Para Sempre Minha | Novo terror de Osgood Perkins ganha trailer e promete arrepios nos cinemas

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Foto: Reprodução/ Internet

O terror brasileiro e internacional terá mais um filme de destaque neste ano com Para Sempre Minha, dirigido por Osgood Perkins, conhecido pelo sucesso de Longlegs. O longa ganhou recentemente um trailer oficial que já deixa claro seu clima sombrio e perturbador. Com roteiro de Nick Lepard e estrelado por Tatiana Maslany, Rossif Sutherland e Erin Boyes, o filme combina suspense psicológico, mistério e elementos sobrenaturais, prometendo prender o público do início ao fim com uma narrativa intensa e cheia de tensão. Abaixo, veja o vídeo:

Osgood Perkins consolidou-se no cinema de terror moderno por sua capacidade de criar atmosferas densas e histórias que exploram medos humanos profundos, muitas vezes sem recorrer a sustos fáceis. Em Longlegs, ele apresentou uma narrativa marcada pela tensão contínua e pelo horror psicológico, e em Para Sempre Minha mantém essa assinatura, explorando não apenas o sobrenatural, mas também a vulnerabilidade emocional dos personagens. Com roteiro de Nick Lepard, o filme conduz o público por um caminho de mistério e revelações graduais, construindo um suspense que mistura terror real e psicológico, mantendo o espectador sempre em alerta e envolvido com a trama.

A história acompanha Liz (Tatiana Maslany) e Malcolm (Rossif Sutherland), um casal que viaja para um fim de semana romântico em uma cabana isolada. O que parecia ser uma escapada tranquila logo se transforma em um pesadelo quando Malcolm retorna repentinamente à cidade, deixando Liz sozinha. Isolada e vulnerável, ela se depara com um mal indescritível que começa a revelar os segredos sombrios do local, colocando sua vida em risco e testando seus limites emocionais. O filme explora o medo do desconhecido e do que não pode ser explicado, transformando cada silêncio, sombra e ruído em uma ameaça palpável, criando uma experiência de terror psicológico que prende o espectador.

Um dos grandes destaques do filme é a atuação de Tatiana Maslany, conhecida por sua versatilidade em Orphan Black, que interpreta Liz com uma mistura de fragilidade e coragem, tornando o público cúmplice de seu medo e desespero. Rossif Sutherland, como Malcolm, traz intensidade e complexidade ao personagem, cuja ausência repentina aumenta a tensão e a incerteza. Erin Boyes desempenha um papel importante na construção do suspense, contribuindo para o mistério que envolve a cabana e os segredos do local. O elenco, como um todo, cria uma dinâmica convincente que mantém o público engajado e apreensivo, garantindo que o terror seja não apenas visual, mas também emocional.

O legado de Osgood Perkins no terror contemporâneo

Osgood Perkins é conhecido por transformar o terror em experiências emocionais e psicológicas profundas. Filmes como Longlegs estabeleceram sua reputação por explorar o horror de maneira inteligente, sem recorrer a clichês ou sustos fáceis. Em Para Sempre Minha, ele amplia seu repertório ao combinar elementos sobrenaturais com tensão emocional, criando uma narrativa que não apenas assusta, mas também envolve o espectador com personagens complexos e situações intrigantes. Sua parceria com Nick Lepard e o elenco talentoso contribui para que o filme seja lembrado como um marco do terror psicológico contemporâneo.

O que podemos esperar do filme?

O público pode esperar sustos impactantes, revelações perturbadoras e uma narrativa que desafia a percepção da realidade. Além disso, o longa explora temas como isolamento, vulnerabilidade, confiança e os limites entre realidade e ilusão, enriquecendo a experiência cinematográfica.

Quando o filme chega aos cinemas?

Com estreia prevista para 13 de novembro nos cinemas brasileiros, o longa-metragem promete se tornar um dos grandes destaques do terror psicológico no país e internacionalmente. O filme aposta em um terror mais sofisticado, combinando suspense, mistério e elementos sobrenaturais, além de explorar a vulnerabilidade humana em situações extremas.

Resumo da novela Roque Santeiro de quarta-feira, 14/05 (Viva)

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Malta, finalmente, toma coragem e abre seu coração para Porcina. Em uma cena carregada de emoção e suspense, ele se declara, deixando a “viúva de Roque” visivelmente abalada. Será que ela vai corresponder aos sentimentos dele ou ainda guarda esperanças com Roque?

Enquanto isso, um novo conflito começa a se desenhar: Zé das Medalhas e Pombinha passam a se estranhar por conta da candidatura dele à prefeitura. A política entra em cena para abalar os laços pessoais. Pombinha, sempre idealista, começa a questionar as intenções de Zé, que por sua vez está cada vez mais ambicioso. O relacionamento entre os dois começa a mostrar rachaduras.

Do outro lado, Roque Santeiro tem uma conversa séria com Padre Hipólito. Os dois refletem sobre a situação delicada que envolve a cidade e o destino de seus moradores. A fé, a política e a verdade sobre Roque se entrelaçam em um diálogo que promete trazer novos questionamentos sobre os rumos de Asa Branca.

Ivana Chubbuck traz ao Brasil nova edição de O Poder do Ator, livro que moldou astros como Brad Pitt e Beyoncé

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Foto: Reprodução/ Almanaque Geek

Halle Berry com um Oscar nas mãos. Brad Pitt na melhor fase da carreira. Charlize Theron se transformando (literalmente) para viver papéis inesquecíveis. O que todos eles — e muitos outros — têm em comum? Uma mulher por trás das câmeras: Ivana Chubbuck.

Com mais de duas décadas lapidando os maiores talentos de Hollywood, a preparadora de elenco desembarca no Brasil com uma novidade que vai interessar atores, fãs de cinema e até profissionais de fora das artes. Trata-se da nova edição revista e ampliada do seu best-seller “O Poder do Ator”, lançado pela Editora Civilização Brasileira — agora com ainda mais ensinamentos, histórias reais e um mergulho intenso nas emoções humanas.

E nós tivemos acesso antecipado à obra. O que descobrimos? Que atuar, na visão de Chubbuck, não tem nada a ver com fingir. Tem a ver com acessar a verdade — mesmo que isso signifique encarar seus maiores medos, dores e fragilidades.

A técnica que virou culto em Hollywood — e não só lá

Criada a partir de sua própria trajetória de vida e estudo, a Técnica Chubbuck se tornou uma febre entre os atores que buscavam mais do que performance: queriam presença. Não à toa, o método é usado por estrelas como Jake Gyllenhaal, Jim Carrey, Sylvester Stallone e até Beyoncé, que recorreu à abordagem emocional da autora para se preparar para papéis desafiadores em sua carreira como atriz.

Mas o impacto do livro extrapolou o set de filmagem. De forma surpreendente, a Técnica Chubbuck passou a ser utilizada também no mundo corporativo: executivos da lista da Fortune 500 têm aplicado os 12 passos desenvolvidos por Ivana para aprimorar habilidades como liderança, tomada de decisão e inteligência emocional.

Mais do que um manual de atuação

Em “O Poder do Ator”, Chubbuck apresenta uma proposta ousada: transformar vulnerabilidade em potência. O livro orienta o leitor a mergulhar em si mesmo, encarar cicatrizes, entender gatilhos e usar tudo isso para criar — ou viver — com mais verdade. A atuação, nesse sentido, vira ferramenta de cura, transformação e conquista.

Com forte embasamento psicológico, o método convida o artista a deixar de representar para, de fato, existir em cena. Ivana evoca nomes como Stanislavski, Meisner e Uta Hagen, mas leva a atuação para um território mais íntimo, quase terapêutico — algo raro em obras do tipo.

Um presente para atores, criadores e curiosos

A nova edição brasileira, agora com conteúdo ampliado, chega em um momento oportuno: nunca se falou tanto em autenticidade, conexão emocional e saúde mental. Para artistas em formação ou profissionais em busca de reinvenção, Chubbuck entrega mais do que conselhos técnicos. Ela oferece um caminho. E cobra entrega.

Wagner Moura é apontado como favorito ao Oscar 2026 por O Agente Secreto

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O filme brasileiro O Agente Secreto, dirigido por Kleber Mendonça Filho e estrelado por Wagner Moura, retorna aos holofotes internacionais. A produção desponta como uma das grandes apostas do Brasil para o Oscar 2026, com Moura cotado como favorito na categoria de Melhor Ator e o longa sendo bem avaliado para Melhor Filme Internacional. Trata-se de uma conquista significativa para o cinema nacional, que vem se destacando cada vez mais em festivais e no cenário global.

Apesar de não aparecer entre os favoritos de Melhor Filme ou Melhor Direção, o longa é considerado uma possível surpresa nas categorias principais, justamente pelo impacto da narrativa e pela força das interpretações. Na corrida por Melhor Ator, Wagner Moura lidera a lista de especulações, seguido de perto por grandes nomes do cinema mundial como Leonardo DiCaprio (Uma Batalha Após a Outra), Timothée Chalamet (Marty Supreme), Michael B. Jordan (Pecadores) e George Clooney (Jay Kelly).

Na categoria de Melhor Filme Internacional, o longa brasileiro aparece atrás apenas de Valor Sentimental (Noruega) e Foi Apenas Um Acidente (França), acompanhado de produções da Coreia do Sul e da Ucrânia. É um cenário competitivo, mas que reforça a força da obra de Mendonça Filho.

Um neo-noir brasileiro que mistura suspense, política e drama

O Agente Secreto é um verdadeiro neo-noir político, combinando drama, suspense e thriller em uma narrativa envolvente que prende do começo ao fim. Produzido pela CinemaScópio, o longa teve sua estreia mundial no Festival de Cannes, em 18 de maio de 2025, onde já chamou atenção da crítica e do público. No festival, Wagner Moura recebeu o prêmio de Melhor Ator, enquanto Kleber Mendonça Filho foi consagrado como Melhor Diretor. Além disso, o longa conquistou o Prêmio FIPRESCI e o Prix des Cinémas d’Art et Essai, concedido pela Associação Francesa de Cinemas de Arte (AFCAE).

O elenco do filme é um destaque à parte, reunindo Maria Fernanda Cândido, Gabriel Leone, Alice Carvalho, Udo Kier e Thomás Aquino, todos entregando interpretações intensas que reforçam a complexidade da narrativa e a densidade dos personagens. O filme foi escolhido pelo Brasil para representar o país na 98ª cerimônia do Oscar, marcando a terceira vez que uma obra de Kleber Mendonça Filho assume esse papel. Nos cinemas brasileiros, o longa estreia em 6 de novembro de 2025, com distribuição da Vitrine Filmes.

Tensão e dilemas em plena ditadura

A história se passa no Recife de 1977, durante o período da ditadura militar. Wagner Moura interpreta Marcelo, um professor universitário e especialista em tecnologia que retorna à cidade natal após anos afastado, tentando deixar para trás um passado turbulento em São Paulo, marcado por conflitos com um poderoso industrial e uma invenção de grande valor estratégico.

Marcelo vive sob constante vigilância, enquanto luta para proteger seu filho, que está sob os cuidados dos avós maternos, e, ao mesmo tempo, busca respostas sobre sua mãe falecida. Em sua jornada, ele encontra refúgio em um espaço seguro chamado “aparelho”, um lugar que abriga dissidentes e marginalizados, incluindo um casal de angolanos, o líder Euclides e Dona Sebastiana, figura maternal do grupo.

À medida que tenta reconstruir sua vida, Marcelo percebe que a cidade está cercada por espionagem e corrupção. Ele se vê inserido em uma rede de conspirações e precisa tomar decisões complexas para proteger quem ama, enquanto enfrenta dilemas morais que questionam lealdade, justiça e sobrevivência.

Temas universais com relevância social

O Agente Secreto é uma obra que fala de repressão, vigilância, memória, trauma e identidade, explorando ainda como a tecnologia pode ser usada para controle social. O longa consegue equilibrar tensão e humanidade, mostrando personagens que resistem e lutam em um contexto de opressão.

A obra constrói um retrato sensível e crítico do Brasil em um período conturbado, e mesmo sendo um thriller, não perde a ternura em cenas que abordam relações familiares, perdas e redenção. A direção de Kleber Mendonça Filho é marcada pelo cuidado em mesclar crítica social com elementos culturais e cinematográficos, entregando uma narrativa rica e envolvente.

O elenco e as interpretações

Wagner Moura, mais uma vez, mostra porque é considerado um dos melhores atores do país. Sua interpretação de Marcelo combina vulnerabilidade e força, transmitindo o conflito interno de um homem dividido entre proteger sua família e confrontar seu passado. Ao lado de Moura, Maria Fernanda Cândido, Gabriel Leone, Alice Carvalho, Udo Kier e Thomás Aquino ajudam a construir um Recife imersivo e convincente, trazendo profundidade aos personagens e à trama. Cada interpretação reforça a tensão e a dramaticidade do longa, tornando-o um dos trabalhos mais consistentes do cinema brasileiro recente.

Reconhecimento internacional

A estreia em Cannes confirmou o talento do diretor e do elenco. Críticos elogiaram a capacidade do filme de contar uma história local com impacto universal, equilibrando suspense, política e emoção. O reconhecimento internacional reforça a ideia de que o cinema brasileiro tem espaço e relevância no cenário mundial, e que histórias do país podem dialogar com qualquer público.

Expectativa para o Oscar 2026

Com Wagner Moura liderando a disputa por Melhor Ator e o filme forte na categoria de Melhor Filme Internacional, “O Agente Secreto” chega ao Oscar 2026 cercado de expectativa. Especialistas acreditam que, mesmo não sendo o favorito absoluto em todas as categorias, o longa pode surpreender graças à qualidade da direção, do elenco e à força da narrativa.

Guerreiras do K-Pop | Sucesso global da Netflix entra na lista de animações elegíveis ao Oscar 2026

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Foto: Reprodução/ Internet

Tem filmes que a gente assiste sem esperar muita coisa… e, de repente, se pega completamente envolvido, emocionado, rindo, chorando e pensando: “meu Deus, por que ninguém me avisou que isso aqui era tão bom?”. Guerreiras do K-Pop é exatamente esse tipo de produção. Lançado pela Netflix em junho de 2025, o longa virou um fenômeno instantâneo. Explodiu nas redes sociais, conquistou o fandom de K-pop, chamou a atenção de críticos e, agora, deu um passo gigantesco: entrou na lista de animações elegíveis ao Oscar 2026.

Sim, você leu certo. Aquele filme cheio de coreografias brilhantes, batalhas mágicas, músicas que grudam na cabeça e personagens que parecem ter saído direto da sua timeline do TikTok… agora está mais perto do maior prêmio do cinema mundial.

E a verdade é que ninguém está realmente surpreso — só muito, muito orgulhoso.

A confirmação que fez o fandom inteiro surtar

Na sexta-feira (21), a Academia de Artes e Ciências Cinematográficas soltou a lista de filmes que podem concorrer nas categorias de Melhor Animação, Melhor Documentário e Melhor Filme Internacional. É o famoso “pré-listão”, aquele momento em que a gente descobre quem está oficialmente no páreo.

E lá estava ele: Guerreiras do K-Pop, esse delírio delicioso que mistura fantasia, cultura coreana, shows pop, mitologia e emoção. O longa aparece ao lado de pesos pesados como Elio, Zootopia 2, Chainsaw Man – Arco da Reze e Demon Slayer – Castelo Infinito. Uma lista bem concorrida — mas totalmente coerente com a proporção que o filme tomou ao redor do mundo.

Pra quem acompanha cinema, já dava pra sentir que isso ia acontecer. Para os fãs das HUNTR/X, foi aquele tipo de notícia que faz você largar o celular no chão e gritar no quarto.

E com toda razão.

Mas afinal, por que esse filme mexeu tanto com as pessoas?

A resposta é simples e complexa ao mesmo tempo: Guerreiras do K-Pop não é só um filme. Ele é um abraço, uma explosão visual, uma história de identidade e, principalmente, uma carta de amor à cultura coreana — e às pessoas que crescem divididas entre mundos.

A diretora Maggie Kang sempre disse que queria criar algo que fizesse meninas asiáticas se sentirem vistas. Não apenas representadas de forma simbólica, mas de verdade. Com profundidade, vulnerabilidade e poder.

E ela conseguiu.

O filme acompanha Rumi, Mira e Zoey — três jovens idols que fazem parte do grupo HUNTR/X. No palco, elas são estrelas globais. Fora dele, são caçadoras de demônios, descendentes de mulheres que, há séculos, protegem o mundo por meio da música e da dança.

É uma premissa maluca? É.
Funciona? Totalmente.

O universo criado pela equipe da Sony Pictures Animation é vibrante, quase hipnotizante, cheio de cores neon, texturas de videoclipes e referências diretas ao K-pop e aos animes. Mas o que realmente pegou os espectadores foi a camada emocional.

Rumi, a protagonista, é meio humana e meio demônio — um segredo que ela tenta esconder até das melhores amigas. Essa dualidade, essa vergonha silenciosa, essa sensação de “não pertencimento”… tudo isso criou uma identificação absurda com o público.

Muita gente se encontrou nela. E talvez por isso o filme tenha viralizado tão rápido.

Um pouco da história (sem spoilers do final, relaxa)

O longa começa explicando que, há muito tempo, demônios invadiram o mundo humano, alimentando-se de almas e espalhando caos. Até que três mulheres comuns despertaram poderes ligados à música e à dança e criaram a barreira mágica Honmoon — que separa os dois mundos.

Ao longo das gerações, para manter o segredo e continuar usando suas vozes, cada trio de guerreiras passou a se apresentar como grupos musicais. E assim nasce a tradição: idols de um lado, caçadoras de demônios do outro.

No tempo presente, as HUNTR/X estão em ascensão global. Mas Rumi começa a perder a voz — e não é só nervosismo antes do show. É algo mais profundo e mais perigoso.

Enquanto isso, no submundo, o rei demoníaco Gwi-Ma está tentando voltar ao mundo humano. E, para isso, ele cria uma boy band demoníaca: os Saja Boys. Eles roubam fãs, roubam almas e se tornam uma ameaça gigantesca — tanto musical quanto sobrenatural.

A partir daí, o filme vira uma mistura deliciosa de drama, comédia, ação e muito pop.

Tem crises de identidade, tem amizade sendo testada, tem músicas que grudam, tem coreografias de tirar o fôlego, tem romance complicado, tem vilão carismático e tem uma construção de mundo que surpreendeu até quem entrou só esperando um passatempo.

Jinu, Rumi e uma história que pegou todo mundo de surpresa

Se existe um personagem que explodiu de popularidade ao ponto de render milhões de fanarts, esse foi Jinu.

O demônio que não parece tão demônio assim.
O vilão que não é exatamente vilão.
O garoto dividido entre culpa, saudade e esperança.

A relação dele com Rumi é um dos pontos mais comentados do filme. Sem cair em clichês pesados, os dois constroem uma conexão que fala sobre medo, aceitação e a coragem de assumir quem você é — mesmo quando isso dói.

Aliás, “dólar emocional” é algo que o filme usa com maestria. Ele não infantiliza o público. Não suaviza traumas. Não foge dos temas difíceis.

E talvez por isso tenha virado uma febre.

E agora… Oscar?

Entrar na lista de elegíveis não é o mesmo que ser indicado — mas já é metade do caminho. E, sinceramente? É um reconhecimento enorme.

A categoria de Melhor Animação no Oscar tem ficado cada vez mais disputada, especialmente com a força dos animes e com o retorno da Pixar ao holofote. Concorrer com Zootopia 2, Elio, Demon Slayer e Chainsaw Man não será fácil.

Mas Guerreiras do K-Pop tem algo que pesa:
ele virou um fenômeno cultural mundial.
E, no Oscar, isso importa.

A Academia tem reconhecido cada vez mais filmes que dialogam com grandes movimentos sociais, culturais e emocionais. E o longa da Netflix faz tudo isso — com brilho e personalidade.

Twisted Wonderland | Universo dos vilões da Disney ganha vida em anime com novo trailer

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O universo da Disney está prestes a ser explorado de uma maneira completamente diferente. O anime Twisted Wonderland, baseado no popular jogo para celular do mesmo nome, acaba de ganhar um novo trailer, antecipando uma história que mistura magia, mistério e personagens sombrios, todos inspirados nos vilões mais icônicos da Disney. A série estreia na Disney+ em 29 de outubro de 2025, já com três temporadas confirmadas, prometendo expandir o universo que conquistou fãs ao redor do mundo.

Produzido pela Aniplex em parceria com a Walt Disney Japan, o anime acompanha Yuu, um jovem transportado para outro mundo por um espelho mágico. Ao chegar à Faculdade Corvo Noturno, uma escola mágica de ensino superior, ele se depara com sete dormitórios distintos, cada um baseado em um vilão clássico da Disney. Lá, Yuu é acolhido pelo enigmático diretor da escola e conhece alguns dos melhores alunos, mergulhando em desafios que testarão não apenas suas habilidades, mas também sua coragem e caráter.

Uma escola mágica e cheia de segredos

A Faculdade Corvo Noturno não é uma escola comum. Cada dormitório tem sua própria personalidade, refletindo a essência do vilão que o inspirou. De Heartslabyul, rebelde e charmoso, a Octavinelle, estratégico e calculista, cada ambiente apresenta desafios diferentes, revelando conflitos internos e oportunidades para crescimento. O anime promete explorar esses aspectos de forma profunda, transformando figuras tradicionalmente “más” em personagens tridimensionais com motivações complexas.

Os fãs do jogo já conhecem essa abordagem inovadora: os vilões deixam de ser antagonistas unidimensionais e ganham histórias, dilemas e sentimentos que os tornam cativantes. Para o anime, essa proposta será ampliada, combinando elementos visuais impressionantes com narrativas emocionais que exploram a amizade, a rivalidade e a busca de Yuu por um caminho de volta para casa.

Do celular para o streaming

Twisted Wonderland começou como um jogo para celular, lançado no Japão pela Aniplex e Walt Disney Japan, com Yana Toboso — criadora de Black Butler — responsável pelo conceito original, roteiro principal e design dos personagens. Com um estilo sombrio e elegante, Toboso conseguiu equilibrar a fantasia com o drama e a intriga, dando vida a um mundo que mescla beleza e tensão.

A versão em inglês do jogo foi lançada em 20 de janeiro de 2022 nos Estados Unidos e Canadá, conquistando rapidamente uma base de fãs dedicada. O sucesso do game se deve à narrativa envolvente, à complexidade dos personagens e à jogabilidade que combina aventura e estratégia. Agora, o anime busca traduzir essa experiência para uma narrativa televisiva, permitindo que novos públicos descubram a história de Yuu e seus colegas da Faculdade Corvo Noturno.

Jogabilidade que inspira a narrativa

O jogo é descrito como uma “Villains Academy ADV”, ou aventura acadêmica de vilões. Os jogadores interagem com três elementos principais: lições, histórias e testes. Nas lições, os personagens ganham experiência e aprimoram suas habilidades; nas histórias, os jogadores exploram o universo narrativo; e nos testes, enfrentam desafios para medir a força de seus personagens, recebendo recompensas de acordo com sua pontuação.

O jogo também opera com um sistema gacha, permitindo que os jogadores obtenham personagens aleatórios usando a moeda Magic Gems. Outra inovação é o “Quarto de Hóspedes”, lançado na versão japonesa em maio de 2022, que permite aos jogadores personalizar os dormitórios e convidar seus personagens favoritos para interações únicas, aproximando o público da narrativa e ampliando a imersão.

Três temporadas, três histórias

O anime será dividido em três temporadas, cada uma adaptando um capítulo do jogo: Episódio de Heartslabyul, Episódio de Savanaclaw e Episódio de Octavinelle. Cada temporada explorará a vida nos dormitórios, os conflitos entre os alunos, os desafios mágicos e o crescimento de Yuu em sua jornada.

Segundo a equipe de produção, a intenção é manter a fidelidade ao jogo, mas expandir aspectos emocionais e de desenvolvimento de personagens. O público poderá acompanhar a evolução de relações complexas, rivalidades intensas e momentos de ternura e humor, proporcionando uma experiência completa e envolvente.

Vilões como protagonistas

Uma das maiores inovações da história é transformar vilões tradicionais em personagens com profundidade emocional. Eles deixam de ser simplesmente “o mal” e ganham histórias pessoais, dilemas e características que despertam empatia. Cada dormitório reflete a personalidade do vilão em que foi inspirado, criando um microcosmo com regras, valores e desafios próprios.

Essa abordagem não apenas cativa os jogadores do jogo, mas também promete conquistar fãs de anime e Disney que procuram histórias mais complexas e envolventes. A narrativa consegue equilibrar momentos de tensão, humor e emoção, permitindo que cada personagem se destaque e que o público se conecte com suas jornadas individuais.

Atomic | MGM+ divulga trailer da nova série de ação estrelada por Alfie Allen e Shazad Latif

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A MGM+ revelou recentemente o trailer oficial de Atomic, a aguardada série britânica de ação e aventura que promete prender a atenção do público com uma mistura de suspense, espionagem e tensão internacional. A produção chega à plataforma de streaming no dia 28 de agosto de 2025, trazendo um elenco de peso e uma narrativa inspirada em fatos reais. Abaixo, confira o vídeo:

Baseada no livro de não ficção Atomic Bazaar, do jornalista William Langewiesche, a série acompanha acontecimentos e personagens inseridos no contexto global da energia nuclear e das tensões geopolíticas contemporâneas. Ao combinar elementos de investigação, ação e drama, Atomic oferece ao público uma experiência cinematográfica dentro do formato televisivo, com ritmo ágil e intensidade constante.

O elenco da série reúne talentos reconhecidos do cinema e da televisão, liderados por Alfie Allen (John Wick, Game of Thrones) no papel de Max, e Shazad Latif (Nautilus, Star Trek: Discovery) como JJ. A atriz Samira Wiley (Orange Is the New Black, The Handmaid’s Tale) interpreta Cassie Elliot, trazendo profundidade emocional à narrativa.

Outros nomes do elenco incluem Brian Gleeson (Peaky Blinders, The Irishman) como Mark Ellis, Franklin Virgüez (Celia, La Mala Educación) no papel de Antonio Alam, Avital Lvova (Shtisel, McMafia) como Oksana Shirokova e Stuart Martin (Line of Duty, Our Kind of Traitor) interpretando Robert “Rab” Mackintosh. Complementam o time Vahid Gold (Jack Ryan, The Spy) como Khaled Awad e Charlie Murphy (Peaky Blinders, The Bachelor) no papel de Laetitia.

Essa diversidade de personagens promete explorar diferentes perspectivas e conflitos, refletindo a complexidade das histórias que giram em torno do universo nuclear e da espionagem internacional. Cada ator contribui para dar vida a um mundo repleto de tensões, dilemas éticos e decisões que podem mudar o curso da narrativa.

A obra é uma série de cinco episódios produzida pela Pulse Films em parceria com a Sky Studios. A direção fica a cargo de Shariff Korver, enquanto Peter McAleese assume o papel de produtor principal. O roteiro, escrito por Gregory Burke, mantém fidelidade à pesquisa jornalística de Langewiesche, oferecendo um equilíbrio entre fidelidade factual e narrativa dramática.

Os produtores executivos incluem Jamie Hall e Judy Counihan, da Pulse Films, além de Thomas Benski, Gregory Burke, Sam Hoyle e Megan Spanjian, da Sky Studios. As filmagens ocorreram no Marrocos durante o verão de 2024, cenário que proporcionou paisagens variadas e uma ambientação realista para a série.

O trailer divulgado apresenta sequências de ação intensas, confrontos estratégicos e momentos de suspense que destacam a tensão entre os protagonistas e seus desafios profissionais e pessoais. Com cenas que alternam ação explosiva e diálogos carregados de significado, o vídeo consegue transmitir a atmosfera de urgência e risco que permeia toda a série.

“Só Vivendo”: Fiorella, Kaique & Felipe se unem em um hino sobre recomeços e o amor que (finalmente) faz sentido

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Algumas músicas não nascem para tocar no fundo da alma — elas vêm de lá. É o caso de “Só Vivendo”, a nova colaboração entre a cantora Fiorella e a dupla Kaique & Felipe, que chega com a delicadeza de um abraço depois de tempos difíceis. A canção fala sobre dores passadas, amores que não deram certo e a coragem de seguir em frente até encontrar um sentimento real — sem pressa, sem máscaras, sem medo.

Lançada em todas as plataformas de áudio e vídeo, a faixa é uma composição de Felipe KEF, Ray Ferrari e Anderson Marreta, e ganha ainda mais potência com o clipe oficial dirigido por Rafa Costakent, filmado em São Paulo. Mas mais do que um lançamento, “Só Vivendo” é quase um diário emocional compartilhado com quem já errou, chorou e recomeçou — de cabeça erguida.

Uma música que vem do chão, não da vitrine

Fiorella não canta como quem quer brilhar — ela canta como quem já caiu e agora ilumina o próprio caminho. “Essa música carrega uma energia muito viva, muito verdadeira. E fazer isso com o Kaique & Felipe, que têm uma sensibilidade musical rara, foi muito especial. A gente se conectou logo de cara, sem esforço. Foi natural, como a própria mensagem da música pede”, compartilha a artista.

E a mensagem é direta, sem rodeios: não tem como viver um amor de verdade sem antes ter encarado os amores errados. A dor é parte da estrada. E essa estrada, quando bem vivida, pode levar a algo leve, bom — real.

Sertanejo com maturidade, sem vitimismo

Kaique & Felipe não escondem a empolgação com a parceria. “A Fiorella é uma artista que a gente sempre respeitou. Mas mais do que isso, ela entende o que está cantando. A letra de ‘Só Vivendo’ fala de gente real, que se lascou muito até entender o que é um amor de verdade. E ela trouxe isso com uma entrega absurda”, comenta Kaique.

Felipe reforça que o feat representa uma espécie de manifesto: “Tem espaço sim pra um sertanejo que não seja só sobre dor ou festa. A gente queria falar de reconstrução, de sentimento limpo. De alguém que caiu, aprendeu e agora ama melhor — e isso a gente só descobre… vivendo.”

Um clipe que não atua, sente

O videoclipe que acompanha o lançamento dispensa grandes narrativas. Em vez disso, foca no olhar, no gesto, na respiração de quem canta. Gravado em locações urbanas e com uma fotografia que valoriza o real e o íntimo, o diretor Rafa Costakent constrói uma estética sóbria e emocional, onde cada cena carrega a mesma verdade contida na música.

Fiorella aparece em momentos de introspecção e entrega, enquanto o trio divide planos que reforçam a sensação de que essa história não é só deles — é nossa também.

Um passo fora da fórmula — e muito além do previsível

“Só Vivendo” não tenta viralizar com coreografias nem frases de efeito. Sua força está no que ela não grita: a sutileza de aceitar os erros, a coragem de tentar de novo e o alívio de descobrir que o amor certo não machuca — ele acolhe.

Fiorella, Kaique & Felipe entregam um feat que não é só uma colaboração musical, mas uma conversa madura entre três artistas que, cada um à sua maneira, entenderam que a estrada da vida amorosa pode ser esburacada — mas vale a pena.

E a beleza está justamente aí: em aprender, cair, levantar… só vivendo.

Morre Arlindo Cruz, sambista que eternizou o coração do Rio e do Brasil, aos 66 anos

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Na tarde desta sexta-feira, 8 de agosto, o Rio de Janeiro e o Brasil perderam uma das vozes mais autênticas e inconfundíveis da história do samba. Arlindo Domingos da Cruz Filho, conhecido mundialmente como Arlindo Cruz, faleceu aos 66 anos no Hospital Barra D’Or, na Zona Oeste carioca, após uma longa e heroica luta contra as sequelas de um acidente vascular cerebral hemorrágico sofrido em 2017. Um guerreiro até o último instante, Arlindo não apenas deixou um legado musical, mas também uma história de resistência, amor e inspiração que atravessa gerações. As informações são do G1.

Ao seu lado até os momentos finais esteve Babi Cruz, sua companheira de vida e força constante por mais de 26 anos, que, emocionada, confirmou o falecimento e ressaltou a imensidão do coração do artista. Ela confirmou o falecimento em lágrimas, simbolizando a força e a determinação que marcaram toda a trajetória do artista que sempre será lembrado pelas suas canções.

Nascido em 14 de setembro de 1958, no bairro do Méier, na zona norte do Rio, Arlindo cresceu em um ambiente permeado pela cultura musical carioca. O samba fazia parte da rotina familiar tão naturalmente quanto o café coado pela manhã. Filho de Aracy e Arlindo Cruz, foi presenteado com seu primeiro cavaquinho aos 7 anos, instrumento que se tornaria uma extensão de sua alma e acompanharia toda sua trajetória artística. Já aos 12 anos, dominava melodias de ouvido, um talento precoce que foi lapidado na Escola Flor do Méier, onde estudou teoria musical e violão clássico — a base técnica que lhe permitiu, ao longo da vida, unir rigor e emoção em suas composições.

O primeiro impulso decisivo na carreira veio ao lado do lendário Candeia, um mestre que lhe ensinou que o samba é resistência, história e poesia. Em 1981, Arlindo tornou-se figura frequente na roda de samba do Cacique de Ramos, um verdadeiro santuário do gênero, onde conviveu com grandes nomes como Jorge Aragão, Beth Carvalho, Almir Guineto e Beto Sem Braço. Ali, a tradição pulsava viva, cheia de improvisos e narrativas da vida cotidiana, formando o cenário perfeito para o amadurecimento do seu estilo único. Não demorou para que suas composições começassem a ser gravadas por vozes consagradas, como Beth Carvalho, que eternizou “Grande Erro”, e Alcione, com “Novo Amor”.

Quando Jorge Aragão deixou o Fundo de Quintal, Arlindo foi convidado a integrar o grupo, onde permaneceu por doze anos, transformando o coletivo em sua casa e laboratório criativo. Clássicos como “Seja Sambista Também” e “O Mapa da Mina” nasceram dessa fase, consolidando a poesia urbana e o balanço autêntico que definiram sua assinatura musical. Em 1993, iniciou sua carreira solo, lançando o álbum Arlindinho e, posteriormente, consolidando parcerias memoráveis, como com o Sombrinha, que garantiram uma série de sucessos e a consagração definitiva de seu nome no samba.

O auge comercial e artístico veio em 2009, com o álbum MTV ao Vivo: Arlindo Cruz, gravado em São Paulo e que ultrapassou a marca de 100 mil cópias vendidas, tornando-se um marco para o gênero. Sua arte ecoou não apenas nas rodas de samba e bares, mas também nas avenidas das escolas de samba do Rio, onde conquistou 19 concursos de samba-enredo por agremiações como Império Serrano e Vila Isabel. Reconhecido internacionalmente, Arlindo recebeu cinco indicações ao Grammy Latino, levando a riqueza do samba brasileiro para os mais diversos palcos do mundo.

Em março de 2017, a vida testou sua resistência de maneira cruel com um AVC hemorrágico que quase silenciou seu cavaquinho. O artista enfrentou meses de internação, cirurgias delicadas e uma árdua rotina de fisioterapia, incluindo tratamentos inovadores, como o uso de óleo de cannabis. Apesar das limitações físicas e da fala comprometida, Arlindo jamais perdeu a alegria, a esperança e o sorriso que se tornaram símbolos de uma luta incansável pela vida. Em 2018, seus 60 anos foram celebrados com uma homenagem emocionante de amigos, fãs e parceiros, reafirmando seu legado e a admiração que inspirava.

Nos anos seguintes, mesmo diante das dificuldades e complicações de saúde, Arlindo permaneceu um farol de inspiração para muitos, até sua internação definitiva em maio de 2025. A partida física deixou um vazio imenso, mas sua história, marcada por coragem e amor à cultura popular, segue viva no coração de seus admiradores e na memória do samba.

Mais do que um músico, Arlindo Cruz foi um narrador da alma brasileira. Suas letras capturaram os amores, as dores, as batalhas e as esperanças do povo. Músicas como “Meu Lugar” e “O Show Tem Que Continuar” se tornaram verdadeiros hinos, traduzindo o sentimento coletivo e conectando gerações. Seu cavaquinho, banjo e voz eram pontes que ligavam comunidades, rodas de samba e a essência do Rio de Janeiro.

Casado oficialmente com Babi Cruz desde 2012, pai dedicado de Arlindinho e Flora, Arlindo encontrou na família seu porto seguro. Arlindinho, seu filho, seguiu os passos do pai e juntos lançaram o projeto Pagode 2 Arlindos pouco antes do acidente, perpetuando uma herança musical que atravessará os tempos.

Em 2025, Arlindo foi homenageado com a biografia O Sambista Perfeito, obra que reuniu depoimentos emocionados de grandes nomes como Zeca Pagodinho e Martinho da Vila, celebrando não apenas os prêmios e conquistas, mas a identidade cultural e o afeto que ele construiu ao longo da vida.

A despedida oficial acontecerá na quadra do Império Serrano, escola de samba que foi seu segundo lar e paixão. Espera-se um encontro de gerações, sambistas, fãs e amigos que, juntos, celebrarão a trajetória de Arlindo com música, alegria e saudade — na cadência do samba que nunca deixará de tocar.

Saiba qual filme vai passar na Sessão da Tarde desta quarta (06/08)

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Foto: Reprodução/ Internet

Em tempos onde a correria do dia a dia parece não dar trégua e as responsabilidades crescem a cada instante, é fácil esquecer o poder transformador da imaginação e da conexão genuína com aqueles que amamos. Pensando nisso, a Sessão da Tarde traz nesta quarta-feira, 6 de agosto de 2025, uma história leve, divertida e profundamente tocante: Imagine Só!, um filme que mistura fantasia e comédia familiar, estrelado pelo carismático Eddie Murphy. A produção, dirigida por Karey Kirkpatrick, não é apenas um entretenimento para toda a família, mas também um lembrete delicado da importância do tempo compartilhado e da escuta verdadeira entre pais e filhos.

Um cenário realista e problemas que muitos conhecem

Segundo informa a sinopse do AdoroCinema, a trama gira em torno de Evan Danielson (Eddie Murphy), um executivo do mercado financeiro que enfrenta uma fase crítica. Após anos dedicando sua vida ao trabalho, Evan vê sua carreira ameaçada por um concorrente agressivo, Johnny Pena Branca (Thomas Haden Church). O peso da profissão, a pressão por resultados e a ansiedade de manter seu cargo começam a tomar conta da sua rotina, tornando cada vez mais difícil encontrar equilíbrio entre vida profissional e pessoal.

Divorciado e afastado da filha Olivia, uma menina introspectiva de 8 anos interpretada pela jovem e talentosa Yara Shahidi, Evan vive um distanciamento afetivo que dói. Olivia, ao contrário do pai, tem um mundo próprio — um universo imaginário repleto de princesas como Kupida, Sopida e a rainha Qwali — e um objeto especial, seu cobertor de estimação, carinhosamente chamado de “betoa”. A relação entre os dois é marcada por uma barreira invisível que a rotina e a falta de diálogo foram construindo com o tempo.

Esse contexto é bastante comum para muitas famílias, tornando a história altamente identificável. Quantos pais e filhos não se veem, em algum momento, desconectados pela correria, pelo trabalho ou até mesmo pelas diferenças de gerações? Imagine Só! aborda isso com uma sensibilidade rara, sem julgamentos, mostrando que a ponte para a reconexão pode estar em lugares inesperados.

O poder da imaginação: uma jornada para dentro do universo infantil

Quando tudo parece perdido, Evan recebe um convite da filha para adentrar o seu mundo imaginário. É nesse momento que o filme realmente ganha vida e magia. O universo criado por Olivia é colorido, fantasioso e cheio de personagens cativantes — princesas que representam forças, emoções e dilemas do cotidiano infantil.

A partir dessa imersão, Evan começa a enxergar as situações profissionais e pessoais sob outro ângulo, descobrindo soluções criativas para os problemas que antes pareciam insolúveis. A fantasia, longe de ser um mero escapismo, torna-se uma ferramenta poderosa para a transformação real, tanto interna quanto externa.

Esse aspecto do filme ressoa profundamente com o público, principalmente porque valoriza a criatividade e a imaginação como elementos essenciais para o crescimento humano, seja na infância ou na vida adulta. É um convite para nunca perdermos a capacidade de sonhar e de olhar o mundo com olhos curiosos e abertos.

Eddie Murphy em um papel diferente, mas igualmente cativante

Eddie Murphy, conhecido mundialmente por suas performances cômicas e energéticas, surpreende ao assumir o papel de Evan Danielson com uma pegada mais sensível e humana. Sua atuação é marcada pela naturalidade e pela capacidade de transitar entre momentos de humor e emoção com equilíbrio.

Ao longo do filme, vemos Murphy explorar a fragilidade de um pai que, apesar das falhas e limitações, quer se reaproximar da filha e superar seus próprios desafios. Esse lado mais vulnerável do ator faz com que o público se conecte com a personagem de forma genuína, mostrando que a comédia pode andar lado a lado com histórias que tocam o coração.

Já a pequena Yara Shahidi, que interpreta Olivia, traz uma autenticidade rara para a tela. Sua interpretação da menina sonhadora e reservada é cheia de nuances, mostrando que as crianças também carregam complexidades emocionais profundas, mesmo quando as expressam através da imaginação e do silêncio.

Um elenco de apoio que enriquece a narrativa

Além dos protagonistas, o filme conta com um elenco que acrescenta camadas à história. Thomas Haden Church, no papel do antagonista Johnny Pena Branca, representa a pressão externa e a competitividade feroz do mundo corporativo. A antagonista não é um vilão tradicional, mas um rival que simboliza as dificuldades que Evan precisa superar.

Outros nomes de peso como Martin Sheen, Nicole Ari Parker e participações especiais de atletas como Allen Iverson e Carmelo Anthony aparecem para trazer um toque de realidade e leveza, fortalecendo o equilíbrio entre fantasia e cotidiano.

Essa diversidade de personagens contribui para que o enredo não se restrinja a uma simples história infantil, mas se abra para reflexões sobre relações interpessoais, desafios profissionais e a importância do apoio familiar.

Trilha sonora: a magia dos Beatles em cena

A trilha sonora de Imagine Só! merece destaque especial. Composta por Mark Mancina, que já havia trabalhado com o diretor em outras produções, a música acompanha o tom acolhedor e emocional do filme, com arranjos que misturam orquestra e sons leves.

Além disso, o filme apresenta versões de clássicos dos Beatles como “Here Comes the Sun”, “All You Need Is Love” e “Got to Get You Into My Life”. Essas músicas clássicas e cheias de significado reforçam a atmosfera de nostalgia, esperança e amor que permeia a história.

Para muitas gerações, os Beatles representam o encontro entre sonho e realidade, algo que o filme traduz com delicadeza em cada cena musical.

Produção e curiosidades

Gravado entre setembro e dezembro de 2007, com locações em Denver e Los Angeles, Imagine Só! é uma coprodução entre Estados Unidos e Alemanha, envolvendo grandes estúdios como Paramount Pictures e Nickelodeon Movies.

Originalmente lançado com o título Imagine That, o filme chegou ao Brasil com o nome Minha Filha é um Sonho, mas sua estreia nos cinemas foi cancelada, tendo sido lançado diretamente em vídeo com o título Imagine Só!.

Embora não tenha sido um sucesso comercial estrondoso — arrecadando cerca de 23 milhões de dólares mundialmente —, o longa conquistou seu público fiel e permanece até hoje como uma obra querida por quem valoriza histórias que emocionam e inspiram.

Além disso, foi o primeiro filme da Nickelodeon Movies a estrear no canal BET, marcando uma importante expansão do alcance da produtora.

Lições que ficam para a vida

Mais do que uma simples comédia familiar, o longna-metragem é um convite à reflexão sobre a importância da escuta, da empatia e do tempo compartilhado. Evan Danielson é, em muitos aspectos, o espelho dos pais modernos — pessoas que lutam para equilibrar as demandas profissionais com o desejo de estar presentes na vida dos filhos.

O filme mostra que, às vezes, a resposta para os problemas mais difíceis está em se permitir olhar o mundo através do olhar de uma criança — cheio de possibilidades, criatividade e esperança.

Essa mensagem, universal e atemporal, ganha uma força especial quando apresentada com humor e leveza, características que tornam a experiência de assistir ao filme prazerosa para todas as idades.

Onde posso assistir?

Além da exibição na TV Globo, você também pode assistir ao filme Imagine Só! em diversas plataformas digitais. Para quem é assinante, o longa está disponível no catálogo da Netflix, permitindo que você assista a qualquer momento com a comodidade do streaming. Se preferir, o filme também pode ser alugado no Prime Video, a partir de R$ 6,90, oferecendo flexibilidade para assistir quando quiser. Confira todas as opções de streaming e vídeo sob demanda (VOD) disponíveis para não perder essa divertida e emocionante história.

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