CIA | Novo spin-off da franquia FBI estreia em 2026 e renova o fôlego da CBS após meses de incerteza nos bastidores

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Quando a CBS anunciou que estava preparando um spin-off centrado na CIA, a reação do público foi uma mistura curiosa de empolgação e cautela. Afinal, a franquia FBI já é um fenômeno desde 2018, com três séries consolidadas, centenas de episódios e um fandom barulhento que acompanha cada detalhe. Mesmo assim, o projeto começou a trilhar um caminho mais acidentado do que o esperado. Tudo ficou público em julho, quando o showrunner original, David Hudgins (Friday Night Lights), deixou a produção. Para uma série ainda em fase de estruturação, isso já representava um golpe considerável, e o cenário ficou ainda mais turbulento quando a CBS chamou Warren Leight (Law & Order: SVU) para tentar reorganizar tudo, apenas para vê-lo sair no início de novembro. A essa altura, a possibilidade de atraso indefinido parecia cada vez mais real. As informações são do Ometele.

Foi nesse momento que o nome de Mike Weiss (FBI) começou a circular nos bastidores como possível salvador da produção. E se existe alguém capaz de colocar esse trem de volta nos trilhos, é ele. A CBS sabe disso e também reconhece o peso que CIA carrega. Não é apenas uma nova estreia no calendário, e sim um movimento estratégico essencial para proteger o principal patrimônio da emissora na TV aberta.

A franquia FBI se tornou uma mina de ouro desde sua estreia em 2018, quando Dick Wolf (Law & Order) e Craig Turk (The Good Wife) lançaram o título original. Hoje, FBI, FBI: Most Wanted e FBI: International somam 327 episódios ao longo de 18 temporadas. Isso é raro em um cenário tão competitivo, dominado por streamings que disputam a atenção do público diariamente. Por isso, quando CIA finalmente ganhou sua data oficial de estreia, marcada para 23 de fevereiro de 2026, a confirmação foi recebida quase como uma vitória aguardada há muito tempo.

A proposta de CIA é ambiciosa. Enquanto as outras séries lidam com ameaças explosivas dentro do território norte-americano, a nova produção abre caminho para a espionagem internacional, um ambiente onde a sombra tem mais força do que o impacto visual. Nesse território, o inimigo nem sempre é claro e a ameaça pode nem existir de verdade ainda. Essa ambiguidade promete ser a marca do novo spin-off. CIA deve mergulhar naquela zona cinzenta onde segurança nacional, diplomacia, moralidade e decisões impossíveis se encontram. É um terreno perfeito para histórias densas, personagens que enfrentam dilemas internos e conflitos que dificilmente se resolvem em um único episódio.

Esse novo direcionamento também dá à franquia a chance de crescer em um lado mais psicológico, político e emocional. Afinal, que tipo de vida consegue ter alguém que não pode contar a verdade nem para a própria família? A série promete explorar esse tipo de conflito com profundidade, algo que agrada tanto ao público casual quanto aos fãs que buscam tramas mais elaboradas.

Mas desenvolver um projeto assim não é simples. A troca constante de showrunners foi apenas um reflexo das exigências criativas envolvidas. CIA não pode ser uma repetição de FBI, precisa estabelecer identidade própria. O ritmo da espionagem é diferente, a abordagem é mais silenciosa e existe um cuidado especial com temas sensíveis. A série precisa ser eletrizante sem deixar de ser realista, precisa ter ação sem abandonar a sutileza e precisa ser envolvente sem cair no exagero. Esse equilíbrio é difícil de atingir, e cada showrunner que assumiu trouxe sua visão particular sobre o que CIA deveria ser, o que acabou tornando a definição do comando definitivo ainda mais complexa.

Apesar da CBS manter grande parte da produção em sigilo, algumas pistas sobre o tom da série surgiram nas últimas semanas. CIA deve ser mais serializada do que procedural, o que significa que a narrativa vai se desenrolar ao longo de vários episódios. Consequências terão peso e histórias serão construídas com mais calma. Os personagens viverão o clássico dilema da vida dupla, algo que sempre rende bons dramas pessoais, já que qualquer detalhe se torna motivo de conflito, desde uma ausência até um olhar distante durante o jantar. O foco da ação não será nos grandes espetáculos, e sim na tensão silenciosa que se instala nos pequenos gestos. Quanto a crossovers, eles provavelmente vão existir, mas de forma pontual. A série precisa consolidar seu caminho antes de começar a interagir frequentemente com as demais derivadas.

Outro ponto importante é a força do universo policial criado por Dick Wolf. Desde o início, FBI dialoga naturalmente com suas derivadas e até com a família Chicago da NBC, além de manter vínculos indiretos com Law & Order. Essa ponte ficou ainda mais evidente quando Tracy Spiridakos (Chicago P.D.) apareceu em FBI interpretando sua própria personagem. CIA deve se beneficiar dessa tradição e ampliar ainda mais o universo da franquia, criando possibilidades muito interessantes. É fácil imaginar um agente da CIA consultando a Fly Team da série International em uma investigação pela Europa ou cruzando dados com o time de Most Wanted em uma caçada internacional de grande escala. Esse tipo de conexão costuma agradar fãs que acompanham o universo desde o início.

Com um terreno criativo tão promissor e a responsabilidade de manter viva uma das franquias mais lucrativas da TV aberta, a série chega em fevereiro de 2026 carregando expectativas altas. O caminho para sua produção foi tumultuado, mas o potencial que ela carrega é enorme. Resta saber se a série vai honrar o legado de FBI ou se o universo de Dick Wolf está prestes a encarar um novo desafio. O público já marcou a data no calendário, e tudo indica que a estreia será um dos momentos mais comentados da temporada televisiva.

Diamond Films divulga novo teaser de Nuremberg, suspense histórico com Rami Malek e Russell Crowe

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A Diamond Films divulgou um novo teaser de Nuremberg, drama histórico dirigido e roteirizado por James Vanderbilt (Conspiração e Poder), que chega aos cinemas brasileiros em 26 de fevereiro. A prévia entrega um clima sombrio e inquietante, explorando a tensão psicológica que marcaria um dos momentos mais decisivos da história moderna: os julgamentos que colocaram frente a frente os maiores responsáveis pelas atrocidades nazistas e a nascente noção de justiça internacional.

Mais do que apresentar imagens poderosas, o teaser — que você pode conferir logo abaixo — revela a essência do filme: um suspense construído sobre diálogos cheios de subtexto, embates silenciosos e a busca desesperada por compreender a mente humana após a devastação deixada pela Segunda Guerra Mundial.

Para dar vida aos personagens reais que moldaram os bastidores dos julgamentos, Vanderbilt reúne um elenco de grande peso dramático. Rami Malek (Bohemian Rhapsody, Mr. Robot, O Destino de uma Nação, 007 Sem Tempo Para Morrer, The Pacific) interpreta Douglas Kelley, o psiquiatra do Exército dos EUA encarregado de avaliar os réus nazistas dias antes de enfrentarem a Corte Internacional. Já Russell Crowe (Gladiador, Uma Mente Brilhante, Os Miseráveis, O Informante, Robin Hood, Noé) assume o papel de Hermann Göring, uma das figuras mais influentes do regime de Hitler — e um homem que, mesmo preso, continuava exercendo poder através de sua inteligência estratégica e personalidade manipuladora.

O time se completa com Michael Shannon (A Forma da Água, Nocturnal Animals, O Homem de Aço, Entre Facas e Segredos, 8 Mile), Leo Woodall (The White Lotus, One Day, Vampire Academy), Richard E. Grant (Can You Ever Forgive Me, Logan, Saltburn, Star Wars A Ascensão Skywalker, Downton Abbey), Colin Hanks (Fargo, King Kong, The Good Guys, Jumanji Bem-Vindo à Selva) e John Slattery (Mad Men, Spotlight Segredos Revelados, Capitão América Guerra Civil, Homem de Ferro 2, O Ajuste).

Baseado no livro O Nazista e o Psiquiatra, de Jack El-Hai, o filme acompanha a jornada de Kelley, um oficial acostumado à disciplina militar que se vê empurrado para o território cinzento da mente criminosa. Seu trabalho não é apenas registrar comportamento — é entender o que se passa na psique daqueles que arquitetaram crimes inimagináveis.

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O relacionamento entre Kelley e Göring se torna o núcleo emocional e moral do filme. Nas sessões de avaliação, os dois mergulham em conversas que ultrapassam o limite entre análise clínica e manipulação psicológica. A cada encontro, Kelley percebe que está em um jogo perigoso, no qual o brilhantismo retorcido de Göring ameaça não apenas seu trabalho, mas sua própria estabilidade emocional.

O filme também retrata o ambiente do pós-guerra: cidades destruídas, famílias despedaçadas e um mundo tentando reaprender a viver enquanto busca justiça. O caos externo dialoga com o caos interno do protagonista, que enfrenta conflitos éticos cada vez mais profundos.

Apresentado no Festival Internacional de Toronto, o longa-metragem foi recebido com uma das ovações mais longas da edição: quatro minutos de aplausos. Críticos destacaram especialmente a entrega visceral de Russell Crowe, considerado uma das forças dramáticas centrais do longa, além da condução delicada e intensa de Vanderbilt, que transforma um episódio histórico amplamente documentado em um thriller psicológico surpreendentemente íntimo.

Com distribuição da Diamond Films, referência entre as independentes da América Latina, Nuremberg estreia nos cinemas brasileiros em 26 de fevereiro, prometendo oferecer uma experiência tensa, emocionalmente complexa e profundamente atual.

Wicked: Parte 2 chega aos cinemas brasileiros com sessões antecipadas e energia de superprodução

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O mundo de Oz volta a ganhar vida nas telonas: Wicked: Parte II estreia oficialmente nesta quinta, 20 de novembro, nos cinemas brasileiros. Mas para os fãs mais ansiosos, a Universal confirmou sessões antecipadas em todo o país já nesta quarta, 19 de novembro, permitindo que o público viva o próximo capítulo da jornada de Elphaba e Glinda antes do lançamento global.

A divulgação do filme também passou pelo Brasil. No início de novembro, São Paulo recebeu a primeira parada da turnê mundial de Wicked: Parte II, com a presença do diretor Jon M. Chu, da atriz Cynthia Erivo (Elphaba) e do ator Jonathan Bailey (Fiyero). O evento, pensado especialmente para fãs e imprensa, foi realizado pela Universal Pictures em parceria com a TV Globo, reforçando a força da franquia no país — que se tornou um dos mercados mais engajados após o sucesso do primeiro longa.

Dirigido novamente pelo premiado Jon M. Chu, o filme é a aguardada continuação do fenômeno cinematográfico de 2024. Na época, o primeiro Wicked conquistou 10 indicações ao Oscar, incluindo Melhor Filme, venceu em Melhor Figurino e Melhor Design de Produção, e ultrapassou a marca de 750 milhões de dólares nas bilheterias do mundo inteiro. Com esse histórico, a sequência chega envolta em grande expectativa, especialmente pelo aprofundamento da transformação de Elphaba na temida Bruxa Má do Oeste.

As protagonistas Ariana Grande (Glinda) e Cynthia Erivo (Elphaba) retornam aos papéis que já se tornaram marcos em suas carreiras. A química entre as atrizes, que foi um dos destaques no primeiro filme, promete ganhar novas camadas — agora com as personagens totalmente divididas por ideais, responsabilidades políticas e o peso de suas escolhas.

O longa-metragem adapta a segunda metade do musical da Broadway de 2003, escrito por Stephen Schwartz e Winnie Holzman, que por sua vez foi inspirado no romance de Gregory Maguire, uma releitura ousada de O Maravilhoso Mágico de Oz, de L. Frank Baum. O filme também dialoga diretamente com o clássico cinematográfico de 1939, mas com a lente moderna apresentada no primeiro capítulo da franquia.

O elenco completo reúne nomes que retornam da primeira parte: Jonathan Bailey (“Bridgerton”), Ethan Slater (“Spamalot”, “SpongeBob SquarePants: The Broadway Musical”), Bowen Yang (“Saturday Night Live”, “Fire Island”), Marissa Bode (“Float”), Michelle Yeoh (“Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo”, “A Escola do Bem e do Mal”) e Jeff Goldblum (“Jurassic Park”, “Independence Day”). A grande novidade é Colman Domingo (“Rustin”, “Fear the Walking Dead”), que se junta à produção interpretando um personagem central nos conflitos políticos da Terra de Oz.

Ambientada antes e durante eventos ligados à chegada da jovem Dorothy Gale, a trama acompanha Elphaba enquanto ela tenta sobreviver como fugitiva — ainda lutando pela defesa dos Animais, agora do lado oposto da lei e da opinião pública. Glinda, por outro lado, vive as pressões de ser a “Boa”, figura pública constantemente observada pelo Mágico e por Madame Morrible. As tensões entre as duas, somadas à ameaça iminente de mudanças profundas em Oz, pavimentam um enredo emocional, épico e sensorial.

O projeto de adaptação cinematográfica de Wicked existe desde 2012, mas foi adiado inúmeras vezes, sobretudo pela pandemia. As protagonistas foram anunciadas em 2021, e as filmagens de ambas as partes ocorreram juntas na Inglaterra a partir de dezembro de 2022. A greve do SAG-AFTRA em 2023 interrompeu a produção, que só foi concluída em janeiro de 2024.

O filme teve sua première mundial no Suhai Music Hall, em São Paulo, no último dia 4 de novembro, reafirmando a importância do Brasil no circuito global da franquia. O lançamento nos Estados Unidos está marcado para 21 de novembro.

A expectativa do público é enorme — e os números confirmam isso. Os ingressos começaram a ser vendidos em 8 de outubro, e em menos de 24 horas o longa se tornou a maior pré-venda do ano segundo a Fandango, superando títulos como Demon Slayer: Infinity Castle, Superman e até o projeto musical de Taylor Swift. O filme também quebrou recordes como a maior pré-venda de um filme livre para todas as idades e entrou para o ranking das dez maiores pré-vendas da história da plataforma.

Devoradores de Estrelas | Nova aventura sci-fi de Phil Lord e Christopher Miller ganha trailer eletrizante

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Há trailers que anunciam um filme. E há trailers que parecem abrir uma porta para outra vida — e é exatamente isso que o novo material de Devoradores de Estrelas faz. Lançado pela Sony Pictures, o vídeo coloca o espectador dentro da mente, do medo e da solidão de Ryland Grace, personagem de Ryan Gosling, que acorda em uma espaçonave perdida no vazio do cosmos, a anos-luz de casa, sem lembrar sequer seu próprio nome. A partir daí, começa uma história que é tanto um épico de ficção científica quanto um mergulho profundo no coração humano.

Sob a direção da dupla Phil Lord e Christopher Miller, vencedores do Oscar® pela franquia “Aranhaverso”, o filme estreia em março de 2026 no Brasil e surge como uma das obras mais emocionais e surpreendentes já adaptadas do autor Andy Weir. E se o trailer já deixa clara a dimensão técnica da produção, o que realmente prende o olhar é a intimidade — aquela sensação de acompanhar um homem comum, imperfeito, vulnerável, tentando encontrar sentido no silêncio absoluto entre as estrelas.

O despertar que ninguém gostaria de viver

A primeira cena do trailer é quase inquietante. Em vez de explosões, naves cruzando nebulosas ou batalhas interplanetárias, vemos apenas Ryland abrindo os olhos. Um close lento, marcado por respiração pesada e uma luz branca que parece julgá-lo. Ele está deitado, preso a fios, cercado por máquinas que não reconhece — e por dois corpos imóveis, deitados em cápsulas ao lado dele. A câmera não tem pressa. Ela permanece, observando o momento em que o medo se transforma em pânico, e depois em confusão.

É nesse instante que o filme mostra sua força: um blockbuster disposto a tratar seu protagonista como um ser humano antes de tratá-lo como herói. Quando Ryland percebe que está em uma espaçonave, sozinho, sem memórias e sem respostas, o público entende imediatamente que sua maior batalha não será contra criaturas espaciais ou inimigos armados — mas contra o próprio desespero.

A memória como sobrevivência

Enquanto Ryland tenta compreender onde está, flashes começam a surgir: laboratórios, reuniões tensas, rostos em pânico, manchetes sobre o Sol enfraquecendo. Aos poucos, o trailer revela o quebra-cabeça emocional que o personagem precisa montar para sobreviver. A cada lembrança, uma parte de sua missão se encaixa — e com ela vem o peso da responsabilidade.

A revelação é devastadora: antes de acordar perdido no espaço, ele era um simples professor de ciências. Um homem comum que, sem aviso, se viu arrastado para o maior risco já enfrentado pela humanidade. O Sol, fonte de toda vida, estava morrendo. E a única chance de descobrir o porquê envolvia enviar uma nave a 11,9 anos-luz da Terra, em uma corrida contra o tempo que soava praticamente suicida. A Terra inteira o escolheu. E, de repente, ele está ali — sozinho, com o destino do planeta inteiro nas costas.

A amizade que muda tudo

E então, quando o trailer parece sugerir que Ryland está destinado a enfrentar o universo completamente sozinho, algo inesperado acontece. Um som estranho ecoa pelo interior da nave. Não é mecânico. Não é humano. É… vivo. O olhar de Ryland muda. Pela primeira vez, ele sorri — não um sorriso de alegria, mas de surpresa, de alívio, de reconhecimento.

O trailer não entrega o grande segredo do filme, mas insinua que Ryland encontrará uma forma de companhia, e é essa presença inesperada que altera o rumo de sua jornada. Uma amizade improvável, improvável demais, que se torna o ponto mais emocionante da história.

Um mundo prestes a acabar — e pessoas tentando salvá-lo

Enquanto acompanhamos Ryland no espaço, o trailer também mostra fragmentos da Terra. A atriz Sandra Hüller, indicada ao Oscar® por “Anatomia de Uma Queda”, surge em cenas intensas, debatendo teorias, enfrentando decisões irreversíveis e segurando o mundo que ameaça ruir. Sua presença traz profundidade ao impacto emocional da história, como se lembrasse o público de que cada cálculo, cada risco e cada sacrifício feitos por Ryland carregam rostos, vidas e histórias penduradas na beira do abismo.

Presença de Sadie Sink no MCU ganha força, e atriz pode estrelar papel misterioso em Vingadores: Doomsday

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Foto: Jordan Strauss/Invision/AP

O futuro do Universo Cinematográfico da Marvel parece ganhar novos contornos a cada semana, mas poucas notícias recentes causaram tanto burburinho quanto a possibilidade de Sadie Sink, estrela de Stranger Things e uma das jovens atrizes mais comentadas de Hollywood, integrar o elenco do próximo grande evento dos Vingadores. Embora ainda haja mistério em torno de qual personagem ela interpretará, fontes confiáveis apontam que sua participação está praticamente confirmada — e que tudo isso está diretamente conectado ao gigantesco projeto que a Marvel prepara para 2026.

A especulação ganhou peso após uma matéria do Deadline, assinada pelo colunista Baz Bamigboye, revelar que, apesar de não haver clareza sobre sua participação em Homem-Aranha: Um Novo Dia — filme marcado para estrear em 31 de julho —, o que parece certo é que Sink fará parte do elenco de Vingadores: Doomsday, longa que começou a ser filmado em 2025 e promete ser o epicentro da Fase Seis do MCU. Segundo Bamigboye, “ainda não sei qual é o papel dela no filme do Aranha, mas sei que ela estará no elenco do próximo filme dos Vingadores, que gravará em Londres no fim de 2026”.

A declaração foi suficiente para incendiar as redes sociais. Fãs imediatamente começaram a especular se ela poderia interpretar uma jovem heroína clássica dos quadrinhos — como Songbird, Pyro, Crystal, Kid Omega, Frances Barrison, Jean Grey jovem ou até uma nova versão da Feiticeira Escarlate em outra realidade. Até o momento, porém, nada foi confirmado.

Enquanto isso, a Marvel segue construindo o que parece ser seu maior conjunto de produções desde Ultimato. Vingadores: Doomsday, o quinto filme da equipe, é desenvolvido como um espetáculo colossal, reunindo personagens dos Vingadores tradicionais, Wakanda, X-Men, Quarteto Fantástico e até variantes do multiverso. Trata-se de um projeto que, segundo pessoas próximas ao estúdio, está sendo moldado como um divisor de águas — não apenas para o MCU, mas para toda a indústria.

Dirigido novamente pelos irmãos Russo, responsáveis por Guerra Infinita e Ultimato, e roteirizado por Michael Waldron em parceria com Stephen McFeely, o filme foi concebido como uma fusão épica entre sagas clássicas dos quadrinhos, conflitos multiversais e reencontros históricos de personagens já vistos na tela. O elenco escalado revela essa ambição: nomes como Chris Hemsworth, Vanessa Kirby, Anthony Mackie, Sebastian Stan, Letitia Wright, Paul Rudd, Simu Liu, Florence Pugh, David Harbour, Pedro Pascal, Tom Hiddleston, Ebon Moss-Bachrach, Hannah John-Kamen, Kelsey Grammer, Tenoch Huerta, Lewis Pullman, Danny Ramirez, Joseph Quinn e muitos outros se reúnem em um dos maiores elencos já vistos no cinema moderno. Até astros do antigo universo da Fox retornam, como Patrick Stewart, Ian McKellen, James Marsden, Rebecca Romijn, Alan Cumming e Channing Tatum como Gambit.

Mas a maior surpresa — e também a mais controversa — é o retorno de Robert Downey Jr., não como Tony Stark, mas como Doutor Destino, líder da Latvéria e um dos vilões mais icônicos da Marvel. A decisão dividiu opiniões, mas elevou ainda mais o interesse pelo filme, que promete reintroduzir o personagem ao MCU em uma versão poderosa, imponente e central na narrativa. A história acompanha uma coligação de heróis e grupos — os Vingadores, os Wakandanos, os Novos Vingadores, os X-Men e o Quarteto Fantástico — unindo forças para impedir que Destino domine não apenas a Terra, mas as fissuras do multiverso.

O processo até chegar a esse formato, porém, foi turbulento. Em 2022, The Kang Dynasty e Secret Wars foram anunciados como os dois próximos filmes dos Vingadores, representando o final da Saga do Multiverso. Destin Daniel Cretton chegou a ser contratado para dirigir Kang Dynasty, enquanto Jonathan Majors reprisaria o papel do vilão Kang, o Conquistador. Mas tudo mudou depois de 2023. As acusações legais envolvendo Majors resultaram em sua demissão, forçando a Marvel a reescrever completamente o rumo da história. A saída de Cretton também exigiu nova direção criativa. A partir disso, Waldron assumiu toda a reformulação do roteiro, e o estúdio decidiu abandonar a Saga de Kang, reorganizando o futuro da franquia.

Foi só em julho de 2024 que a reconstrução tomou forma definitiva: os Russo foram anunciados como diretores de Doomsday, McFeely entrou como co-roteirista e Downey foi confirmado como Doutor Destino. Junto disso, o filme ganhou o novo subtítulo e reforçou sua proposta de ser um evento monumental, projetado para redefinir a estrutura narrativa do MCU nos próximos anos.

As filmagens, iniciadas em abril de 2025 no Pinewood Studios, na Inglaterra, envolveram centenas de profissionais, gravações em múltiplos cenários reais e cenas de batalha de alta complexidade técnica. Sequências específicas foram rodadas no Bahrein, escolhidas por sua geografia singular e pela possibilidade de criar paisagens que remetem tanto à Latvéria quanto a regiões devastadas por portais multiversais. A produção se encerrou em setembro do mesmo ano, entrando imediatamente na fase de pós-produção, que deve durar mais de 14 meses — reflexo da dimensão gigantesca do projeto.

O enredo oficial segue sendo guardado a sete chaves, mas o que se sabe é que os eventos de Doosmday se passam quatorze meses após Thunderbolts (2025). A narrativa mostrará a união inédita entre os maiores heróis do MCU e mutantes clássicos, todos empurrados para uma guerra inevitável contra Doutor Destino. A escala, segundo fontes internas, será maior do que qualquer batalha já vista no universo Marvel, incluindo Wakanda, Nova Asgard, Kamar-Taj e até reinos alternativos.

É nesse quebra-cabeça gigantesco que Sadie Sink entra. Seu papel pode parecer pequeno dentro do escopo colossal do filme, mas fontes internas afirmam que ela interpretará uma personagem que deve crescer em importância na sequência direta, Vingadores: Guerras Secretas, prevista para 17 de dezembro de 2027. É por isso que sua contratação desperta tanta curiosidade: a Marvel raramente escala uma atriz jovem e em ascensão para um papel irrelevante, especialmente em projetos tão estratégicos.

Avatar: Fogo e Cinzas libera trailer final e prepara o terreno para a fase mais sombria da saga de James Cameron

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O universo de Pandora voltou a estremecer — e não apenas pela força das montanhas flutuantes ou pelo rugido das criaturas bioluminescentes. Com a divulgação do trailer final de Avatar: Fogo e Cinzas, o terceiro capítulo da franquia de James Cameron, a sensação é de que estamos diante de uma experiência cinematográfica que promete expandir, aprofundar e agitar tudo o que os fãs conhecem sobre esse mundo extraordinário. O vídeo, liberado pela 20th Century Studios, rapidamente tomou conta das redes sociais, alimentando debates, teorias e reações emocionadas. Não é exagero dizer que a expectativa atingiu seu auge. Afinal, estamos falando de uma das sagas mais ambiciosas e tecnicamente impecáveis da história do cinema.

Com estreia prevista para 19 de dezembro de 2025, Fogo e Cinzas assume a responsabilidade de dar continuidade aos eventos de O Caminho da Água (2022), ao mesmo tempo em que prepara o terreno para as duas sequências já anunciadas para 2029 e 2031. A julgar pelas imagens reveladas no trailer, o novo filme não se limita a dar sequência à trama: ele propõe uma virada emocional, estética e narrativa que pode redefinir o rumo da franquia pelos próximos anos.

Logo de início, o trailer apresenta um clima mais pesado e introspectivo. Um ano se passou desde que a família Sully se estabeleceu no clã Metkayina, mas a dor da perda de Neteyam continua viva. A ausência do primogênito paira como uma nuvem espessa sobre Jake, Neytiri e seus filhos. Há uma ferida aberta que nenhum mergulho nas águas cristalinas de Pandora é capaz de suavizar. Essa atmosfera de luto e revolta é perceptível não apenas nas expressões dos personagens, mas também na fotografia, mais contrastada e repleta de sombras, como se o planeta refletisse o emocional de sua família mais conhecida.

É nesse contexto que surge a grande novidade do trailer: a introdução do misterioso e temido Povo das Cinzas, uma tribo Na’vi que vive em regiões dominadas por vulcões e ambientes hostis. Diferente dos Omatikaya e dos Metkayina, cujo visual remete à natureza exuberante de florestas e oceanos, o novo clã apresenta uma estética marcada por tons escuros, pinturas agressivas e um estilo de vida moldado pelo fogo — um contraste arrebatador com tudo o que Pandora mostrou até agora. A líder dos Ash People, a imponente Varang, surge como uma figura de presença magnética. Seu semblante firme, seus movimentos calculados e sua postura de guerreira experiente deixam claro que ela não é uma antagonista tradicional: é alguém guiada por convicções profundas, por perdas passadas e por uma visão própria de justiça.

O mais impactante, porém, é vê-la aliada a Miles Quaritch, ainda mais adaptado à sua nova forma Na’vi. A parceria entre ambos deixa evidente que a guerra pela sobrevivência de Pandora está prestes a atingir um patamar sem precedentes. No trailer, Quaritch exibe uma mistura perturbadora de ódio e confusão existencial. Ele é uma figura dividida entre a memória de sua vida humana e as emoções despertadas pelo corpo que agora habita. Esse conflito interno, que já se insinuava em O Caminho da Água, parece ganhar proporções muito maiores no terceiro longa.

Jake e Neytiri, por sua vez, aparecem mais maduros, mas também mais quebrados. O luto pela morte de Neteyam se reflete na forma como eles se movimentam, falam e interagem com o restante da família. Neytiri, especialmente, surge tomada por uma intensidade quase selvagem. Em uma das cenas mais marcantes do trailer, ela afirma, com a voz embargada e olhar de fúria, que eles “já perderam demais”. Há uma energia crua nessa fala que indica que a personagem, que sempre equilibrou espiritualidade e força, pode estar prestes a romper alguns limites.

Kiri, interpretada novamente por Sigourney Weaver, também ganha destaque nos novos trechos. Sua ligação com Eywa se manifesta de forma mais poderosa, com cenas que sugerem habilidades sensoriais ampliadas e uma sensibilidade que a coloca no centro de acontecimentos decisivos. A jovem, ainda envolta em mistério, parece ser um dos pilares emocionais e narrativos de Fogo e Cinzas. Seus conflitos, suas descobertas e sua conexão com o planeta podem ser fundamentais no desfecho da história.

Lo’ak, que já vivia sob o peso da expectativa após a morte do irmão, também surge como alguém que enfrenta uma jornada pessoal intensa. Seu vínculo com o tulkun Payakan reaparece brevemente no trailer, indicando que essa relação continuará a ser um dos elementos mais sensíveis e simbólicos da trama. Cameron tem habilidade especial para transformar laços entre personagens e criaturas em metáforas profundas — e tudo indica que isso se repetirá aqui, só que de forma ainda mais dramática.

Para que tudo isso ganhasse corpo e verdade, Cameron contou novamente com o retorno de atores que já se tornaram sinônimo da franquia. Sam Worthington retoma o papel de Jake Sully com uma postura mais cansada e reflexiva, carregando no olhar todas as batalhas que já enfrentou e aquelas que sabe que ainda virão. Zoe Saldaña, sempre intensa, entrega uma Neytiri visceral, movida pela dor, pela raiva e pela vontade de proteger o que lhe resta. Stephen Lang, mais uma vez, se destaca como um antagonista multifacetado, enquanto Sigourney Weaver transforma Kiri em um dos personagens mais fascinantes dessa nova fase da franquia. Joel David Moore, CCH Pounder e Matt Gerald completam o elenco de retorno.

A grandiosidade de Fogo e Cinzas se deve, em grande parte, ao processo de produção que começou há muito tempo. As filmagens tiveram início em 2017, acontecendo paralelamente às de O Caminho da Água. Isso significa que Cameron não vê a saga como filmes isolados, mas como capítulos de uma história contínua, planejada com antecedência e construída como uma verdadeira epopeia cinematográfica. Enquanto trabalhava nesses dois longas, ele já preparava terreno para The Tulkun Rider e The Quest for Eywa, que devem chegar aos cinemas nos próximos anos e fechar o ciclo iniciado em 2009.

Nova comédia de Judd Apatow com Glen Powell avança e tem início das filmagens definido

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Hollywood sempre parece funcionar a partir de dois motores: o barulho das grandes franquias e o charme irresistível das comédias que chegam de surpresa, trazendo aquele toque de humanidade que o cinema às vezes esquece. E é justamente nesse segundo universo que Judd Apatow retorna com força — desta vez ao lado de Glen Powell, um dos nomes mais queridos e ascendentes da nova geração.

Depois de semanas de especulações, veio a confirmação: a fotografia principal da nova comédia está prevista para começar no início do próximo ano, em uma janela que coincide com a primavera norte-americana, entre março e junho. A informação, divulgada pelo site World of Reel, trouxe um misto de alívio e animação para quem aguarda o próximo projeto de Apatow, conhecido por transformar pequenas crises humanas em grandes histórias de humor e sensibilidade.

A Universal Pictures confirma que está financiando e distribuirá o filme mundialmente, reforçando que o estúdio acredita no potencial da produção — e principalmente no apelo de Glen como protagonista.

do teatro infantil ao estrelato

Para muitos espectadores, Powell pode ter estourado recentemente, mas sua história com os palcos é antiga. Antes de virar um nome quente em Hollywood, Powell cresceu imerso em teatro musical. Passou por montagens como The Music Man, Oliver e The Sound of Music, desenvolvendo cedo a capacidade de ocupar o palco com carisma, ritmo e emoção — características que hoje o acompanham no cinema.

Entre 1999 e 2003, ele integrou a premiada trupe Broadway Texas Players, experiência que ajudou a moldar sua compreensão sobre performance, timing e entrega cômica. E ainda jovem, começou a construir currículo também na televisão, participando de séries como Into the West, Jack and Bobby, CSI: Miami, Without a Trace e a queridinha Scream Queens.

Nos últimos anos, Powell passou de promessa a realidade. O sucesso de filmes como O Sobrevivente e o reconhecimento por sua versatilidade dramática e humorística fizeram dele um rosto cada vez mais procurado por diretores e roteiristas. Agora, ao se unir a Apatow — um mestre da comédia moderna — o ator entra em uma nova fase da carreira, com uma oportunidade de protagonizar uma obra que mescla humor, música e drama com potencial para alcançar públicos amplos.

O retorno ao terreno onde se sente em casa

Para quem acompanha a trajetória de Judd, a notícia de um novo filme já acende expectativas. Ele é responsável por alguns dos maiores sucessos da comédia dos anos 2000 e 2010, como Ligeiramente Grávidos e O Virgem de 40 Anos, mas também por obras que encontram a emoção mesmo quando não estão tentando ser dramáticas. Apatow tem o dom raro de retratar pessoas imperfeitas, confusas, em crise, mas profundamente humanas — personagens que poderiam ser nossos vizinhos, amigos ou até nós mesmos.

Nesta nova produção, Apatow retorna não apenas como diretor, mas como co-roteirista, dividindo a autoria da história com Glen. Essa parceria já chama atenção por si só: é raro ver o protagonista envolvido de forma tão direta na construção da própria narrativa, o que sugere que o filme terá um toque pessoal, carregado de nuances e provavelmente inspirado em reflexões reais sobre fama, fracasso e reinvenção.

Um astro do country em queda livre

Por enquanto, o que se sabe sobre o enredo é sucinto, mas revelador. O filme acompanha um astro da música country em queda livre, alguém que, após chegar ao topo, se vê confrontado com a própria humanidade — e com a necessidade de reconstruir quem é longe dos holofotes.

Esse tipo de narrativa é terreno fértil para Apatow, que gosta de explorar crises existenciais com humor ácido, mas também com afeto. E Powell, com seu histórico teatral e sua crescente versatilidade, parece o intérprete perfeito para esse tipo de personagem: alguém carismático, mas também frágil; engraçado, mas cheio de dores internas; confiante por fora, em ruínas por dentro.

Marshals: Uma História de Yellowstone estreia em 2026 na CBS e inaugura um novo momento na trajetória dos Dutton

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Depois de meses de rumores, expectativas e especulações nas redes sociais, a CBS finalmente tornou oficial a data de estreia de Marshals: Uma História de Yellowstone. O spin-off, que nasce diretamente do final de Yellowstone, chega em 1º de março de 2026, marcando um momento especial para os fãs: pela primeira vez, uma produção desse universo será exibida em TV aberta nos Estados Unidos. No Brasil, a série será disponibilizada pelo Paramount+, garantindo que o público latino-americano acompanhe essa nova fase quase simultaneamente.

A notícia reacende o entusiasmo em torno da franquia criada por Taylor Sheridan, responsável por transformar o neofaroeste moderno em um dos gêneros televisivos mais prestigiados da última década. E agora, Sheridan retorna com mais uma ramificação dessa árvore narrativa que parece não parar de crescer.

Um spin-off que nasce grande — e emocionalmente carregado

Criada por Taylor Sheridan, David C. Glasser e Spencer Hudnut, Marshals não é apenas um derivado. É uma continuação direta da jornada dos Dutton, um capítulo que se abre justamente quando parecia que não havia mais caminhos a explorar. Mas Sheridan nunca acreditou em silêncio emocional — ele acredita em evolução.

E é essa evolução que move Kayce Dutton.

Interpretado novamente por Luke Grimes, Kayce surge em um ponto de virada muito particular: depois de carregar traumas da vida militar e enfrentar dilemas familiares profundos, ele agora se junta a um grupo especializado de U.S. Marshals. Sua missão? Proteger o território de Montana de ameaças externas, internas e — como toda boa história ambientada nesse universo — de conflitos que não respeitam fronteiras entre lei, lealdade e sangue.

É uma nova etapa para um personagem que sempre caminhou com um pé na violência e outro no dever moral. Um homem dividido entre o rancho e o instinto de defesa, entre a família que tenta preservar e os fantasmas que insistem em retornar.

Reencontros, novos rostos e histórias que se entrelaçam

O elenco da série equilibra o afeto do público com a empolgação do novo. Velhos conhecidos retornam para reforçar o vínculo emocional com a franquia: Gil Birmingham (de Crepúsculo, Wind River e A Chegada) revive o imponente Thomas Rainwater, líder cuja força política e espiritual segue sendo um pilar da trama; Mo Brings Plenty (conhecido por trabalhos em The Revenant e Hell on Wheels) retorna como Mo, presença silenciosa, firme e essencial ao lado de Rainwater; e Brecken Merrill (que também participou de This Is Us) volta, agora mais maduro, como Tate Dutton, preservando o núcleo sensível que sempre conectou Kayce ao lado mais humano da família.

Ao mesmo tempo, a série apresenta novos rostos que prometem sacudir o equilíbrio desse universo já complexo: Arielle Kebbel (O Segredo da Cabana, The Vampire Diaries, Lincoln Rhyme) surge como Bela; Ash Santos (American Horror Story, Raven’s Home) interpreta Andrea; Tatanka Means (Killers of the Flower Moon, The Son) entra no elenco em papel mantido sob sigilo; e Logan Marshall-Green (Upgrade, Prometheus, The Invitation) assume o papel de Pete Calvin.

A primeira estreia da franquia na TV aberta — e por que isso importa

Marcar a estreia para o domingo, às 20h, em plena programação da CBS, não é um gesto qualquer. É uma declaração. A emissora coloca o spin-off em um dos horários mais competitivos e prestigiados da televisão norte-americana.

É, também, um reconhecimento da força popular de Yellowstone — uma franquia que já se provou capaz de dialogar com diferentes públicos, idades e regiões. Do público urbano ao rural, do assinante de streaming ao espectador tradicional da TV, a narrativa criada por Sheridan conseguiu atravessar fronteiras culturais sem perder o DNA.

E agora, ao chegar na TV aberta, Marshals pode transformar o que antes era um sucesso massivo em um fenômeno cultural ainda maior.

No Brasil, o Paramount+ será o responsável por levar essa história ao público. Com a base de fãs crescente e a força internacional da franquia, a expectativa é que a série se torne rapidamente uma das mais assistidas do catálogo.

Uma nova fase para o universo Yellowstone

A franquia Yellowstone já provou que sabe contar histórias sobre poder, território, herança e perda. Também já provou que suas narrativas conversam com o presente sem abandonar a estética do velho oeste.

Com Marshals, o que se vê é a construção de uma ponte entre passado e futuro: o velho espírito Dutton continua vivo, mas agora dividido com o peso e o rigor da lei federal. É como se Kayce fosse obrigado a enfrentar não apenas inimigos, mas versões diferentes de si mesmo — o soldado, o fazendeiro, o pai e o homem que luta para encontrar um lugar no mundo.

E é justamente essa tensão humana que deve mover a série.

O público não volta a este universo apenas por tiros, perseguições ou paisagens de tirar o fôlego. Volta porque os personagens carregam dores reais, vínculos complexos e escolhas impossíveis. Volta porque, em cada trama, há sempre algo profundamente humano — algo que diz respeito a pertencimento, a legado, a proteção.

Primeiras imagens do filme live-action de The Legend of Zelda redefinem as expectativas e inauguram uma nova era para a Nintendo nas telonas

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Foto: Reprodução/ Internet

As primeiras imagens oficiais do aguardado live-action de The Legend of Zelda finalmente foram reveladas — e, pela primeira vez desde o anúncio do projeto, o público consegue visualizar com clareza a direção artística escolhida para a adaptação. Até então, o debate era guiado por rumores, vídeos amadores de bastidores e muita especulação. Agora, com conteúdo autorizado e cuidadosamente produzido, o filme deixa o campo da suposição e passa a ocupar um espaço concreto no imaginário do público. As informações são do Caderno POP.

O momento da divulgação não é acidental. Ela chega logo após a confirmação do início das filmagens, marcando um ponto de virada na estratégia de marketing da Nintendo e da Sony. A liberação das imagens funciona como um gesto de confiança: mostra que as equipes estão seguras do que estão construindo e que desejam convidar os fãs a acompanhar o processo desde cedo — mas sem revelar mais do que o necessário.

Um elenco jovem diante de uma das histórias mais emblemáticas dos games

Marcado para estrear em 7 de maio de 2027, o longa apresenta Benjamin Evan Ainsworth como Link. O ator, que vem se destacando por performances sensíveis em personagens complexos, assume aqui talvez o papel mais desafiador de sua carreira. Link é, simultaneamente, um símbolo da bravura e um herói silencioso — características que exigem expressividade corporal e emocional mesmo com pouquíssimas falas.

Ao lado dele, Bo Bragason interpreta a Princesa Zelda, uma decisão de casting celebrada por muitos fãs. A personagem, frequentemente responsável pela carga mítica, política e espiritual das narrativas da franquia, parece assumir um papel de protagonismo amadurecido nas imagens iniciais. A postura firme, a expressão determinada e um figurino que combina elementos clássicos a tecidos mais contemporâneos sugerem uma abordagem que respeita a essência dos jogos, mas procura expandi-la para o cinema.

A química entre os intérpretes é um dos pontos mais aguardados, já que Zelda não é apenas uma história de aventura: é também uma narrativa sobre alianças, confiança e sacrifícios compartilhados.

A direção de Wes Ball e o desafio de uma mitologia que atravessa gerações

A responsabilidade criativa está nas mãos de Wes Ball, diretor conhecido por construir mundos com ambição visual e profundidade atmosférica. Sua experiência em Maze Runner e, sobretudo, em Planeta dos Macacos: O Reinado reforça sua habilidade em equilibrar tecnologia, emoção e grandiosidade.

Em Zelda, o desafio é ainda maior. Hyrule não é um reino qualquer: é um universo com múltiplas eras, lendas, civilizações e símbolos que definem a própria identidade da franquia desde 1986. Transportar esse ecossistema para o cinema exige não apenas técnica, mas compreensão cultural.

As primeiras imagens reveladas mostram que o projeto parece estar trilhando um caminho coerente. A paleta de cores, as texturas dos figurinos e o uso de iluminação natural evocam a sensação de desbravamento presente em Breath of the Wild e Tears of the Kingdom. As orelhas pontudas dos Hylians, o traje de Link e o ambiente aberto — amplos campos, nuvens altas, grama realista — apontam para uma adaptação que não tem vergonha de ser fiel ao que os fãs conhecem.

O silêncio sobre a trama é parte da estratégia

Apesar de a produção ter se tornado mais transparente com a divulgação das imagens, o enredo continua sendo o aspecto mais bem guardado do filme. A franquia The Legend of Zelda possui dezenas de jogos, múltiplas linhas do tempo e interpretações variadas sobre a origem e a evolução dos personagens. Qual caminho o longa vai seguir permanece um mistério — e isso tem sido uma vantagem estratégica.

A herança de uma franquia monumental

The Legend of Zelda é uma das séries mais influentes da história dos videogames. Títulos como Ocarina of Time redefiniram padrões de jogabilidade e narrativa na década de 1990, enquanto Breath of the Wild revolucionou a forma como os jogadores interagem com mundos abertos no século XXI. Esse legado monumental significa que o filme não pode ser apenas mais uma adaptação — ele precisa dialogar com décadas de memórias, expectativas e afetos.

A presença de Shigeru Miyamoto na produção reforça essa responsabilidade. Criador de Zelda e um dos nomes mais importantes da Nintendo, Miyamoto atua como guardião criativo, assegurando que decisões fundamentais preservem a identidade da franquia. Seu envolvimento indica que não haverá concessões fáceis e que o foco está em construir um filme que converse tanto com fãs veteranos quanto com novos públicos.

Truque de Mestre: O 3º Ato volta com força aos cinemas — e o 4º filme já está em produção

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A franquia Truque de Mestre sempre encontrou seu charme no espaço entre o que vemos e o que acreditamos ver. Agora, com “O 3° Ato”, esse jogo de ilusão volta às telas com novo fôlego — e já com o futuro encaminhado. Em entrevista recente, o diretor Ruben Fleischer e o produtor Bobby Cohen não só celebraram o lançamento do terceiro longa, como também confirmaram que o quarto filme está oficialmente em desenvolvimento.

Segundo Cohen, a equipe já está discutindo ideias, locais e novos conceitos que possam expandir ainda mais o universo da série. “Estamos planejando alguns lugares incríveis para apresentar mágicas, onde você nunca viu mágica sendo apresentada antes. Isso eu posso compartilhar. O resto terá que esperar alguns anos”, afirmou o produtor, revelando que a franquia continua crescendo nos bastidores enquanto conquista novamente o público nas salas de cinema. (Via: Omelete)

Um retorno que aposta no impacto emocional e no risco calculado

Truque de Mestre: O 3° Ato carrega uma aura especial daquelas obras que chegam para relembrar, de maneira quase instintiva, porque amávamos aquele universo. Existe uma magia que não está apenas nos truques, mas também no que eles representam: controle, vulnerabilidade e a arte de manipular a própria narrativa diante de um mundo que observa tudo.

Neste novo capítulo, os Quatro Cavaleiros enfrentam uma ameaça mais estratégica, que testa sua inteligência e fragilidade. É uma história que não se apressa para impressionar; prefere construir tensões mais densas, tocar nas feridas antigas e perguntar o que realmente significa viver entre máscaras e segredos.

O enredo, mais ousado, abraça a chance de reinventar algumas dinâmicas. A franquia, já conhecida por equilibrar espetáculo e tensão, encontra agora um tom mais íntimo, onde os truques funcionam como extensão das emoções dos personagens. Cada aparição no palco — literal ou metafórica — carrega mais peso.

Um elenco que retorna mais maduro e disposto a explorar novas camadas

Reunindo um time de peso, o longa-metragem traz um elenco de destaque liderado por Jesse Eisenberg (A Rede Social, Zumbilândia, Batman vs Superman, Segredos Oficiais), Woody Harrelson (True Detective, Zumbilândia, Jogos Vorazes, Três Anúncios para um Crime), Dave Franco (Vizinhos, Artistas do Crime, The Rental), Isla Fisher (Debi & Lóide 2, O Grande Gatsby, Penetras Bons de Bico), Justice Smith (Detetive Pikachu, Geração Perigosa, Jurassic World: Reino Ameaçado), Dominic Sessa (Os Rejeitados), Ariana Greenblatt (Barbie, Vingadores: Guerra Infinita, 65 – Ameaça Pré-Histórica), Rosamund Pike (Garota Exemplar, I Care a Lot, Orgulho & Preconceito), Mark Ruffalo (Spotlight, Vingadores, Minhas Mães e Meu Pai) e Morgan Freeman (Um Sonho de Liberdade, Menina de Ouro, Conduzindo Miss Daisy).

O espetáculo continua — mas agora mais humano

Um dos méritos do filme está no equilíbrio entre entretenimento puro e emoção genuína. Há truques grandiosos, reviravoltas ambiciosas e aquele humor inteligente que se tornou marca registrada da franquia. Mas existe também outro tipo de magia: a de acompanhar personagens lidando com escolhas difíceis, falhas, inseguranças e cicatrizes.

Esse cuidado torna o longa mais próximo do público. O roteiro se permite respirar, mostrando que grandes ilusões também nascem de silêncios, dúvidas e pequenos gestos. É um espetáculo que respeita quem assiste e sabe que surpresa nenhuma funciona sem um coração pulsando por trás.

E o futuro? Está garantido — e promete ser ainda mais ousado

As falas de Ruben Fleischer e Bobby Cohen aquecem o coração dos fãs. A confirmação de que o quarto filme já está em desenvolvimento sinaliza que o estúdio não pretende simplesmente repetir fórmulas: a ideia é expandir, arriscar mais e explorar ambientes onde a ilusão ainda não foi apresentada.

No fim, Truque de Mestre: O 3° Ato não apenas resgata a magia: abre caminho para que ela continue evoluindo nos próximos anos. Um convite não só para assistir, mas para acreditar, outra vez, no encanto de uma boa ilusão.

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