A espera vai ser longa! Próximos filmes de Demon Slayer podem chegar só em 2027 e 2029

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Quem acompanha Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba já está acostumado a fortes emoções, batalhas intensas e despedidas difíceis. Mas, desta vez, o desafio dos fãs não será enfrentar demônios e sim… a paciência. Segundo informações divulgadas pelo jornal britânico The Guardian, os próximos filmes do arco Castelo Infinito podem demorar bastante para chegar aos cinemas. A previsão é que a Parte 2 estreie apenas em 2027 e a Parte 3 fique para 2029.

Por enquanto, é importante deixar claro: nenhuma dessas datas foi confirmada oficialmente pela Sony ou pelo estúdio Ufotable. Ou seja, tratam-se de rumores. Ainda assim, a notícia foi suficiente para movimentar as redes sociais e dividir opiniões entre os admiradores da franquia. Enquanto alguns lamentam a longa espera, outros defendem que qualidade leva tempo — especialmente quando falamos de Demon Slayer.

Um sucesso que aumenta as expectativas

O primeiro filme de Kimetsu no Yaiba – Castelo Infinito estreou recentemente e provou que a franquia continua mais forte do que nunca. Lançado no Japão em 18 de julho de 2025, pelas distribuidoras Aniplex e Toho, o longa foi um verdadeiro sucesso de público e crítica. As salas de cinema lotaram, os números de bilheteria impressionaram e os elogios se multiplicaram, principalmente pela qualidade da animação e pelo peso emocional da história.

Esse novo capítulo marca a quarta adaptação cinematográfica da franquia, que já havia passado pelos filmes Mugen Train (2020), To the Swordsmith Village (2023) e Hashira Training (2024). No entanto, existe uma diferença importante: ao contrário dos dois últimos, que funcionam como compilações de episódios da série, Castelo Infinito é um longa-metragem pensado desde o início para o cinema.

A escolha não foi por acaso. O arco Infinity Castle, no mangá de Koyoharu Gotouge, é um dos mais intensos de toda a obra. Ele concentra confrontos decisivos, grandes revelações e momentos que mudam para sempre o destino dos personagens. Adaptar tudo isso em formato de filme permite explorar melhor o drama, o ritmo e o impacto emocional da história.

Por que a espera pode ser tão grande?

A possibilidade de esperar até 2029 pelo desfecho da trilogia assusta, mas também faz sentido quando analisamos o histórico do estúdio Ufotable. Conhecido por sua obsessão por detalhes, o estúdio construiu sua reputação entregando algumas das animações mais impressionantes da indústria japonesa, com cenas de ação fluidas, efeitos visuais sofisticados e trilhas sonoras que elevam cada batalha.

Esse padrão de excelência exige tempo. Não se trata apenas de animar lutas bonitas, mas de transformar cada confronto em um momento marcante, que fique gravado na memória do público. Mugen Train é um exemplo claro disso: o filme levou o anime a um novo patamar e se tornou um fenômeno mundial, quebrando recordes e conquistando até quem não acompanhava a série regularmente.

Além disso, o arco Castelo Infinito representa o início do fim da história. É o momento em que todas as linhas narrativas se encontram e em que não há mais espaço para erros. Dividir esse arco em três filmes dá à equipe criativa a chance de trabalhar cada batalha com o cuidado necessário, respeitando o material original e o apego emocional dos fãs aos personagens.

O começo do confronto final

Na história, acompanhamos Tanjiro Kamado, um jovem comum que teve sua vida transformada após sua família ser brutalmente assassinada por demônios. Sua irmã mais nova, Nezuko, sobrevive, mas acaba se tornando uma deles. É esse acontecimento que leva Tanjiro a se juntar ao Esquadrão de Exterminadores de Demônios, decidido a proteger inocentes e encontrar uma cura para a irmã.

No arco Castelo Infinito, o clima é de tensão máxima. Enquanto os membros do Esquadrão e os Hashira passam pelo intenso Treinamento dos Hashira, se preparando para a batalha final, Muzan Kibutsuji faz seu movimento mais ousado: ele aparece na Mansão Ubuyashiki, o quartel-general da corporação.

O ataque muda tudo. Em questão de instantes, Tanjiro e os Hashira são lançados em um espaço misterioso e aterrador — o Infinity Castle, o reduto dos demônios. Esse local não segue regras normais: ele se transforma, se move e parece vivo. É ali que o confronto final começa, colocando frente a frente os exterminadores e as forças demoníacas em batalhas que prometem ser brutais e emocionantes.

Cinema 26 desta sexta (2) traz Red: Crescer é Uma Fera, animação divertida da Pixar

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Nesta sexta-feira, 2 de janeiro, a TV Globo leva ao ar no Cinema 26 o filme Red: Crescer É Uma Fera, animação da Pixar que conquistou o público ao falar de um tema universal de forma leve, divertida e profundamente honesta: crescer nem sempre é simples. Lançado originalmente em 2022, o longa se tornou um dos títulos mais comentados do estúdio justamente por transformar as inseguranças da adolescência em uma metáfora visual criativa e cheia de personalidade.

A história acompanha Meilin Lee, ou apenas Mei, uma garota sino-canadense de 13 anos que vive no início dos anos 2000. Boa aluna, dedicada à família e sempre preocupada em agradar a mãe, Mei vê sua rotina virar de cabeça para baixo quando passa a enfrentar as transformações típicas da adolescência. Entre novas amizades, paixões inesperadas e o desejo de ser aceita, ela descobre que não é mais tão fácil manter tudo sob controle. Como se isso não bastasse, toda vez que fica muito nervosa, animada ou estressada, Mei literalmente se transforma em um enorme panda-vermelho.

A ideia absurda e ao mesmo tempo genial serve como metáfora para as mudanças físicas e emocionais da puberdade. O panda não é apenas uma criatura fofa e caótica, mas a representação de sentimentos que a personagem ainda não sabe lidar: raiva, vergonha, empolgação e vontade de se afirmar no mundo. O filme trata essas emoções com humor, sensibilidade e empatia, sem subestimar o público mais jovem nem afastar os adultos que se reconhecem nas situações vividas pela protagonista.

A relação entre Mei e sua mãe, Ming, é um dos pontos centrais da narrativa. Superprotetora e exigente, Ming acredita estar fazendo o melhor para a filha, mas acaba criando uma pressão constante. Esse conflito geracional é retratado de forma muito real, especialmente em famílias que carregam tradições culturais fortes. O longa não busca vilões ou culpados, mas mostra como amor e cobrança podem caminhar juntos e, muitas vezes, se confundir.

Dirigido por Domee Shi, em sua estreia em longas-metragens, Red: Crescer É Uma Fera também marcou um momento histórico para a Pixar. Shi se tornou a primeira mulher a dirigir sozinha um filme do estúdio, liderando também a primeira equipe criativa majoritariamente feminina da empresa. A diretora já havia chamado atenção anteriormente com o curta Bao, vencedor do Oscar, e trouxe para este projeto muitas experiências pessoais, o que ajuda a explicar o tom íntimo e verdadeiro da história.

A própria Domee Shi revelou que a ideia do filme nasceu de memórias da sua adolescência, descrevendo essa fase da vida como um período em que todos se sentem “uma fera hormonal selvagem e peluda”. Essa honestidade é o que dá força ao filme. Ao invés de suavizar demais as emoções, a animação abraça o exagero, algo que combina perfeitamente com o estilo da Pixar e com o olhar adolescente sobre o mundo.

Visualmente, o filme aposta em traços mais cartunizados, expressões exageradas e cores vibrantes, fugindo um pouco do realismo tradicional do estúdio. A escolha reforça o tom emocional da narrativa e aproxima o público da visão interna de Mei, onde tudo parece intenso, urgente e grandioso. A ambientação nos anos 2000 também adiciona um charme especial, com referências à cultura pop da época, boy bands fictícias e hábitos que despertam nostalgia em quem cresceu naquele período.

No elenco de vozes original, Rosalie Chiang dá vida a Meilin Lee, enquanto Sandra Oh interpreta Ming, entregando uma performance marcante e cheia de nuances. Ava Morse, entre outros nomes, completa o elenco principal. A produção é assinada pela Pixar Animation Studios em parceria com a Walt Disney Pictures, com distribuição da Walt Disney Studios Motion Pictures.

Apesar de ter dividido opiniões na época do lançamento, especialmente entre públicos mais conservadores, Red: Crescer É Uma Fera encontrou seu espaço e se consolidou como uma das animações mais autorais da Pixar. O filme fala diretamente sobre identidade, aceitação e o medo de decepcionar quem amamos, temas que atravessam gerações e culturas.

Streams de Prince disparam no Spotify após final de Stranger Things e provam o poder duradouro da música dos anos 80

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Foto: Reprodução/ Internet

O fim de Stranger Things não marcou apenas o encerramento de uma das séries mais influentes da era do streaming, mas também provocou um impacto imediato no consumo musical ao redor do mundo. Exibido na véspera de Ano Novo, em 31 de dezembro de 2025, o episódio final da produção da Netflix emocionou fãs e reforçou a forte ligação da série com a cultura pop dos anos 1980, especialmente por meio de sua trilha sonora cuidadosamente escolhida.

Entre os destaques musicais do último episódio, duas canções icônicas de Prince ganharam protagonismo: “When Doves Cry” e “Purple Rain”, ambas lançadas em 1984. As músicas embalaram a cena final da série e ajudaram a construir o clima de despedida, melancolia e reflexão que marcou o encerramento da história ambientada em Hawkins. A escolha do artista não foi casual, já que Prince é um dos maiores símbolos musicais da década que inspira toda a estética de Stranger Things.

O impacto dessa escolha foi rapidamente percebido no Spotify. De acordo com dados da plataforma, já no dia seguinte à estreia do episódio final, os streams das músicas de Prince registraram um crescimento expressivo em escala global. “Purple Rain” teve um aumento de 577% nos streams da Geração Z e de 243% no total global, enquanto “When Doves Cry” cresceu 128% entre ouvintes mais jovens e 200% no volume total de reproduções.

O fenômeno não se limitou às faixas utilizadas na série. Todo o catálogo de Prince também apresentou alta significativa, com crescimento de 88% nos streams globais da Geração Z e 190% no total geral. Os números consideram a comparação entre o dia da estreia do episódio final, em 31 de dezembro de 2025, e o dia 1º de janeiro de 2026, evidenciando o efeito quase imediato da exibição.

Esse movimento reforça o papel de Stranger Things como uma poderosa ponte entre gerações. Ao longo de suas cinco temporadas, a série se destacou por resgatar músicas clássicas dos anos 80 e apresentá-las a um público jovem, muitas vezes transformando canções esquecidas ou restritas a nichos em sucessos contemporâneos. O caso de Prince se soma a outros exemplos emblemáticos, como o retorno de Kate Bush às paradas globais na quarta temporada.

Criada pelos irmãos Matt e Ross Duffer, a série estreou em 2016 e se consolidou como um fenômeno cultural ao misturar ficção científica, terror e drama adolescente, sempre permeados por referências diretas ao cinema, à música e à cultura pop da década de 1980. A série acompanhou o crescimento de seus personagens — e de seu público — ao longo de quase dez anos.

Ao encerrar sua trajetória ao som de Prince, Stranger Things reafirma que seu legado vai além da narrativa televisiva. A série termina, mas continua ecoando na música, na memória afetiva dos fãs e nas playlists de uma nova geração, provando que grandes histórias — assim como grandes canções — nunca desaparecem por completo.

Pirataria ameaça o futuro dos animes e gera prejuízo bilionário ao Japão em meio à expansão global do entretenimento

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A pirataria de animes deixou de ser um problema restrito a fãs consumindo conteúdo ilegal para se tornar uma questão estratégica e econômica de grande escala para o Japão. Segundo um relatório do Ministério da Economia, Comércio e Indústria do país, as perdas causadas pela distribuição não autorizada de animes, mangás e produtos relacionados já alcançaram a marca de R$ 200 bilhões. O valor expressivo acende um alerta sobre os impactos reais dessa prática em uma das indústrias culturais mais importantes do planeta.

Os animes representam muito mais do que séries animadas de sucesso. Eles fazem parte de um ecossistema criativo que envolve editoras, estúdios de animação, emissoras, plataformas de streaming, dubladores, músicos, ilustradores, desenvolvedores de jogos, fabricantes de produtos licenciados e eventos internacionais. Quando um conteúdo é pirateado, todo esse sistema sofre. O dinheiro que deveria retornar para financiar novas produções, melhorar condições de trabalho e impulsionar a inovação simplesmente desaparece.

Apesar de seu alcance global, a indústria de animes ainda enfrenta desafios estruturais. Muitos estúdios operam com orçamentos limitados e dependem diretamente do desempenho comercial de suas obras. A pirataria interfere nesse equilíbrio ao reduzir receitas de licenciamento, vendas de mídia física e assinaturas de serviços oficiais. Na prática, isso significa menos investimentos em novas histórias, cancelamentos prematuros e, em alguns casos, o fechamento de empresas que não conseguem absorver os prejuízos.

O crescimento internacional dos animes, embora positivo, também contribuiu para o agravamento do problema. Com o avanço da internet e das redes sociais, episódios e capítulos de mangá circulam ilegalmente poucas horas após o lançamento oficial no Japão. Em diversos países, o acesso legal ainda é limitado, atrasado ou considerado caro pelo público, o que acaba incentivando o consumo por meios não oficiais. Esse cenário cria um paradoxo: quanto mais popular o anime se torna no mundo, maior é a exposição à pirataria.

Ciente desse potencial, o governo japonês anunciou em novembro de 2025 uma estratégia ambiciosa para ampliar a presença do entretenimento nacional no mercado internacional. A meta é expandir o setor para cerca de R$ 680 bilhões, fortalecendo animes, mangás, games e outras propriedades intelectuais como pilares da economia criativa japonesa. O plano envolve parcerias globais, incentivo à exportação cultural e maior integração com plataformas digitais estrangeiras. No entanto, a pirataria surge como um dos principais obstáculos para que esse crescimento seja sustentável.

Outro fator que preocupa as autoridades é o avanço da tecnologia, especialmente da inteligência artificial generativa. Ferramentas capazes de criar imagens, vídeos e vozes inspiradas em personagens famosos levantam debates complexos sobre direitos autorais. Em muitos casos, conteúdos gerados por IA utilizam estilos visuais e narrativos extremamente semelhantes aos originais, confundindo o público e dificultando a identificação do que é oficial. Essa nova fronteira tecnológica amplia os desafios legais e exige atualizações constantes nas políticas de proteção intelectual.

Além do ambiente digital, o comércio de produtos falsificados também contribui para os prejuízos bilionários. Bonecos, roupas, acessórios e itens colecionáveis com personagens populares são vendidos sem autorização, principalmente fora do Japão. Esses produtos competem diretamente com os licenciados, prejudicando marcas oficiais e enfraquecendo a cadeia de valor que sustenta a indústria. Para muitos criadores, essa é uma das faces mais visíveis e frustrantes da pirataria.

Diante desse cenário, o Ministério da Economia, Comércio e Indústria informou que irá intensificar a cooperação com autoridades locais e internacionais. O objetivo é reforçar sistemas de monitoramento, acelerar a remoção de conteúdos ilegais e ampliar medidas de combate à violação de direitos autorais. A estratégia inclui ações jurídicas mais rigorosas, acordos com plataformas digitais e investimentos em tecnologia capaz de rastrear usos indevidos de obras protegidas.

Ainda assim, especialistas apontam que nenhuma medida será totalmente eficaz sem a participação do público. O consumo consciente é parte essencial dessa equação. Cada acesso a um site pirata representa menos recursos para a produção de novos animes, menos estabilidade para os profissionais do setor e mais dificuldades para que obras autorais sobrevivam em um mercado competitivo. Apoiar lançamentos oficiais, utilizar plataformas legais e valorizar produtos licenciados são atitudes que ajudam a manter viva a indústria que conquistou fãs ao redor do mundo.

Resenha – O Alquimista de Bastos é uma fantasia histórica inquietante

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O Alquimista de Bastos nasce de uma pergunta simples e irresistível: e se a alquimia tivesse dado certo? A partir dessa ideia, o livro constrói uma França alternativa do século XVIII que intriga desde o primeiro momento. Aqui, o paganismo deixa de ser perseguido e passa a ocupar o centro das políticas do Estado, enquanto a alquimia abandona o campo da crença para se firmar como ciência reconhecida. Esse cenário reinventado não serve apenas como pano de fundo, mas molda toda a narrativa, criando uma atmosfera densa, carregada de tensão política e dilemas morais constantes.

É nesse contexto que conhecemos Damian Willard, um britânico que chega a Paris fingindo ser apenas mais um estudante. Por trás da fachada acadêmica, porém, ele esconde sua verdadeira missão: investigar o desaparecimento de jovens ligados a um curso de esoterismo. Damian é um protagonista profundamente humano. Jornalista, racional e cético, ele se vê cercado por um universo onde fé, símbolos e poder se misturam de forma sedutora e perigosa. Esse conflito interno — entre aquilo em que acredita e aquilo que começa a presenciar — sustenta boa parte da força emocional da história.

Ainda assim, é impossível falar do livro sem destacar Simon Durant. Misterioso, magnético e inquietante, ele rouba a atenção sempre que surge. Simon não é apenas um mestre em alquimia; ele encarna a promessa do conhecimento absoluto, do poder que transcende limites humanos. Sua presença provoca fascínio e desconforto na mesma medida. A relação que se forma entre ele e Damian é construída com cuidado, explorando nuances psicológicas, jogos de influência e uma tensão constante que faz o leitor questionar intenções e verdades a todo momento.

O suspense da obra não depende de grandes reviravoltas ou choques repentinos. Ele cresce de forma silenciosa, quase sufocante. Os desaparecimentos funcionam mais como um alerta do que como o foco central da trama. O verdadeiro perigo está nas escolhas feitas ao longo do caminho, na facilidade com que convicções podem se quebrar e no preço cobrado por se aproximar demais de conhecimentos que talvez nunca devessem ser alcançados. Aqui, a alquimia deixa de ser apenas a busca pelo ouro e se transforma em metáfora para mudança, corrupção e perda de si mesmo.

A escrita acompanha esse tom com elegância e cuidado. As descrições da Paris alquímica, do ambiente universitário e dos rituais são ricas e imersivas, convidando o leitor a caminhar por esse mundo com atenção. O ritmo é mais contemplativo, o que favorece a atmosfera, mas exige entrega. O Alquimista de Bastos não é um livro para ser devorado com pressa, e sim absorvido aos poucos, como um experimento perigoso que precisa ser observado com cautela.

Crítica – Angelina Jolie brilha em Maria Callas, mas o filme não alcança sua grandeza

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A atuação de Angelina Jolie como Maria Callas é um verdadeiro espetáculo de interpretação. Jolie traz à vida a célebre diva operística com uma presença arrebatadora, unindo graça, intensidade e uma profundidade emocional que transcende as limitações do roteiro. Sua performance não apenas captura a essência de Callas, mas a transforma no eixo magnético do filme, reafirmando sua posição como uma das maiores atrizes de sua geração.

No entanto, o brilho de Jolie não consegue iluminar completamente as falhas estruturais da narrativa. O filme promete explorar o complexo dilema de identidade de Maria Callas – uma mulher dividida entre a figura pública imponente e os anseios íntimos de sua vida privada. Embora essa dualidade ofereça um terreno fértil para uma história envolvente, a execução carece de sutileza e profundidade, entregando uma protagonista que, ao invés de multifacetada, parece fragmentada e incoerente. O roteiro aborda as tensões internas de Callas de forma superficial, deixando de explorar com força emocional a humanidade por trás da lenda.

A estrutura narrativa do filme agrava esses problemas. O ritmo é inconsistente, os saltos temporais muitas vezes confundem mais do que esclarecem, e a falta de uma direção clara prejudica a coesão da trama. Embora alguns diálogos sejam bem elaborados e existam momentos que sugerem um potencial maior – como interações marcantes entre personagens secundários – essas faíscas não são suficientes para sustentar o enredo como um todo. A atmosfera, que deveria ser rica em nuances, oscila entre o exagero e a frieza, afastando o espectador da imersão emocional.

Apesar de sua ambição artística, o filme falha em atingir o impacto que claramente almeja. Há uma desconexão evidente entre a grandiosidade temática que o projeto busca e a execução final. Enquanto Angelina Jolie brilha intensamente, o restante da produção parece incapaz de acompanhar seu nível, resultando em uma obra que, embora visualmente bela e tecnicamente competente, carece da alma necessária para honrar sua protagonista.

No fim, Maria Callas se revela uma oportunidade perdida. A poderosa atuação de Jolie merecia um filme que fosse tão ousado e profundo quanto sua interpretação. Em vez disso, o longa entrega uma narrativa que tenta ser grandiosa, mas aterrissa no terreno seguro da mediocridade, frustrando as altas expectativas que seu elenco e proposta inicial inspiravam.

Netflix anuncia documentário Larissa: O Outro Lado de Anitta com promessa de revelações inéditas

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A Netflix anunciou a estreia de “Larissa: O Outro Lado de Anitta”, documentário previsto para 2025, que promete ir além dos holofotes e mostrar uma faceta mais íntima e humana da cantora.

Desta vez, os fãs terão a chance de explorar a jornada de Larissa de Macedo Machado, a mulher por trás do fenômeno Anitta. Segundo a sinopse oficial, a produção traz uma proposta provocante: “Todos conhecem Anitta, a criatura, mas Larissa, a criadora, ainda é um segredo que apenas os mais próximos podem acessar.”

Jornada de Autoconhecimento e Novos Olhares

O documentário promete uma imersão na vida pessoal da artista, revelando desafios, dilemas e momentos que a levaram a repensar suas escolhas na carreira e na vida. Entre os detalhes mais curiosos está a participação de um ex-namorado da juventude de Anitta, que terá um papel importante ao oferecer um olhar inusitado sobre essa trajetória.

Histórico de Parcerias com a Netflix

Esta não é a primeira vez que a Netflix aposta na história da cantora. Em 2018, a plataforma lançou “Vai, Anitta”, uma série que acompanhou sua rotina intensa de shows e lançamentos. No entanto, enquanto a produção anterior focava nos bastidores da carreira, Larissa: O Outro Lado de Anitta promete explorar camadas mais profundas e emocionais da vida da artista.

Expectativa dos Fãs

Nas redes sociais, a expectativa já está a mil. Muitos fãs estão ansiosos para ver essa versão sem filtros da diva brasileira, que frequentemente transforma sua vida em uma verdadeira novela pública.

Se tem Anitta envolvida, já sabemos que vem aí uma produção envolvente, cheia de emoções e, claro, digna de maratona. Segura essa, Netflix!

Paul Rudd e Tim Robinson se metem em altas confusões na comédia Friendship — e o trailer já está no ar!

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Imagina conhecer um vizinho que te arrasta para uma noite insana de exploração urbana, shows punk e até umas discussões sobre antiguidades paleolíticas (pois é, bem aleatório mesmo). Essa é a vibe de Friendship, a nova comédia estrelada por Paul Rudd (Homem-Formiga) e Tim Robinson (Pânico 5) que já ganhou seu primeiro trailer. E olha… parece que vem coisa boa por aí!

Dirigido e roteirizado por Andrew DeYoung (Caçadoras de Recompensas), o filme traz ainda Kate Mara (Quarteto Fantástico), Meredith Garretson, Jack Dylan Grazer, Josh Segarra e Jon Glaser no elenco. A produção é da queridinha A24, que dispensa apresentações com seus sucessos diferentões, como Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo.

Uma amizade que dá ruim

A trama gira em torno de Craig Waterman (Robinson), um pai de família que leva uma vida sossegada até cruzar o caminho do novo vizinho Austin Carmichael (Rudd), um cara misterioso e absurdamente carismático. O bromance entre eles parece promissor, até que Craig começa a agir de forma… digamos, intensa demais. E como já era de se esperar, a amizade desanda com direito a tretas hilárias e situações completamente fora do controle.

Quando chega?

A estreia rola em maio nos Estados Unidos. Por aqui, ainda não tem previsão — mas bora torcer para a A24 não fazer a gente esperar muito, né? Se não for nos cinemas, que venha pelo streaming.

Sem dúvidas! Paul Rudd é sempre garantia de diversão, e Tim Robinson tem um humor caótico que casa perfeitamente com essa premissa meio absurda. Com a assinatura da A24, é quase certo que Friendship vai misturar boas risadas com aquele toque de “pera, o que eu acabei de assistir?”.

Se você curte uma comédia fora do padrão com pitadas de caos e bizarrices, coloca Friendship no seu radar. Porque, convenhamos: amizades improváveis e desastres hilários são sempre uma boa pedida. 🎸

Crítica – Os Radley apresenta humor leve e diversão com vampiros nada convencionais

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Foto: Reprodução/ Internet

À primeira vista, os Radley parecem uma família absolutamente comum. Eles levam uma vida regrada no subúrbio, participam de clubes do livro, trabalham em carreiras bem estabelecidas e criam dois filhos adolescentes que seguem a rotina escolar sem grandes sobressaltos. São vizinhos respeitáveis, discretos e aparentemente perfeitos em sua normalidade. Mas essa imagem impecável é apenas um disfarce: por trás das cortinas fechadas e das refeições aparentemente inofensivas, eles escondem um segredo sombrio—são vampiros que decidiram reprimir sua verdadeira natureza para viver em sociedade sem despertar suspeitas.

Esse autocontrole, no entanto, é colocado à prova quando a jovem Clara se vê envolvida em uma situação inesperada e violenta, despertando um instinto adormecido que ela sequer sabia que existia. A partir desse momento, a família é arrastada para um turbilhão de caos e confusão, tentando desesperadamente restaurar a aparência de normalidade. Mas, como qualquer segredo bem guardado, a verdade não demora a se espalhar, trazendo à tona segredos do passado, paixões proibidas e um jogo de aparências que se torna cada vez mais difícil de sustentar.

Apesar da premissa sobrenatural, Os Radley não se propõe a ser um terror denso ou assustador. Em vez disso, aposta em um tom leve, flertando com a comédia britânica e equilibrando momentos cômicos com uma crítica sutil às convenções sociais. O enredo, embora simples e sem grandes reviravoltas, funciona dentro do que se propõe: entreter sem exigir muito do espectador. Os diálogos podem não ser marcantes, mas o roteiro entrega situações absurdas e engraçadas que garantem boas risadas.

Com a direção segura de Euros Lyn e um elenco carismático que se encaixa bem nos papéis, o filme adapta o livro homônimo de Matt Haig para o cinema sem grandes pretensões, mas com um charme que torna a experiência agradável. Estreando nos cinemas brasileiros em 27 de fevereiro pela Paris Filmes, Os Radley pode não ser um marco no gênero, mas é uma escolha certeira para quem busca um entretenimento descomplicado, divertido e repleto de vampiros pouco convencionais.

GOAT – Universal Pictures libera primeiro trailer do thriller psicológico produzido por Jordan Peele

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(from left) Isaiah White (Marlon Wayans) and Cameron Cade (Tyriq Withers) in HIM, directed by Justin Tipping.

A Universal Pictures acaba de divulgar o primeiro trailer de GOAT (HIM), um dos filmes mais aguardados para quem ama suspense psicológico e histórias de terror que vão além do óbvio. Produzido pelo visionário Jordan Peele — responsável por redefinir o terror moderno com obras como Corra!, Nós e Não! Não Olhe! — o longa chega aos cinemas brasileiros no dia 18 de setembro e promete deixar o público sem fôlego.

🌟 Um mergulho no lado sombrio da fama

Dirigido por Justin Tipping, GOAT (HIM) é mais do que um simples filme de terror. Ele propõe uma reflexão intensa sobre a obsessão pela perfeição, a cultura da idolatria e a tênue linha que separa admiração e destruição.

O enredo acompanha Cameron Cade (interpretado por Tyriq Withers), um jovem quarterback cuja vida inteira foi moldada em torno do futebol americano. Às vésperas do Combine — o evento que determina o futuro de jovens atletas no profissional —, Cam é atacado por um fã perturbado e sofre um grave trauma cerebral 🧠, colocando em risco toda a sua carreira.

É nesse momento crítico que surge Isaiah White (vivido por Marlon Wayans), uma lenda viva do esporte e ídolo máximo de Cameron. Isaiah oferece ao jovem uma oportunidade única: treiná-lo pessoalmente em seu luxuoso e misterioso ginásio isolado. O que parecia ser a salvação, no entanto, logo revela camadas muito mais sombrias.

⚡ Da inspiração ao pesadelo

À medida que o treinamento se intensifica, Cameron começa a perceber que seu mentor não é exatamente o herói que ele imaginava. Preso em uma atmosfera sufocante, onde a pressão, a manipulação e o terror psicológico se tornam cada vez mais palpáveis, o jovem atleta entra em uma espiral de paranoia e dúvida.

A transformação de Isaiah — do ídolo carismático ao manipulador inquietante — é o coração pulsante do filme. A trama explora como a busca pelo status de “GOAT” (Greatest Of All Time) pode se tornar um caminho solitário, perigoso e, muitas vezes, autodestrutivo.

🎥 A assinatura Jordan Peele: terror com crítica social

Produzido por Jordan Peele através de sua Monkeypaw Productions, GOAT (HIM) carrega a marca registrada do cineasta: usar o terror como ferramenta para discutir problemas sociais. Assim como em Corra! e Nós, aqui o medo é tão psicológico quanto cultural.

A direção de Justin Tipping promete visuais intensos e uma atmosfera carregada de tensão, onde nada é o que parece. O trailer já adianta imagens hipnotizantes, claustrofóbicas e uma trilha sonora inquietante que deve deixar o espectador à beira da poltrona 🎞️.

📅 Data de estreia

GOAT (HIM) estreia nos cinemas do Brasil em 18 de setembro, com cópias em versões acessíveis, garantindo a inclusão de pessoas com deficiência auditiva e visual.

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