

Rosario é, em muitos aspectos, a representação de um dilema contemporâneo vivido por diversas mulheres latinas que ascenderam profissionalmente em contextos globalizados, mas que ainda carregam vínculos profundos com práticas espirituais, familiares e culturais muitas vezes vistas como arcaicas. Essa dualidade é o cerne do longa.

Uma direção voltada ao horror atmosférico

O longa-metragem marca a estreia de Felipe Vargas em longas-metragens. O diretor, que ganhou notoriedade por seu curta Milk Teeth, premiado em festivais de cinema de gênero, aposta aqui em uma abordagem que valoriza a atmosfera e o desconforto psicológico, em vez de sustos fáceis ou violência explícita.

Em entrevista recente à revista Latinx Creators, Vargas explicou sua intenção de “colocar o espectador dentro da mente da protagonista, onde o medo não é um monstro externo, mas o eco de algo que foi reprimido por muito tempo”. O uso de câmera estática, a presença de sombras em planos abertos e o som diegético são algumas das escolhas que evidenciam esse olhar mais introspectivo.

A fotografia de Nico Aguilar, colaborador frequente de Vargas, constrói uma Nova York envelhecida, quase esquecida, onde o apartamento da avó funciona como um espaço de memória e transição. Nada é gratuito: os objetos de cena, os ícones religiosos, as rachaduras nas paredes — tudo aponta para um passado que permanece ativo.

Um terror com raízes espirituais e culturais

O diferencial do filme está na forma como trabalha a espiritualidade. Os rituais mencionados no filme não são caricaturas, nem inventados para a trama. Eles fazem parte de um universo religioso latino-americano real, muitas vezes sincrético, onde o catolicismo popular se mistura a práticas afroindígenas, rezas herdadas e cultos domésticos. Vargas evita o sensacionalismo e trata esses elementos com respeito, como parte de um patrimônio afetivo.

Esse aspecto torna o filme especialmente significativo. Em vez de usar o oculto como fetiche, Rosario insere o sobrenatural como parte natural da narrativa. Os símbolos religiosos não são apenas ameaçadores — são também pontes para reconciliação, para compreensão e, em última instância, para libertação.

Spin-off do best-seller “Caos Total” estreia no Brasil com o irreverente Gato-Endiabrado

0
Foto: Reprodução/ Internet

A VR Editora acaba de lançar no Brasil As aventuras do Gato-Endiabrado, spin-off da popular série infantil Caos Total, que conquistou uma legião de jovens leitores com sua mistura de humor, ação e personagens inesquecíveis. Escrito e ilustrado pelo autor sul-africano Ralph Lazar, o novo título traz para o centro da narrativa um felino nada convencional — com duas caudas, pouco autocontrole e um talento meio duvidoso para o crime — que promete arrancar gargalhadas e confundir seus adversários com planos mirabolantes e situações totalmente imprevisíveis.

O Gato-Endiabrado se autodenomina o maior vilão do mundo, mas quem acompanha suas peripécias sabe que o máximo que ele consegue é ser um anti-herói atrapalhado. Entre cochilos estratégicos e uma dieta nada convencional à base de sorvete de sardinha, o felino tem uma rotina agitada: rouba, cria invenções que quase sempre saem do controle e participa de competições nada comuns — como a Batalha das Melancias — contra seu arqui-inimigo, o engenhoso e sempre astuto Cara-de-Coelho.

A publicação traz duas histórias principais que misturam ação, confusão e um humor afiado. Na primeira, intitulada O pato sumido, o Gato-Endiabrado planeja o roubo da obra de arte mais famosa do mundo, O Azul de Patileno. Tudo parecia sob controle, até que o infame Cara-de-Coelho, junto com os irmãos Charcocovilquistão, também decidem meter as mãos no quadro roubado, deixando o felino numa enrascada. No meio dessa confusão toda, o excêntrico curador da Pinacoteca Nacional, acompanhado de suas três baratas de estimação, aparece para tentar recuperar a preciosidade perdida — em uma aventura recheada de reviravoltas e personagens inusitados.

Já na segunda história, o humor e a competição são levados a outro nível na disputa da Batalha das Melancias. O prêmio? Suprimento vitalício de suco grátis — algo que nenhum dos competidores quer perder. Diante do desafio, o Gato-Endiabrado aposta em uma poção mágica para fazer sua melancia crescer rapidamente, enquanto Cara-de-Coelho responde com uma melancia mecânica cheia de truques. A rivalidade entre eles escala até um ponto explosivo — literalmente —, com um final surpreendente que vai prender a atenção dos pequenos do começo ao fim.

O charme do livro está nas ilustrações divertidas e nos diálogos cheios de sarcasmo e irreverência, que fazem de As aventuras do Gato-Endiabrado uma leitura leve, engraçada e perfeita para crianças que adoram anti-heróis atrapalhados, mas com corações grandes e que sempre acabam conquistando a torcida.

Para quem ainda não conhece, este spin-off pode ser lido de forma independente, sem necessidade de ter lido os títulos anteriores de Caos Total. É uma porta de entrada ideal para jovens leitores que querem mergulhar no universo caótico e cômico criado por Ralph Lazar — um mundo onde a diversão está garantida, os planos saem pela culatra e a aventura está sempre à espreita.

Saiba qual filme é exibido na Tela de Sucessos desta sexta (08/08)

0
Foto: Reprodução/ Internet

Na próxima sexta-feira, 8 de agosto de 2025, o SBT resgata da memória – e do limbo cinematográfico – um dos filmes mais controversos dos anos 2000: O Filho do Máskara (2005). Com direção de Lawrence Guterman e estrelado por Jamie Kennedy, o longa será exibido na Tela de Sucessos, faixa tradicional da emissora dedicada a filmes de apelo popular. A escolha, no mínimo curiosa, reacende debates sobre o peso das sequências no cinema, o culto às franquias e o que acontece quando uma continuação falha em capturar a essência do original.

O que parecia ser uma tentativa de reviver o sucesso estrondoso de O Máskara (1994), estrelado por Jim Carrey, acabou se tornando uma aula prática de como não fazer uma sequência. Mas, apesar das críticas devastadoras e da bilheteria decepcionante, o filme conquistou certa notoriedade — ainda que como símbolo do que deu errado — e é exatamente por isso que sua exibição hoje merece ser revista sob uma nova lente.

Lançado em 1994, O Máskara não foi apenas um sucesso comercial: foi um fenômeno cultural. Estrelado por um Jim Carrey em plena ascensão e com efeitos visuais inovadores para a época, o filme transformou um personagem de quadrinhos underground da Dark Horse Comics em um ícone do cinema pop. Combinando humor anárquico, energia cartunesca e um toque de irreverência, o longa original arrecadou mais de US$ 350 milhões e foi indicado ao Oscar de melhores efeitos visuais. Para muitos fãs, era impensável uma continuação sem o carisma de Carrey ou a direção afiada de Chuck Russell.

E, no entanto, foi exatamente isso que aconteceu.

O que é O Filho do Máskara?

Segundo a sinopse do AdoroCinema, o longa-metragem surge mais de uma década depois do original, com uma proposta radicalmente diferente: transformar a mitologia caótica e adulta do primeiro filme em uma comédia familiar sobre paternidade e responsabilidade. Jamie Kennedy interpreta Tim Avery, um cartunista inseguro e relutante em ser pai, que se vê em apuros quando seu cachorro encontra a máscara de Loki — o objeto mágico que dá a quem a usa poderes ilimitados e absurdos. Após usá-la em uma festa de Halloween, Tim engravida sua esposa ainda com a máscara no rosto, gerando um bebê sobrenatural com os mesmos poderes. A partir daí, o que se segue é uma batalha insana entre o pai, o bebê e o próprio Loki, interpretado por Alan Cumming, em busca do artefato mágico.

O tom do filme é completamente diferente do original. Onde antes havia humor sombrio e crítica social, agora há cores vibrantes, piadas infantis e referências exageradas a desenhos animados. A tentativa de dialogar com o público infantil e ao mesmo tempo manter a mitologia dos quadrinhos resultou em um Frankenstein cinematográfico que não agrada nem crianças, nem adultos, nem fãs do original.

Um fracasso anunciado

Com um orçamento estimado entre US$ 84 e US$ 100 milhões, O Filho do Máskara arrecadou apenas US$ 57,6 milhões mundialmente — um desastre financeiro. Mas o fracasso nas bilheteiras foi apenas a ponta do iceberg: a recepção crítica foi implacável. O filme recebeu oito indicações ao Framboesa de Ouro, vencendo na categoria “Pior Remake ou Sequência”. Jamie Kennedy e Traylor Howard também foram alvos das premiações negativas, como o Stinkers Bad Movie Awards.

Sites especializados o colocaram frequentemente entre as piores continuações de todos os tempos. No Rotten Tomatoes, mantém uma nota crítica de apenas 6%, com consenso afirmando que o filme é “barulhento, visualmente saturado e sem graça”. No IMDb, a nota 2.2 reflete o desprezo dos espectadores.

A ausência de Jim Carrey e o que poderia ter sido

A sequência foi sonhada desde o sucesso do primeiro filme. A revista Nintendo Power, inclusive, chegou a lançar um concurso nos anos 90 cujo vencedor ganharia um papel em “The Mask II”, estrelado por Carrey. Porém, o ator recusou um cachê de US$ 10 milhões para retornar ao papel, alegando que refazer personagens já interpretados oferecia pouco desafio artístico — uma filosofia que Carrey manteve por anos, com raras exceções.

Sem sua estrela principal, a New Line Cinema decidiu reinventar a franquia. Sai a sátira adulta, entra a comédia familiar. Sai Stanley Ipkiss, entra Tim Avery — nome que, aliás, homenageia o lendário cartunista Tex Avery. A conexão com o universo animado, aliás, é uma das poucas tentativas genuínas de encontrar um novo caminho para a franquia, embora falhe por falta de sutileza.

Um filme que virou cult (por acidente)

Curiosamente, O Filho do Máskara encontrou nos últimos anos um público alternativo. Entre canais de YouTube que analisam “filmes ruins que merecem uma segunda chance”, cinéfilos fascinados por desastres de produção e crianças que o assistiram despretensiosamente em sessões da tarde, o longa adquiriu um status de so bad it’s good (tão ruim que é bom). Não por méritos técnicos ou artísticos, mas justamente por seu absurdo. O bebê de olhos brilhantes, o cachorro que põe a máscara e o Loki carnavalesco de Alan Cumming renderam incontáveis memes, edições cômicas e paródias online.

Se o objetivo do filme era entreter famílias em uma tarde chuvosa, talvez ele tenha alcançado esse pequeno êxito. Mas, como continuação de um clássico dos anos 90, o resultado é desastroso.

A crítica social involuntária

Curiosamente, ao tratar de forma desajeitada o tema da paternidade, o filme acaba levantando questões que vão além do roteiro bizarro. Tim Avery representa o homem moderno às voltas com as expectativas profissionais e familiares. Um pai que se vê impotente diante da hiperatividade de um filho que ele mal entende. A luta entre o cachorro e o bebê — ambos afetados pela máscara — vira metáfora de ciúmes e disputas de atenção, refletindo um lar caótico e desestruturado. Loki, o deus ausente em busca de aprovação paterna, espelha o próprio Tim. E Odin, em seu papel de patriarca rígido, sintetiza a pressão das gerações passadas sobre a parentalidade contemporânea.

Claro, tudo isso é enterrado sob camadas de computação gráfica datada e um humor duvidoso. Mas não deixa de ser curioso como, em meio ao desastre, o filme toca — ainda que superficialmente — em temas relevantes.

Vale a pena assistir?

Se você espera um filme com a mesma inventividade do original, prepare-se para se decepcionar. Mas se encarar O Filho do Máskara como uma obra avulsa, quase paródica de si mesma, pode encontrar momentos de diversão, ainda que involuntária. As animações exageradas, os efeitos caricatos e a narrativa nonsense são dignas de uma madrugada de risadas despreocupadas — ou de um jogo de bebida para cada vez que o bebê usa seus poderes de forma caótica.

No fim, o filme não oferece respostas, redenções nem grandes reviravoltas. É uma colcha de retalhos de ideias que tentam resgatar um espírito anárquico sem o mesmo talento. Ainda assim, permanece como um curioso retrato de uma época em que Hollywood acreditava que bastava colocar uma marca conhecida no título para atrair público — e que sequências podiam viver apenas da fama do original.

almanaque recomenda