Primeiras imagens do filme live-action de The Legend of Zelda redefinem as expectativas e inauguram uma nova era para a Nintendo nas telonas

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As primeiras imagens oficiais do aguardado live-action de The Legend of Zelda finalmente foram reveladas — e, pela primeira vez desde o anúncio do projeto, o público consegue visualizar com clareza a direção artística escolhida para a adaptação. Até então, o debate era guiado por rumores, vídeos amadores de bastidores e muita especulação. Agora, com conteúdo autorizado e cuidadosamente produzido, o filme deixa o campo da suposição e passa a ocupar um espaço concreto no imaginário do público. As informações são do Caderno POP.

O momento da divulgação não é acidental. Ela chega logo após a confirmação do início das filmagens, marcando um ponto de virada na estratégia de marketing da Nintendo e da Sony. A liberação das imagens funciona como um gesto de confiança: mostra que as equipes estão seguras do que estão construindo e que desejam convidar os fãs a acompanhar o processo desde cedo — mas sem revelar mais do que o necessário.

Um elenco jovem diante de uma das histórias mais emblemáticas dos games

Marcado para estrear em 7 de maio de 2027, o longa apresenta Benjamin Evan Ainsworth como Link. O ator, que vem se destacando por performances sensíveis em personagens complexos, assume aqui talvez o papel mais desafiador de sua carreira. Link é, simultaneamente, um símbolo da bravura e um herói silencioso — características que exigem expressividade corporal e emocional mesmo com pouquíssimas falas.

Ao lado dele, Bo Bragason interpreta a Princesa Zelda, uma decisão de casting celebrada por muitos fãs. A personagem, frequentemente responsável pela carga mítica, política e espiritual das narrativas da franquia, parece assumir um papel de protagonismo amadurecido nas imagens iniciais. A postura firme, a expressão determinada e um figurino que combina elementos clássicos a tecidos mais contemporâneos sugerem uma abordagem que respeita a essência dos jogos, mas procura expandi-la para o cinema.

A química entre os intérpretes é um dos pontos mais aguardados, já que Zelda não é apenas uma história de aventura: é também uma narrativa sobre alianças, confiança e sacrifícios compartilhados.

A direção de Wes Ball e o desafio de uma mitologia que atravessa gerações

A responsabilidade criativa está nas mãos de Wes Ball, diretor conhecido por construir mundos com ambição visual e profundidade atmosférica. Sua experiência em Maze Runner e, sobretudo, em Planeta dos Macacos: O Reinado reforça sua habilidade em equilibrar tecnologia, emoção e grandiosidade.

Em Zelda, o desafio é ainda maior. Hyrule não é um reino qualquer: é um universo com múltiplas eras, lendas, civilizações e símbolos que definem a própria identidade da franquia desde 1986. Transportar esse ecossistema para o cinema exige não apenas técnica, mas compreensão cultural.

As primeiras imagens reveladas mostram que o projeto parece estar trilhando um caminho coerente. A paleta de cores, as texturas dos figurinos e o uso de iluminação natural evocam a sensação de desbravamento presente em Breath of the Wild e Tears of the Kingdom. As orelhas pontudas dos Hylians, o traje de Link e o ambiente aberto — amplos campos, nuvens altas, grama realista — apontam para uma adaptação que não tem vergonha de ser fiel ao que os fãs conhecem.

O silêncio sobre a trama é parte da estratégia

Apesar de a produção ter se tornado mais transparente com a divulgação das imagens, o enredo continua sendo o aspecto mais bem guardado do filme. A franquia The Legend of Zelda possui dezenas de jogos, múltiplas linhas do tempo e interpretações variadas sobre a origem e a evolução dos personagens. Qual caminho o longa vai seguir permanece um mistério — e isso tem sido uma vantagem estratégica.

A herança de uma franquia monumental

The Legend of Zelda é uma das séries mais influentes da história dos videogames. Títulos como Ocarina of Time redefiniram padrões de jogabilidade e narrativa na década de 1990, enquanto Breath of the Wild revolucionou a forma como os jogadores interagem com mundos abertos no século XXI. Esse legado monumental significa que o filme não pode ser apenas mais uma adaptação — ele precisa dialogar com décadas de memórias, expectativas e afetos.

A presença de Shigeru Miyamoto na produção reforça essa responsabilidade. Criador de Zelda e um dos nomes mais importantes da Nintendo, Miyamoto atua como guardião criativo, assegurando que decisões fundamentais preservem a identidade da franquia. Seu envolvimento indica que não haverá concessões fáceis e que o foco está em construir um filme que converse tanto com fãs veteranos quanto com novos públicos.

Wicked: Parte 2 chega aos cinemas brasileiros com sessões antecipadas e energia de superprodução

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O mundo de Oz volta a ganhar vida nas telonas: Wicked: Parte II estreia oficialmente nesta quinta, 20 de novembro, nos cinemas brasileiros. Mas para os fãs mais ansiosos, a Universal confirmou sessões antecipadas em todo o país já nesta quarta, 19 de novembro, permitindo que o público viva o próximo capítulo da jornada de Elphaba e Glinda antes do lançamento global.

A divulgação do filme também passou pelo Brasil. No início de novembro, São Paulo recebeu a primeira parada da turnê mundial de Wicked: Parte II, com a presença do diretor Jon M. Chu, da atriz Cynthia Erivo (Elphaba) e do ator Jonathan Bailey (Fiyero). O evento, pensado especialmente para fãs e imprensa, foi realizado pela Universal Pictures em parceria com a TV Globo, reforçando a força da franquia no país — que se tornou um dos mercados mais engajados após o sucesso do primeiro longa.

Dirigido novamente pelo premiado Jon M. Chu, o filme é a aguardada continuação do fenômeno cinematográfico de 2024. Na época, o primeiro Wicked conquistou 10 indicações ao Oscar, incluindo Melhor Filme, venceu em Melhor Figurino e Melhor Design de Produção, e ultrapassou a marca de 750 milhões de dólares nas bilheterias do mundo inteiro. Com esse histórico, a sequência chega envolta em grande expectativa, especialmente pelo aprofundamento da transformação de Elphaba na temida Bruxa Má do Oeste.

As protagonistas Ariana Grande (Glinda) e Cynthia Erivo (Elphaba) retornam aos papéis que já se tornaram marcos em suas carreiras. A química entre as atrizes, que foi um dos destaques no primeiro filme, promete ganhar novas camadas — agora com as personagens totalmente divididas por ideais, responsabilidades políticas e o peso de suas escolhas.

O longa-metragem adapta a segunda metade do musical da Broadway de 2003, escrito por Stephen Schwartz e Winnie Holzman, que por sua vez foi inspirado no romance de Gregory Maguire, uma releitura ousada de O Maravilhoso Mágico de Oz, de L. Frank Baum. O filme também dialoga diretamente com o clássico cinematográfico de 1939, mas com a lente moderna apresentada no primeiro capítulo da franquia.

O elenco completo reúne nomes que retornam da primeira parte: Jonathan Bailey (“Bridgerton”), Ethan Slater (“Spamalot”, “SpongeBob SquarePants: The Broadway Musical”), Bowen Yang (“Saturday Night Live”, “Fire Island”), Marissa Bode (“Float”), Michelle Yeoh (“Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo”, “A Escola do Bem e do Mal”) e Jeff Goldblum (“Jurassic Park”, “Independence Day”). A grande novidade é Colman Domingo (“Rustin”, “Fear the Walking Dead”), que se junta à produção interpretando um personagem central nos conflitos políticos da Terra de Oz.

Ambientada antes e durante eventos ligados à chegada da jovem Dorothy Gale, a trama acompanha Elphaba enquanto ela tenta sobreviver como fugitiva — ainda lutando pela defesa dos Animais, agora do lado oposto da lei e da opinião pública. Glinda, por outro lado, vive as pressões de ser a “Boa”, figura pública constantemente observada pelo Mágico e por Madame Morrible. As tensões entre as duas, somadas à ameaça iminente de mudanças profundas em Oz, pavimentam um enredo emocional, épico e sensorial.

O projeto de adaptação cinematográfica de Wicked existe desde 2012, mas foi adiado inúmeras vezes, sobretudo pela pandemia. As protagonistas foram anunciadas em 2021, e as filmagens de ambas as partes ocorreram juntas na Inglaterra a partir de dezembro de 2022. A greve do SAG-AFTRA em 2023 interrompeu a produção, que só foi concluída em janeiro de 2024.

O filme teve sua première mundial no Suhai Music Hall, em São Paulo, no último dia 4 de novembro, reafirmando a importância do Brasil no circuito global da franquia. O lançamento nos Estados Unidos está marcado para 21 de novembro.

A expectativa do público é enorme — e os números confirmam isso. Os ingressos começaram a ser vendidos em 8 de outubro, e em menos de 24 horas o longa se tornou a maior pré-venda do ano segundo a Fandango, superando títulos como Demon Slayer: Infinity Castle, Superman e até o projeto musical de Taylor Swift. O filme também quebrou recordes como a maior pré-venda de um filme livre para todas as idades e entrou para o ranking das dez maiores pré-vendas da história da plataforma.

Tom & Jerry: Uma Aventura no Museu divulga novo trailer e anuncia estreia em janeiro de 2026

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Após décadas encantando gerações com suas trapalhadas inesquecíveis, o icônico gato Tom e o esperto rato Jerry estão de volta às telonas em Tom & Jerry: Uma Aventura no Museu, longa que estreia em 8 de janeiro de 2026, com distribuição da Imagem Filmes. O novo filme celebra não apenas a energia e o humor que tornaram os personagens mundialmente famosos, mas também marca uma data especial: os 85 anos da criação de Tom e Jerry, assinada por William Hanna e Joseph Barbera.

Uma trama que mistura fantasia e comédia clássica

No longa, Jerry, movido pela curiosidade que sempre o caracterizou, se envolve em uma missão para desvendar os segredos de uma misteriosa Bússola Mágica escondida no museu. Ao mesmo tempo, Tom assume o papel de segurança do local, determinado a impedir que seu eterno rival cause mais confusões. Mas, como já era de se esperar, a situação rapidamente foge do controle. Ambos são transportados para um mundo mágico, desconhecido e fascinante, onde Tom é confundido com um mensageiro divino e passa a ser venerado pelos habitantes locais. Paralelamente, Jerry encontra um rato carismático, mas cheio de segredos, que coloca sua astúcia à prova.

Essa premissa permite que o longa misture aventura, comédia e ternura, proporcionando momentos de ação que arrancam risadas e cenas de tirar o fôlego. Diferente de algumas produções recentes que apenas utilizam os personagens em histórias modernas sem grandes desafios, Tom & Jerry: Uma Aventura no Museu aposta na colaboração improvável da dupla: pela primeira vez em muito tempo, Tom e Jerry precisam trabalhar juntos para superar obstáculos, salvar a cidade e, acima de tudo, preservar a amizade que, apesar das disputas clássicas, sempre existiu entre eles.

Nostalgia e inovação lado a lado

Um dos grandes destaques do filme é a maneira como consegue equilibrar o humor físico que consagrou Tom e Jerry com elementos modernos capazes de dialogar com o público contemporâneo. Crianças de hoje, acostumadas com efeitos visuais impressionantes e narrativas ágeis, encontrarão diversão nas perseguições inesperadas, nas armadilhas mirabolantes e nos cenários coloridos que transformam o museu em um palco de magia e caos. Já os adultos terão a oportunidade de se reconectar com a nostalgia das situações clássicas: os olhares irônicos, os gestos exagerados, as trombadas e os planos mirabolantes que, ao longo de décadas, definiram a identidade da dupla.

Além disso, o longa expande o universo de Tom e Jerry, apresentando novos personagens e ambientes que enriquecem a narrativa. O público é convidado a explorar o museu como nunca antes, descobrindo salas secretas, objetos encantados e criaturas surpreendentes. Cada cenário é cuidadosamente construído para proporcionar uma experiência visual imersiva, capaz de transportar os espectadores para dentro do filme, transformando cada perseguição e confusão em um espetáculo para os olhos.

A magia de uma dupla atemporal

O que torna Tom e Jerry tão especiais é sua capacidade de se reinventar sem perder a essência. Desde sua primeira aparição, eles conquistaram públicos de todas as idades com o humor físico, a criatividade dos roteiros e a química entre o gato e o rato. Uma Aventura no Museu mantém essa tradição, enquanto acrescenta camadas de emoção e narrativa que fortalecem a relação entre os personagens e tornam a história mais rica.

O filme também funciona como uma celebração da própria história da animação. Ao longo de 85 anos, Tom e Jerry passaram por diversas adaptações — de curtas clássicos a séries de televisão e filmes híbridos com atores reais. Cada geração encontrou algo único na dupla: para alguns, era o divertimento puro das perseguições; para outros, a capacidade de rir da absurda rivalidade entre dois personagens tão diferentes e, ainda assim, inseparáveis. Com este novo longa, essa tradição continua, mostrando que, mesmo após quase um século, Tom e Jerry ainda conseguem encantar e divertir.

Dirigido por Gang Zhang, conhecido por seu trabalho em animações que combinam ação, comédia e efeitos visuais inovadores, o filme aposta em um estilo que agrada tanto o público infantil quanto o adulto. A combinação de animação tradicional com recursos digitais de última geração cria sequências dinâmicas e visualmente impressionantes. Cada detalhe — desde a textura das obras de arte no museu até a expressividade de Tom e Jerry — foi cuidadosamente pensado para enriquecer a experiência cinematográfica.

Crítica – Five Nights at Freddy’s 2 é um avanço divertido, nostálgico e limitado por suas próprias escolhas

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“Quero ver o que tem dentro da sua cabeça.” A frase ecoa no escuro e sintetiza bem o espírito de Five Nights at Freddy’s 2, um filme que busca acessar o imaginário de quem cresceu com a franquia, explorando memórias, sustos e aquela combinação inconfundível de pânico e fascínio que marcou milhões de jogadores. Dentro dessa proposta, o longa dirigido por Emma Tammi dá um passo mais seguro em relação ao filme anterior. Não é mais ousado, mas é mais consciente do material que tem em mãos.

O grande mérito desta continuação é sua habilidade de transformar referências em atmosfera. A produção não insere apenas easter eggs; ela recria sensações. Os sons metálicos dos animatrônicos, os movimentos bruscos, as luzes defeituosas e os enquadramentos que remetem diretamente às câmeras do jogo ajudam a construir um ambiente que parece genuinamente pertencente ao universo de FNAF. Para quem considera o segundo jogo o ponto alto da franquia, existe uma nostalgia palpável. Cada detalhe visual e sonoro parece projetado para provocar aquele frio familiar na espinha, como se a infância – ou adolescência – retornasse por alguns instantes.

Ainda assim, o filme permanece preso a uma limitação importante. Five Nights at Freddy’s sempre foi conhecido pela combinação de tensão psicológica com violência explícita. Aqui, novamente, o gore é evitado de forma evidente. Cenas que deveriam atingir um impacto mais duro são interrompidas antes do auge, e a estética permanece cuidadosamente controlada para não ultrapassar uma classificação indicativa acessível ao público mais jovem. Essa escolha, embora compreensível do ponto de vista comercial, reduz parte do potencial do terror. Falta peso ao que deveria ser aterrorizante.

Apesar disso, FNAF 2 apresenta avanços narrativos em relação ao primeiro filme. O roteiro é mais coeso, a mitologia é desenvolvida com maior clareza e há mais atenção à lógica interna da história. O percurso dramático ainda é previsível, mas funciona melhor justamente porque a obra abandona qualquer timidez e assume sua vocação de fan service. Em vez de tentar agradar a todos, o filme se concentra em agradar quem realmente importa: o fã que conhece os jogos, acompanha teorias e aguarda há anos para ver determinadas cenas ganharem vida.

Essa honestidade acaba sendo um dos pontos altos. Five Nights at Freddy’s 2 não tenta reinventar o terror. Não pretende ser mais profundo do que realmente é. Sua intenção é divertir, provocar sustos moderados e alimentar o entusiasmo da base de fãs. Para quem nunca teve contato com os jogos, o longa pode soar como um terror adolescente convencional, com criaturas bizarras e enredo por vezes confuso. Para quem jogou, porém, é como revisitar um espaço temido, mas curiosamente acolhedor.

O elenco também funciona melhor nesta continuação, beneficiado por um roteiro que permite mais tensão e interação entre os personagens. Os animatrônicos continuam sendo o grande chamariz visual da franquia e, aqui, parecem ainda mais presentes, expressivos e ameaçadores.

Love Alert estreia dia 28 e apresenta novo BL tailandês com romance marcado por tensão e provocações

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O cenário dos dramas BL ganha um novo título em 2025 com a estreia de Love Alert, marcada para o dia 28. Adaptada do romance Mi Kham Tuean Prot Ramatrawang, de Nottakorn, a série aposta em uma narrativa onde interesses pessoais, disputas de ego e convivência forçada dão origem a um romance silencioso e inesperado.

Criada por Nottakorn, que também assina a obra literária original, a produção segue uma linha mais realista dentro do gênero BL, valorizando o desenvolvimento psicológico dos personagens e as transformações que ocorrem a partir do contato humano. Em vez de grandes declarações, Love Alert constrói sua força nos detalhes e na tensão emocional constante.

Em Love Alert, os personagens se aproximam inicialmente movidos por conveniência e objetivos pessoais. Nenhum deles busca, de fato, um envolvimento emocional, mas a convivência diária acaba quebrando defesas e revelando sentimentos que surgem de forma gradual. A série aposta em olhares, silêncios e confrontos verbais para desenvolver seus romances, evitando soluções rápidas ou idealizadas.

A produção conta com um quarteto protagonista, formado por James Hayward Prescott (Cara mau, meu chefe, 14 Novamente, Episódio especial do Bad Guy My Boss), Kad Ploysupa (Grande Dragão: O Seriado, Geração Y 2, Colega de quarto ruim), David Matthew Roberts (A Lua Oculta, Mi Kham Tuean Prot Ramatrawang) e Fam Thanuphat Poungsuwan (Tritão Amante), que conduzem os principais conflitos e relações da história. A dinâmica entre os personagens se constrói a partir de provocações constantes, jogos de poder e aproximações calculadas, criando um clima de tensão emocional que se transforma ao longo dos episódios.

Inserida no momento de forte expansão dos BLs tailandeses no mercado internacional, a série chega como uma aposta promissora para o público que busca histórias mais maduras, com conflitos bem definidos e relações construídas passo a passo. Com estreia marcada para o dia 28, Love Alert promete conquistar fãs ao mostrar que, às vezes, o amor nasce exatamente onde ninguém está preparado para sentir.

Resenha – O Coração de Uma Mulher de Maya Angelou

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No universo literário, algumas obras se destacam não apenas pela narrativa envolvente, mas pela capacidade de transpor as fronteiras da ficção e tocar a essência da experiência humana. É exatamente essa proeza que Maya Angelou alcança em seu mais recente trabalho, “O Coração de Uma Mulher”. Recebi com antecedência para resenhar o livro, que chega às prateleiras sob a chancela da Editora Astral Cultural, e promete ser um marco na literatura contemporânea.

A narrativa, habilmente entrelaçada com referências culturais e históricas de peso, mergulha na jornada de uma mulher em busca de sua identidade, navegando pelas complexidades da vida e pelas vicissitudes do amor e da liberdade. Maya Angelou nos conduz por uma viagem que se torna, de certa forma, a jornada de muitas mulheres, revelando os desafios sociais, as dores e os triunfos que moldam suas vidas.

Partindo da Califórnia em direção à efervescente cidade de Nova York, acompanhamos a protagonista em sua imersão na sociedade e no mundo dos artistas e escritores negros. É no seio desse ambiente pulsante que ela encontra não apenas camaradagem, mas também engajamento político, integrando-se à luta pelos direitos dos afro-americanos. Angelou, com sua prosa poética e visceral, retrata não apenas o panorama cultural da época, mas também as profundezas da alma feminina e os dilemas enfrentados por uma mãe negra nos Estados Unidos.

Um dos aspectos mais cativantes do livro é a maneira como Angelou tece sua narrativa em torno das relações humanas. O leitor é apresentado a uma galeria de personagens marcantes, desde figuras históricas como Billie Holiday e Malcolm X até indivíduos fictícios que ecoam a vida em suas mais diversas nuances. É nesse intricado tecido de relações que se desenrola a jornada da protagonista, pontuada por encontros e despedidas, amores e desilusões.

No entanto, não são apenas os personagens que conferem profundidade à trama. A própria escrita de Angelou, carregada de emoção e lirismo, é um convite à reflexão sobre temas como identidade, pertencimento e resistência. Em suas páginas, encontramos passagens que nos transportam para além do tempo e do espaço, fazendo-nos sentir como se estivéssemos imersos na própria pele da protagonista.

É verdade que, em alguns momentos, a narrativa pode parecer superficial, deixando questões importantes apenas esboçadas. No entanto, essa aparente lacuna é compensada pela riqueza de detalhes e pela intensidade das emoções que permeiam cada página. Maya Angelou nos brinda com uma obra que, mesmo em seus momentos mais fugazes, ressoa com a autenticidade da experiência humana.

“O Coração de Uma Mulher” é mais do que um simples relato de vida; é um testemunho poderoso da resiliência e da determinação feminina, uma ode à força que reside no âmago de cada mulher. Maya Angelou, com sua prosa magistral, convida-nos a mergulhar nas profundezas do ser feminino e a descobrir, através das palavras, a beleza e a complexidade de uma jornada compartilhada.

Uma obra que transcende as fronteiras do tempo e do espaço, tocando o cerne da experiência humana de forma poética e profunda. Maya Angelou prova ser uma voz marcante da atualidade, oferecendo-nos um vislumbre da alma feminina e convidando-nos a refletir sobre o que significa ser mulher em um mundo repleto de desafios e possibilidades.

Duna: Parte Dois retorna aos cinemas brasileiros em exibição especial

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Se você perdeu Duna: Parte Dois na primeira rodada ou quer reviver essa experiência épica na tela grande, aqui vai uma ótima notícia: o filme retorna aos cinemas brasileiros entre 27 de fevereiro e 6 de março para uma exibição especial! O relançamento chega em grande estilo, logo após a produção garantir cinco indicações ao Oscar 2025, incluindo Melhor Filme, Melhor Design de Produção e Melhores Efeitos Visuais.

Sob a direção de Denis Villeneuve, a sequência acompanha Paul Atreides (Timothée Chalamet) em sua jornada ao lado dos Fremen e de Chani (Zendaya), enquanto enfrenta desafios colossais para lutar pelo destino de Arrakis. O elenco ainda traz nomes de peso como Rebecca Ferguson, Josh Brolin, Austin Butler, Florence Pugh, Léa Seydoux, Christopher Walken e Javier Bardem, tornando essa superprodução ainda mais grandiosa.

Com impressionantes 92% de aprovação no Rotten Tomatoes, Duna: Parte Dois conquistou fãs e críticos, sendo aclamado por sua estética deslumbrante, narrativa intensa e performances marcantes. Essa reexibição é a chance perfeita para mergulhar de novo (ou pela primeira vez) nesse universo fascinante, agora no melhor formato possível: a tela do cinema.

Mas corre, porque essa volta é por tempo limitado e só em salas selecionadas! Para garantir seu ingresso, confira a programação da sua cidade.

Sensacional 21/04/2025: Cassio Scapin fala sobre os bastidores e efeitos de Castelo Rá-Tim-Bum

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Quem cresceu nos anos 90 certamente guarda com carinho na memória o rosto do Nino, o aprendiz de feiticeiro de 300 anos que morava em um castelo cheio de criaturas excêntricas e passagens secretas. Pois é, Cassio Scapin, o ator por trás desse personagem icônico do Castelo Rá-Tim-Bum, reviveu essas lembranças cheias de magia, emoção e até tensão no programa Sensacional, apresentado por Daniela Albuquerque, que vai ao ar nesta segunda-feira, 21 de abril. E a conversa foi daquelas que misturam nostalgia, bastidores surpreendentes e reflexões profundas sobre a carreira e a vida.

Cassio contou como foi dar vida ao Nino durante os anos em que o seriado foi exibido pela TV Cultura, entre 1994 e 1997. Quase três décadas depois, ele ainda se emociona ao falar da conexão com o público — principalmente as crianças, que simplesmente o idolatravam. E não era só na telinha não: a peça “Castelo Rá-Tim-Bum em: Onde Está o Nino?”, lançada em 1997, arrastou multidões. “Às vezes, eu precisava de segurança pra sair do teatro. Tinha criança que fazia carreata atrás de mim! Era lindo, mas ao mesmo tempo, bem louco”, relembrou, ainda surpreso com o tamanho da devoção dos pequenos fãs.

Mas nem tudo eram sorrisos e varinhas mágicas. Cassio também abriu o jogo sobre um momento tenso que viveu nos bastidores: uma apresentação no Parque Ibirapuera, em São Paulo, terminou em susto. “A van em que a gente estava foi cercada e sacudida por uma multidão. A gente ficava muito apreensivo, porque tinha pai com criança no colo no meio da confusão. Era assustador ver a comoção virar algo perigoso”, contou, demonstrando o quanto a fama pode ser intensa — e até arriscada.

Apesar de nunca ter planejado atuar para o público infantil, ele admite que o desafio foi um divisor de águas na sua carreira. “Virou uma coisa absurda. O espetáculo ficou em cartaz por uns cinco, seis anos. Lotava estádios! Tinha dia que eu saía direto do palco pro banheiro, passando mal de nervoso. Era uma responsabilidade gigante”, revelou o ator, que está comemorando 40 anos de trajetória artística.

Mesmo com tanto carinho do público, Cassio tomou uma decisão que poucos teriam coragem de tomar: se afastou de Nino no auge da popularidade. “Eu precisava seguir em frente, buscar outras possibilidades. Não queria ficar preso a um único personagem. Rompi no auge. Loucura, né? Mas foi necessário. Eu precisava me reinventar”, explicou, mostrando que sua inquietação artística sempre falou mais alto.

Durante o bate-papo, ele também fez questão de levantar um ponto delicado: a forma como os contratos da época foram assinados. Cassio revelou que, apesar do sucesso estrondoso, ele e os colegas de elenco não viram um centavo pelos produtos licenciados ou pela revinculação do programa. “A gente assinou um contrato péssimo, que cedia nossos direitos de imagem de forma vitalícia. Ninguém explicou nada, não tínhamos advogado. Ganhamos para fazer o programa, e só”, disse, com um misto de frustração e desabafo. Rosi Campos, que interpretava a feiticeira Morgana, também já falou sobre isso em outra entrevista ao mesmo programa, reforçando a falta de respaldo jurídico dos atores naquela época.

Mesmo com as dores e aprendizados do passado, o olhar de Cassio sobre o Castelo continua repleto de gratidão. “O Nino continua vivo no coração das pessoas. Onde eu vou, tem sempre alguém que lembra com carinho. E isso… isso não tem preço”, finalizou, com aquele brilho nos olhos de quem sabe que marcou uma geração inteira — e continua encantando outras tantas, mesmo anos depois.

Resumo da novela A Usurpadora de sexta-feira, 02/05 (SBT)

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Capítulo 035 de A Usurpadora – Sexta, 02 de maio de 2025

O primeiro encontro de Paola com a família Bracho é marcado por muitas contradições e desconfortos. Ela tenta se encaixar, mas logo se vê perdida em seu próprio jogo de aparências. Ao ver Estephanie, Paola se espanta com a transformação dela e, em um momento de confusão, pergunta a Leda há quanto tempo ela está na cidade. A resposta de Leda é direta e irônica: “Faz um ano, queridinha! Será que você não percebeu a minha presença?”. O clima entre elas fica tenso, e Paola percebe que as coisas não são tão simples quanto imaginava.

O jantar na mansão Bracho se desenrola em um clima carregado de tensão. Paola tenta se mostrar à vontade, mas é tratada com frieza por Carlos Daniel, que a ignora completamente. Após o encontro, ele se tranca em seu quarto e mergulha em seu diário, buscando algum consolo em meio à confusão. A ausência de Carlinhos também pesa no ambiente, com todos na casa ainda sem saber onde ele está. O menino, embora sem memória, parece estar bem e se sente acolhido pelos novos amigos, especialmente por Isabel, que está decidida a ajudá-lo a encontrar sua família.

Enquanto isso, Paulina continua trabalhando na casa de Osvaldo, mas ainda não se encontrou com ele. Através de uma das empregadas da casa, ela fica sabendo da infelicidade de Lurdes com o marido. As revelações são chocantes: Osvaldo é viciado em jogos, vive bêbado e faz questão de afirmar que Lurdes o comprou com seu dinheiro. A vida de Paulina na casa de Osvaldo se revela cada vez mais sombria e cheia de segredos.

Na fábrica, a presença de Paola causa um grande alvoroço. Sua atitude totalmente diferente da de Paulina a torna uma estranha para todos, e ela logo se mostra desconectada de tudo o que acontece ali. A situação se complica ainda mais quando Paola visita Piedade na mansão. Ela tenta seduzi-la de volta ao vício do álcool, mas falha, o que a deixa extremamente irritada. Quando Carlos Daniel chega à casa, Paola não perde a chance de tentar seduzi-lo novamente, mas é rejeitada. Sua frustração aumenta ao perceber que ela não consegue reconquistar a atenção dele, especialmente porque está obcecada pela ideia de que Paulina tenha mudado sua vida de forma tão profunda.

A situação de Paola se torna ainda mais desesperadora quando ela tenta assediar Willy, que, em uma tentativa de se livrar dela, acaba revelando um segredo importante: Carlos Daniel deseja se divorciar de Paola para se casar com Verônica. Essa informação atinge Paola como um golpe fatal, e a raiva dela cresce ainda mais. A luta de Paola para reconquistar o que sente ser seu é apenas o começo de uma jornada cheia de manipulações e vinganças.

Sequência confirmada! Guy Ritchie assume continuação de Matador de Aluguel com Jake Gyllenhaal

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Depois de conquistar os assinantes do Prime Video, Matador de Aluguel vai ganhar uma sequência — e com um reforço de peso nos bastidores. O renomado cineasta Guy Ritchie, conhecido por sucessos como Snatch: Porcos e Diamantes (2000), Sherlock Holmes (2009) e O Agente da U.N.C.L.E. (2015), foi escalado para dirigir o novo capítulo da história, segundo apuração da Variety.

Ritchie entra no projeto para substituir Doug Liman, diretor do remake original lançado neste ano. Liman, vale lembrar, demonstrou publicamente sua insatisfação com a decisão da Amazon de lançar o longa direto no streaming, sem exibição nos cinemas. Apesar da polêmica, o filme estrelado por Jake Gyllenhaal surpreendeu com ótima repercussão e audiência, o que pavimentou o caminho para uma sequência — agora sob a batuta de um diretor com estilo marcante e muita experiência em ação.

Ainda não há detalhes sobre a trama do novo longa, nem informações sobre quem mais do elenco original retorna ao lado de Gyllenhaal. Mas é certo que a expectativa está alta, especialmente após o sucesso da nova versão, que deu uma cara moderna ao clássico cult dos anos 1980.

Para quem não lembra, Matador de Aluguel (2024) é uma releitura do longa de 1989 estrelado por Patrick Swayze, um ícone do cinema da época. Na nova versão, Gyllenhaal interpreta Dalton, um ex-lutador do UFC que aceita trabalhar como segurança de um bar violento na Flórida, e acaba se envolvendo em uma rede de perigos, corrupção e ação desenfreada. O remake conseguiu equilibrar homenagem e inovação, entregando cenas de luta intensas, carisma e um bom ritmo narrativo.

Com o talento visual e narrativo de Guy Ritchie à frente do próximo capítulo, os fãs podem esperar sequências ainda mais estilizadas, diálogos afiados e, claro, muita pancadaria coreografada com classe. Resta saber agora se a continuação seguirá no streaming ou se a Amazon, diante do sucesso, vai repensar sua estratégia e levar o filme também para as telonas.

Enquanto novidades não chegam, você pode assistir ao Matador de Aluguel no Prime Video — e começar a se preparar para o que vem por aí. Guy Ritchie promete agitar a franquia!

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