Poucos artistas atravessaram o tempo e o espaço cultural como Elvis Presley. Décadas após sua morte, o “Rei do Rock” segue sendo uma das figuras mais influentes da música mundial, com fãs espalhados pelos cinco continentes e um legado que ultrapassa gerações. É esse espírito de celebração e memória que move o The Noite The Sucessos desta sexta-feira, 15 de agosto, quando Danilo Gentili e sua equipe relembram uma das edições mais icônicas do programa: o encontro de diversos sósias brasileiros do astro em seu palco.
Com figurinos brilhantes, histórias de vida curiosas e muito bom humor, os convidados que personificam Elvis prometem novamente encantar o público, mostrando que o fascínio pelo cantor continua tão forte quanto nos anos 50 e 60, quando ele abalou a música mundial com seu estilo inconfundível.
Elvis, o mito que não envelhece
Antes de mergulhar no especial, é importante entender o tamanho de Elvis Presley para a cultura popular. Nascido em Tupelo, no Mississippi, em 1935, Elvis revolucionou a música com sua fusão de country, blues e gospel, criando o rock and roll como o conhecemos hoje. Sua voz grave e única, aliada a um carisma arrebatador e uma performance cheia de movimento, conquistaram multidões.
Sucessos como Jailhouse Rock, Can’t Help Falling in Love e Suspicious Minds atravessaram gerações. Mas não foi apenas sua música que marcou época: Elvis também se tornou símbolo de uma era que rompia barreiras comportamentais, levando para os palcos e para o cinema uma imagem ousada, que incomodava conservadores e encantava jovens.
Sua morte precoce, em 1977, aos 42 anos, não apagou o brilho — pelo contrário, imortalizou sua figura. Desde então, fãs ao redor do mundo mantêm viva a memória do ídolo em shows tributo, exposições, festivais e até no hábito curioso de se vestir como ele.
Foto: Reprodução/ Internet
O Brasil e a cultura dos sósias de Elvis
No Brasil, a paixão por Elvis encontrou eco em milhares de admiradores que, ao longo dos anos, se dedicaram a reproduzir não apenas suas músicas, mas também seus trejeitos, penteados, roupas e até mesmo o espírito contestador. Ser “sósia de Elvis” vai além da semelhança física: é encarnar um estilo de vida, carregar o peso de um ícone e, ao mesmo tempo, divertir o público com homenagens que oscilam entre o respeito e a irreverência.
O The Noite conseguiu reunir alguns dos principais representantes dessa cena no país, proporcionando ao público um espetáculo de humor, música e emoção. Cada participante trouxe ao palco não apenas a imagem do Rei do Rock, mas também sua própria história pessoal, marcada pela influência de Elvis.
O palco do The Noite com Danilo Gentilicomo espaço de memória
Na edição lembrada pelo programa desta sexta, a plateia acompanhou uma verdadeira parada de Elvis Presleys à brasileira. Havia quem homenageasse o jovem rebelde dos anos 50, quem preferisse o astro glamouroso dos anos 70 e até quem trouxesse interpretações mais criativas.
Entre os destaques está Elvis Porteiro, apelidado carinhosamente pelo público do programa por suas participações no quadro Roda Solta. Com seu jeito descontraído, ele mistura humor e devoção ao ídolo, conquistando gargalhadas sem perder o respeito pela figura que interpreta.
Outro convidado especial é Enzo Protta, um adolescente de apenas 14 anos que demonstra maturidade surpreendente ao homenagear o Elvis das décadas de 50 e 60. Com sua juventude, ele mostra que a obra do Rei continua alcançando novas gerações, revelando que a música de Elvis não é apenas memória, mas também futuro.
Já Peter Presley representa a vertente mais institucional da homenagem. Criador do Dia do Elvis Presley e do movimento Rockabilly em São Paulo, ele ajuda a manter viva uma cultura que extrapola os limites do entretenimento e se transforma em movimento cultural.
E, claro, não poderiam faltar as participações de Igor Guimarães e Diguinho Coruja, dois humoristas que mergulharam no clima e também se arriscaram em caracterizações hilárias, reforçando o tom irreverente que é marca registrada do programa.
Na vida, alguns enfrentam batalhas. Outros, constroem uma carreira inteira dentro delas. Nesta quarta-feira (23), o SuperPop, programa comandado por Luciana Gimenez na RedeTV!, abre espaço para uma conversa intensa, ao vivo, com um dos maiores nomes do esporte brasileiro: Acelino “Popó” Freitas. Um homem que aprendeu desde cedo que vencer exige muito mais do que força — exige resiliência.
No quadro “Palavra-Chave”, Popó vai revisitar momentos decisivos da sua trajetória. Mas, mais do que falar sobre vitórias, a noite promete revelar o ser humano por trás dos títulos. Um filho da periferia de Salvador que sonhou alto, caiu, se reergueu e transformou a dor em potência.
O menino da Cidade Nova
Antes de ser chamado de “Mão de Pedra”, Popó era apenas o Acelino da Cidade Nova, bairro simples de Salvador. Filho de Babinha, um ex-pugilista, e de Dona Zuleica, cozinheira conhecida pela melhor feijoada da vizinhança, ele cresceu em um casebre de menos de 7 metros quadrados — onde panos serviam de paredes e o futuro parecia estreito como o espaço onde dormia com os irmãos.
Foi alfabetizado por uma vizinha, Neuraci, e encontrou no boxe, aos 14 anos, um caminho improvável para mudar de vida. Seu irmão Luís Cláudio foi o primeiro a ver o talento escondido naquele garoto franzino. E assim, entre socos no saco de pancadas improvisado e lutas de rua que logo ganhariam regras e ringues, nascia o Popó que o Brasil aplaudiria de pé anos depois.
Um campeão forjado na dor e no foco
A carreira de Popó não foi feita de sorte. Foi feita de disciplina. De acordar cedo. De resistir à fome, à dúvida, aos comentários de quem dizia que o menino do bairro nunca daria em nada.
Com o tempo, vieram os cinturões, os aplausos, a fama. Tetracampeão mundial de boxe. Títulos conquistados nas quatro maiores organizações do mundo (WBO, WBA, WBC e IBF). Um cartel de 41 vitórias em 43 lutas, 34 delas por nocaute. Uma lenda viva do esporte brasileiro.
Mas por trás de cada soco bem dado, existia um peso ainda maior: o de segurar as pontas na vida pessoal.
Quando a luta não é só no ringue
A entrevista no SuperPop também vai abordar os momentos em que Popó sentiu o chão fugir. O fim de seu primeiro casamento com Eliana Guimarães foi um desses. A turbulência emocional refletiu diretamente na sua performance esportiva — e culminou em sua primeira derrota no boxe. Um baque que doeu mais do que qualquer gancho de direita.
Foi justamente nesse momento que ele entendeu: ou cuidava da vida fora dos ringues, ou o Popó dos ringues deixaria de existir. A reconciliação com a família e a própria história o colocou de novo nos trilhos. E o levou a mais uma vitória — dessa vez, mais interna do que pública.
Hoje, ele vive um novo capítulo ao lado de Emilene Juarez, nutricionista e influenciadora digital. Juntos, compartilham a rotina, os treinos e a criação dos filhos. Popó é pai de seis — Rafael, Igor, Iago, Gustavo, Juan e o caçula, Popozinho.
Uma fé que também nocauteia o medo
Apesar do perfil explosivo dentro do ringue, Popó é um homem sereno fora dele. De fala direta, mas coração aberto. Encontra conforto e equilíbrio em sua fé — é evangélico, frequentador da Igreja Batista Caminho das Árvores, em Salvador. Lá, segundo ele, aprendeu que não existe glória que supere a humildade.
E é essa mesma humildade que o faz retornar ao bairro onde cresceu, sempre que pode. Não apenas para visitar, mas para transformar. Lá, construiu um ginásio de treinamento, onde jovens da periferia podem encontrar no esporte uma rota alternativa ao abandono.
Uma história que virou série, livro, podcast
Em 2019, Popó teve sua vida contada na série “Irmãos Freitas”, exibida pelo canal Space e posteriormente em plataformas como HBO Max e Amazon Prime Video. A produção, dirigida por Sergio Machado e Aly Muritiba, mostra um Popó mais íntimo: o filho, o irmão, o amigo — o homem que lutou dentro e fora das cordas.
A sua trajetória também foi narrada com profundidade no livro “Com as Próprias Mãos”, do jornalista Wagner Sarmento, com prefácio de Galvão Bueno. Já na internet, Popó mostra sua versão mais descontraída e afiada no “PopodCast”, programa em que entrevista celebridades, analisa lutas e comenta bastidores do mundo esportivo — com direito a tretas, provocações e bom humor.
Realities, aprendizados e novas lutas
Popó também se aventurou no universo dos realities. Participou do Power Couple Brasil, ao lado de Emilene, e do Dancing Brasil, ambos da Record. Mesmo não indo longe nas competições, conquistou o público com carisma e sinceridade.
Mais do que vencer, Popó sempre parece disposto a aprender — seja em uma luta, numa eliminação ou num tropeço pessoal.
O SuperPop como palco da verdade
No programa desta quarta, a dinâmica “Palavra-Chave” vai puxar da memória de Popó tudo aquilo que não está nos vídeos das lutas ou nas manchetes esportivas. São histórias da infância, dos treinos, da família, dos medos e da fé. Histórias que constroem quem ele é — e que, em muitos casos, ainda permanecem desconhecidas do grande público.
Luciana Gimenez conduz o quadro com leveza, mas também com profundidade, buscando no olhar do lutador aquele brilho que não vem das medalhas, mas da superação.
Um ídolo com os pés no chão (e as mãos de pedra)
Aos 48 anos, Popó sabe que seu tempo nos ringues já passou. Mas sua história continua viva, pulsando, inspirando. Ele se tornou o que muitos atletas jamais conseguem ser: alguém que transcende o próprio esporte.
Não importa se o palco é um ginásio, um podcast, um livro ou um programa de televisão. Onde estiver, Popó carrega consigo a essência de quem nunca deixou de lutar — por si mesmo, pela família, por seus valores e por um futuro melhor para quem vem depois.
O ator tailandês Oat Pasakorn, conhecido por sua versatilidade em séries e filmes do gênero dramático, de ação e sobrenatural, se viu recentemente no centro de uma intensa repercussão nas redes sociais. Tudo começou após uma live em que conversava descontraidamente com amigos sobre seu próximo projeto ambientado no universo ABO, ao lado do ator Boat Yongyut. Durante a transmissão, Oat comentou sobre as particularidades do omegaverse, tema que, embora popular entre fãs de ficção e romances com dinâmicas de hierarquia social e instintos, despertou reações diversas, incluindo críticas de parte do público.
O universo ABO, derivado do gênero omegaverse, apresenta estruturas de relacionamentos complexas e muitas vezes sexualizadas, com categorias como alfa, beta e ômega, que exploram hierarquias emocionais e físicas. Apesar de muitos fãs compreenderem o contexto, alguns espectadores consideraram os comentários de Oat inadequados, apontando que determinadas falas poderiam reforçar estereótipos ou tratar com leveza assuntos sensíveis.
Nos dias seguintes à live, mensagens, posts e comentários nas redes sociais se multiplicaram, dividindo opiniões. Alguns fãs manifestaram desapontamento e questionaram o tom de humor utilizado pelo ator. A situação ganhou repercussão suficiente para que Oat decidisse se pronunciar pessoalmente, assumindo responsabilidade e buscando esclarecer seu posicionamento de forma transparente.
Optando por uma abordagem pessoal, Oat publicou um texto escrito à mão em suas redes sociais. Nele, o ator se desculpou diretamente com o público e reconheceu que algumas de suas palavras poderiam ter causado desconforto. “Gostaria de pedir sinceras desculpas por ter falado sem a devida consideração e por ter feito piadas em excesso. Reconheço que minhas palavras foram inadequadas e podem ter causado desconforto a muitas pessoas”, escreveu, demonstrando empatia e sensibilidade ao impacto de seus comentários.
Oat também ressaltou que pretende aprender com o episódio para melhorar sua postura em situações futuras. “Lamento profundamente minhas ações e levarei isso como uma lição para ser mais atento e cuidadoso com o que digo e com a forma como me expresso no futuro. Sinto muito de verdade”, acrescentou. A mensagem, clara e direta, foi recebida de forma positiva por uma parte significativa dos fãs, que valorizaram a humildade do ator ao assumir o erro publicamente.
Apesar disso, a discussão sobre os limites do humor e da interpretação de temas delicados em transmissões ao vivo permanece acesa. Especialistas em comunicação e comportamento digital apontam que celebridades e influenciadores precisam equilibrar autenticidade e responsabilidade, especialmente ao tratar de universos ficcionais que abordam relações sensíveis ou sexualidade. Para muitos, a situação de Oat serve como um alerta sobre como comentários em lives podem gerar repercussões inesperadas e intensas.
A carreira de Pasakorn, contudo, é marcada por uma trajetória consistente e diversificada. Ele se destacou em produções como Amaldiçoado (2024), Lutadores Zumbis (2017), Oh Meu Fantasma 4 (2015), Faça-me Estremecer 3 (2015), e As Damas de Ferro Rugem! (2014), transitando entre papéis principais, secundários e participações especiais. Seu talento para interpretar personagens complexos, somado à presença carismática, consolidou sua reputação como um dos atores mais versáteis da televisão tailandesa.
A atuação de Angelina Jolie como Maria Callas é um verdadeiro espetáculo de interpretação. Jolie traz à vida a célebre diva operística com uma presença arrebatadora, unindo graça, intensidade e uma profundidade emocional que transcende as limitações do roteiro. Sua performance não apenas captura a essência de Callas, mas a transforma no eixo magnético do filme, reafirmando sua posição como uma das maiores atrizes de sua geração.
No entanto, o brilho de Jolie não consegue iluminar completamente as falhas estruturais da narrativa. O filme promete explorar o complexo dilema de identidade de Maria Callas – uma mulher dividida entre a figura pública imponente e os anseios íntimos de sua vida privada. Embora essa dualidade ofereça um terreno fértil para uma história envolvente, a execução carece de sutileza e profundidade, entregando uma protagonista que, ao invés de multifacetada, parece fragmentada e incoerente. O roteiro aborda as tensões internas de Callas de forma superficial, deixando de explorar com força emocional a humanidade por trás da lenda.
A estrutura narrativa do filme agrava esses problemas. O ritmo é inconsistente, os saltos temporais muitas vezes confundem mais do que esclarecem, e a falta de uma direção clara prejudica a coesão da trama. Embora alguns diálogos sejam bem elaborados e existam momentos que sugerem um potencial maior – como interações marcantes entre personagens secundários – essas faíscas não são suficientes para sustentar o enredo como um todo. A atmosfera, que deveria ser rica em nuances, oscila entre o exagero e a frieza, afastando o espectador da imersão emocional.
Apesar de sua ambição artística, o filme falha em atingir o impacto que claramente almeja. Há uma desconexão evidente entre a grandiosidade temática que o projeto busca e a execução final. Enquanto Angelina Jolie brilha intensamente, o restante da produção parece incapaz de acompanhar seu nível, resultando em uma obra que, embora visualmente bela e tecnicamente competente, carece da alma necessária para honrar sua protagonista.
No fim, Maria Callas se revela uma oportunidade perdida. A poderosa atuação de Jolie merecia um filme que fosse tão ousado e profundo quanto sua interpretação. Em vez disso, o longa entrega uma narrativa que tenta ser grandiosa, mas aterrissa no terreno seguro da mediocridade, frustrando as altas expectativas que seu elenco e proposta inicial inspiravam.
As salas de cinema de todo o país recebem, nesta quinta-feira, 9 de outubro, uma programação repleta de novidades e experiências para todos os gostos. Dos universos futuristas e tecnológicos às aventuras cheias de fantasia, passando por comédias leves e dramas intensos, as estreias desta semana prometem emocionar, divertir e surpreender o público. Entre os destaques, estão Tron: Ares, o aguardado retorno da franquia de ficção científica da Disney; A Casa Mágica da Gabby, uma animação encantadora que mistura imaginação e afeto; e Perrengue Fashion, comédia nacional dirigida por Flávia Lacerda que aborda de forma divertida os dilemas do mundo digital, da fama e das relações familiares.
Mas as novidades não param por aí. Os fãs de suspense e terror ganham uma estreia vinda da Coreia do Sul: Ruídos (Noise), um filme que promete deixar o público sem fôlego ao acompanhar a jornada de uma jovem com deficiência auditiva em busca da irmã desaparecida — um verdadeiro mergulho no medo e no mistério, com forte influência do terror asiático. Já quem prefere histórias densas e provocativas pode se interessar por Depois da Caçada, novo drama de Luca Guadagnino, diretor de Me Chame Pelo Seu Nome, que explora segredos, ética e as consequências das escolhas pessoais e profissionais em um ambiente universitário.
Em um mundo onde a imaginação é a ponte entre gerações, “A Casa Mágica da Gabby” surge como um daqueles filmes que encantam tanto crianças quanto adultos, oferecendo uma viagem colorida, divertida e repleta de significados. Dirigido por Ryan Crego, o longa é inspirado na popular série animada infantil A Casa Mágica da Gabby (Gabby’s Dollhouse), sucesso da DreamWorks em parceria com a Netflix. Desta vez, a história ganha vida nas telonas em um formato inédito, com uma aventura que mistura fantasia e emoção, mantendo o coração acolhedor da série original.
A trama acompanha Gabby, uma menina criativa e sonhadora que parte em uma viagem de carro com sua avó Gigi rumo à metrópole encantada de Cat Francisco — um lugar onde o mundo humano e o universo dos gatos mágicos se cruzam. A viagem, que inicialmente seria apenas um passeio entre avó e neta, logo se transforma em uma jornada de autodescoberta.
No caminho, algo inesperado acontece: a casa de bonecas da Gabby, seu objeto mais querido e símbolo de sua infância, acaba indo parar nas mãos de Vera, uma excêntrica senhora dos gatos que vive cercada de mistérios e miados. Determinada a recuperar seu tesouro, Gabby embarca em uma aventura que desafia as fronteiras entre a fantasia e o mundo real, levando-a a redescobrir o verdadeiro valor das memórias, da amizade e da conexão familiar.
Sob a direção sensível de Ryan Crego, conhecido por seu trabalho em Arlo, o Menino Jacaré, o filme aposta em um tom poético e visualmente vibrante. A animação mescla sequências em 3D com trechos em live action, criando uma estética híbrida que reforça a sensação de transitar entre dimensões — o real e o imaginário, o tangível e o afetivo.
Crego, que já demonstrou domínio em histórias com mensagens emocionais, aposta aqui em uma narrativa que celebra a infância, mas não ignora o crescimento. Ele conduz o público por um caminho de cores suaves, texturas aconchegantes e uma trilha sonora envolvente que acompanha o amadurecimento da protagonista.
Em meio a filtros, hashtags e campanhas publicitárias, Perrengue Fashion surge como uma das comédias nacionais mais carismáticas e espirituosas do ano. Dirigido por Flávia Lacerda, o filme combina humor e emoção em doses equilibradas, convidando o público a rir, refletir e se identificar com as confusões de uma mulher que precisa reencontrar a si mesma quando o mundo perfeito das redes sociais começa a ruir.
Com 94 minutos de duração, o longa aposta em um ritmo leve, diálogos ágeis e um elenco afinado para discutir temas muito atuais: a pressão por aparência, o distanciamento entre gerações e a importância de se reconectar com o que realmente importa — sem deixar o estilo de lado, é claro.
A protagonista Paula, interpretada de forma envolvente por uma atriz que entrega carisma e autenticidade, é uma influenciadora de moda e lifestyle que parece ter a vida perfeita. Entre campanhas publicitárias, viagens e parcerias com marcas de luxo, ela construiu uma imagem pública impecável — até o dia em que tudo começa a sair do controle.
A trama se desenrola quando Paula é convidada para estrelar uma campanha de Dia das Mães ao lado do filho Cadu, um jovem inteligente e sensível que estuda em uma conceituada universidade dos Estados Unidos. O projeto parece a oportunidade ideal para fortalecer a imagem da família nas redes, mas o plano desanda quando Cadu decide abandonar a faculdade e se mudar para o interior do Amazonas, em busca de propósito e conexão com a natureza.
Determinada a convencê-lo a voltar, Paula embarca em uma viagem até a floresta amazônica — um cenário completamente oposto ao seu cotidiano glamouroso. O que era para ser uma rápida visita se transforma em uma jornada de autodescoberta, amor e amadurecimento, onde ela terá de lidar com a falta de sinal de internet, roupas sujas de barro e, principalmente, com as próprias emoções.
O diretor Luca Guadagnino, conhecido por obras intensas e sensoriais como Me Chame Pelo Seu Nome e Suspiria, retorna aos cinemas com Depois da Caçada, um drama psicológico que desafia o público a refletir sobre ética, poder e memória. Com 139 minutos de duração, o longa combina a estética refinada do cineasta com um roteiro repleto de camadas morais e dilemas humanos, transformando uma simples acusação acadêmica em uma complexa teia de segredos e consequências.
A história gira em torno de Anne, uma respeitada professora universitária que vive um momento estável da carreira e da vida pessoal — até que um de seus alunos mais talentosos e conhecidos faz uma grave acusação contra um colega professor. O caso rapidamente se transforma em um escândalo que divide a instituição, coloca reputações em jogo e ameaça desmoronar a fachada de excelência acadêmica.
No entanto, o verdadeiro conflito surge quando um segredo sombrio do passado de Anne ameaça vir à tona. À medida que o escândalo cresce, ela precisa enfrentar não apenas as pressões externas, mas também suas próprias culpas, contradições e a linha tênue entre lealdade e cumplicidade.
O roteiro explora com maestria o efeito dominó das decisões morais — mostrando como o desejo de proteger uma carreira ou uma imagem pode corroer lentamente o que resta de integridade. “Depois da Caçada” é menos sobre quem está certo ou errado, e mais sobre o peso insuportável de viver com o que foi varrido para debaixo do tapete.
Entre os lançamentos desta quinta, Ruídos é uma das produções que promete arrepiar até os espectadores mais acostumados ao terror asiático. Vindo direto da Coreia do Sul, o longa-metragem apresenta uma narrativa densa, atmosférica e emocionalmente intensa, que mistura elementos de suspense psicológico com o terror sobrenatural. A trama acompanha Ju-young, uma jovem com deficiência auditiva que se vê mergulhada em um mistério angustiante quando sua irmã desaparece sem deixar vestígios. O desaparecimento acontece dentro do próprio apartamento da família, um local que logo se torna palco de experiências assustadoras e ruídos inexplicáveis.
Determinada a descobrir o que aconteceu, Ju-young inicia uma investigação solitária, mas logo percebe que o silêncio ao seu redor é tão ameaçador quanto o barulho. Sons sutis, vozes distantes e ecos misteriosos a perseguem em uma espiral de paranoia e medo crescente. A jovem, interpretada com uma entrega impressionante pela atriz principal, traduz na tela o terror invisível que surge quando a realidade começa a se distorcer — e o público é arrastado junto para dentro dessa atmosfera de inquietação.
Com a ajuda do namorado da irmã desaparecida, Ju-young começa a desvendar segredos que vão muito além do que poderia imaginar. Cada novo indício revela algo mais perturbador, construindo uma sensação de desespero crescente e conduzindo o espectador a questionar o que é real e o que é fruto de uma mente abalada pelo trauma.
O longa é dirigido por Kim Soo-jin, que demonstra um domínio notável sobre o gênero. A direção é precisa e sensorial — cada movimento de câmera e cada ruído têm uma função narrativa, potencializando o medo sem recorrer a sustos fáceis. A escolha de acompanhar uma protagonista surda adiciona uma camada extra de tensão e originalidade, explorando o som não apenas como elemento técnico, mas como parte da própria identidade da história. O silêncio, aqui, é tão poderoso quanto o barulho.
Inspirado nas tradições do J-horror e do K-horror, Ruídos aposta em uma atmosfera de terror psicológico e sobrenatural mais sutil, focada na sugestão e na tensão constante. O espectador não é apenas convidado a assistir — ele é envolvido, colocado no mesmo estado de alerta que a protagonista sente ao tentar compreender o que está acontecendo ao seu redor.
Entre as grandes estreias da semana, Tron: Ares é, sem dúvida, uma das mais aguardadas pelos fãs de ficção científica e tecnologia. O novo capítulo da icônica franquia da Disney chega aos cinemas nesta quinta-feira (9) prometendo expandir o universo digital que conquistou gerações desde o lançamento do primeiro Tron, em 1982. Dirigido por Joachim Rønning, o longa é uma aventura visualmente ambiciosa que mistura ação, filosofia e questionamentos éticos sobre o papel da Inteligência Artificial no mundo contemporâneo.
A trama acompanha Ares, um sofisticado programa criado dentro do universo digital que, inesperadamente, é enviado ao mundo real para cumprir uma missão de extrema importância — e perigo. É a primeira vez que a humanidade entra em contato direto com uma forma de vida artificial consciente, o que transforma o enredo em uma reflexão sobre os limites da criação tecnológica e a definição do que é “real”.
Enquanto o primeiro Tron explorava o fascínio pelos primeiros sistemas de computador e Tron: O Legado (2010) expandia o visual e a mitologia da “Grade”, Tron: Ares dá um passo além: ele traz o universo digital para dentro do nosso mundo físico. O resultado é um choque de realidades, onde humanos e programas coexistem — e onde a linha entre criador e criatura se torna perigosamente tênue.
O protagonista, interpretado com carisma e intensidade, é apresentado como uma entidade complexa, que precisa aprender a lidar com sentimentos humanos, moralidade e livre-arbítrio. Ao mesmo tempo, os personagens humanos da história representam a busca por controle sobre aquilo que criaram — um tema que dialoga diretamente com as discussões atuais sobre IA, ética e consciência artificial.
Visualmente, o filme é um espetáculo. O diretor Joachim Rønning — conhecido por seu trabalho em Piratas do Caribe: A Vingança de Salazar — aposta em uma estética futurista refinada, com uso criativo de luzes de néon, cores vibrantes e efeitos visuais de ponta. Cada cena parece cuidadosamente desenhada para imergir o espectador em uma experiência sensorial, misturando o real e o virtual de forma quase hipnótica.
A trilha sonora, com fortes influências eletrônicas e batidas sintetizadas, presta homenagem à icônica trilha de Tron: O Legado, assinada pelo Daft Punk, enquanto adiciona novas camadas sonoras que reforçam o clima de tensão e descoberta. O resultado é uma ambientação sonora que complementa a narrativa e dá ritmo às cenas de ação e contemplação.
O segundo episódio de Love e Dance vai ao ar neste domingo, 15 de junho de 2025, às 18h, e promete levar o público por uma verdadeira montanha-russa emocional — da doçura de um amor recém-descoberto à intensidade das paixões que resistem ao tempo.
E o clima romântico não fica só no palco: os convidados especiais da noite são ninguém menos que Naldo Benny e Ellen Cardoso, a eterna Moranguinho, um casal que vive a dança do amor também na vida real. Juntos, eles se unem à sempre carismática Marisa Orth no time de comentaristas da atração, trazendo relatos sinceros e divertidos sobre amor, cumplicidade, altos e baixos da convivência — tudo isso enquanto acompanham as apresentações emocionantes dos casais dançarinos.
💖 Dança que fala… de amor!
Sob o comando de Rafa Brites e Felipe Andreoli, o Love & Dance vai além da competição: é uma ode à dança como linguagem do coração. O palco se transforma em um espaço de conexão, onde cada passo é carregado de emoção e cada música escolhida traduz sentimentos profundos.
A trilha sonora desta semana é um verdadeiro passeio musical por diferentes gerações e gêneros. Prepare-se para se apaixonar com:
🎼 “Fly Me to the Moon” – Frank Sinatra Uma coreografia embalada por esse clássico atemporal resgata o charme dos amores antigos e nos faz sonhar com bailes de gala e promessas eternas sob a luz da lua.
🎶 “Ainda Bem” – Marisa Monte Com leveza e carinho, essa apresentação emociona ao falar da sorte de encontrar um amor que acolhe, transforma e faz tudo valer a pena.
🔥 “Meu Pedaço de Pecado” – João Gomes O piseiro toma conta do palco com uma energia contagiante que mistura paixão, calor e uma boa dose de ousadia nordestina. É impossível não bater o pé!
🌌 “Tattoo” – Loreen Encerrando a noite em clima de intensidade e sensualidade, a vencedora do Eurovision inspira uma coreografia moderna e potente, onde o corpo diz o que as palavras não conseguem.
💬 Amor em cena – e fora dela
Durante o programa, Naldo e Moranguinho abrem o coração e dividem momentos íntimos de sua trajetória como casal: superações, reconciliações e a importância da parceria na vida a dois. A presença deles dá um brilho a mais ao episódio, mostrando que o amor verdadeiro também tem seus tropeços, mas que, com cumplicidade e afeto, é possível dançar juntos mesmo nas músicas mais difíceis.
Marisa Orth, com sua sensibilidade e bom humor, completa o trio de jurados convidados trazendo reflexões afetuosas e divertidas sobre o que significa amar — e o que a dança revela sobre os sentimentos.
💌 Vai ter match?
A cada episódio, Love & Dance testa mais que habilidades técnicas: o programa busca afinidade, química e conexão real entre os participantes. Os jurados avaliam, o público vibra e os casais se entregam de corpo e alma — será que vai nascer mais um par dentro e fora da competição?
O universo dos k-dramas continua a surpreender fãs de todo o mundo, e 2025 promete um lançamento que já gera grande expectativa: Nice to Not Meet You. O drama reúne duas estrelas de peso: Lee Jung-jae, que conquistou fama internacional com Round 6, e Lim Ji-yeon, reconhecida por sua atuação em A Lição. Abaixo, confira os primeiros pôsteres oficiais divulgados pelo Prime Video.
Dirigido por Kim Ga-ram e roteirizado por Jung Yeo-rang, s série se apresenta como uma história contemporânea que mistura investigação, jornalismo e complexidades das relações humanas. A trama acompanha Lim Hyun-joon (Lee Jung-jae), um ator especializado em papéis de detetive que, apesar do sucesso, sente que perdeu o propósito que o levou à carreira artística. Ao seu lado, Wi Jeong-shin (Lim Ji-yeon) é uma repórter talentosa cuja trajetória foi interrompida após um escândalo de corrupção de grande repercussão. Juntos, eles embarcam em uma jornada inesperada de autodescoberta, reconciliação pessoal e dilemas éticos, enquanto lidam com os desafios do passado e do presente.
O elenco de apoio traz nomes renomados da indústria sul-coreana. Kim Ji-hoon (Cidade Invisível, Kingdom) interpreta Lee Jae-hyung, ex-jogador de beisebol e atual presidente da revista esportiva Sports Eunseong, adicionando camadas corporativas e mediáticas à história. Seo Ji-hye (Crash Landing on You, Gourmet) assume Yoon Hwa-young, jovem chefe do departamento de entretenimento da revista, prometendo tramas de ambição e estratégias nos bastidores.
Complementando o time, Choi Gwi-hwa (Signal, Kingdom 2), Na Young-hee (The World of the Married, Secret Boutique), Kim Hyun-jin (Move to Heaven, Sweet Home) e Jin Ho-eun (All of Us Are Dead, Love Alarm) dão corpo ao núcleo familiar e de apoio. Kim Hyun-jin interpreta Lim Seon-woo, irmão de Hyun-joon, enquanto Jin Ho-eun vive Wi Hong-shin, irmão mais novo de Jeong-shin. Esses personagens aprofundam a narrativa, mostrando como relações familiares e experiências passadas influenciam escolhas, conflitos e conexões emocionais.
O processo de produção do drama começou a se desenhar em março de 2024, com a leitura completa do roteiro, etapa essencial para a compreensão das personagens e avaliação da química entre os atores. As filmagens principais tiveram início ainda na primeira metade do ano, sob supervisão rigorosa de Kim Ga-ram. Lee Jung-jae decidiu assumir o papel após analisar a complexidade emocional do personagem, enquanto Lim Ji-yeon se mostrou entusiasmada com a oportunidade de explorar camadas de força e vulnerabilidade em Jeong-shin.
A imprensa especializada destacou o envolvimento de todos os integrantes do elenco. O anúncio da participação de Lee Jung-jae em novembro de 2024 causou grande repercussão, consolidando o drama como um dos mais esperados do ano. Nos meses seguintes, confirmações de Choi Gwi-hwa, Kim Hyun-jin, Jin Ho-eun e Na Young-hee mantiveram o interesse do público elevado, reforçando a expectativa por uma produção de alta qualidade, com elenco equilibrado entre experiência e química natural.
Programada para estrear na segunda metade de 2025, a série será exibida na tvN às segundas e terças-feiras, com episódios também disponíveis para streaming no Amazon Prime Video em territórios selecionados. A estratégia reflete a internacionalização crescente dos k-dramas, que conquistam audiência global graças às plataformas digitais. Para os fãs, é uma oportunidade de acompanhar performances intensas e nuances dramáticas, unindo o talento de Lee Jung-jae e Lim Ji-yeon em uma história que promete misturar tensão, emoção e humanidade.
Na madrugada desta sexta-feira, 15 de agosto, o público do Conversa com Bial terá a oportunidade de ver um lado pouco conhecido de Alexandre Nero. Longe da força dos personagens marcantes que o consagraram na televisão — vilões magnéticos, protagonistas complexos e figuras cheias de nuances —, o ator se abre de maneira sincera e humana, revelando o homem por trás das câmeras.
O encontro com Pedro Bial transforma-se rapidamente em mais do que uma entrevista tradicional: é uma viagem pela memória e pela introspecção, um exercício de autoconhecimento diante de milhões de espectadores. Nero fala sobre temas que marcaram profundamente sua vida, desde a morte precoce dos pais até os desafios da paternidade e da construção do amor ao longo dos anos.
O luto e o humor como escudo
Ao relembrar a perda de seus pais ainda jovem, Nero compartilha a estratégia que adotou para lidar com a dor: o humor. Durante décadas, ele desviava das perguntas sobre o tema com piadas rápidas, um mecanismo para se proteger da tristeza. “Fazer piada era um jeito de não me deixar cair num buraco”, confessa. Hoje, aos 55 anos, reconhece que não há necessidade de escapar: enfrentar a dor é parte do processo de cura.
O relato revela como a vida de Nero foi marcada por experiências que exigiram resiliência e criatividade emocional. Mesmo sendo um ator capaz de mergulhar nas contradições de seus personagens, ele admite que nenhum papel preparou-o para lidar com perdas reais. O humor, que tantos anos serviu como escudo, tornou-se uma ferramenta de sobrevivência e aprendizado.
Relações, amor e paternidade
A conversa com Bial evolui naturalmente para as relações afetivas que Nero construiu ao longo da vida. Ele admite ter passado grande parte da juventude e da vida adulta descrente no amor. Para ele, os relacionamentos pareciam capítulos fadados ao fim, histórias sem final feliz. “Eu vivi muitos anos achando que não poderia ser amado”, confessa com honestidade.
O ponto de virada surge com a chegada de Karen Brusttolin, sua esposa, e, posteriormente, dos filhos Noá e Inã. A paternidade se revela uma experiência transformadora, abrindo um território emocional inexplorado. “Meu filho foi o maior convite para eu entender que o amor não precisa ir embora”, revela. Nos olhos das crianças, Nero encontrou um sentimento de pertencimento e continuidade, algo que ele confessa nunca ter sentido de forma plena antes.
Essa mudança, segundo o ator, não aconteceu de forma instantânea. É um processo contínuo de desconstrução de medos antigos, de enfrentar a vulnerabilidade e de aprender a se entregar sem reservas. O casamento e a paternidade mostram que o amor exige coragem, mas também oferece a possibilidade de reconstrução e plenitude emocional.
Da música ao teatro: a formação de um artista
Apesar da fama na televisão, a trajetória de Alexandre Nero começou muito antes dos estúdios e câmeras. Natural de Curitiba, ele construiu sua carreira nos palcos e na música, fundando associações culturais, integrando bandas, compondo, cantando e tocando. O teatro funcionou como seu laboratório criativo, um espaço seguro para experimentar, errar e aprender com diferentes linguagens e papéis.
Na TV, Nero consolidou-se como um ator que foge da previsibilidade. Do verdureiro Vanderlei, em A Favorita (2008), ao icônico Comendador José Alfredo, em Império (2014), passando pelo dúbio Romero Rômulo, em A Regra do Jogo (2015), ele construiu uma reputação de intérprete capaz de mergulhar nas contradições humanas. Premiações, elogios da crítica e até uma indicação ao Emmy Internacional atestam a coragem que Nero tem de assumir riscos e de se entregar de corpo e alma a cada personagem.
O artista e o homem comum
O que impressiona na entrevista é a capacidade de Nero transitar entre o artista e o homem comum com naturalidade. Ele fala sobre seu trabalho com a mesma franqueza com que aborda questões íntimas. Já viveu tipos agressivos, cômicos, sedutores e sombrios, mas nenhum deles o preparou para os desafios da vida real — seja lidar com a ausência dos pais ou com a responsabilidade de criar filhos em um mundo cada vez mais desafiador. Nesse contexto, o bate-papo revela algo profundo: a sensibilidade que ele leva para a ficção está enraizada em experiências vividas. Cada personagem, cada emoção transmitida, carrega fragmentos de sua própria história, de momentos marcados por dor, aprendizado e descobertas sobre o amor.
Existem filmes que abraçam seus clichês com orgulho. Existem filmes que tentam reinventar fórmulas gastas. E existe O Bad Boy e Eu, que parece não saber em qual dessas categorias quer entrar — e acaba caindo no meio do caminho, com força suficiente para deixar marcas no asfalto.
A produção tenta vender a ideia de um romance jovem com dança, futebol americano e dilemas emocionais. Na prática, entrega algo que lembra um longo comercial de perfume teen: bonito, iluminado, mas completamente vazio.
Uma protagonista esforçada num filme que não se esforça
Dallas Bryan (Siena Agudong) até tenta carregar o longa nas costas. Ela tem disciplina, tem carisma e tem um drama real — honrar a memória da mãe através da dança. Mas todo esse esforço se perde em um roteiro que parece ter sido escrito olhando para uma cartela de “clichês obrigatórios do cinema adolescente”.
Tudo é tão previsível que dá para adivinhar metade das falas antes que elas aconteçam, e a outra metade parece saída de um rascunho de fanfic não revisado.
O “bad boy” que não é bad boy — e o jogo que nunca começa
Drayton (Noah Beck), o quarterback mais mimado da escola, é apresentado como o típico garoto problemático que esconde dores profundas. Na teoria. Porque na prática, o personagem não passa de um pacote de poses: ora vulnerável, ora convencido, ora perdido — mas nunca convincente.
O romance entre os dois nasce tão rápido que parece contrato de namoro com prazo de entrega. Não há química suficiente para sustentar o drama, e o filme, que deveria explorar esse contraste, simplesmente pula as partes onde a relação deveria ser construída. Vai direto ao “estamos apaixonados” como quem avança episódios de uma série entediante.
A direção tenta, mas o roteiro sabota
Justin Wu até ensaia algumas soluções visuais interessantes, especialmente nas cenas de dança. Mas é difícil salvar um filme quando o roteiro de Mary Gulino parece preso a uma lista rígida de cenas obrigatórias: – o momento “ele olha pra ela no corredor”; – o treino que dá errado; – a discussão melodramática no estacionamento; – o beijo na hora mais conveniente possível.
É como se alguém tivesse apertado um botão de “modo automático”.
Quando a fofura vira constrangimento
Há uma tentativa clara de fazer do filme algo fofo, leve, reconfortante. Só que a falta de naturalidade transforma várias cenas em algo quase… desconfortável. É tudo limpo demais, arrumado demais, ensaiado demais. Parece que nenhum personagem sua, tropeça ou fala algo que uma pessoa real diria.
É o tipo de filmografia que parece viver numa bolha estilizada onde nada realmente importa — nem os conflitos, nem as escolhas, nem o próprio clímax.
James Van Der Beek aparece e… bem, é isso
A participação de James Van Der Beek quase funciona como um lembrete de que existe vida lá fora, no cinema que não tem medo de ser visceral, verdadeiro e imperfeito. Ele faz seu papel, entrega presença, e vai embora — deixando um vazio que o resto do elenco não consegue preencher.
Mas afinal: vale a pena assistir?
Se você gosta de filmes adolescentes que abraçam o clichê com força, talvez encontre aqui algo divertido. O problema é que O Bad Boy e Eu não abraça nada: ele hesita, titubeia, tenta ser profundo e fofo ao mesmo tempo, e acaba não sendo nenhum dos dois.
Para quem busca:
química real entre protagonistas,
conflitos bem construídos,
diálogos naturais,
ou qualquer coisa que fuja do óbvio…
…a resposta sincera é: não, não vale a pena assistir.
Mas se o que você quer é apenas deixar o cérebro em modo descanso, aceitar um romance de fórmulas prontas e aproveitar uma ou outra cena bonita de dança, então talvez o filme funcione como passatempo — desses que você esquece cinco minutos depois de terminar.
Nesta quarta-feira, 23 de julho de 2025, a Sessão da Tarde reserva um daqueles filmes que não apenas ocupam a tela — eles a transcendem. A História de Mahalia Jackson é mais que um drama biográfico. É um convite à alma. Um retrato poderoso de uma mulher que usou sua voz para muito além da música, se tornando símbolo de fé, resistência e esperança em meio à dura realidade da segregação racial nos Estados Unidos.
Estrelado pela multipremiada cantora Ledisi, vencedora do GRAMMY, o filme não só emociona pela música, mas também pela força de sua protagonista. Mahalia Jackson não cantava apenas com a garganta — cantava com a alma, com cicatrizes e com sonhos.
Uma infância entre a dor e o destino
Nascida em Nova Orleans, Mahalia Jackson cresceu em uma América ainda profundamente marcada pela escravidão e racismo institucional. Órfã de mãe ainda criança, ela foi criada por sua tia Mahala (ou “Tia Duke”, como era chamada), uma mulher rígida, amarga e muitas vezes violenta. O filme mergulha nessa relação delicada, dando ao público um retrato honesto das dores que moldaram o coração e o canto de Mahalia.
Mas o que poderia ter sido o fim de muitos, foi o combustível dela. As feridas da infância não a destruíram — elas temperaram sua fé, fortaleceram sua identidade e inspiraram sua missão. A dor, para Mahalia, se transformava em hino. E a igreja foi o palco onde ela começou a espalhar sua luz.
Muito além da música: ativismo, fé e coragem
Ao longo da vida, Mahalia não se contentou em ser apenas uma cantora. Em tempos em que mulheres negras eram silenciadas, ela fez o contrário: cantou mais alto. Em um país dividido, sua música uniu. Sua amizade com o Dr. Martin Luther King Jr. não foi apenas simbólica. Ela esteve ao lado dele em alguns dos momentos mais cruciais do movimento pelos direitos civis nos EUA.
Na Marcha sobre Washington, em 1963, foi Mahalia quem, com sua voz, preparou o palco espiritual para o célebre discurso “I Have a Dream”. Sua fé não era só religiosa, era uma fé social, política e profundamente transformadora.
O filme retrata de forma emocionante essa jornada ao lado do líder ativista, com destaque para a atuação comovente de Columbus Short como Dr. King. A relação dos dois era construída sobre confiança, cumplicidade e esperança. Ela não era apenas uma voz de fundo. Era protagonista na luta pela dignidade do povo negro.
Ledisi: quando a intérprete se torna Mahalia
Se há uma escolha que eleva ainda mais o filme, é a escalação de Ledisi como Mahalia. A cantora não apenas interpreta — ela incorpora a essência da artista. Ledisi já havia vivido Mahalia no filme Selma (2014), mas aqui ela entrega uma performance completa, íntima, poderosa e comovente. É impossível não se emocionar quando sua voz toma conta da tela e atinge o coração do espectador.
Não é só atuação. É verdade. E talvez por isso ela tenha sido indicada ao NAACP Image Awards como Melhor Desempenho Inovador — uma indicação mais que justa. Quando canta “Precious Lord”, por exemplo, é impossível não sentir um arrepio que atravessa gerações.
Denise Dowse: um legado por trás das câmeras
A direção é de Denise Dowse, atriz veterana que aqui faz sua estreia e também seu último trabalho como diretora antes de falecer, em 2022. Há algo profundamente sensível na maneira como Dowse conduz a narrativa. Ela não dramatiza a dor gratuita, mas nos oferece momentos de humanidade, doçura e fé, mesmo nas situações mais amargas.
A diretora tem a sabedoria de dar espaço para que a música seja personagem principal. Em vez de interromper com discursos expositivos, ela permite que os hinos falem por si. E como falam! Cada performance é uma oração, um ato de resistência.
Do gospel às telas: um filme que ecoa esperança
Com participações de peso como Keith David, Janet Hubert, Corbin Bleu e Vanessa Williams, o filme também acerta ao retratar uma época complexa e dolorosa sem perder a poesia. A reconstituição de época, os figurinos e o cuidado com os diálogos nos transportam para uma América onde cantar era, para muitos, a única forma de sobreviver e afirmar sua existência.
Mahalia Jackson quebrou barreiras — não apenas musicais, mas raciais e espirituais. Ela abriu caminho para artistas como Aretha Franklin, Whitney Houston, e tantas outras vozes negras femininas que continuam a inspirar o mundo.
O que torna Mahalia eterna
Mais do que uma biografia, A História de Mahalia Jackson é um testemunho. Uma lembrança de que arte é instrumento de cura e que fé, quando aliada à coragem, pode mudar a história.
Mahalia Jackson faleceu em 1972, mas sua voz ainda ecoa. Ecoa em igrejas, em movimentos sociais, em playlists, e agora, nesta quarta-feira, na tela da TV Globo. Em tempos difíceis, revisitar sua trajetória é também um ato de reconexão com o que há de mais puro na humanidade: a capacidade de lutar por amor, justiça e dignidade com a força de uma canção.
Por que você não pode perder
Se você procura uma história que emociona, que inspira e que te faz levantar da poltrona acreditando em algo maior, A História de Mahalia Jackson é o filme certo. Ele toca, sim, em feridas — mas também oferece cura. E talvez seja exatamente disso que o mundo precise agora: lembrar que, mesmo diante do caos, ainda existem vozes como a de Mahalia que cantam esperança.
