TOHO Animation revela trailer da terceira temporada de Jujutsu Kaisen, prevista para 2026

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O universo de Jujutsu Kaisen acaba de ganhar novos ares de expectativa. A TOHO Animation divulgou, neste fim de semana, o primeiro trailer oficial da terceira temporada do anime, uma das produções mais populares dos últimos anos. A prévia confirmou aquilo que milhares de fãs já aguardavam com ansiedade: a adaptação do arco Jogos de Extermínio (Culling Game), considerado um dos momentos mais intensos e transformadores da obra escrita e ilustrada por Gege Akutami.

A estreia foi marcada para janeiro de 2026, e, pela primeira vez, a temporada será dividida em duas partes, sinalizando que a narrativa ganhará o tratamento detalhado que a complexidade do arco exige. O vídeo divulgado pela produtora trouxe uma prévia carregada de tensão e emoção. Entre cenas rápidas, é possível notar a atmosfera sombria que dominará a nova fase da história, marcada pelo desespero, pela luta pela sobrevivência e pela transformação de personagens que os fãs já conhecem bem.

Do papel às telas: a jornada de Jujutsu Kaisen

O caminho até aqui revela como Jujutsu Kaisen se consolidou como fenômeno cultural global. A série nasceu em março de 2018, quando Gege Akutami começou a publicar seus capítulos na revista Weekly Shōnen Jump, a mesma que lançou clássicos como Naruto, One Piece e Bleach.

Ao longo de seis anos, a obra conquistou uma legião de leitores, chegando ao fim em setembro de 2024, com 30 volumes compilados. O mangá não apenas figurou entre os mais vendidos do Japão, como também ganhou espaço internacional, especialmente no Brasil, onde é publicado pela editora Panini e rapidamente se tornou um dos títulos mais procurados pelos leitores de quadrinhos japoneses.

O salto definitivo aconteceu em 2020, quando o estúdio MAPPA, conhecido por sua excelência técnica e envolvimento em obras como Attack on Titan: The Final Season e Chainsaw Man, adaptou a série para anime. A primeira temporada, exibida naquele mesmo ano, foi um sucesso imediato, conquistando crítica e público. A qualidade da animação, aliada à intensidade da história, impulsionou ainda mais a popularidade da franquia.

No ano seguinte, em 2021, o lançamento do longa “Jujutsu Kaisen 0” ampliou a dimensão do sucesso. O filme, que funciona como prelúdio da trama principal, apresentou ao público o personagem Yuta Okkotsu, que mais tarde se tornaria peça fundamental no arco dos Jogos de Extermínio.

O que são os Jogos de Extermínio?

O arco que guiará a terceira temporada é considerado um dos mais complexos e emocionantes da obra de Gege Akutami. Nele, feiticeiros e maldições se veem presos em uma espécie de jogo mortal, regido por regras cruéis e arbitrárias. Os participantes precisam lutar uns contra os outros, acumulando pontos e enfrentando escolhas que colocam em xeque não apenas sua sobrevivência, mas também seus valores e crenças.

A brutalidade das batalhas é apenas parte da tensão. O arco mergulha profundamente no desenvolvimento psicológico dos personagens, revelando traumas, motivações e dilemas éticos. Para o público, isso significa uma narrativa densa, onde não há espaço para soluções fáceis ou vitórias sem sacrifícios.

É também nesse momento que a rivalidade – ou possível aliança – entre Itadori e Yuta ganha destaque. Enquanto o primeiro carrega o fardo de ser hospedeiro da maldição mais poderosa de todas, Sukuna, o segundo representa a promessa de um feiticeiro que aprendeu a lidar com dores do passado, carregando o peso de uma história marcada pelo luto e pela redenção.

Números que impressionam

Se os personagens conquistam corações, os números comprovam o impacto da obra. Em fevereiro de 2019, apenas um ano após seu lançamento, o mangá já contava com 1,1 milhão de cópias em circulação. Esse número cresceu exponencialmente: em 2020, já eram 8,5 milhões, e, com a estreia do anime, o sucesso disparou, chegando a 60 milhões de cópias em dezembro de 2021.

O mangá foi também a quinta série mais vendida do ano de 2020, com 6,7 milhões de exemplares comercializados. Em janeiro de 2021, um feito histórico: 15 dos 16 volumes mais vendidos da Oricon eram de Jujutsu Kaisen, superados apenas por um volume de Shingeki no Kyojin.

Além das vendas, vieram os prêmios e reconhecimentos. Em 2019, a obra ficou em primeiro lugar na lista de recomendações de livreiros japoneses e foi indicada ao 65º Shogakukan Manga Award, uma das premiações mais prestigiadas da indústria.

O fim do mangá e o futuro do anime

Embora Akutami tivesse planejado encerrar a série em 2023, mudanças de rumo e a popularidade avassaladora prolongaram a narrativa até 2024. O desfecho, publicado em setembro daquele ano, dividiu opiniões, mas consolidou Jujutsu Kaisen como uma das obras mais marcantes do gênero shōnen na última década.

Agora, com a chegada da terceira temporada, fãs terão a oportunidade de revisitar momentos cruciais da reta final em versão animada. O fato de a produção ser dividida em duas partes indica que o estúdio MAPPA pretende se aprofundar no material original, evitando cortes bruscos e entregando uma experiência mais fiel ao mangá.

Fernando Meirelles revela bastidores da minissérie Pssica em trailer exclusivo

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A Netflix revelou recentemente o trailer de bastidores da aguardada minissérie brasileira Pssica, uma produção que reúne alguns dos maiores nomes do cinema nacional, entre eles o aclamado diretor Fernando Meirelles, responsável por obras icônicas como Cidade de Deus (2002). Com estreia marcada para 20 de agosto de 2025, a série já causa expectativa por sua proposta ousada e narrativa envolvente, que une elementos de suspense, realismo social e mitologia amazônica.

A trama é uma minissérie original da Netflix que adapta o romance homônimo do escritor paraense Edyr Augusto, autor conhecido por retratar a riqueza e as tensões da Amazônia em suas obras. O projeto conta com direção de Fernando Meirelles, em parceria com Quico Meirelles, diretor experiente e filho do cineasta, que traz uma sensibilidade especial para a direção de cenas de tensão e ação na floresta.

O roteiro é assinado por Bráulio Mantovani — indicado ao Oscar pelo roteiro de Cidade de Deus — junto com Fernando Garrido e Stephanie Degreas, trazendo uma narrativa que equilibra poesia e violência, explorando temas como tráfico humano, conflitos territoriais e forças sobrenaturais.

A história gira em torno de Janalice (Domithila Cattete), uma jovem que é raptada por uma rede de tráfico humano na Amazônia e precisa lutar para sobreviver em meio aos perigos dos rios e da floresta. Paralelamente, o personagem Preá (Lucas Galvino) lidera uma gangue de “ratos d’água”, criminosos que controlam as rotas fluviais da região, enfrentando dilemas morais e os fantasmas de seu passado.

Outro núcleo importante é a busca de Mariangel (Marleyda Soto) por vingança após a morte de sua família. Ela enfrenta uma entidade misteriosa conhecida como “pssica” — uma espécie de maldição que persegue e destrói aqueles que cruzam seu caminho, misturando o sobrenatural com o cotidiano de violência.

Segundo o diretor Fernando Meirelles, “a série é um mergulho na alma da Amazônia, onde o real e o mítico se confundem e a luta pela sobrevivência ganha contornos poéticos e sombrios”. A produção promete explorar as nuances culturais e sociais da região, sem esquecer da tensão e do drama humano.

O peso do elenco na construção da narrativa

O elenco da minissérie é formado majoritariamente por atores brasileiros, muitos deles estreantes ou vindos do teatro regional, garantindo um frescor e autenticidade aos personagens. A protagonista Domithila Cattete, que interpreta Janalice, é uma jovem atriz que vem se destacando em produções independentes.

Além dela, Lucas Galvino vive Preá, trazendo intensidade para o papel do líder de gangue em conflito. Marleyda Soto, conhecida por seu trabalho em teatro e cinema periférico, dá vida à vingativa Mariangel, que encara a maldição “pssica” com coragem e dor.

Complementam o elenco nomes como Claudio Jaborandy, Wesley Guimarães, Ademara, Bruno Goya, Luca Dan, Ricardo Teodoro, Sandro Guerra, Welket Bungué, Felipe Rocha, Andrés Castañeda e Fátima Macedo, que enriquecem a trama com personagens que trazem diferentes perspectivas e histórias de vida na Amazônia.

A diversidade do elenco reforça o compromisso da produção com a representatividade regional e cultural, apresentando vozes e rostos pouco vistos nas produções nacionais de grande alcance.

Bastidores e produção: uma jornada desafiadora

A minissérie é uma produção da O2 Filmes, com Andrea Barata Ribeiro e Fernando Meirelles na produção executiva, além de Cristina Abi como co-produtora. A escolha de filmar em locações na própria Amazônia adiciona uma camada de desafio à realização, devido às condições climáticas e logísticas.

O trailer de bastidores divulgado pela Netflix revela parte do processo intenso de gravação em meio à floresta, com cenas em rios e áreas remotas que exigiram uma equipe técnica altamente especializada. O cuidado em preservar o ambiente natural, sem perder a qualidade cinematográfica, foi um dos compromissos da produção.

Fernando Meirelles comentou sobre a importância de retratar a Amazônia de forma realista, “não apenas como cenário, mas como personagem central, viva e pulsante, que influencia cada decisão dos personagens e o desenrolar da história”.

Além das dificuldades naturais, a equipe teve que lidar com questões sociais da região, buscando incluir no roteiro elementos que dialogassem com a realidade das comunidades ribeirinhas, indígenas e das populações vulneráveis afetadas pelo tráfico e pelo crime organizado.

O impacto cultural e social da minissérie

A série chega em um momento em que a produção audiovisual brasileira tem se fortalecido internacionalmente, com séries e filmes que conquistam espaço nas plataformas digitais. A aposta em um enredo que dialoga com questões amazônicas, tão pouco exploradas em produções de grande público, é um diferencial que pode ampliar a visibilidade dos problemas e da cultura da região.

A obra também propõe reflexões importantes sobre violência, desigualdade e a presença constante do mito na construção das identidades locais. Ao trazer a maldição “pssica” como elemento central, a série transita entre o suspense psicológico e o folclore regional, resgatando narrativas populares e dando-lhes novo significado.

Para a crítica de cinema e cultura, Helena Fonseca, “a minissérie tem potencial para romper com clichês sobre a Amazônia, mostrando uma faceta complexa, multifacetada, onde a brutalidade e a beleza coexistem, e onde o ser humano se confronta com forças além de sua compreensão.”

Expectativas do público e da crítica

A divulgação do trailer de bastidores da série gerou grande repercussão nas redes sociais, com fãs do diretor Fernando Meirelles, admiradores da literatura amazônica e entusiastas do audiovisual brasileiro manifestando ansiedade pela estreia.

Especialistas do setor audiovisual destacam que “Pssica” pode ser uma das grandes apostas nacionais da Netflix em 2025, capaz de trazer um novo olhar para a produção local e atrair público internacional com uma narrativa original e ambientação exótica.

O envolvimento de profissionais renomados como Bráulio Mantovani, diretor criativo de peso, também adiciona credibilidade e qualidade ao projeto, prometendo diálogos e roteiros que respeitam a profundidade dos personagens e das tramas.

Fernando Meirelles: um retorno ao universo brasileiro

Para o diretor Fernando Meirelles, “Pssica” representa um retorno ao seu universo de origem, depois de trabalhos internacionais de grande repercussão. Conhecido por sua sensibilidade para contar histórias brasileiras que dialogam com o mundo, Meirelles aposta na minissérie para ampliar a narrativa do país, mostrando suas contradições, beleza e tragédias.

Em entrevista recente, ele afirmou: “Este projeto é uma viagem de autoconhecimento, um desafio para traduzir em imagens o que está no livro de Edyr Augusto, que é a alma da floresta e das pessoas que vivem nela.”

Além disso, ele destaca a importância de valorizar talentos regionais e dar voz a histórias que muitas vezes ficam à margem das grandes produções comerciais

Roda a Roda Jequiti 04/05/2025: Programa apresenta novos ganhadores

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RODA A RODA

Se você curte emoção de verdade, torcida vibrando e aquela adrenalina boa que só um bom game show consegue entregar, já pode reservar o sofá e chamar a família: o próximo domingo, 4 de maio de 2025, promete ser daqueles que ficam na memória com uma edição pra lá de especial do “Roda a Roda Jequiti”, no ar a partir das 19h, logo depois do animadíssimo Domingo Legal.

A frente dessa grande festa, duas apresentadoras queridas do público: Patricia Abravanel e Rebeca Abravanel, que trazem não só carisma e elegância, mas também aquela energia contagiante que transforma o palco num verdadeiro espetáculo de alegria, suspense e, claro, muitos prêmios. As irmãs têm química de sobra e sabem como conduzir o jogo com leveza, emoção e bom humor.

Emoção em cada giro da roda

O clima do estúdio é de arrepiar: luzes, torcida, expectativa e aquele silêncio tenso que antecede cada giro da famosa roda. Os participantes chegam cheios de esperança e brilho nos olhos, prontos para disputar barras de ouro que podem realmente mudar o rumo da vida deles.

E o melhor: cada rodada é uma montanha-russa de sentimentos — tem comemoração, surpresa, coração batendo forte e até aquele “ai, quase!” que faz a gente torcer ainda mais. É o tipo de programa que conecta gerações na sala de estar e deixa todo mundo grudado na tela.

Quer participar também? Tem chance pra todo mundo!

E se você acha que a diversão fica só na TV, pode se animar, porque o Roda a Roda Jequiti também é uma oportunidade real de transformar sua história!

  • Quem é consultor Jequiti já participa automaticamente: a cada pedido feito, você acumula cupons para concorrer.
  • Já os clientes Jequiti também têm chance! Dentro das embalagens dos produtos você pode encontrar cupons premiáveis. Achou um? É só preencher direitinho com seus dados e enviar para a Caixa Postal 05947-960.

Simples, rápido e sem complicação. E olha que incrível: os sorteados não ganham só a chance de disputar os prêmios no palco, mas também uma viagem completinha pra São Paulo, com tudo pago, direto pros estúdios do SBT. Uma experiência única de bastidores, emoção ao vivo e aquele contato direto com o universo mágico da televisão.

Muito mais que um game show: é sobre sonho, emoção e sorte

No Roda a Roda, cada participante representa milhares de brasileiros que acreditam que um giro pode virar a chave da vida. É um programa que mistura sonho, oportunidade, reconhecimento e emoção — e que continua, ano após ano, conquistando gerações com seu formato leve, inclusivo e cheio de surpresas.

Então não vacila: prepare os cupons, atualize o cadastro, torça, participe e, principalmente, não perca a próxima edição desse sucesso absoluto da televisão brasileira.

Já anota aí:

📅 Data: Domingo, 27 de abril de 2025
🕖 Horário: A partir das 19h, depois do Programa Eliana
📺 Canal: SBT

Resumo semanal da novela Quando Me Apaixono 22/04 a 25/04 (SBT)

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Foto: Reprodução/ Internet

Capítulo 201 – terça-feira, 22 de abril de 2025
Inês finalmente convence Regina a confrontar Gonçalo sobre a fotografia misteriosa que Josefina lhe entregou. Ao analisar a imagem com atenção, Gonçalo confirma que a mulher retratada é Roberta — e não Renata, como Josefina havia afirmado. A revelação deixa Regina ainda mais desconfiada sobre o passado de sua filha. Enquanto isso, Gema, incomodada com o comportamento estranho do marido, decide acompanhá-lo em uma suposta viagem de negócios. No entanto, com argumentos bem calculados, ele consegue fazê-la desistir. Desconfiados, Matias, Adriana e Honório optam por seguir o homem por conta própria, na esperança de descobrir a verdade.

Marina, determinada a ajudar Renata, busca pistas sobre o paradeiro de Saúl e descobre que ele pode estar escondido em algum cassino em Las Vegas.
Na casa de Sabina, Matilde confidencia os motivos por trás do adiamento de seu casamento, mencionando Lázaro, Carlos e, com pesar, Renata. Jerônimo, ainda bastante debilitado, começa a delirar e repetir os mesmos nomes. Sabina escuta o nome de Lázaro sair da boca de Jerônimo e imediatamente compartilha com Matilde o que presenciou, levantando esperanças de que aquele homem ferido seja mesmo Jerônimo. Enquanto isso, após conversar com o padre Severino, Alzira decide ir fundo na investigação sobre a misteriosa morte de seu marido. Já Regina e Gonçalo visitam Inês e Isidro para entender por que eles estão tão certos de que Roberta não é filha biológica de Regina.


Capítulo 202 – quarta-feira, 23 de abril de 2025
Ainda muito ferido, Jerônimo começa a repetir nomes importantes de seu passado: Renata, Matilde, Lázaro e o apelido “Bonita”. Sabina, emocionada, pergunta a Matilde se o homem que ela encontrou é de fato aquele que todos estão procurando — a dúvida cresce no ar, junto da esperança.

Enquanto isso, Adriana, Matias e Honório confirmam suas suspeitas ao flagrar Roberta e Germano em clima de romance. Eles seguem o casal até o Vale Bravo e conseguem registrar fotos do beijo entre os dois, provando o caso extraconjugal. Gema também chega ao local, encontra o marido com Roberta e, decepcionada, o confronta. Furiosa e magoada, ela anuncia que quer o divórcio.

Paralelamente, Josefina continua com seu plano maligno: matar Renata e fugir com Roberta para a Suíça, levando consigo o dinheiro que roubou de Branca e a herança que Roberto deixou para sua verdadeira filha.

Enquanto isso, Isidro obtém provas definitivas: as digitais de Roberta não correspondem às da menina registrada como filha de Regina. Junto com Antonio, ele comunica a Gonçalo e Regina a verdade: Renata é, de fato, a filha biológica de Regina. Marina e Renata viajam até Las Vegas em busca de Saúl. Aníbal conta a Carlos que viu Saúl conversando com Augusto e ouviu o vilão prometer que impediria o casamento de Jerônimo e Renata.

O computador de Augusto é apreendido e levado para a fazenda “A Bonita”, numa tentativa de encontrar provas do que aconteceu com Jerônimo. Alzira, por sua vez, se aproxima do capataz da fazenda Cruz do Amor para tentar arrancar dele as verdades escondidas de Augusto. Carlos, cansado dos conflitos entre Priscila e Matilde, pede que Priscila deixe a fazenda. Constanza, decidida a não mais proteger Roberta, revela a Gonçalo e Regina que ela é amante de Germano.


Capítulo 203 – quinta-feira, 24 de abril de 2025
Em Las Vegas, Marina e Renata finalmente localizam Saúl em um cassino. Com o apoio dos seguranças, conseguem que ele seja detido para prestar esclarecimentos. Durante o interrogatório, Saúl revela como ajudou Augusto a armar uma cilada para Jerônimo. As duas tentam convencê-lo a retornar ao México para testemunhar, mas ele escapa antes que consigam levá-lo.

Enquanto isso, Gonçalo, acompanhado pela polícia, vai ao apartamento de Germano à procura de Josefina. No entanto, ela consegue se esconder no quarto da empregada, escapando mais uma vez da prisão. Roberta, influenciada pela mãe, decide que irá com ela para a Suíça tão logo receba a herança de seu pai. Mais fria do que nunca, ela enfrenta Regina e Gonçalo e declara estar apaixonada por Germano, ignorando todas as consequências de seus atos.

Na fazenda, Priscila tenta uma última investida em Carlos antes de ir embora, mas ele a rejeita. Renata, emocionalmente abalada, revive lembranças de sua infância, como os primeiros passos dados na casa de Roberto e Regina. Finalmente, Regina e Gonçalo revelam a verdade: Roberta não é sua filha biológica. As digitais provaram que Renata é, de fato, a menina sequestrada anos atrás.


Capítulo 204 – sexta-feira, 25 de abril de 2025
O grande segredo, enfim, é revelado: Regina e Gonçalo contam a Renata que suas memórias da infância são reais e que ela é a verdadeira filha que Regina tanto procurou. A revelação emociona Renata, que começa a entender as peças que faltavam em sua história. Ao mesmo tempo, Adriana pede a ajuda de Selena para confirmar se Roberta e Augusto são cúmplices na sabotagem da felicidade de Renata e Jerônimo. Selena confirma tudo e ainda revela que Roberta foi amante de Augusto enquanto ele tentava conquistar Renata com falsas promessas de casamento.

Germano reencontra Josefina no apartamento, mas ela mente dizendo ser apenas amiga de Roberta. Ele fica intrigado, com a sensação de que já a viu antes. Pouco depois, a memória vem à tona e ele percebe quem ela realmente é. Ele avisa Honório, mas quando voltam ao local, Josefina já foi escondida por Roberta.

Germano decide romper com Roberta após todas as descobertas. Enquanto isso, Carlos entrega ao investigador os documentos que comprovam a ligação de Augusto e Saúl com o desaparecimento de Jerônimo. Ao ouvir Renata comentar que pretende denunciá-los, Roberta liga imediatamente para Augusto e o alerta. Quando a polícia chega à fazenda Cruz do Amor, Augusto já desapareceu.

Carlos e Lázaro seguem para a casa de Sabina, onde esperam confirmar que o homem que ela está cuidando é de fato Jerônimo. Paralelamente, Gonçalo e Honório pedem ajuda a Luciana para montar um plano e capturar Roberta no momento em que ela tentar sacar a herança que pertence à verdadeira filha de Roberto.

Me And Thee | Trailer do novo BL dos PondPhuwin é divulgado com estreia prevista para 15 de novembro

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O trailer oficial de Me And Thee, o novo dorama BL estrelado pelos PondPhuwin, foi lançado no último sábado, 1º de novembro, aumentando a expectativa dos fãs para a estreia da série, prevista para o dia 15 no GMMTV. A produção promete explorar romance, comédia e momentos dramáticos em uma narrativa que combina autodescoberta, relacionamentos e química intensa entre os protagonistas. Abaixo, confira o vídeo divulgado:

A história acompanha a fotógrafa reservada Peach (Phuwin Tangsakyuen) e o rico empresário Thee (Naravit Lertratkosum), um homem confiante, porém inexperiente no amor. Ao buscar a ajuda de Peach para conquistar outro rapaz, Thee acaba se envolvendo emocionalmente com ela, dando início a uma relação inesperada e cheia de nuances. Após um primeiro encontro dramático, Peach se transforma em uma espécie de conselheira de vida amadora para Thee, que, obcecado por lakorns e alheio ao valor do dinheiro, precisa reaprender a se conectar com a realidade e os sentimentos humanos.

O elenco da série inclui nomes já conhecidos do público BL tailandês. Além de Naravit Lertratkosum (Thee) e Phuwin Tangsakyuen (Peach), o elenco conta com Tanapon Sukumpantanasan (Tawan), Pongsapak Udomphoch (Aran), Supha Sangaworawong (Mok) e Pattraphus Borattasuwan (Phlab). Cada ator traz experiência prévia em séries de sucesso, garantindo uma interpretação convincente e química natural entre os personagens.

Com 10 episódios confirmados e estreia marcada para o dia 15 de novembro, os fãs já se preparam para acompanhar cada episódio, interagir com o elenco nas redes sociais e comentar sobre os desenvolvimentos da trama e do ship principal. Me And Thee chega com a promessa de se tornar uma das produções mais comentadas do ano, conquistando tanto público tailandês quanto internacional.

Crítica – Five Nights at Freddy’s 2 é um avanço divertido, nostálgico e limitado por suas próprias escolhas

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“Quero ver o que tem dentro da sua cabeça.” A frase ecoa no escuro e sintetiza bem o espírito de Five Nights at Freddy’s 2, um filme que busca acessar o imaginário de quem cresceu com a franquia, explorando memórias, sustos e aquela combinação inconfundível de pânico e fascínio que marcou milhões de jogadores. Dentro dessa proposta, o longa dirigido por Emma Tammi dá um passo mais seguro em relação ao filme anterior. Não é mais ousado, mas é mais consciente do material que tem em mãos.

O grande mérito desta continuação é sua habilidade de transformar referências em atmosfera. A produção não insere apenas easter eggs; ela recria sensações. Os sons metálicos dos animatrônicos, os movimentos bruscos, as luzes defeituosas e os enquadramentos que remetem diretamente às câmeras do jogo ajudam a construir um ambiente que parece genuinamente pertencente ao universo de FNAF. Para quem considera o segundo jogo o ponto alto da franquia, existe uma nostalgia palpável. Cada detalhe visual e sonoro parece projetado para provocar aquele frio familiar na espinha, como se a infância – ou adolescência – retornasse por alguns instantes.

Ainda assim, o filme permanece preso a uma limitação importante. Five Nights at Freddy’s sempre foi conhecido pela combinação de tensão psicológica com violência explícita. Aqui, novamente, o gore é evitado de forma evidente. Cenas que deveriam atingir um impacto mais duro são interrompidas antes do auge, e a estética permanece cuidadosamente controlada para não ultrapassar uma classificação indicativa acessível ao público mais jovem. Essa escolha, embora compreensível do ponto de vista comercial, reduz parte do potencial do terror. Falta peso ao que deveria ser aterrorizante.

Apesar disso, FNAF 2 apresenta avanços narrativos em relação ao primeiro filme. O roteiro é mais coeso, a mitologia é desenvolvida com maior clareza e há mais atenção à lógica interna da história. O percurso dramático ainda é previsível, mas funciona melhor justamente porque a obra abandona qualquer timidez e assume sua vocação de fan service. Em vez de tentar agradar a todos, o filme se concentra em agradar quem realmente importa: o fã que conhece os jogos, acompanha teorias e aguarda há anos para ver determinadas cenas ganharem vida.

Essa honestidade acaba sendo um dos pontos altos. Five Nights at Freddy’s 2 não tenta reinventar o terror. Não pretende ser mais profundo do que realmente é. Sua intenção é divertir, provocar sustos moderados e alimentar o entusiasmo da base de fãs. Para quem nunca teve contato com os jogos, o longa pode soar como um terror adolescente convencional, com criaturas bizarras e enredo por vezes confuso. Para quem jogou, porém, é como revisitar um espaço temido, mas curiosamente acolhedor.

O elenco também funciona melhor nesta continuação, beneficiado por um roteiro que permite mais tensão e interação entre os personagens. Os animatrônicos continuam sendo o grande chamariz visual da franquia e, aqui, parecem ainda mais presentes, expressivos e ameaçadores.

“Caçadores do Fim do Mundo” | Diamond Films divulga trailer da aventura pós apocalíptica estrelada por Dave Bautista e Samuel L. Jackson

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No coração de um planeta devastado, onde o sol não é mais apenas fonte de vida, mas também de destruição, nasce uma história sobre a busca pela humanidade em meio ao caos. É esse cenário que dá o tom a “Caçadores do Fim do Mundo” (Afterburn), a nova aventura pós-apocalíptica que estreia nos cinemas brasileiros no dia 28 de agosto.

Mais do que um filme de ação, essa produção nos convida a refletir sobre o que realmente importa quando tudo ao redor parece ruir. No centro dessa narrativa está Jake, um ex-militar vivido por Dave Bautista, um homem marcado pelo passado e por cicatrizes invisíveis que só quem sobrevive entende.

Sobrevivência e redenção em cada passo

Jake não é um herói tradicional. Ele é a representação da resistência, da luta diária que muitos carregam silenciosamente. Vivendo em um mundo onde a lei foi substituída pela brutalidade, ele usa suas habilidades para encontrar artefatos — pequenos fragmentos do que a humanidade já foi, verdadeiros tesouros em um cenário esquecido.

Quando Valentine, papel de Samuel L. Jackson, entra em cena com a missão de recuperar uma obra de arte icônica, Jake se vê diante do desafio mais complexo da sua trajetória. Não é apenas uma caçada por objetos valiosos; é uma busca por sentido, por memória, por aquilo que não pode se perder mesmo diante do apocalipse.

Uma parceria forjada na adversidade

A interação entre Bautista e Jackson traz à tela uma dinâmica de tensão e cumplicidade, que revela as nuances humanas por trás da dureza do mundo pós-tempestade solar. São dois homens que, apesar das diferenças, compartilham o peso de sobreviver em um futuro incerto — e, talvez, a esperança de recomeçar.

Com a direção de J.J. Perry, especialista em coreografar cenas de tirar o fôlego, o filme equilibra ação eletrizante e emoção profunda, um convite para o público sentir cada passo dessa jornada árdua.

Vozes que ecoam no silêncio da destruição

Além dos protagonistas, o elenco conta com nomes que carregam histórias e personagens memoráveis, como Olga Kurylenko e Kristofer Hivju. Juntos, eles compõem um mosaico de personagens que refletem a diversidade e complexidade da luta pela sobrevivência

Uma obra que fala ao coração

“Caçadores do Fim do Mundo” é mais que uma aventura; é um olhar sensível sobre o que significa ser humano em um mundo que perdeu sua referência. É uma história que fala de perdas, de resiliência, de escolhas difíceis — e de um fio tênue de esperança que pode mudar tudo.

O trailer, já disponível em versões legendada e dublada, dá um gostinho dessa experiência, com imagens poderosas e sequências que prendem o espectador do primeiro ao último segundo.

No dia 28 de agosto, a Diamond Films convida o público brasileiro a embarcar nessa viagem intensa e emocionante. Um convite para olhar o apocalipse não só como destruição, mas também como um momento de reflexão sobre a força que existe em cada um de nós para enfrentar o desconhecido e buscar a luz mesmo quando tudo parece perdido.

Netflix libera o primeiro trailer da 2ª temporada de One Piece e confirma terceira temporada

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Foto: Reprodução/ Internet

Desde que a Netflix lançou sua adaptação live-action de One Piece em 2023, uma pergunta ficou no ar entre os fãs: como seria dar vida real a esse universo tão rico, cheio de personagens carismáticos, aventuras épicas e um coração pulsante de amizade e coragem? A resposta começa a se desenhar agora, com o lançamento do trailer da segunda temporada — que veio acompanhado da confirmação de que a terceira temporada já está no horizonte. Abaixo, se liga no vídeo divulgado:

Essa notícia é um sopro de esperança para quem embarcou na jornada do jovem Monkey D. Luffy e sua tripulação, os Piratas do Chapéu de Palha, e para os muitos que ainda vão se apaixonar por essa história que fala, antes de tudo, sobre sonhos e conexões humanas.

Mais do que mostrar cenas de luta ou efeitos especiais, o trailer da segunda temporada é um convite para conhecer melhor a alma dos personagens. A chegada de Nico Robin (Lera Abova), Vivi (Charithra Chandran) e Smoker (Callum Kerr) não traz apenas rostos novos, mas histórias que vão mexer com o coração e provocar reflexões.

Ver esses personagens ganhando forma na tela nos lembra que One Piece é sobre pessoas — suas dores, suas esperanças e seus laços. O modo como a série traz isso à tona é delicado, sem perder o ritmo das aventuras, e mostra que há espaço para crescer, para se reinventar e para criar algo que fala com o presente, sem perder o respeito pelo passado.

Monkey D. Luffy (Iñaki Godoy) é muito mais que um capitão carismático com poderes elásticos — ele é a personificação da coragem e da fé no impossível. O sonho de se tornar o Rei dos Piratas é, na verdade, a busca por liberdade e por um lugar no mundo, algo que ressoa com qualquer pessoa que já ousou sonhar alto.

Ao lado de Nami, Zoro, Usopp e Sanji, Luffy não enfrenta apenas inimigos perigosos ou mares traiçoeiros; ele enfrenta seus próprios limites e dúvidas, sustentado pela amizade inquebrável que os une. A série sabe disso e entrega personagens humanos, com falhas e qualidades, tornando essa tripulação algo que a gente sente parte da nossa própria família.

Um dos grandes acertos da série está no elenco. É impossível não se encantar com a energia que cada ator traz para o papel, como Iñaki Godoy que dá vida a Luffy com um equilíbrio raro entre leveza e determinação.

Além dos protagonistas, o universo da série se enche de personagens secundários que ganham nuances, seja o rígido vice-almirante Garp (Vincent Regan), a enigmática Robin (Lera Abova), ou o icônico Buggy, interpretado por Jeff Ward. Eles não são apenas figuras coadjuvantes, mas personagens que ampliam o mundo de One Piece, tornando-o mais vivo e complexo.

Produção com alma e cenários que transportam para outro mundo

Filmada em Cape Town, na África do Sul, a produção soube aproveitar a diversidade de paisagens naturais para recriar o universo fantástico da série. Praias, florestas e mares compõem um cenário que é tão protagonista quanto os próprios personagens.

Essa escolha de locação traz uma sensação orgânica às aventuras, ao mesmo tempo em que se apoia em efeitos visuais para ampliar a imaginação — uma mistura que respeita o espírito do mangá e entrega uma experiência visual envolvente, moderna e acessível.

Foto: Reprodução/ Internet

A força do mangá que inspira a série

Eiichiro Oda, criador do anime, acompanha de perto a adaptação, participando como produtor executivo. Essa presença garante que o respeito pela obra original esteja presente em cada detalhe, mesmo diante dos desafios de traduzir uma história de mangá para live-action.

O mangá, que já é um fenômeno mundial, conquistou gerações pela forma única de misturar aventura, humor e emoção, e a série da Netflix parece entender que sua maior força está justamente em abraçar esses elementos, ao invés de tentar reinventá-los.

Um mundo em expansão e um futuro promissor

A confirmação da terceira temporada antes mesmo do lançamento da segunda é um claro sinal de que a Netflix aposta no crescimento e na longevidade da série. Para os fãs, isso é motivo de alegria e expectativa: há muito mais por vir.

A nova temporada promete aprofundar os laços entre os personagens, ampliar os conflitos e explorar ainda mais o universo riquíssimo que Oda criou. Será a oportunidade de ver ainda mais desafios, batalhas épicas e, claro, momentos emocionantes que fazem a gente se sentir parte dessa tripulação.

Por que One Piece toca tão fundo?

No fundo, a trama sobre o Chapéu de Palha não é só sobre piratas, tesouros ou poderes especiais. É sobre a busca por um propósito, o valor da amizade verdadeira e a coragem de seguir em frente, mesmo quando tudo parece difícil.

Essa mensagem é universal e atemporal, e talvez seja por isso que a série e o mangá conquistaram tantas pessoas ao redor do mundo. É a sensação de que, apesar dos obstáculos, somos capazes de construir nosso próprio caminho — juntos.

No Brasil, um convite para navegar

Para o público brasileiro, acostumado a acompanhar animes e mangás, a série live-action chega como um convite para redescobrir essa história de uma maneira nova, com um toque local de vozes e interpretações que aproximam ainda mais o público.

A dublagem e a tradução cuidadosas colaboram para que a emoção original seja mantida, enquanto a Netflix disponibiliza uma plataforma acessível para todos os tipos de espectadores.

Saiba qual filme vai passar na Sessão da Tarde desta quarta (06/08)

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Foto: Reprodução/ Internet

Em tempos onde a correria do dia a dia parece não dar trégua e as responsabilidades crescem a cada instante, é fácil esquecer o poder transformador da imaginação e da conexão genuína com aqueles que amamos. Pensando nisso, a Sessão da Tarde traz nesta quarta-feira, 6 de agosto de 2025, uma história leve, divertida e profundamente tocante: Imagine Só!, um filme que mistura fantasia e comédia familiar, estrelado pelo carismático Eddie Murphy. A produção, dirigida por Karey Kirkpatrick, não é apenas um entretenimento para toda a família, mas também um lembrete delicado da importância do tempo compartilhado e da escuta verdadeira entre pais e filhos.

Um cenário realista e problemas que muitos conhecem

Segundo informa a sinopse do AdoroCinema, a trama gira em torno de Evan Danielson (Eddie Murphy), um executivo do mercado financeiro que enfrenta uma fase crítica. Após anos dedicando sua vida ao trabalho, Evan vê sua carreira ameaçada por um concorrente agressivo, Johnny Pena Branca (Thomas Haden Church). O peso da profissão, a pressão por resultados e a ansiedade de manter seu cargo começam a tomar conta da sua rotina, tornando cada vez mais difícil encontrar equilíbrio entre vida profissional e pessoal.

Divorciado e afastado da filha Olivia, uma menina introspectiva de 8 anos interpretada pela jovem e talentosa Yara Shahidi, Evan vive um distanciamento afetivo que dói. Olivia, ao contrário do pai, tem um mundo próprio — um universo imaginário repleto de princesas como Kupida, Sopida e a rainha Qwali — e um objeto especial, seu cobertor de estimação, carinhosamente chamado de “betoa”. A relação entre os dois é marcada por uma barreira invisível que a rotina e a falta de diálogo foram construindo com o tempo.

Esse contexto é bastante comum para muitas famílias, tornando a história altamente identificável. Quantos pais e filhos não se veem, em algum momento, desconectados pela correria, pelo trabalho ou até mesmo pelas diferenças de gerações? Imagine Só! aborda isso com uma sensibilidade rara, sem julgamentos, mostrando que a ponte para a reconexão pode estar em lugares inesperados.

O poder da imaginação: uma jornada para dentro do universo infantil

Quando tudo parece perdido, Evan recebe um convite da filha para adentrar o seu mundo imaginário. É nesse momento que o filme realmente ganha vida e magia. O universo criado por Olivia é colorido, fantasioso e cheio de personagens cativantes — princesas que representam forças, emoções e dilemas do cotidiano infantil.

A partir dessa imersão, Evan começa a enxergar as situações profissionais e pessoais sob outro ângulo, descobrindo soluções criativas para os problemas que antes pareciam insolúveis. A fantasia, longe de ser um mero escapismo, torna-se uma ferramenta poderosa para a transformação real, tanto interna quanto externa.

Esse aspecto do filme ressoa profundamente com o público, principalmente porque valoriza a criatividade e a imaginação como elementos essenciais para o crescimento humano, seja na infância ou na vida adulta. É um convite para nunca perdermos a capacidade de sonhar e de olhar o mundo com olhos curiosos e abertos.

Eddie Murphy em um papel diferente, mas igualmente cativante

Eddie Murphy, conhecido mundialmente por suas performances cômicas e energéticas, surpreende ao assumir o papel de Evan Danielson com uma pegada mais sensível e humana. Sua atuação é marcada pela naturalidade e pela capacidade de transitar entre momentos de humor e emoção com equilíbrio.

Ao longo do filme, vemos Murphy explorar a fragilidade de um pai que, apesar das falhas e limitações, quer se reaproximar da filha e superar seus próprios desafios. Esse lado mais vulnerável do ator faz com que o público se conecte com a personagem de forma genuína, mostrando que a comédia pode andar lado a lado com histórias que tocam o coração.

Já a pequena Yara Shahidi, que interpreta Olivia, traz uma autenticidade rara para a tela. Sua interpretação da menina sonhadora e reservada é cheia de nuances, mostrando que as crianças também carregam complexidades emocionais profundas, mesmo quando as expressam através da imaginação e do silêncio.

Um elenco de apoio que enriquece a narrativa

Além dos protagonistas, o filme conta com um elenco que acrescenta camadas à história. Thomas Haden Church, no papel do antagonista Johnny Pena Branca, representa a pressão externa e a competitividade feroz do mundo corporativo. A antagonista não é um vilão tradicional, mas um rival que simboliza as dificuldades que Evan precisa superar.

Outros nomes de peso como Martin Sheen, Nicole Ari Parker e participações especiais de atletas como Allen Iverson e Carmelo Anthony aparecem para trazer um toque de realidade e leveza, fortalecendo o equilíbrio entre fantasia e cotidiano.

Essa diversidade de personagens contribui para que o enredo não se restrinja a uma simples história infantil, mas se abra para reflexões sobre relações interpessoais, desafios profissionais e a importância do apoio familiar.

Trilha sonora: a magia dos Beatles em cena

A trilha sonora de Imagine Só! merece destaque especial. Composta por Mark Mancina, que já havia trabalhado com o diretor em outras produções, a música acompanha o tom acolhedor e emocional do filme, com arranjos que misturam orquestra e sons leves.

Além disso, o filme apresenta versões de clássicos dos Beatles como “Here Comes the Sun”, “All You Need Is Love” e “Got to Get You Into My Life”. Essas músicas clássicas e cheias de significado reforçam a atmosfera de nostalgia, esperança e amor que permeia a história.

Para muitas gerações, os Beatles representam o encontro entre sonho e realidade, algo que o filme traduz com delicadeza em cada cena musical.

Produção e curiosidades

Gravado entre setembro e dezembro de 2007, com locações em Denver e Los Angeles, Imagine Só! é uma coprodução entre Estados Unidos e Alemanha, envolvendo grandes estúdios como Paramount Pictures e Nickelodeon Movies.

Originalmente lançado com o título Imagine That, o filme chegou ao Brasil com o nome Minha Filha é um Sonho, mas sua estreia nos cinemas foi cancelada, tendo sido lançado diretamente em vídeo com o título Imagine Só!.

Embora não tenha sido um sucesso comercial estrondoso — arrecadando cerca de 23 milhões de dólares mundialmente —, o longa conquistou seu público fiel e permanece até hoje como uma obra querida por quem valoriza histórias que emocionam e inspiram.

Além disso, foi o primeiro filme da Nickelodeon Movies a estrear no canal BET, marcando uma importante expansão do alcance da produtora.

Lições que ficam para a vida

Mais do que uma simples comédia familiar, o longna-metragem é um convite à reflexão sobre a importância da escuta, da empatia e do tempo compartilhado. Evan Danielson é, em muitos aspectos, o espelho dos pais modernos — pessoas que lutam para equilibrar as demandas profissionais com o desejo de estar presentes na vida dos filhos.

O filme mostra que, às vezes, a resposta para os problemas mais difíceis está em se permitir olhar o mundo através do olhar de uma criança — cheio de possibilidades, criatividade e esperança.

Essa mensagem, universal e atemporal, ganha uma força especial quando apresentada com humor e leveza, características que tornam a experiência de assistir ao filme prazerosa para todas as idades.

Onde posso assistir?

Além da exibição na TV Globo, você também pode assistir ao filme Imagine Só! em diversas plataformas digitais. Para quem é assinante, o longa está disponível no catálogo da Netflix, permitindo que você assista a qualquer momento com a comodidade do streaming. Se preferir, o filme também pode ser alugado no Prime Video, a partir de R$ 6,90, oferecendo flexibilidade para assistir quando quiser. Confira todas as opções de streaming e vídeo sob demanda (VOD) disponíveis para não perder essa divertida e emocionante história.

Crítica – No deserto da opressão, Quebrando Regras cultiva esperança e liberdade

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Poucos filmes contemporâneos traduzem com tanta precisão o entrelaçamento entre política, educação, gênero e tecnologia quanto Quebrando Regras. A obra dirigida por Bill Guttentag ultrapassa os limites de um drama inspirador para se tornar um documento ficcionalizado de resistência. É um longa que não apenas conta uma história real — a das Afghan Dreamers, equipe de meninas afegãs que ousou competir em um torneio internacional de robótica —, mas questiona o que estamos fazendo, como humanidade, com os sonhos dos mais vulneráveis.

Baseado em eventos reais, o filme se ancora em um paradoxo doloroso: enquanto uma equipe de adolescentes constrói robôs com criatividade, inteligência e paixão, sua própria sociedade insiste em desumanizá-las. Entre fios, sensores e circuitos, o espectador testemunha algo ainda mais urgente sendo costurado: a tentativa desesperada de se afirmar como sujeito em um mundo que nega até o direito de existir com dignidade.

Guttentag não escolhe o caminho fácil. Seu olhar é empático, mas jamais condescendente. A câmera observa mais do que dramatiza. Permite que a indignação nasça não da trilha sonora ou de grandes discursos, mas do cotidiano das protagonistas: um visto negado por “falta de documentação”, a censura do próprio pai, a patrulha do comportamento feminino por parte do Estado e da vizinhança. Cada barreira enfrentada revela mais sobre os mecanismos cruéis de opressão institucionalizada — e, ao mesmo tempo, sobre a força revolucionária da juventude.

O roteiro, coescrito por Jason Brown e Elaha Mahboob (irmã de Roya Mahboob, a fundadora da equipe original), acerta ao não romantizar a jornada. Não há triunfos fáceis, não há redenção completa. A vitória, aqui, não se mede por troféus, mas pela insistência em sonhar, mesmo quando o sonho pode custar tudo.

Visualmente, Quebrando Regras é discreto, quase austero. Mas é justamente essa contenção estética que permite que os sentimentos explodam com mais verdade. A emoção nasce nos detalhes: no olhar de uma mãe que hesita entre o medo e o orgulho; na tensão de uma entrevista de visto; na alegria clandestina de se conectar com o mundo, mesmo que por alguns dias, em solo estrangeiro.

O filme também levanta discussões mais amplas sobre como o Ocidente lida com histórias como essa. A mesma comunidade internacional que aplaude as conquistas das meninas muitas vezes é a que lhes vira as costas quando pedem asilo ou proteção. Quebrando Regras não permite o conforto de se emocionar e seguir em frente — ele cutuca, desafia, cobra.

Ao final, o que permanece é a noção de que a robótica, para essas meninas, não é apenas ciência. É linguagem. É resistência. É uma maneira de se projetar no futuro quando o presente tenta apagá-las. Em um mundo que frequentemente apaga vozes femininas, especialmente em regiões de conflito, o simples ato de construir um robô torna-se um gesto revolucionário.

Quebrando Regras é um filme necessário. Não porque traz uma mensagem bonita, mas porque nos obriga a encarar a realidade com olhos menos complacentes. E a entender que, às vezes, os maiores atos de coragem começam com um fio de cobre e uma faísca.

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