Neste domingo, 9 de novembro, a TV Brasil convida o público para uma nova imersão na natureza com a estreia da quarta temporada de Parques do Brasil. A série documental, uma das produções mais reconhecidas da emissora, retorna às telas às 19h com um episódio dedicado à Amazônia — uma homenagem mais que oportuna na véspera da COP30, que acontece em Belém (PA) entre 10 e 21 de novembro.
Em formato de diário de expedição, os novos episódios levam o telespectador a uma jornada por alguns dos lugares mais impressionantes do país. Cada capítulo de 26 minutos revela a beleza e a diversidade das unidades de conservação brasileiras, combinando imagens exuberantes com informações científicas e reflexões sobre o futuro ambiental do planeta. A trilha sonora, assinada por Flavia Tygel, reforça o tom poético da produção, que também estará disponível no aplicativo TV Brasil Play.
Para Antonia Pellegrino, diretora de Conteúdo e Programação da Empresa Brasil de Comunicação (EBC), o retorno da série simboliza o papel essencial da TV pública em promover conhecimento e consciência ambiental. “Parques do Brasil é mais do que um programa sobre natureza. É uma janela que nos conecta à grandiosidade do país e nos faz pensar sobre o que estamos fazendo para preservá-lo. Essa é a força da televisão pública: educar, emocionar e inspirar”, afirma.
A estreia na véspera da COP30 não é coincidência. O lançamento da nova temporada reforça o compromisso da EBC com temas ambientais em um momento em que o Brasil ocupa posição central nas discussões sobre sustentabilidade global. A produção é fruto de uma parceria institucional entre a EBC, a Casa de Oswaldo Cruz (COC/Fiocruz) e o Instituto Chico Mendes de Conservação da Biodiversidade (ICMBio) — união que tem rendido uma das séries mais premiadas e respeitadas da televisão pública.
Um passeio pelo Brasil natural
Nesta temporada, o primeiro destino é o Parque Nacional da Amazônia, às margens do Rio Tapajós, onde a equipe acompanha de perto a rotina de pesquisadores e guardas-parques que lutam para proteger espécies ameaçadas, como a onça-pintada e a ararajuba. O episódio mergulha no coração da floresta, mostrando a convivência delicada entre o homem e um dos ecossistemas mais ricos do planeta.
Nos episódios seguintes, a série atravessa o país de norte a sul. Em Abrolhos (BA), as câmeras registram a vida marinha que transforma o local em um dos maiores berçários de baleias do Atlântico Sul. Na Chapada dos Veadeiros (GO), o Cerrado ganha protagonismo com suas formações rochosas e cachoeiras de beleza quase surreal. Já em Fernando de Noronha (PE), o destaque é o equilíbrio entre turismo e preservação. A jornada segue pelos Lençóis Maranhenses (MA), onde dunas e lagoas formam um cenário de outro mundo, e termina no Parque Nacional Cavernas do Peruaçu (MG), que guarda registros milenares da presença humana em meio a paisagens de tirar o fôlego.
A New Line Cinema divulgou nesta terça-feira (03) um novo e inquietante clipe de Lee Cronin’s The Mummy, intitulado no Brasil como A Maldição da Múmia. A prévia mergulha ainda mais no clima sombrio da produção e apresenta uma cena carregada de tensão, espiritualidade e horror psicológico.
No vídeo, vemos uma mulher — aparentemente a avó da menina que carrega a maldição — orando intensamente por sua neta. À medida que a reza ganha força e desespero, a atmosfera se torna cada vez mais sufocante. Em cortes rápidos e perturbadores, o público vislumbra a transformação gradual da criança em algo monstruoso, assumindo traços que remetem a uma múmia antiga e amaldiçoada.
As imagens são propositalmente fragmentadas. A edição ágil impede que se compreenda completamente o que está acontecendo, criando um efeito ainda mais angustiante. A sensação é de que algo está muito errado — e que a oração, em vez de proteger, pode estar acelerando um destino aterrador.
Dirigido e roteirizado por Lee Cronin, o longa apresenta uma abordagem contemporânea para o mito da múmia, apostando mais no terror emocional e familiar do que em aventuras arqueológicas tradicionais.
A trama acompanha a filha de um jornalista que desaparece misteriosamente em um deserto, sem deixar qualquer pista. A família mergulha em luto e incerteza. Oito anos depois, quando todos já acreditavam não haver mais esperança, a jovem reaparece repentinamente.
O que deveria ser um reencontro emocionante se transforma em um verdadeiro pesadelo. A garota não parece mais a mesma — algo antigo, obscuro e inexplicável parece ter se apoderado dela. A partir desse ponto, o filme se desenvolve como uma escalada de tensão, misturando drama familiar e horror sobrenatural.
O elenco conta com Jack Reynor, Laia Costa e Veronica Falcon, que interpretam os membros da família devastada pelo desaparecimento — e pelo retorno perturbador.
Terror atmosférico e transformação física
Pelo que o novo clipe sugere, a produção deve investir fortemente em efeitos práticos e maquiagem para construir a transformação da menina na criatura amaldiçoada. Ainda que as imagens sejam rápidas, é possível perceber detalhes de pele ressecada, rachaduras e um visual que remete a algo ancestral.
A escolha de mostrar pouco e sugerir mais reforça o suspense. Em vez de entregar o monstro por completo, o estúdio aposta na imaginação do espectador — estratégia clássica do terror psicológico.
Lee Cronin, conhecido por trabalhos que equilibram tensão e intensidade visual, parece trazer para o projeto uma estética mais sombria e visceral. O clima do clipe é pesado, com iluminação baixa e trilha sonora crescente, ampliando a sensação de que forças antigas estão sendo despertadas.
Não confundir com o clássico de 1944
É importante destacar que esta nova produção não deve ser confundida com The Mummy’s Curse, lançado no Brasil como A Maldição da Múmia, filme dirigido por Leslie Goodwins e integrante da clássica franquia da Universal Pictures nos anos 1940. O longa estrelado por Lon Chaney Jr. marcou o encerramento da saga original da múmia Kharis naquele período.
A versão atual representa uma releitura moderna do mito, com narrativa independente e proposta estética completamente distinta da produção clássica.
A contagem regressiva chegou ao fim. Estamos em 18 de novembro e faltam apenas dois dias para que Wicked: Parte 2 aterrisse oficialmente nos cinemas brasileiros, em 20 de novembro, enquanto as sessões de pré-estreia acontecem já nesta quarta-feira, 19. E, como se não bastasse o clima de euforia dos fãs, as previsões de bilheteria indicam que a nova produção da Universal deve quebrar recordes logo no primeiro fim de semana.
Segundo dados divulgados pelo Deadline, as estimativas globais apontam para uma arrecadação inicial superior a US$ 200 milhões. O número, que por si só já impressiona, coloca o filme entre os maiores lançamentos do ano e reforça o fenômeno em que a franquia Wicked se transformou após a bem-sucedida primeira parte lançada em 2024.
Um fenômeno global em ascensão
Das projeções totais, cerca de US$ 70 milhões devem vir do mercado internacional, onde o filme estreia simultaneamente em 78 territórios. Essa distribuição robusta amplia o alcance e mantém o interesse aquecido, especialmente após as reações extremamente positivas registradas nas últimas semanas em exibições especiais.
Nos Estados Unidos e no Canadá, as projeções estão ainda mais elevadas. A expectativa é que o filme atinja entre US$ 125 milhões e US$ 150 milhões apenas no mercado norte-americano, exibido em aproximadamente 4.000 salas. Esse número supera de maneira confortável a abertura da Parte 1, que arrecadou US$ 112,5 milhões na América do Norte.
Com tanta atenção internacional e uma base de fãs mais engajada do que nunca, o cenário está preparado para uma estreia histórica.
As primeiras reações empolgaram — e muito
As primeiras impressões que circularam nas redes e na imprensa especializada mostram um consenso incomum: Wicked: Parte 2 é maior, mais emotivo e mais ousado do que sua antecessora. Os críticos destacam que o filme aprofunda os conflitos de poder em Oz, amplia a relação entre as protagonistas e entrega números musicais ainda mais elaborados.
Enquanto a Parte 1 apresentou o universo, a Parte 2 promete expandi-lo com novas nuances políticas, dramáticas e emocionais. Essa combinação de espetáculo e densidade narrativa é um dos grandes impulsionadores da atenção global — e, consequentemente, da bilheteria.
Quem são as estrelas do filme?
Cynthia Erivo (Harriet, Bad Times at the El Royale, Widows) indicada ao Oscar e amplamente reconhecida por seu talento vocal e dramático, lidera a narrativa como Elphaba, em uma performance frequentemente descrita como poderosa e visceral. Sua interpretação explora o lado mais vulnerável e combativo da personagem, o que já está emocionando quem teve acesso antecipado ao filme.
Ao lado dela está Ariana Grande (Victorious, Sam & Cat, Não Olhe Para Cima), que retorna como Glinda. Se na primeira parte o público se surpreendeu com sua entrega dramática, na continuação a atriz e cantora demonstra ainda mais maturidade, transitando entre momentos de leveza, conflito e autodescoberta. A química entre as duas protagonistas é apontada como um dos pilares narrativos do filme.
Entre os demais destaques estão Jonathan Bailey (Bridgerton, Broadchurch) como Fiyero, ganhando um papel mais decisivo no desfecho da história; Michelle Yeoh (Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo, A Lenda do Anel dos Dragões, 007 – O Amanhã Nunca Morre) como a imponente Madame Morrible; e Jeff Goldblum (Jurassic Park, Independence Day, A Mosca) como o carismático e manipulador Mágico de Oz. O elenco é complementado por Marissa Bode, Ethan Slater (SpongeBob SquarePants: The Musical), Bowen Yang (Saturday Night Live, Fire Island), Bronwyn James (Harlots) e Keala Settle (O Rei do Show), todos responsáveis por dar vida ao lado mais humano — e às vezes caótico — de Oz.
A Parte 2 também introduz novos personagens, incluindo Aaron Teoh como Averic, Grecia de la Paz como Gilligan, Colin Michael Carmichael (Good Omens, Belfast) como o Professor Nikidik e Adam James (Vigil, Peep Show) como o pai de Galinda. Além disso, a chegada de Dorothy Gale conecta a trama diretamente ao clássico O Mágico de Oz, ampliando ainda mais o alcance da história.
Um mundo mais sombrio — e ainda mais mágico
Sob direção de Jon M. Chu e roteiro de Winnie Holzman, a segunda parte explora camadas mais profundas da política e da moralidade em Oz. Agora reconhecida como a “Bruxa Má do Oeste”, Elphaba se vê no centro de uma disputa que coloca em xeque sua integridade e sua relação com Glinda. É uma história sobre injustiça, poder, amizade e a eterna questão: quem decide quem é o vilão?
O filme também expande visualmente o universo, trazendo cenários inéditos e sequências musicais que prometem ficar marcadas na cultura pop. A expectativa é que algumas canções da primeira parte, que viralizaram no TikTok, encontrem agora sua resposta temática e emocional na nova leva de números musicais.
Pré-estreia no Brasil: expectativa de salas lotadas
Com as sessões de pré-estreia marcadas para 19 de novembro, redes de cinema em todo o país registram alta procura, especialmente em cidades como São Paulo, Rio de Janeiro, Belo Horizonte e Porto Alegre. Em muitos locais, horários nobres já apresentam sessões esgotadas — um indicativo claro de que o público brasileiro está tão ansioso quanto o internacional.
A Diamond Films finalmente revelou o pôster oficial de Marty Supreme, o novo e aguardadíssimo longa estrelado por Timothée Chalamet (Me Chame Pelo Seu Nome, Um Completo Desconhecido, Duna e Wonka) — e o burburinho já começou. Produzido por Benny Safdie, metade da dupla de diretores responsável por Bom Comportamento e Joias Brutas, o filme promete ser uma montanha-russa emocional ambientada na Nova York dos anos 1950.
Com estreia marcada para 8 de janeiro nos cinemas brasileiros, o longa chega com sessões especiais antes do lançamento oficial em 22 de janeiro — e já está sendo tratado como um dos grandes favoritos da temporada de premiações.
O retorno de Chalamet à disputa pelo Oscar
Timothée parece ter encontrado o papel da década. Depois de emocionar o público em Me Chame Pelo Seu Nome, mergulhar em épicos futuristas com Duna e brincar com o lado lúdico em Wonka, o astro agora retorna com uma atuação descrita como “a melhor de sua carreira”, segundo o crítico David Canfield, do The Hollywood Reporter.
Em Marty Supreme, Chalamet interpreta Marty Mauser, um jovem nova-iorquino obcecado pela ideia de ser o melhor — custe o que custar. É uma história sobre ambição, talento e solidão, conduzida pelo olhar caótico e brilhante de Benny Safdie, que transforma cada cena em um retrato elétrico da mente de um homem em busca da perfeição.
Um elenco de peso — e com estilos que se chocam
O elenco é formado por Gwyneth Paltrow (Shakespeare Apaixonado, Homem de Ferro) como Kay Stone, uma socialite elegante e enigmática que muda o destino do protagonista; Odessa A’zion (Hellraiser, Amigas para Sempre) como Raquel, uma mulher impulsiva e cheia de segredos; e Kevin O’Leary, conhecido do universo de reality shows e do cinema independente, como Milton Rockwell, um empresário tão carismático quanto perigoso.
Completam o time Tyler Okonma (Tyler, The Creator), em um papel coadjuvante misterioso como Wally, Abel Ferrara (O Rei de Nova York, Bad Lieutenant) interpretando Ezra, um mentor decadente, e Fran Drescher (The Nanny, Uncut Gems) como Sra. Mauser, a mãe de Marty — um dos papéis mais comentados do elenco.
Benny Safdie e o caos organizado
Benny Safdie, conhecido por seu estilo frenético e quase claustrofóbico de filmar, parece ter encontrado em Marty Supreme o terreno ideal para explorar a tensão entre talento e autodestruição. Depois do sucesso crítico de Joias Brutas, o diretor retorna com uma estética ainda mais imersiva, misturando câmera nervosa, trilha sonora jazzística e cortes abruptos que intensificam o caos interno de Marty.
Segundo Safdie, o filme é “uma sinfonia de barulho, suor e sonhos”. E o pôster oficial já dá o tom: Chalamet surge suado, exausto, em meio a luzes de néon, como se estivesse preso entre o glamour e o colapso. É cinema pulsando — e o pôster é só o primeiro convite para esse mergulho vertiginoso.
Um retrato de época — e de ego
Ambientado na Nova York dos anos 1950, o filme resgata o charme da era de ouro americana, mas sem romantismo. A cidade aparece como um personagem à parte: vibrante, sufocante, cheia de promessas e de ilusões.
Marty Supreme não é apenas um drama sobre fama. É uma reflexão sobre memória, fracasso e identidade, sobre o preço de querer ser lembrado em um mundo que esquece rápido demais. O personagem de Chalamet é o espelho do artista moderno — um homem dividido entre a necessidade de ser admirado e o medo constante de desaparecer.
A partir do dia 28 de agosto, os fãs de ficção científica e cinema de qualidade terão uma oportunidade rara: ver novamente Interestelar, de Christopher Nolan, na tela grande. A Warner Bros. Pictures Brasil anunciou sessões especiais que se estendem até 3 de setembro, e a pré-venda já está aberta desde esta quarta-feira, 14 de agosto.
Mais de uma década após sua estreia original, o longa volta aos cinemas em um momento que promete ser nostálgico para quem já viveu a experiência e eletrizante para quem nunca teve a chance de assistir ao épico espacial em projeção cinematográfica. Com efeitos visuais premiados, uma trilha sonora inesquecível de Hans Zimmer e uma história que une ciência, emoção e dilemas humanos, o filme se tornou uma das produções mais marcantes da última década.
Lançado originalmente em 2014, o longa-metragem rapidamente conquistou tanto o público quanto a crítica. A produção é uma fusão rara entre entretenimento de massa e rigor científico — resultado da colaboração entre os irmãos Christopher e Jonathan Nolan e o físico teórico Kip Thorne, que atuou como consultor científico e produtor executivo.
A narrativa parte de um cenário sombrio: a Terra está em colapso, com pragas dizimando as colheitas e ameaçando a sobrevivência da humanidade. É nesse contexto que conhecemos Cooper (Matthew McConaughey), um ex-piloto da NASA que é convocado para uma missão quase impossível: encontrar um novo planeta habitável para salvar a espécie humana.
Ao lado de Amelia Brand (Anne Hathaway) e outros membros da tripulação, Cooper atravessa um buraco de minhoca próximo a Saturno, em busca de respostas e esperança. O filme não apenas nos leva a planetas distantes, mas também coloca em primeiro plano temas como o amor, a passagem do tempo e o sacrifício — todos explorados com a assinatura emocional e visual de Nolan.
Por que o retorno aos cinemas importa
Ver Interestelar em uma tela grande é, para muitos, a única forma de compreender plenamente a ambição técnica e estética da obra. Filmado em 35 mm anamórfico e IMAX 70 mm por Hoyte van Hoytema, o longa foi pensado para o formato cinematográfico, com imagens e sons que ganham outra dimensão quando experienciados em salas equipadas para tal.
Além disso, a reexibição oferece ao público mais jovem — que talvez tenha conhecido o filme apenas via streaming ou mídias domésticas — a chance de vivenciar a imersão completa. A trilha sonora de Hans Zimmer, com seu uso icônico do órgão de tubos, e o design sonoro que valoriza o silêncio tanto quanto o estrondo, tornam-se experiências quase tácteis em projeções de alta qualidade.
Para os fãs veteranos, a volta aos cinemas é uma oportunidade de revisitar os detalhes que tornam o filme inesgotável em camadas de interpretação: desde a precisão das representações de buracos negros até a complexidade emocional do reencontro entre pai e filha.
O impacto cultural e científico
Mais do que um filme, a produção se tornou um fenômeno cultural. O longa reacendeu o interesse do grande público por temas científicos como física quântica, relatividade do tempo e exploração espacial. O buraco negro Gargântua, por exemplo, foi modelado com base em cálculos reais de Kip Thorne, e a renderização visual criada pela equipe de efeitos especiais da Double Negative acabou gerando material que foi posteriormente usado em estudos acadêmicos.
A fusão entre arte e ciência no filme fez com que Interestelar fosse discutido não apenas em fóruns de cinema, mas também em salas de aula, conferências científicas e debates sobre o futuro da humanidade. Em tempos de mudanças climáticas e preocupações com a sustentabilidade, a trama ganha contornos ainda mais urgentes e reflexivos.
Do set às estrelas: bastidores de uma superprodução
As filmagens de Interestelar começaram no fim de 2013 e passaram por Alberta (Canadá), Islândia e Los Angeles, criando a diversidade de paisagens necessárias para representar diferentes planetas e cenários. Christopher Nolan optou por usar muitos efeitos práticos e miniaturas, reduzindo ao mínimo o uso de computação gráfica — uma escolha que dá à obra um senso palpável de realismo.
O elenco, liderado por McConaughey, Hathaway e Jessica Chastain, inclui nomes como Michael Caine, Mackenzie Foy, Bill Irwin (voz de TARS) e Matt Damon, cuja participação foi mantida em segredo até a estreia. A performance de McConaughey, em especial, foi amplamente elogiada por sua carga emocional, especialmente na cena das mensagens de vídeo, que se tornou um dos momentos mais lembrados do cinema recente.
Prêmios e reconhecimento
Na cerimônia do Oscar de 2015, Interestelar recebeu cinco indicações: Melhor Trilha Sonora Original, Melhor Edição de Som, Melhor Mixagem de Som, Melhor Direção de Arte e Melhores Efeitos Visuais — categoria na qual saiu vencedor.
Além da estatueta, o longa também quebrou recordes de bilheteria, arrecadando cerca de US$ 758 milhões mundialmente contra um orçamento de US$ 165 milhões. Foi o filme não-franquia de maior bilheteria de Nolan até então e estabeleceu recordes de exibição em IMAX. Mesmo com tamanho sucesso comercial, a obra ganhou nova vida no boca a boca e no streaming, consolidando-se como um clássico moderno.
Mais que ficção científica, um drama humano
A força do filme está no equilíbrio entre sua grandiosidade científica e a intimidade das histórias pessoais. Enquanto Cooper enfrenta perigos cósmicos, o coração da trama pulsa na relação com sua filha Murphy, interpretada na infância por Mackenzie Foy e na fase adulta por Jessica Chastain.
A relatividade do tempo é usada não apenas como conceito físico, mas como ferramenta dramática: enquanto minutos se passam para Cooper, décadas se acumulam para Murph na Terra. Essa assimetria cria momentos de tensão e melancolia que transcendem o gênero, aproximando o filme de um drama familiar ambientado no espaço.
O papel de Hans Zimmer
A trilha sonora de Hans Zimmer é outro elemento indispensável para entender o poder de Interestelar. Nolan pediu ao compositor que criasse uma música sem saber detalhes da trama, focando apenas no vínculo entre pai e filho. O resultado é uma partitura que mistura grandiosidade orquestral com intimismo, criando atmosferas que acompanham cada virada da narrativa.
O uso de órgãos, cordas e silêncios estratégicos faz com que a música funcione quase como um personagem próprio, guiando o espectador pelas emoções e tensões da história. O impacto foi tão grande que a trilha é constantemente citada entre as melhores da carreira de Zimmer.
Por que vale rever (ou ver pela primeira vez) no cinema
A experiência de assistir a Interestelar em casa pode ser confortável, mas perde boa parte do impacto sensorial que Nolan e sua equipe conceberam. O filme foi projetado para telas gigantes, com som imersivo e qualidade de imagem que revela detalhes sutis — desde a textura das naves até o brilho preciso das estrelas no espaço profundo.
Rever no cinema também é uma chance de captar diálogos e nuances que talvez tenham passado despercebidos na primeira vez. Além disso, a história se renova a cada revisão: temas como sacrifício, esperança e sobrevivência ganham novas camadas conforme o espectador acumula experiências de vida.
Quando uma história marcada por segredos e dores familiares chega às telonas, o desafio é transformar a intensidade emocional do livro em cinema sem perder a sutileza. Se Não Fosse Você, adaptação do romance de Colleen Hoover, dirigida por Josh Boone (A Culpa É das Estrelas), consegue traduzir com sensibilidade a complexidade do luto, do perdão e das relações familiares, oferecendo momentos de grande emoção e identificação.
O filme acompanha Morgan Grant (Allison Williams) e sua filha Clara (Mckenna Grace) após um acidente que muda suas vidas para sempre. A perda simultânea do marido/pai e da irmã/tia revela uma traição que abala profundamente a família. Essa premissa, carregada de potencial dramático, é explorada com atenção às nuances do luto, da culpa e da reconciliação. Boone e a roteirista Susan McMartin apostam em um drama psicológico que mergulha no impacto de segredos revelados e relações tensionadas, sem perder de vista o lado humano de cada personagem.
O filme adota uma narrativa não linear, alternando passado e presente, o que permite ao espectador vivenciar gradualmente os traumas e as revelações da família Grant. Essa abordagem aumenta o suspense e a profundidade emocional, revelando detalhes que enriquecem a compreensão dos personagens e das escolhas que moldam suas vidas. Embora o ritmo por vezes exija atenção, essa alternância cria um efeito de descoberta que mantém o público engajado e emocionalmente conectado.
Performances que encantam
Allison Williams entrega uma atuação emocionante, equilibrando vulnerabilidade e força, enquanto Mckenna Grace brilha como Clara, transmitindo toda a complexidade de uma adolescente lidando com dor, raiva e desejo de compreensão. O elenco de apoio, incluindo Dave Franco, Mason Thames e Willa Fitzgerald, contribui para o drama com interpretações sólidas, mesmo que alguns personagens tenham espaço mais restrito. A química entre Williams e Grace é especialmente cativante, tornando os momentos de confronto e reconciliação memoráveis.
Direção sensível e técnica competente
Josh Boone demonstra seu talento em conduzir cenas de diálogo intenso e confrontos familiares, preservando a emoção sem cair em exageros. A fotografia diferencia claramente passado e presente, utilizando paletas de cores que reforçam a atmosfera emocional de cada sequência. A trilha sonora acompanha a narrativa de forma elegante, realçando momentos-chave sem se sobrepor às atuações. Tecnicamente, o filme é sólido, equilibrando estética, ritmo e emoção.
Um filme que conecta com o público
Apesar de alguns momentos de maior intensidade dramática, Se Não Fosse Você mantém seu coração centrado na experiência humana. Escândalos familiares e revelações chocantes são apresentados de forma a impactar emocionalmente, sem perder o foco na construção das personagens. O resultado é um drama familiar que emociona, faz refletir e convida o público a acompanhar de perto a complexidade das relações familiares.
O cenário dos dramas BL ganha um novo título em 2025 com a estreia de Love Alert, marcada para o dia 28. Adaptada do romance Mi Kham Tuean Prot Ramatrawang, de Nottakorn, a série aposta em uma narrativa onde interesses pessoais, disputas de ego e convivência forçada dão origem a um romance silencioso e inesperado.
Criada por Nottakorn, que também assina a obra literária original, a produção segue uma linha mais realista dentro do gênero BL, valorizando o desenvolvimento psicológico dos personagens e as transformações que ocorrem a partir do contato humano. Em vez de grandes declarações, Love Alert constrói sua força nos detalhes e na tensão emocional constante.
Em Love Alert, os personagens se aproximam inicialmente movidos por conveniência e objetivos pessoais. Nenhum deles busca, de fato, um envolvimento emocional, mas a convivência diária acaba quebrando defesas e revelando sentimentos que surgem de forma gradual. A série aposta em olhares, silêncios e confrontos verbais para desenvolver seus romances, evitando soluções rápidas ou idealizadas.
A produção conta com um quarteto protagonista, formado por James Hayward Prescott (Cara mau, meu chefe, 14 Novamente, Episódio especial do Bad Guy My Boss), Kad Ploysupa (Grande Dragão: O Seriado, Geração Y 2, Colega de quarto ruim), David Matthew Roberts (A Lua Oculta, Mi Kham Tuean Prot Ramatrawang) e Fam Thanuphat Poungsuwan (Tritão Amante), que conduzem os principais conflitos e relações da história. A dinâmica entre os personagens se constrói a partir de provocações constantes, jogos de poder e aproximações calculadas, criando um clima de tensão emocional que se transforma ao longo dos episódios.
Inserida no momento de forte expansão dos BLs tailandeses no mercado internacional, a série chega como uma aposta promissora para o público que busca histórias mais maduras, com conflitos bem definidos e relações construídas passo a passo. Com estreia marcada para o dia 28, Love Alert promete conquistar fãs ao mostrar que, às vezes, o amor nasce exatamente onde ninguém está preparado para sentir.
Em uma espécie de reencontro afetuoso com o passado — tanto para o público quanto para suas protagonistas —, “Sexta-Feira Ainda Mais Louca” chega aos cinemas no dia 7 de agosto de 2025, prometendo mais do que apenas uma nova comédia sobre troca de corpos: é também uma jornada emocional sobre amadurecimento, reconciliação e as complexidades da família moderna.
In Freakier Friday, Lindsay Lohan and Jamie Lee Curtis, along with two new characters, all switch bodies in a four-way swap!
A continuação do filme de 2003, estrelado por Lindsay Lohan e Jamie Lee Curtis, apresenta um roteiro atualizado e afetivo, que dialoga com os desafios contemporâneos da maternidade, dos relacionamentos e da convivência entre gerações. A direção é de Nisha Ganatra, com roteiro de Jordan Weiss, conhecida pela série “Dollface”.
O retorno de um clássico com nova camada emocional
O longa da Disney lançado há mais de 20 anos tornou-se um queridinho entre o público ao mostrar uma adolescente rebelde e sua mãe controladora que, após um misterioso incidente, acabam trocando de corpos e vivenciando o cotidiano uma da outra. A experiência, claro, termina com lições valiosas e um novo olhar sobre suas diferenças.
Na nova trama, essa estrutura é resgatada, mas atualizada. Anna, vivida novamente por Lindsay Lohan, agora é uma mulher adulta, mãe solo de uma adolescente, e prestes a se tornar madrasta da filha do novo companheiro (interpretado por Manny Jacinto, de “The Good Place”). Já Tess, personagem de Jamie Lee Curtis, agora é avó, realizada profissionalmente, e continua cheia de energia, mas com novas responsabilidades e dilemas próprios da terceira idade.
Dessa vez, a troca de corpos não acontece apenas entre mãe e filha. O novo clipe divulgado pela IGN revela que Anna troca de corpo com sua filha, enquanto Tess troca de corpo com a enteada da neta — um espelhamento de gerações que amplia os conflitos, a comédia e, sobretudo, o potencial dramático da história.
A química imbatível entre Lohan e Curtis
Se havia alguma dúvida de que o tempo pudesse ter esfriado a conexão entre as atrizes, essa ideia foi rapidamente descartada. Jamie Lee Curtis e Lindsay Lohan demonstram não apenas entrosamento em cena, mas também afeição real fora das câmeras. Ambas falaram publicamente sobre o quanto o reencontro foi emocional e significativo.
Curtis, que conquistou um Oscar em 2023 por “Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo”, tem explorado papéis cada vez mais ousados e multifacetados. “Voltar à Tess foi como visitar uma velha amiga, mas agora com outra bagagem, outra maturidade”, comentou a atriz em entrevistas recentes. “Essa história sempre foi sobre empatia, e acho que precisamos ainda mais disso hoje.”
Já Lindsay Lohan, após alguns anos afastada dos grandes estúdios e um discreto retorno à atuação, parece reviver com este filme um de seus papéis mais icônicos. “Anna cresceu. Eu cresci. E revisitar esse universo foi um presente. É uma comédia, sim, mas há verdade emocional nela. Muita verdade”, revelou a atriz.
Um olhar atual sobre os laços familiares
O roteiro de Jordan Weiss propõe não apenas repetir a fórmula do primeiro filme, mas atualizá-la com um olhar sensível sobre os novos arranjos familiares. O filme trata, com leveza e empatia, de questões como madrastidade, famílias recompostas, os desafios de ser mãe solo e os conflitos típicos da adolescência moderna.
Anna, agora no papel de mãe, se vê às voltas com uma filha em plena ebulição emocional e ainda precisa construir laços com uma enteada que não a aceita de imediato. Tess, por sua vez, tenta manter seu espaço como avó, sem invadir o território da filha, mas ainda exercendo influência — muitas vezes indesejada — sobre a criação da neta.
Ao trocar de corpos com suas respectivas filhas, as duas mulheres se deparam com as inseguranças, dores e desafios das adolescentes da geração Z, ao mesmo tempo em que precisam lidar com seus próprios traumas e dilemas mal resolvidos. “O filme fala sobre escuta, sobre não subestimar a vivência do outro só porque ele é mais jovem ou mais velho”, explica Nisha Ganatra.
Expansão do elenco e reforço da representatividade
Além de Curtis e Lohan, o elenco conta com a presença de Julia Butters, que ficou conhecida por seu papel em “Era Uma Vez em… Hollywood”, e de Sophie Hammons, estrela adolescente em ascensão. Elas vivem, respectivamente, a filha de Anna e a filha do novo marido de Anna — que também acabam afetadas pela troca de corpos. O filme traz ainda Manny Jacinto no papel do novo parceiro da protagonista, representando uma visão mais diversa e atual das famílias reconstituídas.
A representatividade, aliás, é uma das preocupações centrais do novo projeto. Em entrevista à Variety, a diretora afirmou que queria mostrar uma família “com muitas camadas, múltiplas experiências e diferentes tipos de vínculo”. “Não são mais só pai, mãe e filho. As famílias mudaram. E a gente precisava contar essa história também.”
A fórmula da comédia com alma
Embora a proposta seja leve e divertida, como se espera de uma produção Disney, o filme aposta também na carga emocional — e em uma boa dose de autocrítica geracional. Em vários momentos, a Tess de Jamie Lee Curtis precisa lidar com o fato de que não entende as gírias da neta, enquanto a Anna de Lindsay Lohan tenta, sem muito sucesso, aplicar os métodos de criação da própria mãe em sua filha.
Essa troca constante de visões e perspectivas gera não apenas situações engraçadas, mas também reflexões tocantes sobre o tempo, a evolução das relações e a necessidade de adaptar-se sem perder a essência. “A comédia está no choque de mundos, mas o coração do filme está no reencontro entre mães e filhas, avós e netas, e até nas falhas que todos cometemos tentando fazer o melhor”, aponta Jordan Weiss.
Aposta da Disney para o verão americano
“Sexta-Feira Ainda Mais Louca” chega aos cinemas com status de grande aposta da Disney para o verão americano de 2025. Com um orçamento confortável, mas sem se apoiar em efeitos mirabolantes, o longa foca no carisma do elenco e na força da narrativa. O marketing também vem apostando no fator nostalgia, com trailers que resgatam cenas do filme original e brincadeiras com o tempo que passou.
Há sessões de cinema que são mais do que projeções. Elas reverberam como acontecimentos. Em 12 de setembro de 2025, o Festival de Brasília do Cinema Brasileiro — prestes a completar seis décadas de existência — abre sua 58ª edição com a exibição de O Agente Secreto, novo longa do aclamado cineasta Kleber Mendonça Filho. E ali, sob as luzes do Cine Brasília, não estará apenas o filme mais esperado do ano, mas uma reflexão viva sobre o Brasil, sua história política recente e o poder inquietante da imagem.
Depois de uma consagrada estreia mundial no Festival de Cannes, onde conquistou quatro prêmios — incluindo o de Melhor Direção e Melhor Ator para Wagner Moura — O Agente Secreto chega à sua primeira exibição no Brasil carregado de expectativas, memórias e significados. E talvez nenhum palco fosse mais simbólico do que o Festival de Brasília, local que moldou a trajetória de Kleber e onde a política e o cinema sempre caminharam lado a lado.
Um festival que molda e resiste
Criado em 1965, no auge do regime militar, o Festival de Brasília foi pensado como um espaço para o cinema brasileiro se afirmar artisticamente, politicamente, culturalmente. Em sua longa trajetória, enfrentou censura, crises de financiamento, ameaças institucionais, mas nunca deixou de ser palco de resistência. Não por acaso, tornou-se referência como o mais tradicional festival do cinema nacional. É o festival onde Glauber Rocha foi vaiado e aplaudido, onde filmes foram cortados, mas também consagrados. Onde os embates entre estética e política nunca foram evitados — apenas encenados, com todas as suas contradições, na frente da tela e na plateia.
Kleber conhece bem esse território. Em 2004, seu curta Vinil Verde venceu o prêmio da crítica no festival. Dois anos depois, voltou com Noite de Sexta, Manhã de Sábado. Em 2012, exibiu fora de competição O Som ao Redor, o longa que o catapultou ao cenário internacional. “Brasília foi fundamental para mim. O festival tem esse caráter formador, confrontador. A cidade, o cinema, as discussões — tudo é político ali. Voltar agora, com esse filme, tem um peso emocional e simbólico enorme”, declarou o cineasta em nota à imprensa.
O thriller da repressão: espionagem, memória e resistência
A obra é um filme sobre fantasmas. Não os sobrenaturais, mas os que rondam a história recente do Brasil: a ditadura militar, os desaparecidos, os arquivos secretos, os pactos de silêncio. Ambientado em Recife, em 1977, o filme acompanha Marcelo (Wagner Moura), um professor universitário perseguido por seus vínculos com a luta armada. Após deixar São Paulo por razões não totalmente claras, Marcelo retorna à sua cidade natal para recomeçar a vida, rever o filho pequeno, e se esconder dos olhos do Estado — mas encontra uma cidade vigiada, dividida, e marcada pela paranoia coletiva.
A tensão cresce à medida que o protagonista se envolve com figuras da resistência local e entra em conflito com agentes infiltrados, burocracias opressoras e traumas não resolvidos. A trama, densa e labiríntica, é atravessada por temas como traição, afeto, censura, e a difícil arte de sobreviver sem se corromper. O título, que remete à clássica obra de Joseph Conrad, não é gratuito: como no romance, o “agente secreto” é ao mesmo tempo símbolo do sistema e seu reflexo interior.
A direção de Kleber é precisa: planos longos, som diegético que incomoda, silêncios que dizem mais do que os diálogos. É um cinema que exige escuta e atenção — como quem tenta decifrar uma escuta clandestina.
Foto: Reprodução/ Internet
Um elenco que carrega o peso do país
Wagner Moura vive um dos papéis mais intensos de sua carreira. Seu Marcelo é contido, ferido, vigilante. Um homem que já viu demais, que carrega o cansaço da luta e a culpa dos que ficaram para trás. Sua performance em Cannes foi considerada “magnética” por críticos internacionais, e o prêmio foi apenas o reconhecimento de uma entrega rara.
Ao lado dele, nomes como Maria Fernanda Cândido, Gabriel Leone, Alice Carvalho, Udo Kier, Thomás Aquino e Isabél Zuaa formam um elenco afiado, que representa diferentes faces de um país sob regime de exceção: o delator, o resistente, o cúmplice silencioso, o burocrata cínico.
A diversidade de sotaques, idades e histórias contribui para a sensação de um Brasil fragmentado, porém interligado por um fio de tensão constante. Cada personagem é um pequeno espelho da sociedade — e nenhum escapa ileso.
Uma estética da opressão
Do ponto de vista técnico, o longa é um primor. A direção de arte de Thales Junqueira reconstrói a Recife dos anos 70 com precisão afetiva e política: salas de aula sombrias, apartamentos com ventiladores barulhentos, ruas de paralelepípedo com postes de luz intermitente. A cidade aparece como um organismo nervoso, com suas janelas fechadas, seus cinemas decadentes, suas conversas sussurradas.
A fotografia de Evgenia Alexandrova usa a escuridão a seu favor: há uma constante sensação de vigilância, de que algo (ou alguém) observa, registra, acusa. Em alguns momentos, a câmera parece ela mesma um agente infiltrado — indiscreta, cúmplice, silenciosa.
A trilha sonora, sutil e atmosférica, é composta por sons concretos: passos, telefones que não param de tocar, o chiado de fitas cassete. Não há melodias fáceis nem recursos emocionais óbvios. O espectador é desafiado a sentir a opressão na pele, não apenas assisti-la.
De Cannes para o mundo
Após a consagração no Festival de Cannes foi ovacionado por 10 minutos e se tornou um fenômeno internacional. A distribuidora francesa MK2 vendeu os direitos para mais de 90 países, incluindo mercados estratégicos como China, Coreia do Sul, México, Alemanha, Índia e Estados Unidos.
A Neon, distribuidora responsável por sucessos como Parasita e Anatomia de Uma Queda, lançará o longa nos EUA em circuito limitado no fim de novembro, de olho na temporada de premiações. A aposta é alta: muitos já consideram O Agente Secreto um forte candidato ao Oscar de Filme Internacional.
No Brasil, o lançamento nacional está marcado para 6 de novembro, com distribuição da Vitrine Filmes. Mas antes, o longa passará por sessões especiais no Recife — terra natal de Kleber —, nos cinemas São Luiz e Cinema do Parque, reafirmando o compromisso do diretor com o cinema de rua e com as memórias coletivas da cidade.
A plataforma global de streaming e distribuição MUBI confirmou a estreia exclusiva de Meus Amigos Indesejáveis: Parte 1 – Último Ar em Moscou para o dia 3 de abril. A produção ficará disponível globalmente na plataforma, com exceção de Rússia e Belarus. A continuação, Meus Amigos Indesejáveis: Parte 2 – Exílio, também será lançada ainda este ano, igualmente com exclusividade no serviço.
Dirigido pela cineasta russa-americana Julia Loktev, o documentário vem acumulando reconhecimento da crítica internacional. O longa venceu os prêmios de Melhor Documentário concedidos pelo New York Film Critics Circle, pela Los Angeles Film Critics Association e pelo Gotham Awards, além de ter sido eleito Melhor Documentário no Film Independent Spirit Awards de 2025. O filme também integrou a shortlist para Melhor Documentário em Longa-Metragem no 98º Academy Awards.
Um retrato íntimo em meio ao colapso
Aclamado por veículos como The New Yorker, The New York Times, The Guardian e Los Angeles Times, o documentário foi descrito como um retrato impressionante de jornalistas russos dissidentes, combinando tensão política e humanidade em igual medida.
A narrativa começa como um acompanhamento íntimo de profissionais da imprensa independente na Rússia que enfrentam perseguições sob o regime de Vladimir Putin. No entanto, o filme sofre uma virada dramática quando a Rússia inicia uma guerra em larga escala contra a Ucrânia. Com a intensificação da repressão, os jornalistas retratados são forçados ao exílio, transformando o registro observacional em um testemunho urgente sobre autoritarismo e resistência.
O documentário acompanha de perto Alesya Marokhovskaya, Anna Nemzer, Elena Kostyuchenko, Irina Dolinina, Ksenia Mironova, Olga Churakova e Sonya Groysman, revelando os bastidores do jornalismo investigativo em um ambiente de crescente censura e ameaça. A proximidade da câmera, conduzida pela própria Loktev, cria uma atmosfera quase claustrofóbica, que reforça o clima de tensão vivido pelos protagonistas.
Reconhecimento em festivais internacionais
O filme teve sua estreia no New York Film Festival e realizou sua première internacional no Festival Internacional de Cinema de Berlim em 2025. Desde então, consolidou-se como uma das obras documentais mais impactantes do ano, tanto pela abordagem estética quanto pela relevância política.
As duas partes do projeto foram dirigidas, produzidas e filmadas por Loktev, com codireção da jornalista Anna Nemzer, uma das protagonistas do documentário. A montagem ficou a cargo de Loktev em parceria com Micheal Taylor, ACE, colaborador frequente da diretora. A produção contou ainda com consultoria de Riva Marker.
A trajetória de Julia Loktev
Nascida em São Petersburgo e radicada nos Estados Unidos desde a infância, Julia Loktev construiu uma carreira marcada por projetos que exploram tensão psicológica e questões sociais complexas. Bolsista da Guggenheim Fellowship e vencedora do Emerging Icons Award do George Eastman Museum, a diretora alterna entre ficção e documentário com reconhecimento constante da crítica.
Seu longa Planeta Solitário, estrelado por Gael García Bernal, foi exibido no Festival de Cinema de Nova York, conquistou o Prêmio do Júri no AFI Film Festival e recebeu indicações ao Independent Spirit Awards e ao Gotham Awards. Já Day Night Day Night estreou na Quinzena dos Realizadores no Festival de Cannes e rendeu à cineasta o prêmio Someone to Watch no Independent Spirit Awards. Seu documentário Moment of Impact venceu o prêmio de Direção no Festival de Sundance e o Grande Prêmio no Cinéma du Réel.
Com Meus Amigos Indesejáveis: Parte 1 – Último Ar em Moscou, Loktev reafirma sua capacidade de transformar histórias pessoais em reflexões universais. Ao registrar o impacto do autoritarismo sobre jornalistas que se recusam a silenciar, o filme dialoga com debates contemporâneos sobre liberdade de imprensa e democracia, ampliando sua relevância para além do contexto russo.
