Saiba quem foi o 1ª eliminado do Bake Off Brasil de sábado (09/08)

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No último sábado, 9 de agosto, o Bake Off Brasil – Mão na Massa voltou às telas do SBT com sua 11ª temporada recheada de emoção, talento e desafios. Logo na estreia, o participante Douglas foi o primeiro a deixar a competição, em um momento que, embora triste, destacou a beleza da jornada e o aprendizado que o programa proporciona a cada confeiteiro amador.

A saída de Douglas marcou o episódio inaugural, mas também mostrou que, no Bake Off, cada passo importa, e que o verdadeiro prêmio vai além do avental preto: é a oportunidade de crescer, se reinventar e dividir histórias e sonhos adoçados com farinha e afeto.

O reencontro que aquece o coração

A tenda do Bake Off Brasil, cenário onde os sonhos são colocados à prova, voltou a receber seus competidores com aquela atmosfera de expectativa e afeto. Nadja Haddad, apresentadora querida pelo público, retornou ao comando com seu jeito acolhedor e sensível. “Voltar aqui é como reencontrar uma grande família”, confessou ela, emocionada.

Para os participantes, cada momento dentro da tenda representa muito mais do que uma disputa: é a chance de mostrar sua identidade e sua paixão pela confeitaria. Nadja lembra que não basta apenas conquistar o paladar dos jurados — é preciso contar uma história, revelar personalidade e técnica apurada.

Jurados exigentes com olhar humano

Beca Milano e Giuseppe Gerundino também voltaram ao programa, combinando a rigidez técnica necessária para manter a excelência com a empatia que acolhe e incentiva. “Nosso papel é respeitar cada trajetória e ajudar os participantes a se superarem”, disse Beca, ressaltando o Bake Off como um espaço de aprendizado.

Giuseppe completou com entusiasmo: “É emocionante acompanhar cada momento de evolução. Essa temporada promete muitas surpresas.”

Prova criativa “Doce Identidade”: confeitaria que conta histórias

Na prova criativa de estreia, os confeiteiros precisaram criar um bolo de 20 cm de diâmetro e 10 cm de altura, com ao menos duas camadas de recheio, que representasse sua personalidade ou trajetória. Além disso, a decoração deveria incluir uma técnica de pintura artística.

Em apenas três horas, vimos verdadeiras obras de arte — bolos que, mais do que saborosos, eram repletos de significado e emoção, revelando quem são os participantes além das mãos que preparam as massas.

A prova técnica: sofisticação e precisão em cada detalhe

Na sequência, o desafio técnico foi reproduzir uma “Torta de Cookies”, com massa crocante, gotas de chocolate, nozes trituradas, ganache e uma decoração elaborada, que incluía drip de chocolate e escultura com pó dourado.

Era hora de mostrar domínio das técnicas clássicas e contemporâneas da confeitaria, em uma prova que exigiu concentração, agilidade e perfeição.

Um programa que é muito mais que competição

Apesar da eliminação precoce, Douglas saiu do programa com a certeza de que viveu uma experiência transformadora. Ele deixou a tenda com a cabeça erguida, levando aprendizado e inspiração para sua trajetória.

O Bake Off Brasil segue reafirmando que aqui, cada participante é protagonista de sua própria história. O programa é um convite para que todos, dentro e fora da cozinha, se permitam sonhar, errar, aprender e celebrar o doce da vida.

Acompanhe a jornada e se inspire

O reality show culinário vai ao ar aos sábados, às 20h45, no SBT. Além do programa, o público pode acompanhar os bastidores, receitas e histórias pelas redes sociais oficiais, tornando-se parte dessa comunidade que celebra a arte da confeitaria e o sabor da emoção.

Zach Cregger abre o jogo: detalhes inéditos sobre o reboot original de Resident Evil

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Para quem cresceu enfrentando zumbis e mistérios sombrios no universo de Resident Evil, a notícia de um novo filme da franquia costuma causar uma mistura de empolgação e um certo pé atrás. Afinal, as adaptações anteriores tiveram um caminho tortuoso, com elogios e críticas divididos, e um reboot recente, lançado em 2021, que não agradou muita gente — nem crítica nem público.

Mas a boa nova é que o diretor Zach Cregger, responsável pelo suspense com pitadas de humor do filme Noites Brutais, está à frente de uma nova versão de Resident Evil que promete uma pegada diferente: uma história original, autêntica, que busca trazer de volta o clima de tensão e terror que só os jogos conseguem oferecer.

Em uma entrevista recente ao The Hollywood Reporter, Cregger abriu o jogo e falou com sinceridade sobre seus planos. “Eu sou um fã antigo dos jogos”, disse. “Já joguei o quarto jogo tantas vezes que perdi a conta. E mais do que simplesmente replicar o que já existe, quero passar a sensação que os jogos trazem — o medo, o suspense, a adrenalina.”

Uma paixão de longa data, uma visão nova

O que chama atenção nas palavras de Cregger é a paixão genuína pelo material original. Diferente de muitos filmes que apenas tentam traduzir cenas em ação, ele quer capturar a essência da experiência de jogar Resident Evil. Isso significa um desafio e tanto: como passar para a tela uma sensação que se constrói no controle do jogador?

Para isso, ele e o roteirista Shay Hatten, que tem experiência em filmes de ação e suspense como Army of the Dead: Invasão em Las Vegas, criaram um roteiro inédito. Não será uma adaptação fiel ponto a ponto dos jogos, nem uma repetição das histórias anteriores, mas sim um novo capítulo dentro desse universo.

“É um roteiro original. Uma história estranha, única. Quero que o público tenha uma experiência nova, sem se prender a versões antigas”, explicou o diretor. E isso é justamente o que muitos fãs esperam: inovação sem perder a alma da franquia.

O legado de Resident Evil

Para entender o tamanho do desafio, vale lembrar que Resident Evil é muito mais que um jogo ou um filme — é uma parte importante da cultura pop mundial. Criado em 1996 pela Capcom, com a visão de Shinji Mikami e Tokuro Fujiwara, o jogo original foi responsável por trazer o conceito de survival horror para um novo patamar.

Na época, a proposta era assustar de forma inteligente: ambientes sombrios, puzzles desafiadores e uma atmosfera carregada de mistério e medo. Mais do que isso, trouxe os zumbis de volta para a cultura popular, influenciando filmes, séries e outras mídias ao redor do mundo.

Ao longo dos anos, a franquia evoluiu em sua jogabilidade e narrativa, mesclando ação e horror, e se reinventando para agradar tanto os fãs antigos quanto uma nova geração. Com mais de 154 milhões de cópias vendidas, é o título mais bem-sucedido da Capcom e a série de jogos de terror mais vendida do mundo.

Uma história com altos e baixos

No cinema, a obra também tem uma história marcada por altos e baixos. Os primeiros filmes, iniciados em 2002, alcançaram sucesso comercial, especialmente por misturar ação com horror. No entanto, não agradaram muito os fãs mais puristas dos jogos, e foram criticados pela falta de fidelidade à mitologia da série.

O reboot de 2021, Resident Evil: Bem-vindo a Raccoon City, tentou se aproximar mais da origem dos jogos, mas não conseguiu conquistar a crítica nem o público. Com apenas 30% de aprovação no Rotten Tomatoes e uma arrecadação de US$ 41,9 milhões, o filme passou longe de ser o sucesso esperado, deixando claro que o público quer mais do que simples nostalgia.

Por isso, o novo projeto de Cregger carrega uma grande responsabilidade — e também uma grande expectativa. A Constantin Film, que mantém os direitos da franquia desde os anos 90, junto com a PlayStation Productions, está apostando em uma abordagem mais moderna e, sobretudo, mais fiel ao espírito da franquia.

Por que esse reboot pode ser diferente?

Ao olhar para trás, fica claro que as adaptações anteriores tiveram dificuldades em encontrar um equilíbrio entre agradar fãs dos jogos e o público geral. Para muitos, o que faltava era justamente essa sensação de imersão, o medo palpável e a tensão constante que só o universo de Resident Evil pode oferecer.

Zach Cregger parece ter entendido esse ponto. Seu compromisso é criar uma experiência nova, mas que consiga transportar para o cinema a mesma sensação que sentimos ao jogar. “Não quero fazer uma cópia exata, mas uma história que seja autêntica para os fãs e para quem nunca jogou”, comentou.

Esse cuidado é essencial para revitalizar a franquia e abrir caminho para futuros projetos, sejam filmes, séries ou outras mídias. Afinal, Resident Evil é uma marca poderosa, mas que precisa se reinventar para não perder relevância em um mercado tão competitivo.

O que podemos esperar da estreia em 2026?

Com o lançamento previsto para 18 de setembro de 2026, o reboot do filme está na mira de todos que acompanham o universo do terror e dos games. Embora detalhes sobre elenco e enredo ainda sejam guardados a sete chaves, a promessa de uma história original e o envolvimento de profissionais que realmente entendem e amam o material são um sinal positivo. Além disso, a colaboração entre Constantin Film e PlayStation Productions deve garantir qualidade técnica e respeitabilidade, trazendo o melhor da produção audiovisual para esse projeto.

Vale a pena assistir Meu Ano em Oxford? Uma comédia romântica que mistura realidade e emoções profundas

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Quando pensamos em uma comédia romântica, é comum imaginar aquela fórmula previsível: dois personagens se encontram, têm desentendimentos engraçados, e no final se apaixonam para sempre. Mas, de vez em quando, surge um filme que desafia essas expectativas e traz uma narrativa que bate fundo no coração, sem perder o leve toque de humor e a magia do amor. É o que acontece com Meu Ano em Oxford, lançado em agosto de 2025 pela Netflix.

Dirigido por Iain Morris e baseado no livro de Julia Whelan, o filme convida a gente a acompanhar Anna De La Vega, uma jovem americana cheia de sonhos, que parte para a Inglaterra para estudar literatura na lendária Universidade de Oxford. Mas, como na vida real, nem tudo sai como planejado. Entre provas, livros antigos e paisagens de tirar o fôlego, Anna se vê envolvida em um romance inesperado com Jamie Davenport, seu professor, cuja história carrega segredos difíceis e um peso que vai muito além da sala de aula.

Um começo despretensioso que logo vira coração acelerado

Logo no primeiro dia, Anna tem um encontro um tanto atrapalhado com Jamie — ele quase a atropela com o carro! O que poderia ser um momento constrangedor vira a faísca que acende uma química difícil de ignorar. A princípio, eles se provocam, trocam palavras afiadas e promessas de manter as coisas superficiais. Mas uma noite juntos no típico pub inglês muda tudo: risadas, dança, confidências, e um desejo que cresce silencioso.

É impossível não se identificar com a insegurança e o medo que Anna sente, misturados à vontade de se jogar nesse sentimento novo, mesmo quando sabe que não deveria. Essa vulnerabilidade é o que torna a personagem tão humana — ela é a jovem adulta de todos nós, aprendendo que nem tudo na vida é preto no branco.

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Amor e luta — um casal diante da adversidade

O que diferencia o longa de outros romances é a coragem com que o filme aborda as dificuldades reais por trás do amor. Jamie não é apenas o professor charmoso e misterioso — ele carrega um segredo devastador: um câncer genético que ameaça seu futuro e seu relacionamento com o pai.

É tocante ver a maneira delicada como o filme expõe essa luta sem cair no sentimentalismo fácil. Jamie é forte, mas também frágil. Ele se afasta, tem medo de se entregar, mas encontra em Anna uma luz que o faz querer enfrentar o impossível.

Esse conflito traz uma profundidade rara, um convite para refletirmos sobre o valor do amor quando tudo parece incerto. E como às vezes amar é, antes de tudo, ter coragem para estar presente na dor do outro.

A beleza de Oxford como cenário de sonhos e desafios

Outro ponto que merece destaque é como o filme usa os cenários reais da Universidade de Oxford para contar sua história. A Biblioteca Bodleiana, os colleges antigos, as ruas de pedra e o clima acadêmico carregam uma nostalgia e um charme que fazem qualquer um querer embarcar nessa aventura.

Mas não é só um cartão-postal: esses locais representam o mundo novo e desafiador no qual Anna se insere. Um ambiente que é tanto encantador quanto exigente, um palco para seu crescimento pessoal e para as escolhas difíceis que terá de fazer.

Atuação que emociona e faz refletir

Sofia Carson entrega uma atuação cheia de nuances, mostrando a transformação de Anna com uma naturalidade encantadora. Corey Mylchreest, por sua vez, dá vida a Jamie com uma mistura perfeita de charme, mistério e vulnerabilidade.

O casal principal tem uma química palpável, que torna cada momento juntos — dos risos aos conflitos — genuinamente tocantes. É daquelas histórias que a gente torce para que dê certo, mesmo sabendo que o caminho pode ser doloroso.

Vale a pena assistir?

Se você busca uma comédia romântica leve, o filme pode surpreender pelo toque dramático e pela profundidade emocional que carrega. Se prefere romances que não fogem das realidades duras da vida, encontrará aqui uma história que abraça o amor em todas as suas formas — incluindo as mais difíceis.

É um filme para assistir com o coração aberto, para rir, se emocionar e, quem sabe, se identificar com os altos e baixos da vida e do amor. Afinal, como Anna e Jamie nos lembram, o verdadeiro romance está em aceitar o outro por inteiro, com suas luzes e sombras.

Perlimps estreia na Sessão Vip do Gloob nesta segunda-feira (11): Uma aventura mágica para toda a família!

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Na próxima segunda-feira, dia 11, o canal Gloob traz para as telas uma história que vai muito além do entretenimento. Perlimps, uma animação brasileira cheia de magia, emoção e aventura, chega para tocar o coração de crianças, jovens e adultos, mostrando que, mesmo em mundos diferentes, a união pode transformar tudo.

Esse filme é como um abraço apertado, daqueles que a gente sente quando se conecta com personagens que enfrentam desafios parecidos com os nossos. Em uma época em que o mundo vive tantas divisões e incertezas, a jornada de Claé e Bruô — dois seres que, apesar das diferenças, aprendem a caminhar juntos — é um convite a olhar o outro com mais empatia e esperança.

A animação não é só uma história de fantasia. É um reflexo sensível do que vivemos, contado através de uma floresta cheia de mistérios, cores vibrantes e criaturas que nos lembram da importância de cuidar do nosso próprio planeta. Claé, do Reino do Sol, e Bruô, do Reino da Lua, pertencem a mundos que, à primeira vista, parecem não ter nada em comum. E, no entanto, eles descobrem que juntos podem enfrentar os “gigantes” — forças que ameaçam destruir tudo o que amam.

Essa metáfora dos “gigantes” que avançam com suas máquinas monstruosas é tão atual quanto os desafios ambientais e sociais que nos cercam. Mas, em vez de uma história triste, o filme traz uma mensagem de esperança, mostrando que, quando nos unimos, mesmo os maiores obstáculos podem ser superados.

Um dos aspectos mais especiais da produção é a forma como ele foi criado. Ao contrário da maioria das animações digitais de hoje, este filme abraça a tradição da animação 2D feita à mão. Cada traço, cada movimento, carrega o carinho e a dedicação de uma equipe apaixonada — liderada pelo talentoso Alê Abreu.

Alê não é apenas um diretor; ele é um contador de histórias que usa cores e formas para tocar diretamente a alma de quem assiste. Depois do sucesso internacional de O Menino e o Mundo, ele volta a nos presentear com uma obra que resgata a simplicidade e a profundidade da infância — aquele lugar onde tudo é possível e a imaginação não tem limites.

Vozes que emocionam

Ao ouvir as vozes de Giulia Benite como Bruô e Lorenzo Tarantelli como Claé, somos levados para dentro da história. Eles dão vida a esses personagens com uma naturalidade que faz com que a gente quase esqueça que são desenhos na tela. Estênio Garcia, Nill Marcondes e Rosa Rosah completam esse time de talentos, trazendo emoção e humanidade aos demais personagens.

Essa equipe vocal não apenas interpreta; ela se conecta profundamente com a mensagem do filme, passando para o público aquela sensação de que não estamos sozinhos, e que juntos podemos criar um mundo melhor.

Mais que uma estreia: um convite para sentir e refletir

Quando Perlimps chegar ao Gloob, ele vai muito além de um filme para crianças. Ele será um momento para famílias se reunirem, para conversas surgirem e para olharmos para dentro de nós mesmos com mais gentileza.

Em tempos em que a velocidade do dia a dia muitas vezes nos afasta das coisas que realmente importam, assistir a essa animação é um lembrete do poder do cuidado, da amizade e da coragem. É um convite para todos — crianças e adultos — a voltarem a se maravilhar com o mundo e a se comprometerem com sua preservação.

O longa-metragem também celebra a força e a criatividade da animação brasileira, que vem conquistando espaço e reconhecimento ao redor do mundo. Produzido por Buriti Filmes e Filmes de Papel, em parceria com Gloob, Globo Filmes e Sony Pictures, o filme reafirma o talento nacional em contar histórias universais com alma e originalidade.

No Domingão com Huck, Dança dos Famosos estreia com homenagem aos 40 anos do Axé

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Neste domingo, 10, a tela da TV Globo se transforma em uma grande festa de ritmo e cultura ao celebrar os 40 anos do Axé Music durante a estreia da primeira apresentação em grupos da Dança dos Famosos, quadro tradicional do Domingão com Huck. Em uma combinação perfeita entre dança, música e história, o programa revive a energia contagiante desse gênero musical que é uma marca registrada do Brasil e um símbolo da cultura baiana que conquistou o país.

O Axé Music nasceu nos anos 1980, quando ritmos afro-brasileiros, como o samba-reggae e a música de carnaval de Salvador, ganharam uma roupagem renovada e conquistaram palcos nacionais. A mistura de energia, percussão e letras animadas rapidamente tomou conta das rádios, festas e, sobretudo, do Carnaval, transformando-se em um movimento cultural com forte apelo popular e identitário.

Celebrar 40 anos do Axé é revisitar a trajetória de artistas que fizeram história e de uma música que ultrapassou fronteiras, atravessando gerações. No programa, esse marco ganha vida por meio de apresentações que homenageiam o ritmo com interpretações de grandes sucessos, embaladas pelo som ao vivo da lendária banda Olodum, reconhecida mundialmente pela sua percussão marcante e por levar a cultura negra brasileira a todos os cantos do planeta.

A energia contagiante da banda Olodum e convidados especiais

Nada mais simbólico para embalar a estreia da Dança dos Famosos do que a presença da banda Olodum. Suas batidas poderosas, carregadas de história e militância cultural, acompanham os grupos em uma performance que é pura celebração da música, da dança e da diversidade brasileira.

Para abrilhantar ainda mais o espetáculo, o programa convidou renomados cantores para interpretar ao vivo clássicos do Axé e do samba-reggae, em uma viagem musical que reforça a força e a alma do ritmo. Alinne Rosa, vocalista da Banda Cheiro de Amor, é uma das vozes que leva emoção à apresentação, trazendo sua experiência e carisma ao palco. Junto a ela, Carla Cristina, Rafael Barreto, Márcia Short e Robson Moraes reúnem talento e paixão para dar vida às canções que marcaram gerações.

Essa união entre dança e música ao vivo cria uma atmosfera única, onde o público pode sentir a potência da cultura baiana pulsando dentro do estúdio e em suas próprias casas.

Mudança no elenco: substituição de MC Livinho

Entre as novidades da temporada, o programa precisou se adaptar à saída do cantor MC Livinho, que deixou a competição para cuidar da saúde após um acidente de trânsito. A organização do programa anunciou a substituição do participante, mantendo o elenco completo para garantir o nível alto das apresentações.

Essa mudança reforça a preocupação do programa em cuidar do bem-estar dos artistas e demonstra como é possível, mesmo diante de imprevistos, manter o compromisso com a qualidade e o entretenimento do público.

Milton Cunha: um novo olhar na bancada dos jurados

A estreia da Dança dos Famosos traz também um nome importante para a crítica e avaliação das performances: o apresentador e comentarista Milton Cunha, que assume a cadeira de jurado artístico fixo pela primeira vez no quadro.

Conhecido por sua vasta experiência no carnaval e na análise de manifestações culturais brasileiras, Milton se diz empolgado para essa nova missão. Em entrevista exclusiva, ele compartilhou sua visão sobre a dança e o que espera do concurso: “A dança é uma sedução, um movimento que transmite emoção e energia. Não gosto de corpo rígido, de quem está parado. Gosto do molejo, da naturalidade do corpo. Viajei o mundo observando diversos estilos — do tango à dança típica da Irlanda, do sapateado americano ao vaudeville francês. Mas o samba, a dança de salão, está no meu sangue. Quando recebi o convite para ser jurado, fiquei muito feliz. São 15 anos transmitindo carnaval, avaliando evolução, figurino, harmonia… Estou preparadíssimo para essa nova fase.”

Sua participação promete trazer uma análise profunda, sensível e técnica das coreografias, valorizando o aspecto artístico e cultural da dança.

Jurados convidados e a banca técnica

Além de Milton Cunha, o programa recebe semanalmente um jurado artístico convidado para enriquecer a avaliação com perspectivas diversas. Na estreia, a atriz Deborah Secco assume essa função, trazendo sua vivência artística e sensibilidade para comentar as performances dos participantes.

Completam a banca os jurados técnicos consagrados e queridos pelo público: Ana Botafogo, Carlinhos de Jesus e Zebrinha. Esses bailarinos e coreógrafos reconhecidos atuam como referência para os participantes, avaliando técnica, sincronismo, expressão e desenvolvimento dos passos, contribuindo para o crescimento de cada famoso na competição.

A diversidade da bancada garante um equilíbrio entre técnica e emoção, popularidade e excelência artística, fazendo com que a disputa se torne não apenas um espetáculo de entretenimento, mas também um espaço de valorização cultural.

Um domingo de emoção, talento e celebração

O Domingão com Huck não para por aí. Além da Dança dos Famosos, o programa apresenta a primeira semifinal do quadro Pequenos Gênios, que mostra crianças brilhantes em desafios de raciocínio e criatividade. A diversidade de atrações reforça o caráter familiar e abrangente do programa, capaz de reunir público de diferentes idades e gostos.

Em homenagem ao Dia dos Pais, celebrado na mesma semana, o “Domingão” promove momentos especiais com convidados que compartilham histórias e experiências emocionantes sobre paternidade. O jornalista e palestrante Marcos Piangers, autor do livro best-seller “Papais Muito Humanos”, participa da bomboniere ao lado de nomes como Dona Déa, Lívia Andrade e Ed Gama, trazendo uma conversa cheia de leveza, afetividade e reflexões sobre os desafios e belezas da vida em família.

A força do Axé nos palcos da TV

A escolha do Axé Music para abrir a temporada da Dança dos Famosos vai além de uma homenagem musical: é um resgate da história cultural brasileira, que conecta gerações, celebra a diversidade e reafirma a importância das raízes afro-brasileiras.

A dança, que sempre foi uma manifestação presente nas festas populares da Bahia, ganha o espaço nobre das tardes de domingo em uma das maiores audiências da televisão brasileira. Esse encontro entre tradição e modernidade mostra como o entretenimento pode ser um veículo poderoso de reconhecimento e valorização cultural.

Além disso, ao promover a dança como forma de expressão e saúde, o programa estimula o público a se conectar com seu corpo, com suas emoções e com a história do país, despertando orgulho e respeito pela nossa riqueza cultural.

Guerreiras do K-pop | Fenômeno musical chega aos cinemas americanos com experiência inédita para os fãs

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Nos dias 23 e 24 de agosto, fãs de música e fantasia têm um encontro marcado nos cinemas americanos. Guerreiras do K-pop, a animação musical que arrebatou corações pelo mundo via Netflix, será exibida em uma versão especial sing-along — um formato que permite ao público cantar junto com as letras que aparecem na tela. A experiência promete transformar a sessão em um verdadeiro espetáculo interativo, capaz de envolver fãs e curiosos de todas as idades.

Este lançamento exclusivo acontece em cinemas selecionados e promete reunir fãs do K-pop e amantes de animação em um momento de conexão e diversão coletiva. Embora ainda não haja confirmação sobre a chegada desta versão interativa a outros países, como o Brasil, a iniciativa reforça o impacto e o carinho que Guerreiras do K-pop tem recebido mundialmente desde seu lançamento.

A jornada musical e mágica que ganhou o mundo

A animação estreou na Netflix em junho de 2025 e logo se tornou um fenômeno, conquistando elogios por sua animação vibrante, roteiro envolvente e trilha sonora contagiante. A história acompanha o grupo feminino Huntrix, que, além de ídolos da música pop coreana, são caçadoras de demônios lutando para proteger o mundo humano de forças sobrenaturais.

O filme foi idealizado pela diretora Maggie Kang, que uniu elementos da mitologia coreana com o universo do K-pop para criar uma obra que dialoga com diferentes gerações e culturas. Com vozes de talentos como Arden Cho, Daniel Dae Kim e Ken Jeong, o longa entrega uma experiência audiovisual que mistura ação, emoção e música em um cenário repleto de cores e simbolismos.

Expandindo o universo

Diante do sucesso do filme, a Netflix anunciou uma série derivada que vai explorar ainda mais o universo das Guerreiras do K-pop. A série promete aprofundar as histórias pessoais das protagonistas, os desafios de viver uma vida dupla e as batalhas épicas contra as forças do mal que ameaçam a humanidade.

Enquanto o filme apresenta uma trama fechada e impactante, a série trará espaço para explorar temas como identidade, amizade e empoderamento com mais detalhes, além de revelar novos personagens e segredos do mundo mágico por trás da música.

Os fãs podem esperar uma continuação que mantém a qualidade visual e musical do filme, combinando elementos de fantasia com a energia e o brilho característicos do K-pop, reforçando o compromisso dos criadores em construir um universo rico e envolvente.

Um olhar mais profundo sobre as protagonistas

Enquanto o filme apresenta Rumi, Mira e Zoey como um trio unido na luta contra os demônios, a série promete explorar suas histórias pessoais, dilemas internos e crescimento emocional de forma mais detalhada. A dualidade de Rumi — metade humana, metade demoníaca — será um tema central, aprofundando seu conflito de identidade, medo e aceitação.

Mira e Zoey, por sua vez, terão seus passados e motivações revelados, dando maior complexidade às suas personagens. A série aposta em construir relações autênticas entre as protagonistas, mostrando que, apesar das diferenças, a amizade e a lealdade são forças poderosas que as mantêm firmes.

Além disso, novas personagens femininas serão introduzidas, ampliando o universo das caçadoras e mostrando diferentes formas de encarar a responsabilidade, o poder e a fama.

A música como linguagem universal

A música continuará sendo protagonista na série, com novas canções originais que acompanharão a evolução das personagens e o desenrolar da história. A produção promete manter a qualidade sonora e a diversidade de estilos que fizeram da trilha do filme um sucesso.

Além disso, o formato da série permite explorar a música em diferentes contextos: apresentações ao vivo, gravações de estúdio, momentos íntimos e cenas que conectam as personagens de forma ainda mais profunda.

Essa combinação de narrativa e música é um dos grandes trunfos da série, que visa envolver os espectadores não apenas pelo enredo, mas pela experiência sensorial e emocional.

Qual será o futuro da franquia?

Com o filme já consolidado e a série a caminho, o universo das Guerreiras do K-pop parece ter um futuro promissor. Os criadores já mencionaram a possibilidade de sequências, spin-offs e até conteúdos em outras mídias, como quadrinhos e jogos, expandindo ainda mais essa mistura única de fantasia, música e cultura pop.

Demon Slayer: Castelo Infinito | Tanjiro enfrenta Akaza novamente em novo vídeo divulgado

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O universo do anime se prepara para um momento decisivo. Foi divulgado recentemente um novo comercial de Demon Slayer: Castelo Infinito, trazendo à tona a aguardada batalha entre Tanjiro Kamado, protagonista da série, e Akaza, o temido demônio conhecido como Lua Superior 3. Esse confronto promete intensificar ainda mais a narrativa da franquia, que já conquistou fãs no mundo inteiro com sua combinação única de emoção, ação e arte visual impecável. Abaixo, confira o vídeo:

O reencontro de Tanjiro e Akaza

O embate entre Tanjiro e Akaza não é novidade para os fãs da série, mas sua retomada traz consigo uma carga emocional muito maior. Na luta anterior, o poderoso hashira Kyojuro Rengoku sucumbiu diante de Akaza, deixando uma marca profunda no grupo dos Exterminadores de Demônios. Agora, Tanjiro volta a enfrentar esse adversário, determinado a vingar o amigo e proteger seus entes queridos. O comercial mostra ainda a presença de Giyu Tomioka, o primeiro hashira que Tanjiro conheceu e que atua como um importante suporte durante esse embate, fortalecendo o time na batalha que se avizinha.

Um filme aguardado e sua importância na franquia

O longa-metragem é uma adaptação do arco homônimo do mangá criado por Koyoharu Gotouge, publicado entre 2016 e 2020. Diferente dos lançamentos anteriores, que foram mais voltados a compilações como Swordsmith Village e Hashira Training, este filme será uma produção cinematográfica completa em formato de longa-metragem, assim como foi Mugen Train em 2020. Essa decisão se justifica pelo ritmo acelerado e pela densidade dramática da história, que exigem um tratamento especial para transmitir a intensidade dos acontecimentos.

Anunciado em junho de 2024, logo após o fim da quarta temporada do anime, a produção se posiciona como a primeira parte de uma trilogia que promete dar continuidade a uma das sagas mais populares dos últimos anos. A estreia está programada para 18 de julho de 2025 no Japão, sob a responsabilidade da Aniplex e da Toho, duas das maiores distribuidoras do país.

O enredo do filme gira em torno de Tanjiro Kamado, um jovem que decide se juntar ao Demon Slayer Corps após sua irmã Nezuko ser transformada em demônio. Essa decisão impulsiona uma jornada repleta de desafios e batalhas épicas. No arco do Castelo Infinito, o cenário é um campo de batalha sombrio onde a tensão atinge seu ápice.

Durante um treinamento especial, conhecido como Treinamento dos Hashira, os principais exterminadores de demônios se preparam para um confronto final contra as forças malignas lideradas por Muzan Kibutsuji, o demônio mais poderoso e temido. Quando Muzan ataca o quartel-general da corporação, Tanjiro e seus aliados são transportados para o Castelo Infinito — um local onde os demônios mais perigosos se escondem, estabelecendo o palco para a batalha decisiva entre o bem e o mal.

Qualidade técnica e equipe de produção

Um dos grandes destaques da franquia é sua excelência técnica, que vem impressionando fãs e críticos ao redor do mundo. O filme está sob a direção de Haruo Sotozaki, que já havia conduzido as temporadas anteriores e o filme Mugen Train. Com o estúdio Ufotable à frente da produção, o longa-metragem promete manter a qualidade visual primorosa, mesclando animação tradicional com técnicas digitais que elevam a experiência do público a outro nível.

O roteiro é cuidadosamente elaborado pela equipe de produção interna do estúdio, que adapta com fidelidade o mangá original de Koyoharu Gotouge, preservando a essência dos personagens e os elementos centrais da trama, enquanto ajusta o ritmo para o formato cinematográfico.

O elenco de vozes que dá vida aos personagens

A voz dos personagens é uma peça fundamental na construção da empatia com o público. Para Castelo Infinito, o elenco de dubladores japoneses confirma nomes já consolidados na franquia. Natsuki Hanae, por exemplo, retorna como Tanjiro, trazendo toda a força e sensibilidade do protagonista. Akari Kitō dubla Nezuko, oferecendo um equilíbrio entre inocência e ferocidade. Outros nomes de peso como Hiro Shimono (Zenitsu), Yoshitsugu Matsuoka (Inosuke) e Takahiro Sakurai (Giyu Tomioka) completam o time, entregando performances que aprofundam a complexidade dos personagens.

Além deles, a presença dos Hashira — exterminadores de elite — é reforçada pelo trabalho de vozes que dão personalidade a figuras como Shinobu Kocho, Tengen Uzui e Mitsuri Kanroji, entre outros, enriquecendo o universo da história.

O significado do confronto entre Tanjiro e Akaza

Mais do que um combate físico, a luta contra Akaza carrega um peso simbólico e emocional intenso. Akaza não é um simples vilão; sua história traz nuances que revelam conflitos internos, motivados por seu passado humano antes de se tornar um demônio. Essa dualidade torna o personagem complexo e multifacetado, elevando o nível da narrativa.

Tanjiro, por sua vez, precisa enfrentar não apenas um inimigo poderoso, mas também os fantasmas de suas próprias perdas e dúvidas. O combate se torna uma prova de sua coragem, determinação e crescimento pessoal, ressoando com o público que acompanha sua trajetória desde o início da série.

Impacto cultural e a expansão global da franquia

Desde seu lançamento, o anime tem sido uma força transformadora no cenário do anime. O sucesso da série e do filme Mugen Train contribuiu para colocar o anime em destaque mundial, quebrando recordes de bilheteria e ampliando o interesse por produções japonesas. Demon Slayer: Castelo Infinito chega para fortalecer ainda mais essa posição, trazendo novidades que certamente atrairão não só os fãs antigos, mas também novos espectadores.

Fantástico de domingo (10) traz primeira entrevista de Gilberto Gil após perda de Preta Gil e musical especial de Ivan Lins com o filho Cláudio

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No domingo dedicado a homenagear os pais, o Fantástico trará um especial carregado de emoção e música, com entrevistas exclusivas e performances que falarão direto ao coração do público. Entre os momentos mais aguardados estará a primeira entrevista de Gilberto Gil após a dolorosa perda de sua filha Preta Gil, que terá falecido no último dia 20 de julho aos 50 anos. Em uma conversa profunda e repleta de afeto, realizada na sala de sua casa no Rio de Janeiro, o cantor e compositor de 83 anos compartilhará lembranças, reflexões e a forma como a família terá lidado com a ausência da filha tão querida.

Ao longo de quase uma hora, Gilberto Gil revelará uma sensibilidade rara, falando sobre Preta não apenas como uma artista e filha, mas como uma pessoa vibrante, cheia de vida e amor. “Preta será talvez a mais espevitada de todos os filhos. Ela será muito solta, com o exercício da bondade em todas as instâncias possíveis, muito solidária. Pretinha será uma menina incrível”, recordará com emoção. A declaração, carregada de saudade, refletirá o lado mais humano do ícone da música brasileira, que não poupará palavras para exaltar a personalidade alegre e generosa da filha.

A luta pela vida e o apoio da família

Gilberto também falará abertamente sobre os últimos anos difíceis que Preta enfrentou e como a família se mobilizará para lhe dar todo o suporte possível. “Essa luta da Preta pela vida não só nos comoverá como nos chamará para a responsabilidade. Os tempos nos Estados Unidos serão para cercá-la do maior conforto possível. Ela irá para lá continuar a luta pela vida, será uma coisa que nos pertencerá”, contará o músico, destacando o esforço coletivo para garantir que Preta tenha as melhores condições durante o tratamento.

Apesar do sofrimento e da dor da perda, Gilberto Gil mostrará que a vivência do período será também um aprendizado e um momento de união familiar. Ele enfatizará a força que a filha demonstrará em sua batalha, inspirando não apenas a família, mas também todos que a conhecerem e acompanharem sua trajetória. “Ela nos ensinará muito sobre coragem, sobre esperança. Preta será um exemplo de amor em meio à dificuldade”, dirá.

Ivan Lins e Cláudio Lins

Além da entrevista emocionante com Gilberto Gil, o programa reservará outro momento especial para celebrar o Dia dos Pais. O programa receberá Ivan Lins e seu filho Cláudio Lins para um musical que também resgatará memórias afetivas ligadas à música e à televisão.

No palco do quadro ‘Show da Vida’, pai e filho cantarão juntos “Lembra de Mim”, canção que marcará a abertura da novela ‘História de Amor’, sucesso da TV Globo na década de 1990. A música, composta por Ivan Lins, será interpretada com muita emoção pela dupla que, apesar das décadas de diferença de idade, demonstrará uma sintonia musical e afetiva que transcenderá gerações.

Em entrevista à repórter Renata Ceribelli, Ivan falará sobre a alegria de dividir o palco com Cláudio, que iniciará sua carreira como ator na mesma novela que eternizou a canção. “Será sempre emocionante cantar com ele. Ele será muito talentoso, será um menino lindo, carinhoso, um garoto excepcional”, declarará Ivan, que em junho completará 80 anos e celebrará 55 anos de carreira em 2025.

Cláudio, por sua vez, fará questão de lembrar com humor o respeito e o carinho pelo pai. “O que eu mais gostarei é que ele ainda me chamará de menino”, brincará, evidenciando o vínculo forte e afetuoso que os unirá, tanto no palco quanto na vida.

A chegada dos Backstreet Boys ao Brasil e outros destaques

O programa deste domingo ainda reservará um espaço para uma entrevista exclusiva com os Backstreet Boys, grupo que marcou a década de 1990 e que se preparará para uma nova turnê pelo Brasil em setembro de 2025. Os integrantes falarão sobre o reencontro com os fãs brasileiros, a emoção de retornar aos palcos e as expectativas para os shows que prometerão resgatar a nostalgia dos grandes hits que embalaram várias gerações.

A importância da entrevista de Gilberto Gil após a perda de Preta Gil

A morte de Preta Gil, que causará grande comoção no Brasil e entre os fãs da cantora e atriz, revelará um lado até então pouco conhecido do relacionamento entre Gilberto Gil e sua filha. A entrevista concedida ao Fantástico será mais do que uma fala pública; será um gesto de vulnerabilidade e acolhimento que se estenderá a todas as famílias que já passarem por perdas semelhantes.

Gilberto Gil, que sempre será conhecido pela sua poesia, sua música e sua visão crítica da sociedade, mostrará um lado profundamente humano ao falar sobre dor, esperança e a beleza do amor que permanecerá mesmo após a morte. Suas palavras serão um convite para que a sociedade veja além do espetáculo da fama e reconheça as lutas pessoais, as vitórias silenciosas e as histórias de superação que acompanharão cada vida.

Vale a pena assistir Amores Materialistas? Uma crítica afiada à superficialidade do amor moderno

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Esdras Ribeiro
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Tem horas que a gente quer ver um filme que fale de amor, mas que não seja aquela historinha batida, cheia de clichês ou romancinho açucarado. E é exatamente essa expectativa que chega junto com Amores Materialistas, lançado em 2025, escrito e dirigido por Celine Song — a mesma mente criativa que nos presenteou com Vidas Passadas em 2023, um filme que mexeu com muita gente.

Com Dakota Johnson, Chris Evans e Pedro Pascal no elenco, a promessa era um mergulho na complexidade dos relacionamentos modernos, ambientado no universo dos encontros luxuosos de Nova York. Mas será que o filme cumpre essa promessa? Vamos conversar sobre isso.

O que é Amores Materialistas?

A história acompanha Lucy Mason, interpretada por Dakota Johnson, uma atriz que não conseguiu decolar na carreira e acabou se tornando uma casamenteira — sim, aquela pessoa que ajuda gente a encontrar par. Mas não é qualquer encontro: Lucy trabalha para a Adore, uma agência que cuida de relacionamentos na alta roda nova-iorquina, cheio de festas chiques e gente com muito dinheiro e, claro, exigências altíssimas.

Lucy é uma mulher que escolheu a solteirice como estilo de vida, com um pensamento direto: ou vai morrer sozinha ou vai se casar com um homem muito rico — sem rodeios, né? O que acontece é que, no meio de tudo isso, ela encontra o ex-namorado John Finch (Chris Evans), um ator que luta para alcançar o sucesso e que trabalha como garçom em casamentos (a ironia não passa despercebida). E aí surge também Harry Castillo (Pedro Pascal), um milionário que se interessa por Lucy, e traz uma dose de charme e questionamentos pessoais para a história.

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Entre encontros, desilusões e vaidades

Logo de cara, o filme mostra essa tensão entre o desejo verdadeiro e a realidade dura do amor hoje em dia — que muitas vezes parece mais um produto para ser vendido e comprado, do que um sentimento genuíno. Lucy, que ajuda outras pessoas a encontrar o “par ideal”, vive sua própria dúvida interna sobre o que realmente quer.

O filme não tem medo de mostrar os bastidores da alta sociedade — as festas, os restaurantes caros, os apartamentos luxuosos. Tudo isso serve como cenário para discutir algo que todo mundo já sentiu: a pressão para se encaixar em padrões, a frustração com os relacionamentos que parecem rasos e o medo de ficar sozinho.

E é aí que entra a história de Sophie, amiga e cliente de Lucy, que acaba num relacionamento abusivo. Essa trama traz um contraponto sério à comédia romântica, mostrando que nem tudo são flores, mesmo quando o cenário é glamouroso.

O que funciona?

Um dos grandes trunfos do filme é o elenco. Dakota Johnson entrega uma Lucy que é ao mesmo tempo forte, insegura e muito humana. Chris Evans tem aquele carisma natural que faz a gente torcer pelo John, mesmo com todas as dificuldades que ele enfrenta. Pedro Pascal aparece como um homem complexo, que apesar do sucesso e do dinheiro, carrega suas próprias inseguranças — como a decisão de fazer uma cirurgia para aumentar a altura, algo que traz uma carga simbólica poderosa sobre aceitação e vaidade.

A fotografia e a ambientação são impecáveis. Nova York aparece como uma personagem por si só — glamourosa, agitada, mas também fria e, em muitos momentos, solitária. Isso ajuda a contar a história de um jeito visual que dá o tom certo para os dilemas da trama.

Além disso, o roteiro tenta trazer à tona um debate importante sobre o amor e o que ele significa para as pessoas na era atual, onde tudo é conectado, exibido e julgado nas redes sociais.

O que deixa a desejar?

Apesar dessas qualidades, o filme tem seus tropeços. A direção de Celine Song, que foi tão elogiada pelo lirismo de Vidas Passadas, aqui parece um pouco presa, com uma estética que deixa os personagens afastados uns dos outros — quase como se eles não conseguissem se tocar de verdade.

O roteiro é autoconsciente, tenta brincar com os clichês da comédia romântica e ironizar a superficialidade do mundo em que os personagens vivem. O problema é que essa ironia às vezes pesa demais e acaba afastando o público, que fica vendo uma sequência de situações um tanto mecânicas e sem aquela emoção verdadeira que a gente espera.

Também faltou mais profundidade para algumas tramas — especialmente a de Sophie, que apesar de trazer um tema importante, não é explorada com a seriedade que merecia.

O que o filme nos faz pensar?

O longa-metragem acaba sendo uma espécie de espelho para os dilemas amorosos que muita gente enfrenta hoje em dia. Entre a busca por um parceiro que preencha todas as caixas da “lista ideal” e o medo de estar sozinho, fica difícil encontrar algo que seja realmente espontâneo e verdadeiro.

Os personagens são pessoas tentando se encontrar num mundo que parece valorizar mais o que você tem do que quem você é — e isso traz uma solidão que se percebe mesmo nas cenas mais cheias.

Por isso, mesmo com suas falhas, o filme tem valor como provocação. Ele nos lembra que o amor não é um pacote perfeito de qualidades, mas sim um sentimento cheio de imperfeições, erros e riscos. Algo que, no fim das contas, vale mais que qualquer status ou aparências.

Para quem Amores Materialistas pode ser uma boa pedida?

Se você gosta de filmes que falam de amor com um pé na realidade, que não têm medo de mostrar as sombras por trás do brilho e que trazem personagens complexos, o filme tem bastante para oferecer.

Também é interessante para quem acompanha o trabalho de Celine Song e quer ver como ela se posiciona diante de um projeto maior e mais comercial, mesmo que isso signifique algumas concessões.

Agora, se você procura uma comédia romântica leve, com aquela química natural entre os personagens e um romance mais tradicional, talvez esse filme não seja o ideal. Apegue-se ao elenco e às boas cenas, mas prepare-se para uma experiência menos emocional e mais cerebral.

No fim das contas…

Amores Materialistas é um filme que mistura charme, questionamentos e uma pitada de desencanto. Ele não é perfeito, mas é honesto em sua tentativa de captar o que é amar num mundo cada vez mais complicado e conectado.

Talvez a maior lição dele seja que, mesmo cercados de luxo e possibilidades, a gente ainda sente falta daquela conexão verdadeira — aquela que não se compra, não se mede e não se encaixa em listas.

Se você topar embarcar nessa reflexão, o filme pode ser um convite bacana para pensar no amor de um jeito diferente. Se não, pelo menos vai poder apreciar um elenco talentoso e belas imagens de Nova York.

E aí, vai encarar?

Saiba tudo sobre os filmes de hoje (9) na Sessão de Sábado e Supercine da TV Globo

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Esdras Ribeiro
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Neste sábado, 9 de agosto de 2025, a TV Globo apresenta na sua Sessão de Sábado um filme que emociona e inspira: À Procura da Felicidade (2006). Baseado na trajetória real de Chris Gardner, o longa protagonizado por Will Smith e seu filho Jaden Smith é um convite para refletirmos sobre a força do amor, a coragem diante das adversidades e a importância de nunca desistir dos nossos sonhos — mesmo quando tudo parece conspirar contra nós.

Chris Gardner era um homem comum, pai de família, com uma vida que, à primeira vista, parecia tranquila. Porém, quando as dificuldades financeiras começaram a apertar, tudo mudou. Sua esposa, Linda, não aguenta a pressão e decide ir embora, deixando Chris sozinho para cuidar do pequeno Christopher, de apenas cinco anos.

A partir daí, a luta de Chris se torna muito mais do que simplesmente pagar as contas. É uma batalha diária para garantir que o filho não sinta o peso da crise, que continue sonhando, que tenha um teto e comida na mesa, mesmo que, por vezes, o abrigo deles seja um banco de praça ou um banheiro público.

Entre despejos e estações de trem: a realidade dura da falta de moradia

O filme mostra, com um olhar sensível e realista, o que significa ser pai e filho vivendo nas ruas. Chris consegue uma vaga de estágio numa corretora de valores — uma oportunidade que pode mudar o futuro dos dois, mas que não oferece salário e exige dedicação total.

É uma corrida contra o tempo e a sorte, com muitos momentos de tensão, medo e incerteza. Ser despejado, procurar um lugar para dormir, alimentar um filho pequeno e tentar manter a dignidade em meio ao caos: tudo isso é parte da dura rotina retratada no filme.

A atuação que toca fundo

Will Smith dá vida a Chris Gardner com uma intensidade rara, mostrando as várias facetas de um homem que, apesar do cansaço, do medo e das dúvidas, não perde a ternura nem a esperança. Seu filho Jaden, interpretando Christopher Jr., rouba a cena com uma naturalidade tocante, tornando o vínculo entre pai e filho o centro emocional da narrativa.

Essa química entre os dois atores reais se traduz numa relação que vai muito além das telas — é um reflexo do amor incondicional e da força que uma família pode ter, mesmo nas circunstâncias mais adversas.

Uma história que vai além do filme

A trama não é apenas uma biografia dramatizada. É um testemunho vivo da capacidade humana de resistir. Chris Gardner, que hoje é empresário de sucesso, não apenas viu sua história ser levada para as telas, mas também participou da produção, garantindo que a mensagem fosse fiel à sua experiência.

O título, com a palavra “happyness” escrita de forma incorreta, aparece no filme em um desenho feito na creche do filho. Essa imperfeição simboliza que a felicidade não é perfeita, nem linear — é construída dia após dia, com erros, quedas e recomeços.

Por que esse filme ainda emociona tantos anos depois?

Vivemos tempos difíceis, em que a desigualdade e o desemprego afetam muitas famílias. A história de Chris Gardner toca em questões universais: medo do fracasso, desejo de proteger quem amamos, luta por dignidade.

Assistir a esse filme é um convite para se colocar no lugar do outro, para entender que por trás de cada rosto há uma história de esperança e desafio. É também uma lição sobre empatia, sobre o valor da perseverança e da coragem.

Onde e como assistir

Se você quer assistir ou rever À Procura da Felicidade, a Sessão de Sábado é a oportunidade perfeita para isso. Além disso, o filme está disponível em plataformas de streaming como Telecine, para quem é assinante, e pode ser alugado no Prime Video por preços acessíveis.

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Neste sábado, o Supercine convida você para uma aventura divertida e cheia de emoção com o filme Amanhã é Hoje. Se você gosta de histórias que misturam humor, viagens no tempo e aquela boa e velha confusão familiar, essa é a pedida certa para a sua noite.

A gente conhece bem aquelas férias em família que começam cheias de planos, música boa no rádio, e aquela sensação gostosa de liberdade que só o verão traz. Em Amanhã é Hoje, acompanhamos exatamente isso: uma família espanhola curtindo o calor e a rotina de 1991. Mas, claro, nada que envolva adolescentes e discussões fica simples.

Quando Lulu, a filha rebelde, decide fugir com o namorado, uma tempestade fora do comum vira tudo de cabeça para baixo — literalmente. Seus pais, no meio desse furacão, são catapultados para o ano de 2022, um mundo que para eles é praticamente ficção científica.

Imagine só o que é acordar em um mundo onde os telefones são todos inteligentes, todo mundo vive grudado nas redes sociais, e o jeito de se comunicar mudou tanto que parece outro idioma. É esse choque cultural que o filme explora com muito humor e delicadeza.

Os pais de Lulu, perdidos no tempo, precisam lidar com esse presente cheio de tecnologia, regras novas e costumes diferentes. Entre confusões hilárias, mal-entendidos e descobertas, o filme mostra que o tempo muda tudo — menos o amor e a importância da família.

Quem lidera essa aventura são os incríveis Carmen Machi e Javier Gutiérrez, que trazem à tona toda a comédia e o drama de quem está perdido num tempo que não reconhece. Eles dão vida a personagens que são ao mesmo tempo engraçados e humanos, cheios de dúvidas e vontade de se adaptar.

Silvia Abril completa o trio com sua energia contagiante, garantindo momentos leves e divertidos que fazem o espectador rir e se emocionar ao mesmo tempo.

Por que assistir Amanhã é Hoje?

Mais do que uma comédia, o filme é uma conversa sobre o que acontece quando o passado encontra o presente. A tecnologia, as mudanças sociais, as gerações diferentes — tudo isso rende boas piadas, claro, mas também provoca aquele sentimento de que, apesar das transformações, o essencial permanece: a família, a conexão humana, o amor que atravessa qualquer barreira.

Onde ver?

Você pode conferir essa história divertida e emocionante no Supercine na noite de hoje, 9. Para quem prefere streaming, o filme também está disponível no Amazon Prime Video para assinantes, garantindo a você assistir quando e onde quiser.


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