Saiba qual filme vai passar na Sessão da Tarde desta quarta (06/08)

0
Foto: Reprodução/ Internet

Em tempos onde a correria do dia a dia parece não dar trégua e as responsabilidades crescem a cada instante, é fácil esquecer o poder transformador da imaginação e da conexão genuína com aqueles que amamos. Pensando nisso, a Sessão da Tarde traz nesta quarta-feira, 6 de agosto de 2025, uma história leve, divertida e profundamente tocante: Imagine Só!, um filme que mistura fantasia e comédia familiar, estrelado pelo carismático Eddie Murphy. A produção, dirigida por Karey Kirkpatrick, não é apenas um entretenimento para toda a família, mas também um lembrete delicado da importância do tempo compartilhado e da escuta verdadeira entre pais e filhos.

Um cenário realista e problemas que muitos conhecem

Segundo informa a sinopse do AdoroCinema, a trama gira em torno de Evan Danielson (Eddie Murphy), um executivo do mercado financeiro que enfrenta uma fase crítica. Após anos dedicando sua vida ao trabalho, Evan vê sua carreira ameaçada por um concorrente agressivo, Johnny Pena Branca (Thomas Haden Church). O peso da profissão, a pressão por resultados e a ansiedade de manter seu cargo começam a tomar conta da sua rotina, tornando cada vez mais difícil encontrar equilíbrio entre vida profissional e pessoal.

Divorciado e afastado da filha Olivia, uma menina introspectiva de 8 anos interpretada pela jovem e talentosa Yara Shahidi, Evan vive um distanciamento afetivo que dói. Olivia, ao contrário do pai, tem um mundo próprio — um universo imaginário repleto de princesas como Kupida, Sopida e a rainha Qwali — e um objeto especial, seu cobertor de estimação, carinhosamente chamado de “betoa”. A relação entre os dois é marcada por uma barreira invisível que a rotina e a falta de diálogo foram construindo com o tempo.

Esse contexto é bastante comum para muitas famílias, tornando a história altamente identificável. Quantos pais e filhos não se veem, em algum momento, desconectados pela correria, pelo trabalho ou até mesmo pelas diferenças de gerações? Imagine Só! aborda isso com uma sensibilidade rara, sem julgamentos, mostrando que a ponte para a reconexão pode estar em lugares inesperados.

O poder da imaginação: uma jornada para dentro do universo infantil

Quando tudo parece perdido, Evan recebe um convite da filha para adentrar o seu mundo imaginário. É nesse momento que o filme realmente ganha vida e magia. O universo criado por Olivia é colorido, fantasioso e cheio de personagens cativantes — princesas que representam forças, emoções e dilemas do cotidiano infantil.

A partir dessa imersão, Evan começa a enxergar as situações profissionais e pessoais sob outro ângulo, descobrindo soluções criativas para os problemas que antes pareciam insolúveis. A fantasia, longe de ser um mero escapismo, torna-se uma ferramenta poderosa para a transformação real, tanto interna quanto externa.

Esse aspecto do filme ressoa profundamente com o público, principalmente porque valoriza a criatividade e a imaginação como elementos essenciais para o crescimento humano, seja na infância ou na vida adulta. É um convite para nunca perdermos a capacidade de sonhar e de olhar o mundo com olhos curiosos e abertos.

Eddie Murphy em um papel diferente, mas igualmente cativante

Eddie Murphy, conhecido mundialmente por suas performances cômicas e energéticas, surpreende ao assumir o papel de Evan Danielson com uma pegada mais sensível e humana. Sua atuação é marcada pela naturalidade e pela capacidade de transitar entre momentos de humor e emoção com equilíbrio.

Ao longo do filme, vemos Murphy explorar a fragilidade de um pai que, apesar das falhas e limitações, quer se reaproximar da filha e superar seus próprios desafios. Esse lado mais vulnerável do ator faz com que o público se conecte com a personagem de forma genuína, mostrando que a comédia pode andar lado a lado com histórias que tocam o coração.

Já a pequena Yara Shahidi, que interpreta Olivia, traz uma autenticidade rara para a tela. Sua interpretação da menina sonhadora e reservada é cheia de nuances, mostrando que as crianças também carregam complexidades emocionais profundas, mesmo quando as expressam através da imaginação e do silêncio.

Um elenco de apoio que enriquece a narrativa

Além dos protagonistas, o filme conta com um elenco que acrescenta camadas à história. Thomas Haden Church, no papel do antagonista Johnny Pena Branca, representa a pressão externa e a competitividade feroz do mundo corporativo. A antagonista não é um vilão tradicional, mas um rival que simboliza as dificuldades que Evan precisa superar.

Outros nomes de peso como Martin Sheen, Nicole Ari Parker e participações especiais de atletas como Allen Iverson e Carmelo Anthony aparecem para trazer um toque de realidade e leveza, fortalecendo o equilíbrio entre fantasia e cotidiano.

Essa diversidade de personagens contribui para que o enredo não se restrinja a uma simples história infantil, mas se abra para reflexões sobre relações interpessoais, desafios profissionais e a importância do apoio familiar.

Trilha sonora: a magia dos Beatles em cena

A trilha sonora de Imagine Só! merece destaque especial. Composta por Mark Mancina, que já havia trabalhado com o diretor em outras produções, a música acompanha o tom acolhedor e emocional do filme, com arranjos que misturam orquestra e sons leves.

Além disso, o filme apresenta versões de clássicos dos Beatles como “Here Comes the Sun”, “All You Need Is Love” e “Got to Get You Into My Life”. Essas músicas clássicas e cheias de significado reforçam a atmosfera de nostalgia, esperança e amor que permeia a história.

Para muitas gerações, os Beatles representam o encontro entre sonho e realidade, algo que o filme traduz com delicadeza em cada cena musical.

Produção e curiosidades

Gravado entre setembro e dezembro de 2007, com locações em Denver e Los Angeles, Imagine Só! é uma coprodução entre Estados Unidos e Alemanha, envolvendo grandes estúdios como Paramount Pictures e Nickelodeon Movies.

Originalmente lançado com o título Imagine That, o filme chegou ao Brasil com o nome Minha Filha é um Sonho, mas sua estreia nos cinemas foi cancelada, tendo sido lançado diretamente em vídeo com o título Imagine Só!.

Embora não tenha sido um sucesso comercial estrondoso — arrecadando cerca de 23 milhões de dólares mundialmente —, o longa conquistou seu público fiel e permanece até hoje como uma obra querida por quem valoriza histórias que emocionam e inspiram.

Além disso, foi o primeiro filme da Nickelodeon Movies a estrear no canal BET, marcando uma importante expansão do alcance da produtora.

Lições que ficam para a vida

Mais do que uma simples comédia familiar, o longna-metragem é um convite à reflexão sobre a importância da escuta, da empatia e do tempo compartilhado. Evan Danielson é, em muitos aspectos, o espelho dos pais modernos — pessoas que lutam para equilibrar as demandas profissionais com o desejo de estar presentes na vida dos filhos.

O filme mostra que, às vezes, a resposta para os problemas mais difíceis está em se permitir olhar o mundo através do olhar de uma criança — cheio de possibilidades, criatividade e esperança.

Essa mensagem, universal e atemporal, ganha uma força especial quando apresentada com humor e leveza, características que tornam a experiência de assistir ao filme prazerosa para todas as idades.

Onde posso assistir?

Além da exibição na TV Globo, você também pode assistir ao filme Imagine Só! em diversas plataformas digitais. Para quem é assinante, o longa está disponível no catálogo da Netflix, permitindo que você assista a qualquer momento com a comodidade do streaming. Se preferir, o filme também pode ser alugado no Prime Video, a partir de R$ 6,90, oferecendo flexibilidade para assistir quando quiser. Confira todas as opções de streaming e vídeo sob demanda (VOD) disponíveis para não perder essa divertida e emocionante história.

Spin-off do best-seller “Caos Total” estreia no Brasil com o irreverente Gato-Endiabrado

0
Foto: Reprodução/ Internet

A VR Editora acaba de lançar no Brasil As aventuras do Gato-Endiabrado, spin-off da popular série infantil Caos Total, que conquistou uma legião de jovens leitores com sua mistura de humor, ação e personagens inesquecíveis. Escrito e ilustrado pelo autor sul-africano Ralph Lazar, o novo título traz para o centro da narrativa um felino nada convencional — com duas caudas, pouco autocontrole e um talento meio duvidoso para o crime — que promete arrancar gargalhadas e confundir seus adversários com planos mirabolantes e situações totalmente imprevisíveis.

O Gato-Endiabrado se autodenomina o maior vilão do mundo, mas quem acompanha suas peripécias sabe que o máximo que ele consegue é ser um anti-herói atrapalhado. Entre cochilos estratégicos e uma dieta nada convencional à base de sorvete de sardinha, o felino tem uma rotina agitada: rouba, cria invenções que quase sempre saem do controle e participa de competições nada comuns — como a Batalha das Melancias — contra seu arqui-inimigo, o engenhoso e sempre astuto Cara-de-Coelho.

A publicação traz duas histórias principais que misturam ação, confusão e um humor afiado. Na primeira, intitulada O pato sumido, o Gato-Endiabrado planeja o roubo da obra de arte mais famosa do mundo, O Azul de Patileno. Tudo parecia sob controle, até que o infame Cara-de-Coelho, junto com os irmãos Charcocovilquistão, também decidem meter as mãos no quadro roubado, deixando o felino numa enrascada. No meio dessa confusão toda, o excêntrico curador da Pinacoteca Nacional, acompanhado de suas três baratas de estimação, aparece para tentar recuperar a preciosidade perdida — em uma aventura recheada de reviravoltas e personagens inusitados.

Já na segunda história, o humor e a competição são levados a outro nível na disputa da Batalha das Melancias. O prêmio? Suprimento vitalício de suco grátis — algo que nenhum dos competidores quer perder. Diante do desafio, o Gato-Endiabrado aposta em uma poção mágica para fazer sua melancia crescer rapidamente, enquanto Cara-de-Coelho responde com uma melancia mecânica cheia de truques. A rivalidade entre eles escala até um ponto explosivo — literalmente —, com um final surpreendente que vai prender a atenção dos pequenos do começo ao fim.

O charme do livro está nas ilustrações divertidas e nos diálogos cheios de sarcasmo e irreverência, que fazem de As aventuras do Gato-Endiabrado uma leitura leve, engraçada e perfeita para crianças que adoram anti-heróis atrapalhados, mas com corações grandes e que sempre acabam conquistando a torcida.

Para quem ainda não conhece, este spin-off pode ser lido de forma independente, sem necessidade de ter lido os títulos anteriores de Caos Total. É uma porta de entrada ideal para jovens leitores que querem mergulhar no universo caótico e cômico criado por Ralph Lazar — um mundo onde a diversão está garantida, os planos saem pela culatra e a aventura está sempre à espreita.

David Garrett lança “Millennium Symphony” e anuncia turnê mundial com show em São Paulo

0
Foto: Reprodução/ Internet

David Garrett é um nome que há muito transcende o universo clássico para se tornar sinônimo de inovação, talento e ousadia musical. Ao longo de mais de 30 anos de carreira, ele tem sido um dos raros artistas a atravessar fronteiras entre estilos musicais, conquistando fãs tanto nas salas de concerto quanto nas maiores arenas do mundo. Agora, o violinista alemão lança seu mais audacioso projeto até hoje: o álbum Millennium Symphony, que transforma os maiores hits dos últimos 25 anos em verdadeiras sinfonias contemporâneas.

Mais do que um lançamento discográfico, essa obra marca o início de uma nova fase para Garrett, que acaba de firmar um contrato global com a gigante Live Nation, garantindo uma turnê mundial em arenas — um verdadeiro espetáculo visual e sonoro que promete revolucionar a forma como o violino é apresentado ao público. A América Latina está no roteiro, com shows confirmados no México, Peru, Argentina, Brasil e Colômbia.

Para os fãs brasileiros, a expectativa é ainda maior, pois São Paulo receberá o artista e sua banda no dia 30 de novembro, na moderna Suhai Music Hall. Os ingressos já estão disponíveis, com opções que facilitam a compra, incluindo parcelamento sem juros e bilheteria oficial sem taxa de conveniência, garantindo acessibilidade para o público.

Garrett construiu uma carreira marcada pela busca constante de novas linguagens musicais. Com 17 álbuns lançados e dezenas de hits nas paradas europeias e americanas, ele não é apenas um violinista clássico, mas um verdadeiro camaleão da música. Seus álbuns Rock Symphonies e cinco trabalhos consecutivos de música clássica alcançaram o topo das listas, revelando sua capacidade única de conectar públicos variados.

A popularidade de Garrett é impressionante: mais de cinco milhões de CDs vendidos, 5,6 bilhões de streams e cerca de 1.600 shows pelo mundo, que já encantaram mais de quatro milhões de pessoas. Isso faz dele um dos artistas solo mais vendidos e assistidos na atualidade, mesclando a técnica apurada do violino clássico com a energia e o ritmo da música popular.

O conceito do Millennium Symphony é audacioso e inovador. Garrett reinventa sucessos de artistas globais como Taylor Swift, Rihanna, Ed Sheeran, The Weeknd e David Guetta, trazendo-os para um cenário sinfônico grandioso e moderno. É uma celebração dos últimos 25 anos da música pop, contada por meio de arranjos orquestrais envolventes e a técnica virtuosa do violinista.

O show ao vivo, portanto, será muito mais do que uma simples apresentação: será uma experiência imersiva, onde a paixão pela música se une à inovação tecnológica, criando uma atmosfera única para o público. Garrett promete surpreender tanto os fãs de música clássica quanto aqueles que acompanham os hits do pop contemporâneo, quebrando barreiras e convidando todos a celebrar a música em sua forma mais vibrante.

Em São Paulo, a noite do dia 30 de novembro promete ser inesquecível, com um artista que continua a redefinir o papel do violino no cenário mundial e a inspirar gerações com sua habilidade de contar histórias musicais de forma emocionante e original.

A Melhor Mãe do Mundo | Um retrato corajoso e sensível da luta contra a violência doméstica chega aos cinemas no dia 7 de agosto

0
Foto: Reprodução/ Internet

Nesta quinta-feira, 7 de agosto — data que marca o aniversário da Lei Maria da Penha — o público brasileiro terá a oportunidade de assistir a um filme que fala com a alma e com o coração sobre um tema urgente e delicado: a violência doméstica. A melhor mãe do mundo, novo longa da diretora Anna Muylaert, estreia nos cinemas trazendo à tona a história de Gal, uma mulher que luta para reconstruir sua vida após escapar de um relacionamento abusivo. Ao lado de seus dois filhos, Rihanna e Benin, ela percorre as ruas da cidade de São Paulo, enfrentando desafios diários, mas também encontrando motivos para seguir em frente com esperança.

O lançamento do filme na data simbólica da Lei Maria da Penha não é por acaso. Essa legislação, que completou anos desde sua promulgação, é um marco na proteção dos direitos das mulheres e no combate à violência doméstica no Brasil. Porém, como a própria história de Gal revela, muito ainda precisa ser feito para que mulheres em situações vulneráveis possam romper o ciclo de abuso e viver plenamente.

Anna Muylaert e o olhar sensível para a maternidade e as questões sociais

A diretora e roteirista Anna Muylaert constrói, com A melhor mãe do mundo, mais um trabalho profundo e carregado de significado sobre a maternidade e as dificuldades enfrentadas por muitas mulheres no Brasil. Conhecida por seus filmes que dialogam com questões sociais — entre eles, o sucesso Que Horas Ela Volta? — Muylaert escolhe, desta vez, contar a história de Gal, uma catadora de materiais recicláveis, cujo cotidiano evidencia não só a dureza da pobreza, mas a força que nasce do amor materno.

Ao falar da personagem, Muylaert destacou que Gal é provavelmente a mãe mais vulnerável que já retratou no cinema. No entanto, também é a mais madura e corajosa. “Ela enfrenta a vida com responsabilidade, fé e uma autoestima que a mantém firme mesmo nos momentos mais difíceis”, afirmou a cineasta em entrevistas recentes. Essa combinação de fragilidade e força é um dos elementos que torna a narrativa tão humana e verdadeira.

O filme evita cair em estereótipos ou sensacionalismo, optando por uma abordagem realista e respeitosa, que ajuda o espectador a entender as complexidades da vida dessas mulheres. A maternidade, aqui, é mostrada como um laço forte e fundamental, mas também como um campo de batalhas diárias e, muitas vezes, silenciosas.

Um tema urgente que demanda reflexão e empatia

A violência doméstica é uma realidade que afeta milhares de mulheres no Brasil e no mundo, e o filme coloca esse tema delicado em evidência com sensibilidade. A narrativa de Gal mostra como o ciclo de abuso muitas vezes é invisível para a sociedade, ou, pior ainda, desconsiderado como um “problema de família”, o que dificulta o acesso à ajuda e o rompimento definitivo.

Gal não apenas foge do agressor, mas enfrenta a dura realidade de recomeçar a vida com recursos limitados e muitas incertezas. O filme não se limita a mostrar o sofrimento: há também uma mensagem de esperança e resistência. É uma história de coragem, de um amor que protege e fortalece, e de uma mulher que se recusa a aceitar uma vida marcada pela violência.

Essa representação é importante porque, por trás das estatísticas, existem vidas reais que precisam ser escutadas e apoiadas. O longa nos convida a olhar para essa questão com mais sensibilidade e a reconhecer a urgência de um apoio mais efetivo às vítimas.

A atuação marcante de Shirley Cruz, uma entrega profunda e emotiva

No centro dessa história está a atuação da atriz Shirley Cruz, que empresta toda sua força e sensibilidade para dar vida à personagem Gal. Com uma interpretação que privilegia o silêncio, os gestos contidos e o olhar intenso, Shirley transmite uma gama complexa de emoções, muitas vezes mais poderosas do que palavras poderiam expressar.

Sua performance foi reconhecida em vários festivais, tendo recebido prêmios como Melhor Atriz no Cine PE e Melhor Interpretação no Festival Internacional de Cinema de Guadalajara. Esses reconhecimentos atestam não só o talento da atriz, mas também a profundidade com que ela constrói sua personagem, capaz de sensibilizar e envolver o público desde os primeiros minutos.

O papel de Gal exige um equilíbrio delicado entre vulnerabilidade e resistência, e Shirley Cruz entrega essa dualidade com naturalidade, permitindo que o espectador sinta a intensidade da luta silenciosa que sua personagem trava diariamente.

Um elenco que complementa e enriquece a narrativa

Além de Shirley Cruz, o filme conta com um elenco que traz força e diversidade para a trama. Seu Jorge, conhecido principalmente por seu carisma como músico, assume o papel do agressor Leandro, oferecendo uma performance sombria e contundente que contrasta com sua imagem pública habitual.

A estreia como atriz da cantora Luedji Luna, interpretando Val, prima de Gal, traz um frescor e uma autenticidade que fortalecem ainda mais a dinâmica familiar apresentada. Os jovens Benin Ayo e Rihanna Barbosa interpretam os filhos da protagonista, trazendo naturalidade e emoção à representação das relações afetivas que sustentam a trama.

Outros nomes de peso, como Rubens Santos, Rejane Faria, Lourenço Mutarelli e o rapper Dexter, completam o elenco, contribuindo para criar um ambiente rico e verossímil, que envolve o espectador em uma imersão verdadeira na realidade que o filme propõe retratar.

Trajetória vitoriosa em festivais nacionais e internacionais

Desde sua estreia no início de 2025, o filme tem sido destaque em importantes festivais de cinema. O longa abriu sua trajetória na Berlinale, um dos mais prestigiados festivais do mundo, onde conquistou olhares atentos e elogios por sua abordagem sensível e corajosa.

Além da Alemanha, o filme circulou por festivais em vários países, como o CinéLatino Toulouse e o Festival de Cinema de Nice, ambos na França, o San Francisco International Film Festival nos Estados Unidos e o Festival Internacional de Cinema de Guadalajara, no México. Essa circulação internacional demonstra a universalidade da mensagem do filme e sua relevância para públicos diversos.

No Brasil, o longa também foi reconhecido em festivais como o Cine PE, onde conquistou cinco prêmios, incluindo Melhor Filme e Melhor Roteiro, e o Bonito Cinesur, onde foi premiado pelo júri popular. Essa ampla aceitação e premiação refletem a qualidade artística e o impacto social que A melhor mãe do mundo é capaz de provocar.

Um convite para a reflexão e a mudança

Mais do que um filme, a obra brasileira é um chamado para que olhemos com mais atenção e sensibilidade para as histórias reais de mulheres que enfrentam a violência doméstica e outras formas de opressão. A trajetória de Gal é símbolo de muitas outras, e assistir a essa obra é reconhecer a necessidade urgente de políticas públicas eficazes, de redes de apoio mais acessíveis e de uma sociedade que valorize e proteja a vida feminina. A experiência no cinema permite que o espectador se conecte com essas emoções e histórias, fomentando empatia e consciência, essenciais para a transformação social.

Jay Kelly | Netflix revela trailer de novo drama com George Clooney e Adam Sandler

0
Foto: Reprodução/ Internet

A Netflix lançou na manhã desta terça, 5 de agosto, o aguardado primeiro trailer de Jay Kelly, novo longa-metragem escrito e dirigido por Noah Baumbach, com estreia limitada nos cinemas marcada para 20 de novembro de 2025 e lançamento global na plataforma para 5 de dezembro. Estrelado por George Clooney e Adam Sandler, o drama promete ser uma das obras mais sensíveis e maduras da temporada, refletindo sobre identidade, afeto, paternidade e o peso invisível que a fama pode carregar ao longo do tempo. Abaixo, confira o vídeo:

O longa, coescrito por Baumbach e Emily Mortimer, é uma viagem — literal e emocional — por paisagens europeias e memórias fragmentadas. Jay Kelly, interpretado por Clooney, é um astro de cinema em fase de declínio, cuja imagem pública já não acompanha seu esgotamento pessoal. Ao lado de Ron (Sandler), seu empresário e confidente há décadas, ele embarca em uma turnê promocional que se transforma, pouco a pouco, em uma travessia existencial sobre o que ficou para trás — e o que ainda pode ser resgatado.

A desconstrução do ícone: um astro sob a luz e à sombra

Clooney, conhecido por interpretar homens carismáticos, articulados e quase sempre no controle das situações, mergulha aqui em um papel mais introspectivo e emocionalmente desgastado. Jay Kelly não é apenas um ator em busca de reaparecer para o público, mas alguém que precisa, antes de tudo, reaparecer para si mesmo. Ao seu lado, Ron (Sandler) serve como espelho, suporte e, por vezes, espinho — representando o passado fiel, mas também cúmplice de silêncios e omissões.

O que poderia ser apenas uma road trip entre dois amigos se revela, sob o olhar refinado de Baumbach, uma meditação sobre as consequências de vidas dedicadas à imagem e ao controle da narrativa. Jay foi, durante décadas, o protagonista não só de filmes, mas também de sua própria mitologia. Agora, aos poucos, esse mito precisa ser desmontado para que o homem por trás dele possa emergir — mesmo que já tarde demais para certos reparos.

Baumbach e sua poética da crise silenciosa

Noah Baumbach, que construiu sua carreira escavando os desconfortos íntimos de famílias e casamentos disfuncionais (A Lula e a Baleia, História de um Casamento), parece dar um novo passo com Jay Kelly. Se antes seus personagens eram definidos por embates diretos e diálogos afiados, aqui o conflito se mostra mais sutil, mais contido — mas não menos devastador.

O diretor se interessa, mais uma vez, pelos homens em ruínas emocionais, por aqueles que sustentaram durante muito tempo papéis públicos enquanto deixavam suas relações pessoais desmoronarem. Jay Kelly, nesse sentido, é irmão de tantos outros personagens do universo de Baumbach — mas com uma camada adicional: o peso do estrelato, da celebridade e da necessidade de manter uma narrativa externa coerente mesmo quando tudo dentro está em colapso.

Foto: Reprodução/ Internet

Um filme sobre o que não foi dito

A força do roteiro, segundo declarações do próprio Baumbach, está menos nos grandes acontecimentos e mais nos silêncios que os cercam. As imagens divulgadas mostram Jay e Ron circulando por hotéis luxuosos, salas de entrevista, ruas vazias, trens europeus — sempre acompanhados de uma melancolia que parece envolver tudo ao redor. O passado não retorna em flashbacks, mas nos olhares, nos gestos contidos, nas conversas interrompidas.

É nesse tempo suspenso entre o glamour e a decadência que o filme constrói seu espaço. Ron, vivido com contenção por Adam Sandler, é o típico personagem que está sempre presente, mas raramente visto. Ele não apenas administra a carreira de Jay — ele também gerenciou, por anos, seus silêncios, suas ausências como pai, marido e ser humano.

Estreia dupla de Clooney e Sandler no mundo de Baumbach

Apesar de já terem flertado com o drama em outras ocasiões, Clooney e Sandler entram aqui em terreno inédito. É a primeira vez que trabalham sob a direção de Baumbach, e ambos parecem encontrar na contenção exigida pelo roteiro um campo fértil para atuações profundas e dolorosamente humanas.

George Clooney, que nos últimos anos tem se dedicado mais à direção e produção, retorna à frente das câmeras com um personagem que parece dialogar diretamente com sua própria trajetória pública. Jay Kelly carrega não apenas a exaustão do personagem, mas também uma autoconsciência melancólica de quem sabe que está interpretando um tipo de versão distorcida de si mesmo.

Adam Sandler, por sua vez, volta a explorar seu lado dramático — já revelado em Joias Brutas (2019) e Os Meyerowitz: Família Não Se Escolhe (também de Baumbach). Ron é discreto, mas emocionalmente carregado. Sua fidelidade a Jay, ao longo dos anos, é tão genuína quanto inquietante.

Elenco de apoio como extensão da psique de Jay

O restante do elenco funciona como peças de um quebra-cabeça emocional que Jay não consegue mais montar. Laura Dern, uma das parceiras recorrentes de Baumbach, deve interpretar uma figura central do passado afetivo de Jay — talvez uma ex-esposa ou uma antiga colaboradora que carrega feridas ainda abertas.

Riley Keough e Eve Hewson aparecem como filhas distantes ou mulheres que cruzaram a vida de Jay sem que ele tivesse realmente estado presente. A presença de nomes como Billy Crudup, Patrick Wilson, Jim Broadbent e Isla Fisher sugere uma colcha de retalhos emocional, onde cada personagem traz um pedaço do que Jay foi — ou fingiu ser.

Emily Mortimer, coautora do roteiro, também atua no filme. Sua participação tem sido mantida em sigilo, o que alimenta a especulação de que ela seja a âncora emocional da trama — talvez a única capaz de confrontar Jay com um espelho verdadeiro.

Assista a uma cena exclusiva de Rosario, novo terror sombrio com estreia marcada para 28 de agosto nos cinemas

0

O silêncio de um apartamento antigo guarda histórias que não foram contadas. É entre paredes manchadas pelo tempo, fotografias esquecidas e símbolos religiosos inquietantes que se desenrola a trama de Rosario, novo longa de terror dirigido pelo colombiano Felipe Vargas, que chega aos cinemas brasileiros no dia 28 de agosto, com distribuição da Imagem Filmes.

O filme acaba de ganhar uma cena exclusiva, que você pode ver logo abaixo, que mostra a protagonista em um dos primeiros momentos de tensão dentro do apartamento da avó. A sequência, marcada por sons abafados, ausência de trilha sonora convencional e a presença sutil de movimentos estranhos ao fundo do quadro, antecipa o que Rosario pretende construir: uma narrativa de horror calcada no desconforto, na herança espiritual e nos vínculos familiares.

Uma trama construída a partir da ausência

A protagonista é Rosario Fuentes, interpretada por Emeraude Toubia, conhecida por papéis em Shadowhunters e With Love. Rosario é uma executiva do mercado financeiro, racional, objetiva e afastada de suas origens. Quando sua avó, Griselda, morre de forma repentina, Rosario retorna a Nova York para resolver assuntos pendentes. A visita, inicialmente prática e breve, ganha outras proporções ao descobrir que o apartamento da avó esconde uma câmara secreta, repleta de símbolos religiosos, artefatos de rituais e uma coleção de registros que apontam para práticas espirituais não convencionais.

Ao explorar esse espaço, Rosario se vê confrontada por uma memória familiar que havia escolhido ignorar. Os ruídos nas paredes, os sonhos recorrentes e a sensação de estar sendo observada constroem, aos poucos, um estado de instabilidade emocional. Não se trata apenas de um confronto com o sobrenatural, mas com a própria identidade.

O olhar de uma protagonista entre dois mundos

A atuação de Emeraude se destaca pela contenção. Sua personagem está constantemente em tensão entre o mundo que construiu — estruturado, pragmático, financeiro — e aquele que insiste em retornar, onde símbolos religiosos, fé popular e luto se entrelaçam. Toubia, de origem mexicana e libanesa, entrega uma performance que valoriza nuances. Não há excessos, nem reações caricatas ao medo. Há inquietação. Há hesitação.

Rosario é, em muitos aspectos, a representação de um dilema contemporâneo vivido por diversas mulheres latinas que ascenderam profissionalmente em contextos globalizados, mas que ainda carregam vínculos profundos com práticas espirituais, familiares e culturais muitas vezes vistas como arcaicas. Essa dualidade é o cerne do longa.

Uma direção voltada ao horror atmosférico

O longa-metragem marca a estreia de Felipe Vargas em longas-metragens. O diretor, que ganhou notoriedade por seu curta Milk Teeth, premiado em festivais de cinema de gênero, aposta aqui em uma abordagem que valoriza a atmosfera e o desconforto psicológico, em vez de sustos fáceis ou violência explícita.

Em entrevista recente à revista Latinx Creators, Vargas explicou sua intenção de “colocar o espectador dentro da mente da protagonista, onde o medo não é um monstro externo, mas o eco de algo que foi reprimido por muito tempo”. O uso de câmera estática, a presença de sombras em planos abertos e o som diegético são algumas das escolhas que evidenciam esse olhar mais introspectivo.

A fotografia de Nico Aguilar, colaborador frequente de Vargas, constrói uma Nova York envelhecida, quase esquecida, onde o apartamento da avó funciona como um espaço de memória e transição. Nada é gratuito: os objetos de cena, os ícones religiosos, as rachaduras nas paredes — tudo aponta para um passado que permanece ativo.

Um terror com raízes espirituais e culturais

O diferencial do filme está na forma como trabalha a espiritualidade. Os rituais mencionados no filme não são caricaturas, nem inventados para a trama. Eles fazem parte de um universo religioso latino-americano real, muitas vezes sincrético, onde o catolicismo popular se mistura a práticas afroindígenas, rezas herdadas e cultos domésticos. Vargas evita o sensacionalismo e trata esses elementos com respeito, como parte de um patrimônio afetivo.

Esse aspecto torna o filme especialmente significativo. Em vez de usar o oculto como fetiche, Rosario insere o sobrenatural como parte natural da narrativa. Os símbolos religiosos não são apenas ameaçadores — são também pontes para reconciliação, para compreensão e, em última instância, para libertação.

The Calling | Thriller do criador de Big Little Lies estreia no Universal TV e mergulha em crimes, fé e dilemas morais

0
Foto: Reprodução/ Internet

Em um universo televisivo cada vez mais repleto de investigações, policiais durões e reviravoltas sangrentas, uma nova série estreia com a ousadia de unir o suspense do crime à delicadeza da fé e da introspecção. The Calling, produção criada por David E. Kelley — o nome por trás de sucessos como Big Little Lies e Ally McBeal — chega ao Universal TV na próxima sexta-feira, 8 de agosto, às 22h20, trazendo um protagonista improvável e profundamente humano: o detetive Avraham Avraham, um judeu ortodoxo que busca resolver crimes não apenas com lógica, mas com empatia, compaixão e uma fé inabalável na humanidade.

Baseada no romance The Missing File, best-seller do autor israelense Dror Mishani, a série é mais do que um thriller policial: é um mergulho no dilema moral e na espiritualidade de um homem que, em meio ao caos da cidade de Nova York, tenta ouvir uma voz interior — seu chamado — para encontrar a verdade.

Com direção do veterano Barry Levinson, vencedor do Oscar por Rain Man, e uma fotografia sombria que traduz o peso existencial dos personagens, a série é uma proposta narrativa diferente: menos barulhenta, mais reflexiva; menos sobre a caça ao criminoso e mais sobre o que se perde e se revela no processo de investigação.

O detetive que acredita

Interpretado por Jeff Wilbusch, ator alemão-israelense conhecido por seu papel em Nada Ortodoxa, o detetive Avraham Avraham é uma presença inquietante logo nos primeiros minutos da série. Vestindo paletó escuro, barba por fazer, olhos atentos e postura quase messiânica, Avi — como é chamado pelos colegas — não parece um investigador comum. Ele escuta antes de perguntar. Observa antes de agir. E reza, discretamente, antes de entrar em cena.

“Tenho muito orgulho de interpretar um detetive judeu religioso”, contou Wilbusch em entrevistas à imprensa internacional. “É uma história importante. Vivemos um tempo em que empatia e humanidade são raras. Avi é um personagem que me desafia e me inspira.”

Na estreia, o episódio “Desaparecido” nos apresenta ao mundo de Avi com uma sequência inusitada: uma confissão obtida de um suspeito vestido de cachorro-quente. Em qualquer outro contexto, pareceria cômico ou absurdo. Mas em The Calling, tudo é tratado com uma camada de mistério e profundidade. E rapidamente entendemos que, para Avraham, o crime não é um espetáculo — é uma dor humana a ser compreendida.

O enredo se desenrola a partir do desaparecimento de um jovem de família tradicional. Enquanto os colegas de departamento correm atrás de provas, Avraham prefere seguir um caminho mais sensível: reconstituir, com detalhes quase espirituais, os últimos passos do garoto. Em vez de interrogar brutalmente, ele conversa. Em vez de acusar, ele pergunta. “O que você sente?”, diz ele, mais de uma vez.

Fé, intuição e método

A espiritualidade do personagem principal não é mero adorno. Diferentemente de outras séries policiais, em que a religião é tratada como pano de fundo ou símbolo de trauma, em The Calling ela é central. Avraham Avraham ora, observa os rituais, reflete sobre passagens sagradas. Mas não impõe sua fé: ele vive por ela.

Essa abordagem incomum tem origem direta no livro que deu origem à série. O autor, Dror Mishani, é um dos grandes nomes da literatura policial israelense e quis criar um detetive com alma — alguém que usasse a intuição, a empatia e o silêncio como armas principais. E é isso que vemos em tela.

David E. Kelley, que já havia explorado a complexidade humana em séries como The Undoing e Nine Perfect Strangers, mergulha na proposta com entusiasmo. “Eu queria criar um drama policial diferente. Um em que o herói não fosse apenas um solucionador de problemas, mas alguém que fosse, ele mesmo, um enigma moral”, disse Kelley à Variety.

Um elenco afiado e multifacetado

Ao lado de Jeff Wilbusch, o elenco de The Calling oferece personagens tão humanos quanto seu protagonista. Juliana Canfield vive a detetive Janine Harris, uma parceira cética e prática, que aos poucos aprende a respeitar — e até admirar — o método nada convencional de Avi. Karen Robinson interpreta a Capitã Kathleen Davies, figura de autoridade que precisa equilibrar a burocracia do departamento com o gênio introspectivo do detetive.

Outro destaque é Michael Mosley, como o detetive Earl Malzone, típico investigador nova-iorquino durão, que serve como contraponto ao protagonista. A interação entre esses personagens não segue os clichês da “dupla policial improvável”. Aqui, as relações são mais sutis, menos caricatas, mais próximas da vida real — em que divergências não se resolvem com piadas, mas com convivência e tensão.

Um thriller que desacelera

A produção é uma série policial, mas não espere tiroteios a cada dez minutos ou perseguições frenéticas por becos escuros. O ritmo é mais contemplativo. As cenas se estendem, os diálogos são pausados, os silêncios são significativos. É um thriller que pede ao espectador o mesmo que seu protagonista pede aos suspeitos: atenção, escuta, paciência.

Essa proposta pode soar arriscada em um mercado dominado por narrativas ágeis, roteiros cheios de plot twists e heróis sarcásticos. Mas The Calling aposta no contrário: na lentidão como construção de tensão, na ausência como indício, na ambiguidade como fonte de verdade. E é aí que está sua força.

Barry Levinson, experiente diretor que sempre prezou por histórias humanas (como em Sleepers, Good Morning, Vietnam e Liberty Heights), entrega uma direção sutil e madura. Cada episódio é quase um pequeno estudo de personagem. E ao fim de cada caso, não é apenas o criminoso que é revelado — são as dores de uma família, os silêncios de uma comunidade, os fantasmas que cada um carrega.

A importância da representatividade religiosa

Em tempos de crescente intolerância, a série se destaca também por representar com respeito e profundidade a religiosidade judaica — sem estereótipos ou caricaturas. Avraham Avraham não é um rabino, não é um “espião israelense”, não é o “judeu engraçado da história”. Ele é um homem de fé. Um cidadão comum com um cargo difícil. Um ser humano que tenta fazer o certo, mesmo que isso lhe custe reconhecimento.

Essa representação importa. Em uma indústria que, por décadas, tratou temas religiosos com superficialidade — quando não com desdém —, a série abre espaço para uma abordagem mais respeitosa e realista. E isso se alinha ao movimento mais amplo de produções que buscam diversidade cultural e espiritual com autenticidade, como Nada Ortodoxa, Messias, Ramy e Shtisel.

HBO Max revela data oficial de retorno da 2ª temporada de Twisted Metal

0
Foto: Reprodução/ Internet

Em um mundo em colapso, onde a civilização virou pó e as leis foram substituídas pela lógica da violência, não há espaço para heróis tradicionais. Só sobreviventes. E é exatamente nesse cenário de caos absoluto que Twisted Metal retorna com sua segunda temporada, que estreia no Brasil pela HBO Max no dia 10 de agosto de 2025. Nos Estados Unidos, a série teve sua estreia antecipada em 31 de julho, com a exibição dos três primeiros episódios.

Baseada na lendária franquia de games homônima da PlayStation, a produção se consolida como uma das adaptações mais ousadas e originais de videogames para a televisão, misturando ação desenfreada, humor ácido e personagens marcantes com camadas dramáticas inesperadas.

E agora, com o torneio Twisted Metal finalmente em andamento, o jogo fica ainda mais insano.

A missão de John Doe: caos, gasolina e segredos

No centro da narrativa está John Doe, vivido com carisma e vulnerabilidade por Anthony Mackie, conhecido do grande público como o Falcão da Marvel. Ele interpreta um entregador tagarela e amnésico que, em meio à devastação causada por um misterioso evento chamado “A Queda”, recebe uma missão aparentemente simples: atravessar os Estados Unidos e entregar um pacote. Mas em Twisted Metal, nada é simples.

John precisa atravessar a Terra Desolada, um país tomado por gangues armadas, justiceiros sádicos e figuras grotescas que controlam as rodovias com seus veículos transformados em armas de destruição. Entre eles está Sweet Tooth, o palhaço assassino com um caminhão de sorvete letal, vivido fisicamente pelo lutador Samoa Joe e dublado com brilhantismo por Will Arnett.

Acompanhando John na jornada está Quiet, interpretada por Stephanie Beatriz. Ao contrário de seu nome, Quiet não tem nada de silenciosa — é intensa, imprevisível, e forma com John uma dupla eletrizante. Juntos, eles enfrentam dilemas morais, desafios mortais e, sobretudo, a busca desesperada por um propósito em meio à barbárie.

Do PlayStation à telinha: uma trajetória que começou nos anos 90

Twisted Metal não surgiu do nada. A série tem raízes profundas no mundo dos videogames. Lançado originalmente em 1995 para o primeiro PlayStation, o jogo rapidamente se tornou um sucesso de vendas, popularizando o gênero de combate veicular. Ao longo de mais de duas décadas, a franquia ganhou diversas versões, incluindo o icônico Twisted Metal: Black e se consolidou como uma das marcas mais duradouras da Sony, com mais de 15 milhões de cópias vendidas.

A ideia de adaptar esse universo brutal para as telas de TV surgiu em 2019, com a Sony Pictures Television e a PlayStation Productions encabeçando o projeto. Após alguns anos de desenvolvimento, a Peacock encomendou a primeira temporada, que estreou em 2023 com 10 episódios, abrindo espaço para a produção da nova fase, agora sob os olhos atentos da HBO Max, que assume a exibição mundial.

Segunda temporada: torneio, novas ameaças e personagens icônicos

Se na primeira temporada acompanhamos a introdução ao mundo pós-apocalíptico da história, agora o jogo realmente começa. A segunda temporada marca o início oficial do Torneio Twisted Metal, promovido por uma figura lendária dos jogos: Calypso, interpretado por Anthony Carrigan.

Calypso é o arquiteto do caos, um ser misterioso que promete a realização de qualquer desejo ao vencedor do torneio. É ele quem reúne os pilotos mais perigosos, cada um com suas histórias de dor, vingança ou ambição, e os joga uns contra os outros em batalhas de vida ou morte.

Além de Calypso, a nova temporada traz personagens icônicos dos games como Mr. Grimm, Dollface, Axel, Raven e Vermin, interpretados por Richard de Klerk, Tiana Okoye, Michael James Shaw, Patty Guggenheim e Lisa Gilroy, respectivamente. A inclusão dessas figuras aprofunda ainda mais o universo da série e entrega aos fãs do jogo elementos clássicos que ajudam a enriquecer a trama.

Bastidores: suor, calor e asfalto real

A produção da primeira temporada foi desafiadora. Filmada em Nova Orleans, entre maio e agosto de 2022, a equipe enfrentou condições climáticas extremas, com tempestades, calor sufocante e até ameaças de furacões. O showrunner Michael Jonathan Smith chegou a dizer em entrevista que “os carros tinham mais personalidade do que alguns atores, e davam tanto trabalho quanto”.

Para a segunda temporada, a produção se mudou para Toronto, no Canadá, buscando mais estabilidade. Locais como a Prefeitura de Cambridge e bairros industriais de Hamilton foram transformados em cidades fictícias devastadas, como “New San Francisco”, oferecendo à série uma paleta visual mais sombria e cinematográfica.

O investimento da produção também cresceu: efeitos especiais mais refinados, coreografias de perseguições mais complexas e cenários mais imersivos marcam a evolução técnica da série.

O que esperar da nova temporada

Com o torneio em curso, a nova temporada deve aprofundar as rivalidades entre os competidores, mostrar os bastidores de Calypso e explorar ainda mais a relação entre John e Quiet. O passado de ambos deve vir à tona, assim como suas motivações reais para continuarem lutando.

Especula-se que os episódios trarão revelações importantes sobre a origem da “Queda” que destruiu o mundo e pistas sobre como (ou se) a sociedade poderá ser reconstruída. A série também deve explorar novos territórios, apresentar mais personagens e investir em cenas de ação ainda mais grandiosas.

Christiane Pelajo conversa com Ronnie Von no Companhia Certa desta segunda-feira (04/08)

0
Foto: Reprodução/ Internet

Em meio a uma longa e brilhante carreira no jornalismo brasileiro, poucas pessoas sabem que Christiane Pelajo carrega consigo um pedaço da história afetiva do país — o doce brigadeiro. Bisneta da criadora desse clássico que encanta gerações, a jornalista revela que o segredo da receita está guardado a sete chaves em sua família, assim como as lembranças preciosas que a acompanham desde a infância.

Esta segunda-feira, 4 de agosto, é dia de encontro especial para quem gosta de ouvir histórias com sabor e emoção. À meia-noite, na RedeTV!, Christiane será a convidada do programa Companhia Certa, apresentado por Ronnie Von, onde conversará sobre a trajetória que construiu ao longo de mais de 30 anos no jornalismo, entre altos e baixos, conquistas e desafios — e claro, também falará do doce que, de alguma forma, marcou sua vida.

Um caminho construído com coragem e paixão

Mais do que uma voz familiar na televisão, Christiane é uma mulher que se entregou por inteiro ao ofício de informar. Desde os primeiros passos na PUC-Rio até a glória de apresentar o “Jornal da Globo”, sua trajetória é marcada por um amor intenso pelo jornalismo e pela vontade de ser uma ponte entre os fatos e as pessoas.

Em sua fala sincera, percebe-se que o jornalismo foi mais do que um trabalho — foi uma missão. “Me jogo mesmo! Sem medo!”, diz ela, confessando a entrega que moldou seus anos diante das câmeras. Cobriu momentos históricos, enfrentou pressões e, mesmo quando a vida a testou de formas inesperadas — como o grave acidente de cavalo em 2015 —, voltou mais forte e determinada.

O brigadeiro: doce herança e símbolo de afeto

Entre as páginas do jornalismo e o frenesi das redações, Christiane também carrega uma história doce, literalmente. O brigadeiro — aquele docinho que é parte da alma brasileira — nasceu na cozinha de sua bisavó, num gesto simples, mas que viria a se tornar uma tradição nacional.

“Minha bisavó foi chamada para fazer os doces de uma festa do Brigadeiro Eduardo Gomes”, conta, com o sorriso aberto que só quem tem orgulho das raízes pode exibir. “Ela criou o brigadeiro para aquela ocasião e deu o nome em homenagem a ele.”

Mas o que torna essa história ainda mais especial é o mistério em torno da receita: “Tem um ingrediente secreto na família, que a gente não conta para ninguém. Eu pelo menos não conto!”, revela, entre risos. Essa guarda desse segredo é, talvez, o que mantém viva a magia de um doce que, mesmo com tantas versões, permanece único para ela.

Mais que uma apresentadora: uma mulher que emociona

Assistir a Christiane em cena é entender que por trás da voz firme e da postura profissional, há uma mulher sensível, que também sente, se emociona e vive com intensidade cada instante.

No programa “Companhia Certa”, ela vai além do jornalismo para mostrar essa faceta. Aceitou o convite de Ronnie Von para experimentar pela primeira vez o “morango do amor”, um doce que vem conquistando corações na internet. “Ele tem brigadeiro branco, sabe que eu também gosto de brigadeiro branco. Nossa, tá muito bom!”, disse, encantada pela surpresa.

Esse momento, simples e descontraído, traduz bem a personalidade de Christiane: uma mistura de seriedade e leveza, de força e doçura, que conquistou seu público durante tantos anos.

A despedida da Globo e um recomeço com significado

Depois de 26 anos na Globo, a saída de Christiane Pelajo foi um choque para muitos, mas um passo importante para a jornalista. “A vida é feita de movimentos e eu não consigo ficar parada”, disse ela em nota, deixando claro que o recomeço era uma necessidade.

Esse movimento é um lembrete para todos nós sobre a importância de respeitar os ciclos da vida, as escolhas pessoais e a busca pelo equilíbrio. Hoje, à frente do “Times Brasil”, ela continua sua missão de informar, mas com um ritmo que lhe permite mais espaço para a família e para si mesma.

Entre o jornalismo e o sabor da memória

A história de Christiane Pelajo nos lembra que somos muito mais do que nossa profissão. Somos uma coleção de histórias, afetos, sabores e memórias que carregamos com a gente.

No seu caso, essa coleção inclui momentos marcantes na televisão, encontros com personalidades, viagens pelo mundo, mas também tardes na cozinha da bisavó, o cheiro do brigadeiro recém-feito e o segredo de uma receita que nunca será revelada.

Essas nuances humanas nos aproximam dela e nos fazem entender que, por trás da apresentadora, existe uma mulher com uma história rica, feita de luta, conquistas e muito carinho — uma história que ela agora compartilha com o Brasil em um momento de afeto e celebração.

Destruição Final 2 | Continuação de sucesso apocalíptico ganha data de estreia e promete nova jornada intensa da família Garrity

0

“O mundo acabou. Mas a história continua.” Essa frase poderia facilmente servir de slogan para Destruição Final 2, a aguardada sequência do thriller apocalíptico Destruição Final: O Último Refúgio (2020). Com estreia mundial marcada para o dia 9 de janeiro de 2026, o novo capítulo promete não apenas retomar os eventos do primeiro filme, mas expandir sua carga dramática, emocional e humana. É uma continuação que fala menos sobre o impacto de um cometa e mais sobre o impacto de continuar vivo. As informações são do Variety.

Dirigido novamente por Ric Roman Waugh e estrelado por Gerard Butler, Morena Baccarin e Roman Griffith Davis, o filme mostra a família Garrity após sair do abrigo que os protegeu da destruição provocada pelo cometa Clarke. Agora, o desafio é outro: atravessar um mundo em ruínas em busca de um novo lar — e, talvez, de um novo sentido para a existência.

O mundo pós-Clarke: Um planeta que sobreviveu… parcialmente

O novo filme parte do ponto onde Destruição Final terminou: a Terra foi devastada, mas nem tudo foi perdido. A raça humana sobreviveu — ou pelo menos, parte dela. A Groenlândia, usada como refúgio durante a colisão, foi uma das poucas regiões onde a vida pôde ser preservada, ainda que sob condições extremas.

Quando a família Garrity decide deixar o bunker, o que encontram do lado de fora não é esperança imediata, mas um planeta irreconhecível: cidades apagadas, florestas reduzidas a cinzas, oceanos agitados, climas imprevisíveis. Uma Terra que respira com dificuldade e parece cobrar um preço por cada passo em falso.

É nesse cenário que John (Gerard Butler), Allison (Morena Baccarin) e o jovem Nathan (Roman Griffith Davis) tentam cruzar o que restou do continente em busca de abrigo e conexão com outros sobreviventes. O problema é que nem todos os que ficaram vivos querem cooperar.

Uma família em migração: das ruínas ao recomeço

Em vez de repetir a estrutura frenética do primeiro longa — em que o tempo era um inimigo visível —, a continuação aposta em uma narrativa mais compassada e introspectiva. A tensão continua presente, mas o foco está nas consequências de sobreviver, no peso que isso carrega para quem ficou.

John, que no primeiro filme foi um engenheiro tentando proteger sua família a qualquer custo, agora lida com a culpa e o trauma. Allison, antes apenas reativa aos acontecimentos, assume um papel mais ativo e estratégico. E Nathan, já um pouco mais velho, representa a incerteza da nova geração, crescendo em um mundo onde nenhuma regra se aplica.

A jornada é marcada por encontros com outros sobreviventes — vividos por Amber Rose Revah, Sophie Thompson, Trond Fausa Aurvåg e William Abadie —, cada um carregando seus próprios passados, escolhas e cicatrizes. São personagens que expandem o universo da franquia e trazem dilemas morais complexos: até onde você vai para proteger os seus? Ainda existe certo e errado quando tudo ao redor desabou?

O sucesso improvável de um filme catástrofe “sem super-heróis”

O primeiro filme estreou em 2020 sob um contexto bastante peculiar: o auge da pandemia da COVID-19. Com salas de cinema fechadas em várias partes do mundo, o longa encontrou um público fiel no streaming e VOD (vídeo sob demanda). Lançado pela STX Films e posteriormente licenciado pela Lionsgate, arrecadou mais de US$ 52 milhões, superando expectativas para um projeto de médio orçamento.

A crítica, que costuma ser dura com filmes-catástrofe, foi surpreendentemente favorável. Com 73% de aprovação no Rotten Tomatoes, o longa foi elogiado por evitar exageros, apostar em tensão realista e retratar uma família comum enfrentando o fim do mundo com coragem — e vulnerabilidade.

Essa fórmula de sucesso — misto de ação com drama humano — pavimentou o caminho para a sequência. Mas o time criativo não quis apenas repetir a fórmula. Querem aprofundá-la.

Um olhar mais maduro e sombrio

De acordo com entrevistas recentes dos produtores, Destruição Final 2 é menos sobre desastres naturais e mais sobre as escolhas humanas num mundo sem estrutura. Um tipo de western apocalíptico, com a estrada como cenário principal e o imprevisível como ameaça constante.

O diretor Ric Roman Waugh — que também dirigiu Invasão ao Serviço Secreto (2019) — traz sua marca: personagens durões, mas com camadas emocionais profundas. Já o roteiro, coassinado por Chris Sparling (que escreveu o primeiro filme) e Mitchell LaFortune (especialista em roteiros com tensão geopolítica e militar), sugere que elementos de sobrevivência, estratégia e liderança estarão ainda mais presentes.

Trauma, humanidade e resiliência

Um dos temas mais delicados abordados no novo filme é o trauma coletivo. Em um mundo onde bilhões morreram e quase tudo foi perdido, o que sobra da saúde mental das pessoas? Como manter relações, ensinar valores a uma criança, ou sequer confiar em alguém? A personagem de Allison, por exemplo, deve ganhar um arco emocional mais elaborado. Morena Baccarin revelou em entrevistas que sua personagem “será o coração da história” e terá de tomar decisões difíceis para manter a família unida. Nathan, vivido por Roman Griffith Davis (do premiado Jojo Rabbit), também passa por uma transição: de criança frágil a pré-adolescente em formação, aprendendo a sobreviver num planeta sem escolas, amigos ou promessas.

Uma aposta da Lionsgate no realismo emocional

Diferente de outras franquias apocalípticas — como Guerra Mundial Z ou 2012 —, a saga Destruição Final nunca se apoiou em soluções tecnológicas mirabolantes ou em protagonistas infalíveis. Ao contrário: tudo é mais lento, mais humano, mais crível. E isso se mantém em Migration. A Lionsgate, que assumiu a distribuição global, investiu pesado no realismo do projeto. As filmagens ocorreram em locações naturais na Europa, com pouca dependência de CGI, priorizando cenários reais que pudessem transmitir desolação e urgência. A trilha sonora, ainda sem compositor oficial confirmado, provavelmente manterá o tom melancólico e atmosférico da primeira, assinada por David Buckley.

E depois da migração?

Uma dúvida paira sobre fãs e críticos: este será o capítulo final? Ou apenas o começo de uma trilogia? Fontes próximas à produção indicam que tudo depende da recepção de Destruição Final 2 . Caso o filme repita o sucesso do original, um terceiro longa pode explorar a reconstrução da sociedade, talvez com foco nas primeiras tentativas de reerguer a civilização — e, com isso, novos conflitos surgirão. Além disso, há espaço para spin-offs com outros sobreviventes ou até mesmo uma minissérie, considerando o apelo emocional e a atual demanda por narrativas pós-apocalípticas mais realistas.

almanaque recomenda