Segunda temporada de Hell’s Paradise ganha Trailer oficial e promete intensificar a aventura de Gabimaru

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O universo dos animes nunca deixa de surpreender, e 2026 já desponta como um ano promissor para os fãs de Hell’s Paradise. O aclamado anime, inspirado no mangá de Yuji Kaku, acaba de revelar o primeiro trailer oficial de sua segunda temporada, reacendendo a expectativa daqueles que acompanham a jornada de Gabimaru e do carrasco Yamada Asaemon Sagiri desde 2023. Com visuais de tirar o fôlego, cenas de ação ainda mais intensas e a promessa de explorar profundamente a complexidade de seus personagens, esta nova fase promete não apenas encantar os fãs de longa data, mas também conquistar novos espectadores. Abaixo, confira o vídeo:

A primeira temporada de Hell’s Paradise estreou em abril de 2023 e rapidamente se destacou entre os lançamentos do ano. Com 13 episódios exibidos até julho, o anime conquistou o público não apenas pelo enredo envolvente, mas também pelo cuidado meticuloso do estúdio MAPPA na criação de cenas visualmente impactantes e sequências de combate eletrizantes. No Brasil, a série está disponível pela Crunchyroll e Netflix, com áudio original legendado em português e dublagem nacional, garantindo uma experiência acessível e imersiva.

Agora, a segunda temporada chega para expandir ainda mais esse universo. Prevista para estrear em janeiro de 2026, o trailer oficial indica que a história seguirá intensa e implacável, apresentando desafios ainda maiores para Gabimaru e Sagiri. De acordo com a sinopse, a era Edo se aproxima do fim, e Gabimaru, reconhecido como o ninja mais forte de Iwagakure, permanece condenado à morte. Sua única chance de sobrevivência é encontrar o lendário Elixir da Vida em uma ilha misteriosa, descrita por rumores como a terra budista de Sukhavati.

A jornada de Gabimaru

Gabimaru, também conhecido como “O Vazio”, é um personagem fascinante não apenas por suas habilidades extraordinárias, mas também por sua complexidade emocional. Condenado à morte, ele carrega um passado sombrio e um amor profundo por sua esposa — um sentimento que guia todas as suas ações. A segunda temporada promete aprofundar esse lado humano, revelando que, por trás de um corpo quase imortal, existe um homem guiado por perda, esperança e desejo de redenção.

Ao lado de Sagiri, seu carrasco designado, Gabimaru embarca em uma missão que vai muito além da busca pelo elixir. O caminho até a ilha é repleto de perigos: criaturas desconhecidas, estátuas assustadoras e ermitões nativos que guardam segredos antigos. Além disso, ele não está sozinho — outros condenados à morte também foram enviados à ilha, cada um acompanhado por seu próprio carrasco, criando uma dinâmica complexa de rivalidade, alianças e sobrevivência.

Essa configuração permite que os espectadores não apenas apreciem os confrontos físicos, mas também mergulhem nas batalhas internas e dilemas morais de cada personagem. Gabimaru não é apenas um herói de ação; ele é um personagem tridimensional cujas decisões têm consequências profundas para todos ao seu redor.

O mangá original

A base da série está no mangá Hell’s Paradise: Jigokuraku, publicado no serviço online Shonen Jump+ entre 2018 e 2021. Criado e ilustrado por Yuji Kaku, o mangá compreende 13 volumes que exploram o mundo sombrio da era Edo, misturando história, fantasia e terror. A obra conquistou fãs não apenas no Japão, mas internacionalmente, sendo publicada simultaneamente em inglês na plataforma Manga Plus e licenciada para lançamento digital e impresso na América do Norte pela Viz Media.

Além da história principal, Kaku lançou capítulos especiais e um one-shot chamado Forest of Misfortune em 2023, que expandem o universo de Hell’s Paradise e aprofundam a mitologia da lendária ilha de Shinsenkyo. Para os fãs que desejam compreender todas as nuances da trama, esses conteúdos extras oferecem contexto e enriquecem a experiência narrativa, preparando o terreno para os desafios da segunda temporada.

Spin-offs e conteúdos derivados

O sucesso de Hell’s Paradise também gerou um spin-off cômico chamado Jigokuraku: Saikyō no Nukenin Gaman no Gabimaru, ilustrado por Ōhashi e publicado entre 2019 e 2020. Com tom leve e humorado, o spin-off mostra o lado mais descontraído de Gabimaru e outros personagens, oferecendo um contraponto à intensidade da série principal.

Essa diversidade de conteúdos é comum em franquias de sucesso e evidencia a habilidade de Yuji Kaku em equilibrar drama e humor, mantendo o público engajado em diferentes níveis. Novos leitores e fãs de longa data encontram, assim, múltiplos pontos de conexão com a história.

A produção do anime

A adaptação para anime de Hell’s Paradise foi um marco para o estúdio MAPPA, conhecido por títulos como Jujutsu Kaisen e Attack on Titan (temporadas finais). A primeira temporada já impressionou com seu alto padrão de animação, detalhando combates e respeitando fielmente o traço de Kaku.

Com a segunda temporada, a expectativa é que MAPPA eleve ainda mais esses padrões. O trailer indica sequências de ação mais rápidas e intensas, somadas a efeitos visuais que prometem tornar a ilha de Shinsenkyo ainda mais imersiva.

A trilha sonora também desempenha papel crucial na atmosfera da série. Misturando elementos tradicionais japoneses e composições modernas, a música intensifica tanto o clima histórico quanto a tensão das cenas de combate. Espera-se que a segunda temporada continue essa tradição, usando a música para amplificar emoções e marcar momentos-chave da narrativa.

Xolo Maridueña é confirmado como Portgas D. Ace na 3ª temporada da série One Piece da Netflix

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Foto: Reprodução/ Internet

A tripulação dos Chapéus de Palha acaba de ganhar um novo e poderoso aliado — e os fãs não poderiam estar mais animados. A Netflix confirmou que Xolo Maridueña, conhecido por seus papéis em Besouro Azul e Cobra Kai, será o responsável por dar vida a Portgas D. Ace na 3ª temporada da série One Piece. A notícia foi recebida com euforia nas redes sociais, principalmente entre os apaixonados pelo personagem, um dos mais queridos de todo o universo criado por Eiichiro Oda.

O anúncio chegou acompanhado de um clima de celebração entre os fãs, que já aguardavam a entrada de Ace desde o final da primeira temporada. Com seu carisma e presença marcante, Maridueña parece ser uma escolha natural para interpretar o irmão de Luffy — um personagem intenso, cheio de bravura, e com um coração que arde, literalmente, como fogo.

Além de Xolo, a Netflix também confirmou Cole Escola como o excêntrico Bon Clay, e prometeu revelar mais nomes do elenco em breve. As gravações da nova temporada acontecem ainda este ano, mais uma vez na Cidade do Cabo, na África do Sul, local que já serviu de base para as duas primeiras fases da série.

Um novo horizonte para a adaptação de sucesso

O live-action de One Piece surpreendeu até os mais céticos ao conquistar crítica e público com uma primeira temporada fiel, divertida e repleta de emoção. A segunda parte da série, intitulada “Rumo à Grand Line”, chega à plataforma em 10 de março de 2026 e promete ampliar a escala da aventura — com novos mares, desafios maiores e personagens lendários surgindo pelo caminho.

A confirmação de Ace na próxima temporada mostra que a Netflix está pronta para mergulhar em uma das fases mais emocionantes da história original. O personagem é peça fundamental na mitologia do mangá e anime, sendo conhecido tanto por sua força quanto pela ligação afetiva com Luffy, que sempre o teve como inspiração e exemplo de coragem.

De karateka a pirata: a trajetória de Xolo Maridueña

Aos 23 anos, Xolo Maridueña já coleciona uma carreira impressionante para alguém tão jovem. Nascido em Los Angeles, o ator é filho de uma família com raízes mexicanas, cubanas e equatorianas — uma mistura que ele carrega com orgulho. Seu nome vem da divindade asteca Xólotl, símbolo de transformação e proteção, o que parece combinar perfeitamente com o caminho que ele vem trilhando em Hollywood.

Xolo começou cedo na televisão, aparecendo em produções como Parenthood, e conquistou o público mundial como Miguel Diaz, o protagonista de Cobra Kai. Seu talento e carisma chamaram a atenção de estúdios de cinema, e em 2023 ele deu um salto enorme ao protagonizar o filme Besouro Azul, interpretando o jovem herói Jaime Reyes, da DC Comics.

Mas o ator não se limita às telas. Ele também é streamer na Twitch, onde conversa com os fãs e joga sob o nome Xolo Crunch. Sempre bem-humorado, o ator demonstra uma autenticidade rara em Hollywood — algo que os fãs de One Piece já consideram o ingrediente perfeito para viver Ace.

Um papel feito sob medida

Para muitos, Xolo parece ter nascido para esse papel. Ace é um personagem que mistura intensidade e leveza, carisma e tragédia, e é justamente essa dualidade que torna o irmão de Luffy tão inesquecível. “Ele tem fogo no coração e propósito nos olhos”, comentou um fã nas redes sociais logo após o anúncio.

E de fato, há algo de simbólico nessa escolha. Assim como Ace, Xolo Maridueña representa uma nova geração de atores que não têm medo de explorar personagens profundos, de carregar emoção nas entrelinhas e de se conectar com o público de forma genuína.

O que vem por aí

Com a estreia da 2ª temporada marcada para 10 de março de 2026, a série segue firme como um dos projetos mais ambiciosos da Netflix. A produção, uma parceria entre a Shueisha, a Tomorrow Studios e a própria plataforma, promete expandir o universo criado por Eiichiro Oda com o mesmo cuidado e coração que fizeram da primeira temporada um fenômeno global.

CarnaUOL 2026 anuncia line-up de peso com Pabllo Vittar e João Gomes no Allianz Parque

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Foto: Reprodução/ Internet

São Paulo se prepara para receber, em 24 de janeiro de 2026, a 11ª edição do CarnaUOL, festival que promete ser o grande pontapé inicial da temporada de Carnaval na cidade. O evento, que acontece no Allianz Parque, combina música, diversidade e experiências imersivas, reunindo artistas nacionais e internacionais em uma celebração única. As informações são do UOL.

O line-up deste ano traz nomes de destaque: Pabllo Vittar lidera as atrações nacionais com shows cheios de energia e coreografias marcantes; a estrela internacional Kesha retorna ao Brasil após uma década para apresentar seus maiores sucessos; e o fenômeno do forró e piseiro João Gomes anima o público com suas canções românticas e contagiantes. Completam o elenco Marina Sena, Dilsinho, Dubdogz, Deekapz, Charanga do França e Cores de Aidê, garantindo diversidade de ritmos e estilos.

O CarnaUOL se consolidou como um dos eventos mais aguardados do calendário paulistano. Organizado em parceria com a 30e, uma das principais produtoras de entretenimento ao vivo do país, o festival aposta em shows impactantes, experiências imersivas e uma estrutura pensada para conforto e segurança do público. Mais do que apresentações musicais, o evento busca criar momentos de interação e celebração, conectando artistas, marcas e público em um espaço vibrante.

Os ingressos terão descontos exclusivos: clientes PagBank, patrocinador máster e meio de pagamento oficial do festival, podem aproveitar 10% de desconto e parcelamento em até três vezes sem juros. Assinantes do UOL também têm direito a 10% de desconto, válido para até seis ingressos por CPF. A venda geral começa em 7 de novembro, às 12h, pelo site da Eventim.

No palco, Pabllo Vittar promete hits como “Amor de Que”, “Bandida” e “K.O.”, embalados por coreografias eletrizantes. Kesha traz seu repertório icônico, incluindo “Tik Tok” e “Praying”, em performances que misturam música, dança e elementos visuais impactantes. Já João Gomes combina romantismo e energia com sucessos como “Dengo”, “Eu Tenho a Senha” e “Meu Pedaço de Pecado”. Marina Sena e Dilsinho completam a programação nacional com pop e pagode romântico, enquanto os irmãos Dubdogz transformam o espaço em uma grande pista de dança com suas batidas eletrônicas. Deekapz, Charanga do França e Cores de Aidê garantem ainda mais diversidade sonora, mantendo a festa animada do início ao fim.

Com uma proposta que vai além da música, o festival se consolida como um dos maiores festivais de Carnaval fora do Rio de Janeiro. A festa aposta em diversidade, criatividade e experiências memoráveis, mostrando que São Paulo também sabe celebrar com intensidade, ritmo e cultura, oferecendo ao público momentos que ficarão guardados na memória.

Resenha – Todo Pirata Quer Uma Colher de Chá é uma aventura caótica e deliciosamente divertida

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Foto: Reprodução/ Almanaque Geek

Nem toda aventura precisa de tesouros ou batalhas épicas — algumas só precisam de um bule de chá e um pouco de caos romântico. Todo Pirata Quer Uma Colher de Chá é uma daquelas histórias que parecem ter nascido de uma conversa entre fãs de Our Flag Means Death e Café & Lendas, que se perguntaram: “E se piratas lésbicas também tivessem direito a uma comédia romântica de respeito?” O resultado é uma fantasia queer vibrante, engraçada e, por vezes, mais emotiva do que parece à primeira vista.

A trama acompanha Kianthe e Reyna, duas mulheres com uma missão aparentemente simples: encontrar ovos de dragão para garantir a paz na cidade de Tawney. Mas, como toda boa jornada literária, o destino decide complicar as coisas. Para conseguir as pistas que precisam, elas acabam envolvidas em uma caça completamente inesperada — atrás de Serina, uma ex-agricultora que virou pirata por pura teimosia (e fome de aventura, claro).

Ao lado delas está Bobbie, guarda leal e amiga de infância de Serina, que talvez ainda carregue um sentimento mal resolvido pela pirata. O trio improvável acaba preso em uma trama que mistura ação, romance e muitas trapalhadas emocionais. Enquanto o grupo tenta cumprir a missão original, o que realmente se desenrola é um naufrágio amoroso em câmera lenta, daqueles que a gente observa torcendo para que o barco (ou o coração) não afunde de vez.

O grande trunfo do livro está no tom espirituoso e afetuoso da narrativa. A autora não se leva tão a sério — e isso é ótimo. Os diálogos são rápidos, cheios de ironia e com aquele humor afiado que transforma até as situações mais absurdas em momentos de pura diversão. Mas, por trás das piadas e da estética “caótica e gay”, há uma história sincera sobre amizade, vulnerabilidade e autodescoberta.

Outro ponto forte é o ritmo cinematográfico. A narrativa flui como uma série de aventuras episódicas, repletas de criaturas mágicas, feitiços e confusões marítimas. É fácil imaginar cada cena em uma adaptação para streaming — entre duelos espirituosos e olhares que valem mais do que mil confissões.

Ainda assim, nem tudo é perfeito. O livro às vezes se perde nas próprias piadas, sacrificando a profundidade emocional em troca de um riso rápido. Algumas subtramas surgem e desaparecem antes de causar impacto, e há momentos em que o enredo parece mais preocupado em ser engraçado do que em desenvolver suas personagens. Mas nada disso impede que a leitura seja envolvente e, acima de tudo, divertida.

No fim, Todo Pirata Quer Uma Colher de Chá é sobre como o amor pode florescer mesmo em alto-mar, entre um saque mal planejado e uma xícara quente. É sobre tropeçar, rir e tentar de novo — porque, no fundo, o que as personagens procuram não é só dragões ou tesouros, mas um pouco de paz e pertencimento.

Com representatividade natural, carisma de sobra e um humor que desarma, o livro se destaca entre as fantasias românticas atuais por lembrar que o romance também pode ser bagunçado, leve e imperfeito — e ainda assim, profundamente humano.

Joe Keery, Georgina Campbell e Liam Neeson enfrentam o fim do mundo em Alerta Apocalipse — Veja o trailer

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Foto: Reprodução/ Internet

O cinema adora um bom fim do mundo. Mas, desta vez, a catástrofe vem embalada com risadas, ironia e uma pitada de insanidade científica. Alerta Apocalipse, que estreia em janeiro de 2026, acaba de ganhar trailer e pôster oficiais, prometendo uma das aventuras mais divertidas e tensas do próximo ano.

O longa reúne nomes de peso — Joe Keery, o eterno Steve de Stranger Things (2016–2025), Georgina Campbell, que deixou o público sem fôlego em Noites Brutais (2022), e o lendário Liam Neeson, que retorna ao gênero que o consagrou, o de ação com adrenalina e frases afiadas. Juntos, eles precisam encarar uma ameaça biológica que pode colocar fim à humanidade — e, claro, fazer isso com muito estilo.

Um trio improvável contra o caos

No filme, Joe Keery e Georgina Campbell vivem dois funcionários de uma empresa de armazenamento que têm o azar (ou a sorte) de topar com algo que deveria permanecer trancado para sempre. Quando um fungo mutante escapa de uma instalação militar, o caos se espalha, e a única chance de salvar o mundo é chamar alguém que entende do assunto — mesmo que esse alguém preferisse estar pescando.

Esse é o caso de Robert Quinn, vivido por Liam Neeson, um ex-agente de bioterrorismo aposentado que é puxado de volta para a ação quando o desastre começa. O trio, formado por um veterano cansado e dois jovens completamente despreparados, precisa correr contra o tempo para conter a contaminação. Mas nada é simples quando a ameaça é invisível, mortal e tem vontade própria.

O resultado é um equilíbrio entre o ritmo eletrizante de um filme de ação e o humor ácido de uma comédia de sobrevivência. Há sarcasmo, tensão e uma boa dose de humanidade, especialmente nas interações entre os personagens.

Bastidores de um apocalipse com estilo

O filme é dirigido por Jonny Campbell, nome respeitado da televisão britânica que já comandou episódios de séries cultuadas como Doctor Who (2010) e Westworld (2016), além de ter vencido um BAFTA por In the Flesh (2014). A mistura de ação, humor e crítica social parece perfeita para seu estilo visual dinâmico e narrativa com ritmo afiado.

O roteiro vem de David Koepp, um dos maiores roteiristas de Hollywood, responsável por sucessos como Jurassic Park (1993), Missão: Impossível (1996) e o primeiro Homem-Aranha (2002). Desta vez, ele adapta seu próprio livro, o best-seller Cold Storage (publicado no Brasil como Contágio), e promete expandir o universo da história com mais ironia e cenas de tirar o fôlego.

O elenco de apoio também impressiona. Vanessa Redgrave, vencedora do Oscar por Julia (1977), e Leslie Manville, indicada por Trama Fantasma (2017), completam o time, elevando o tom dramático da produção.

Humor, humanidade e o fim do mundo

O que diferencia “Alerta Apocalipse” de outros filmes do gênero é seu tom humano. O roteiro equilibra o absurdo de um desastre biológico com momentos de vulnerabilidade e empatia. Joe Keery, por exemplo, entrega um personagem que mistura coragem improvisada com um tipo de heroísmo acidental — um trabalhador comum tentando fazer o que é certo, mesmo quando tudo dá errado.

Georgina Campbell, por sua vez, oferece o contraponto racional e corajoso, enquanto Liam Neeson revisita seu arquétipo de herói relutante, mas agora com doses generosas de humor autodepreciativo.

O trailer já mostra que o longa não se leva totalmente a sério: entre explosões, perseguições e piadas sobre protocolos de segurança, fica claro que a produção quer divertir sem abrir mão da tensão.

Uma estreia que promete agitar janeiro

O longa-metragem chega aos cinemas em janeiro de 2026, em meio à temporada de blockbusters do verão norte-americano (e férias no Brasil). A produção da Sony Pictures promete ser um dos primeiros grandes lançamentos do ano, com exibição em IMAX e trilha sonora original assinada por Benjamin Wallfisch, de It: A Coisa e Blade Runner 2049.

Valor Sentimental | O novo drama de Joachim Trier chega aos cinemas brasileiros em 25 de dezembro

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Foto: Reprodução/ Internet

Há diretores que fazem do cinema uma confissão. Joachim Trier é um deles. O cineasta norueguês, indicado ao Oscar por A Pior Pessoa do Mundo, retorna agora com um novo mergulho nas relações humanas em Valor Sentimental — filme que estreia nos cinemas brasileiros no dia 25 de dezembro, em distribuição da MUBI e Retrato Filmes.

Selecionado para representar a Noruega no Oscar® 2026, o longa foi aplaudido em sua estreia mundial no Festival de Cannes 2025, onde conquistou o Grande Prêmio do Júri. Mais uma vez, Trier e seu parceiro de roteiro, Eskil Vogt, exploram os pequenos abismos que se formam entre pais e filhos, entre o passado e o presente — e entre o que se vive e o que se encena.

No longa-metragem, acompanhamos Nora (Renate Reinsve), uma atriz de teatro consagrada que tenta manter distância do pai, Gustav Borg (Stellan Skarsgård), um diretor de cinema lendário que desapareceu da vida das filhas e do próprio ofício. Quando ele decide voltar aos holofotes com um filme baseado na própria família, a ferida volta a sangrar.

Gustav convida Nora para o papel principal — um convite que ela recusa de imediato. O vazio deixado pela recusa é preenchido por Rachel (Elle Fanning), uma jovem atriz americana fascinada pela ideia de interpretar uma história tão pessoal. O reencontro entre Nora, Gustav e Agnes (Inga Ibsdotter Lilleaas), a outra filha, desencadeia uma série de confrontos e silêncios que atravessam gerações.

O resultado é um retrato comovente sobre as fronteiras entre arte e vida, sobre o que se escolhe esquecer — e o que insiste em permanecer.

Um elenco de ressonâncias emocionais

A protagonista Renate Reinsve volta a trabalhar com Trier depois de conquistar o mundo em A Pior Pessoa do Mundo (2021). Desde então, a atriz norueguesa tem se destacado em produções como Handling the Undead (2024), onde também explora os limites da dor e da ausência.

Stellan Skarsgård, um dos grandes nomes do cinema europeu, dá vida ao complexo Gustav. Conhecido por papéis em Chernobyl, Good Will Hunting e Nymphomaniac, ele traz uma mistura única de dureza e melancolia — perfeita para o papel de um homem que tenta reescrever sua própria história.

Já Elle Fanning, em um de seus trabalhos mais desafiadores, deixa de lado o glamour de The Great e a vulnerabilidade de All the Bright Places para dar vida a uma atriz que busca sentido entre ambição e empatia. Sua personagem é o espelho de uma geração que tenta se encontrar em meio ao ruído da fama.

A promissora Inga Ibsdotter Lilleaas, lembrada por sua atuação em Disco (2019), oferece uma performance de rara sutileza como Agnes — a filha que ficou, a que tentou manter a família de pé quando todos os outros se foram. E Anders Danielsen Lie, parceiro frequente de Trier, aparece novamente em um papel decisivo, após trabalhos memoráveis em 22 de Julho e Bergman Island.

A força de um cinema que olha para dentro

Joachim Trier sempre filmou o íntimo com uma delicadeza quase literária. Em Oslo, 31 de Agosto, ele transformou um dia comum em um retrato devastador sobre o sentido da existência. Em A Pior Pessoa do Mundo, capturou a solidão e a beleza das escolhas que definem uma vida.

Agora, em Valor Sentimental, ele volta a um tema recorrente em sua obra: a tentativa de se reconciliar com o tempo e com quem fomos. É um filme sobre a impossibilidade de se desligar das memórias — e sobre o poder da arte como último fio de comunicação entre pessoas que já não sabem mais como conversar.

A direção de Trier é sutil, mas firme. Os enquadramentos se aproximam dos rostos, como se buscassem neles uma verdade que as palavras não conseguem alcançar. Cada silêncio, cada respiração, parece dizer mais do que qualquer diálogo. É cinema que confia no olhar, na pausa, no não-dito.

O filme é uma coprodução entre Noruega, França, Alemanha, Dinamarca e Suécia, reunindo alguns dos principais nomes da indústria europeia. A produção é assinada por Maria Ekerhovd (Mer Film) e Andrea Berentsen Ottmar (Eye Eye Pictures), com coprodutores de peso como Nathanael Karmitz (MK Productions), Janine Jackowski (Komplizen Film) e Sisse Graum Jørgensen (Zentropa).

Jogos Vorazes – Amanhecer na Colheita ganha primeiro trailer e inicia a contagem regressiva de um ano para revisitar o brutal Massacre Quaternário

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A contagem regressiva para o próximo grande capítulo de Jogos Vorazes ganhou um novo ritmo nesta quinta-feira, 20 de novembro. A Lionsgate surpreendeu os fãs ao divulgar o primeiro trailer oficial e o pôster de Amanhecer na Colheita, produção que adapta o romance homônimo de Suzanne Collins e aprofunda a mitologia em torno do Massacre Quaternário — os 50º Jogos Vorazes, responsáveis por moldar o destino de Haymitch Abernathy, mentor de Katniss Everdeen e uma das figuras mais complexas e marcantes de Panem.

O lançamento marca oficialmente a contagem regressiva para a estreia do longa, marcada para 20 de novembro de 2026, e devolve aos fãs a sensação familiar de retornar a uma distopia que, mesmo mais de uma década após o fim da trilogia original nos cinemas, segue ecoando discussões sobre poder, trauma e resistência. Mas, desta vez, não se trata apenas de revisitar a história: é sobre aprofundá-la.

Amanhecer na Colheita oferece algo que os leitores dos livros e espectadores sempre imaginaram, mas nunca puderam ver plenamente — a construção e destruição do jovem Haymitch, o herói improvável que sobreviveu à edição mais brutal dos Jogos e, anos depois, se tornaria o mentor relutante, alcoólatra e emocionalmente devastado que todos conhecem. Abaixo, confira o primeiro trailer oficial:

Um retorno necessário a Panem e a um personagem que sempre teve mais a dizer

Quando Suzanne Collins anunciou em 2024 que estava escrevendo um novo romance ambientado em Panem, a notícia tomou as redes sociais como um vendaval. A revelação de que o livro mergulharia na trajetória de Haymitch Abernathy trouxe imediatamente um novo fôlego à franquia. Afinal, o personagem sempre foi uma ferida aberta — um homem quebrado, sarcástico, inteligente e permanentemente violento consigo mesmo, que carregava nos ombros algo maior do que qualquer outro vencedor.

Nos livros originais, seu passado era citado apenas em momentos pontuais, quase como cicatrizes que se deixavam entrever. Sabíamos que Haymitch vencera o Massacre Quaternário, que sua arena fora particularmente cruel e que seu prêmio por desafiar a Capital havia sido… perder tudo. Mas ver isso ganhar forma, cor, cheiro e peso dramático é outra história — e é exatamente esse mergulho que o filme promete.

Ao anunciar a adaptação cinematográfica ainda em 2024, a Lionsgate não apenas confirmou a ambição do projeto como também trouxe de volta Francis Lawrence, diretor de Em Chamas, A Esperança – Parte 1, A Esperança – Parte 2 e A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes. Com ele, retorna também o roteirista Billy Ray, responsável por alguns dos trechos mais politicamente contundentes da franquia. A dupla promete repetir a fórmula que equilibra grandes cenas de ação com uma narrativa humana, dolorosa e crítica.

Um dos elencos mais impressionantes da saga

No centro da história, Joseph Zada enfrenta a difícil tarefa de reinterpretar Haymitch Abernathy de forma inédita, mas coerente com a sombra deixada por Woody Harrelson. Desde as primeiras imagens divulgadas no trailer, fica claro que Zada — visto anteriormente em (inserir produções anteriores aqui, caso queira definir ou criar fictícias) — estudou profundamente o personagem: o olhar inquieto, os momentos de silêncio e a tensão corporal antecipam uma performance carregada de nuances.

Ao lado dele, a presença de Whitney Peak (“Hocus Pocus 2”, “Gossip Girl”) e Mckenna Grace (“A Maldição da Residência Hill”, “Capitã Marvel”, “Ghostbusters: Mais Além”) acrescenta força juvenil e sensibilidade emocional, características essenciais para os tributos que dividirão a arena com Haymitch. Grace, especialmente, já conhecida por sua habilidade de interpretar personagens quebrados e resilientes, promete entregar um contraponto emocional potente.

Figuras como Jesse Plemons (“Ataque dos Cães”, “Breaking Bad”, “Fargo”) e Kelvin Harrison Jr. (“Waves”, “Elvis”, “Chevalier”) reforçam o peso político e dramático da trama, enquanto Maya Hawke (“Stranger Things”, “Do Revenge”), Lili Taylor (“Invocação do Mal”, “Perry Mason”), Ben Wang (“American Born Chinese”) e Elle Fanning (“The Great”, “Malévola”, “Demônio de Neon”) ampliam a diversidade de vozes que orbitam a narrativa.

O elenco ainda inclui os consagrados Ralph Fiennes (“Harry Potter”, “O Paciente Inglês”, “O Grande Hotel Budapeste”) e Kieran Culkin (“Succession”, “Scott Pilgrim Contra o Mundo”), cuja participação — ainda envolta em mistério — tem fomentado teorias entre fãs. A especulação mais comum é que Fiennes possa dar vida a uma figura influente da Capital, talvez até ligada às primeiras gerações da família Snow.

Filmagens internacionais e uma escala maior do que qualquer filme anterior da franquia

Com início em 6 de agosto de 2025, as filmagens foram realizadas majoritariamente na Espanha, país cuja geografia variada tem se tornado palco de grandes produções de Hollywood. Regiões montanhosas, bosques densos e áreas históricas deram vida tanto aos cenários de Distrito 12 quanto à nova arena.

Francis Lawrence já havia indicado em entrevistas anteriores que seu objetivo era criar uma arena “respirante”, em que os elementos naturais desempenham papel narrativo. O uso de cenários reais — em vez de depender inteiramente de CGI — reforça o tom documental e visceral do filme. Essa escolha também aproxima Amanhecer na Colheita dos momentos mais humanos da franquia, garantindo que o espectador sinta o peso real de cada passo dado por Haymitch.

Os sets envolvendo a Capital foram filmados em estúdios na Alemanha e na Hungria, locais escolhidos pela arquitetura brutalista e pela capacidade de recriar uma metrópole opulenta e fria.

Uma história de resistência, vingança e consequências

Se há algo que distingue o Massacre Quaternário de todas as outras edições dos Jogos é sua crueldade calculada. Dobrando o número de tributos e ampliando as regras para tornar a morte ainda mais “espetacular”, a Capital deixou claro que, naquele ano, não existia espaço para heroísmo — apenas para sobrevivência.

É nesse cenário que Haymitch emerge, não como herói tradicional, mas como alguém forçado a entender que viver também significa perder. O filme, assim como o romance de Collins, promete seguir o fio emocional dessa descoberta.

A contagem regressiva começou e Panem nunca pareceu tão atual

Com o lançamento do trailer e do pôster, Jogos Vorazes: Amanhecer na Colheita se consolida como a grande aposta de 2026 para unir nostalgia, renovação e relevância política. Em um mundo contemporâneo que enfrenta debates profundos sobre política, manipulação, desigualdade e espetacularização da violência, revisitar Panem não parece apenas entretenimento — parece leitura do presente.

Quase Deserto marca nova fase de José Eduardo Belmonte e estreia nos cinemas em 27 de novembro

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Foto: Reprodução/ Internet

Após uma passagem elogiada por dois dos maiores eventos de cinema do país, a Première Brasil do Festival do Rio 2025 e a 49ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, Quase Deserto finalmente chega às salas brasileiras em 27 de novembro. O novo longa-metragem de José Eduardo Belmonte carrega o espírito de descoberta que sempre acompanhou sua filmografia, mas desta vez amplia fronteiras, geográficas e simbólicas.

A produção foi inteiramente filmada em Detroit, cidade que se tornou quase um personagem dentro da história. Ali, entre prédios vazios e ruas que parecem suspensas no tempo, o diretor constrói um cenário que dialoga com abandono, memória e sobrevivência. A narrativa ganha vida através do trio formado por Angela Sarafyan, atriz armênio-americana conhecida por sua presença magnética em Westworld, pelo uruguaio Daniel Hendler, lembrado por seu trabalho sensível em O Abraço Partido, e pelo brasileiro Vinícius de Oliveira, que marcou gerações com Central do Brasil e aqui apresenta um novo amadurecimento artístico.

Belmonte descreve o filme como um “noir distorcido”, uma expressão que traduz a mistura de sombras, silêncios e tensões que compõem o enredo. Quase Deserto acompanha dois imigrantes latinos sem documentos e uma mulher americana que, por acaso, testemunham um assassinato em uma Detroit pós-pandemia. A cidade parece desprovida de vida humana, como se observasse seus próprios fantasmas. Diante da violência inesperada, os três personagens partem em uma jornada de fuga e reinvenção, carregando segredos, medos antigos e um desejo silencioso de recomeçar.

A força emocional do longa nasce tanto de sua trama quanto do significado que ele representa dentro da trajetória do diretor. Belmonte vive um momento de virada artística e profissional, motivado pela busca por novos modelos de coprodução que aproximem criadores de países diferentes. Essa ideia surge do desejo de expandir o alcance das histórias brasileiras, permitindo que temas, conflitos e sensibilidades do país encontrem ressonância em outros territórios. O diretor explica que compreender o Brasil de fora pode revelar nuances que, de perto, muitas vezes passam despercebidas. Para ele, comentar o país a partir de outra geografia amplia o olhar e cria pontes culturais que antes pareciam distantes.

Essa proposta de integração está presente em cada etapa do filme. A produção foi realizada em três idiomas, português, espanhol e inglês, refletindo os encontros e desencontros dos personagens. O longa é produzido por Rodrigo Sarti Werthein e Rune Tavares, com assinatura da ACERE, e conta com a participação da norte-americana We Are Films, da Filmes do Impossível e da Paramount Pictures. O roteiro, por sua vez, nasceu de uma colaboração criativa entre Belmonte, Carlos Marcelo e Pablo Stoll, roteirista conhecido pelo sucesso uruguaio Whisky.

Terra da Padroeira deste domingo (14) recebe Os Altaneiros, Dany e Diego, Cacique e Pajé e Zé Vitor e Rael

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Neste domingo, 14 de dezembro, a partir das 9h, o programa Terra da Padroeira vai ao ar ao vivo com uma edição especial dedicada à riqueza e à diversidade da música sertaneja, reunindo artistas de diferentes gerações e estilos em um mesmo palco. Sob o comando de Kleber Oliveira, Tonho Prado e do carismático Menino da Porteira, a atração reafirma seu papel como um dos principais espaços da televisão brasileira dedicados à valorização da cultura sertaneja. Transmitido diretamente dos estúdios da emissora, em Aparecida, no interior de São Paulo, o programa mantém sua proposta de unir tradição, fé e entretenimento, criando uma conexão direta com o público que acompanha fielmente a atração há anos.

Ao longo da manhã, o “Terra da Padroeira” apresenta um repertório pensado para emocionar, revisitar histórias e celebrar a identidade musical do interior do Brasil. A curadoria artística aposta em encontros que transitam entre a música raiz, o sertanejo romântico e as novas sonoridades que vêm renovando o gênero, sem perder de vista suas origens. A abertura musical fica por conta do grupo Os Altaneiros, uma das revelações da nova cena sertaneja. Formado por Vinicius Henrique, Enzo Franco, Charles e Murilo, o quarteto reúne músicos com trajetórias distintas, mas complementares. O projeto nasceu do desejo de resgatar a essência do sertanejo tradicional, com letras que falam da vida simples, do amor e das experiências do interior, ao mesmo tempo em que dialoga com arranjos contemporâneos e uma linguagem atual.

No palco do programa, Os Altaneiros prometem uma apresentação marcada por harmonias vocais bem construídas e uma sonoridade que respeita o passado, mas olha para o futuro. A expectativa é de conquistar tanto o público mais tradicional quanto os ouvintes que buscam novas referências dentro do gênero. Na sequência, o clima ganha ainda mais emoção com a participação da dupla Dany e Diego. Irmãos e parceiros de palco desde a infância, eles iniciaram a carreira em 1997, influenciados diretamente pelo pai, que teve papel decisivo na formação musical dos dois. Naturais de Santa Bárbara d’Oeste, no interior paulista, Dany e Diego cresceram nos palcos e construíram uma trajetória sólida dentro do sertanejo romântico.

Ao longo dos anos, a dupla emplacou músicas que marcaram presença nas rádios de todo o país, como “Jogando a Toalha”, “Tempo ao Tempo” e “Sempre Fui Eu”. Com uma discografia consistente e passagens por grandes eventos do gênero, como a Festa do Peão de Americana e o rodeio de Barretos, os irmãos levam ao “Terra da Padroeira” canções que falam de amor, saudade e relações humanas com sensibilidade e verdade. Outro momento aguardado da edição é a presença de Cacique e Pajé, nome consagrado da música sertaneja raiz. A história da dupla começou na década de 1970, quando Antônio Borges, o Cacique, e Roque Pereira, o Pajé, deram início a uma carreira que rapidamente conquistou o público do interior. O reconhecimento veio logo no primeiro disco, impulsionado pelo sucesso de “Pescador e Catireiro”, canção que se tornou um clássico do gênero.

Crítica – Segunda Chance é um retrato sensível sobre aprender a amar de novo quando o coração ainda está em pedaços

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Há séries que impressionam pelo impacto, pelo choque ou pela grandiosidade. “Segunda Chance”, disponível no Viki, escolhe um caminho diferente e, talvez por isso mesmo, mais honesto: o da delicadeza. É uma história que não grita suas emoções, mas as sussurra. E, nesse sussurro, encontra uma força rara ao falar de luto, amizade, amor e da coragem silenciosa de continuar vivendo quando algo essencial se perde.

A jornada de Sky é o ponto de partida emocional da série. A morte do pai não é apenas um evento do passado, mas uma ausência que atravessa cada gesto, cada silêncio e cada tentativa de seguir em frente. Sky não está “quebrado” de forma espetacular; ele está cansado, sensível, vulnerável. É nesse estado que Paper surge não como um salvador, mas como alguém que simplesmente fica. E talvez seja aí que “Segunda Chance” mais acerta: o amor nasce da presença constante, do cuidado diário, da escuta atenta.

A relação entre Sky e Paper é construída com uma naturalidade comovente. Eles começam como amigos, mas a série permite que o espectador perceba antes mesmo dos personagens que há algo diferente ali. O ciúme aparece sem alarde, o toque dura um segundo a mais do que deveria, o olhar carrega perguntas que ninguém ousa formular. O que poderia ser tratado como confusão adolescente ganha aqui um peso emocional verdadeiro. Não é apenas o medo de amar, mas o medo de perder aquilo que já é tão importante: a amizade.

Quando o sentimento deixa de ser apenas insinuado e passa a ser reconhecido, a série evita o clichê da revelação explosiva. O estranhamento inicial dá lugar a uma aproximação cuidadosa, quase tímida, como se ambos precisassem reaprender a se mover um em torno do outro. É um amor que cresce com hesitação, mas também com ternura. E isso torna tudo mais real, mais humano.

No outro eixo da narrativa está Jeno, um personagem fechado pelas marcas de uma traição que o fez desacreditar nas pessoas e nos afetos. Sua dor é mais silenciosa, quase invisível, mas igualmente profunda. Chris entra em sua vida como alguém disposto a ficar mesmo sem garantias. A relação entre os dois é menos imediata e mais resistente. Não se trata de “curar” Jeno, mas de mostrar que confiar novamente é possível, mesmo quando o passado insiste em machucar.

O que une esses quatro personagens é a sensação de estarem todos tentando sobreviver às próprias feridas. “Segunda Chance” entende que cada pessoa carrega seu tempo, seu ritmo e seus limites. Não há soluções fáceis nem promessas vazias. O amor, aqui, não apaga a dor, mas ajuda a torná-la suportável.

Visualmente, a série acompanha essa proposta com uma estética discreta e acolhedora. A fotografia suave, os enquadramentos próximos e a trilha sonora contida reforçam a intimidade da narrativa. As atuações apostam no não dito, nos silêncios que dizem mais do que longos discursos. É um tipo de drama que exige atenção e entrega do espectador, mas que recompensa com emoção genuína.

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