10DANCE | Dança e rivalidade se entrelaçam no filme BL japonês já disponível na Netflix

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Já disponível no catálogo da Netflix, 10DANCE chega como uma produção que ultrapassa rótulos e expectativas. Mais do que um simples romance BL, o filme japonês aposta na dança como linguagem emocional, usando o corpo, o movimento e o silêncio como ferramentas narrativas tão importantes quanto os diálogos. A obra adapta o mangá homônimo criado por Inouesatoh e entrega ao público uma história intensa sobre ambição, identidade, respeito e afeto que nasce de forma inesperada em meio à competição.

Dirigido por Keishi Otomo, cineasta conhecido internacionalmente pelos filmes live-action de Rurouni Kenshin, o longa mergulha no universo rigoroso da dança competitiva, revelando não apenas o brilho dos palcos, mas também a solidão, a pressão e os conflitos internos que acompanham quem vive da performance. A dança em 10DANCE não é apenas espetáculo visual, mas expressão emocional, confronto de egos e, sobretudo, um espaço de transformação pessoal.

A narrativa acompanha dois homens que dividem o mesmo nome, mas vivem em mundos artísticos distintos. Shinya Suzuki é o campeão absoluto da dança latino americana no Japão. Impulsivo, intenso e profundamente expressivo, ele dança movido pela paixão e pelo desejo de se afirmar constantemente. Seu estilo é marcado pela entrega total, pelo suor e pela emoção exposta em cada passo. Suzuki construiu sua carreira com muito esforço e carrega um orgulho que, muitas vezes, funciona como armadura diante das inseguranças.

Em contraste, Shinya Sugiki domina a dança de salão clássica e é reconhecido internacionalmente por sua técnica impecável, disciplina e elegância. Onde Suzuki é explosão, Sugiki é controle. Onde um se move pelo instinto, o outro responde à precisão. Apesar de atuarem em estilos completamente diferentes, os dois são frequentemente comparados por causa do nome em comum, algo que incomoda profundamente Suzuki, que sente sua identidade ser constantemente colocada em segundo plano.

O encontro definitivo entre eles acontece quando Sugiki faz uma proposta inesperada. Ele convida Suzuki para competir ao seu lado nas Dez Danças, um torneio extremamente exigente no qual os casais precisam apresentar cinco danças latinas e cinco danças clássicas. O desafio é claro desde o início: cada um deles domina apenas metade do repertório. Para competir de igual para igual, será necessário ensinar, aprender e, acima de tudo, confiar.

A ideia soa absurda para Suzuki em um primeiro momento. Dividir a pista com alguém que simboliza tudo o que o irrita parece impensável. No entanto, a segurança de Sugiki, misturada a uma provocação quase silenciosa, desperta algo poderoso em Suzuki: a ambição. Aceitar o desafio passa a ser uma questão de honra, de provar que é capaz de ir além do próprio território artístico. Assim, o acordo é selado.

O que começa como um desafio esportivo se transforma rapidamente em uma colaboração intensa. Os treinos são marcados por atritos, frustrações e choques de personalidade, mas também por descobertas importantes. Suzuki ensina a Sugiki a entrega emocional e a expressividade das danças latinas, enquanto aprende com ele o rigor técnico e o controle exigidos pelas danças clássicas. Cada ensaio funciona como um campo de batalha emocional, onde o orgulho é testado e os limites são constantemente empurrados.

É nesse convívio diário, entre corpos cansados, correções firmes e silêncios carregados de significado, que a relação entre os dois começa a mudar. A rivalidade dá espaço ao respeito. A irritação inicial se transforma em admiração genuína. A confiança surge de forma quase involuntária. A dança, que antes era apenas competição, passa a ser diálogo.

Um dos grandes méritos de 10DANCE está em compreender que, em uma história sobre dança, o corpo precisa falar tanto quanto as palavras. O filme constrói seu romance de maneira sutil, apostando em olhares prolongados, na respiração compartilhada após ensaios exaustivos, no toque necessário para ajustar um movimento e que, pouco a pouco, ganha outra dimensão emocional. O afeto não surge de forma abrupta, mas como consequência natural da convivência, do respeito mútuo e da vulnerabilidade compartilhada.

Quando Suzuki começa a perceber que seus sentimentos por Sugiki ultrapassam os limites da rivalidade e da amizade, o espectador já está completamente envolvido nessa jornada. O filme evita exageros melodramáticos e trata o romance com maturidade, permitindo que ele se desenvolva no tempo certo. Dentro do gênero BL, essa abordagem se destaca por fugir de estereótipos fáceis e por apostar em uma construção emocional mais profunda e realista.

As atuações são fundamentais para sustentar essa intensidade. Ryoma Takeuchi, conhecido por Roppongi Class e Black Pean, entrega um Suzuki impulsivo, orgulhoso e profundamente humano. Já Keita Machida, visto em Yu Yu Hakusho e Glass Heart, constrói um Sugiki contido, elegante e emocionalmente complexo. A química entre os dois é evidente, especialmente nas cenas de dança, onde os personagens se comunicam sem palavras e deixam transparecer tudo aquilo que ainda não conseguem dizer.

O mangá 10DANCE, publicado na revista Young Magazine da Kodansha, já era considerado uma obra inovadora dentro do BL ao explorar o universo da dança competitiva com rigor técnico e sensibilidade emocional. Não por acaso, conquistou o prêmio This BL is Amazing em 2019, consolidando-se como uma das histórias mais respeitadas do gênero. A adaptação cinematográfica honra esse legado, traduzindo para a linguagem audiovisual a mesma intensidade e cuidado narrativo.

Rental Family | Novo pôster destaca Brendan Fraser e elenco internacional em comédia dramática

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Foto: Reprodução/ Internet

O novo pôster oficial de Rental Family foi divulgado nesta quarta-feira, 3 de setembro, e se destaca pelo clima intimista. Na imagem, Brendan Fraser aparece sentado em um banco dentro de um vagão de metrô em Tóquio, rodeado por outros personagens que compartilham o mesmo espaço, como se formassem uma família improvisada. Não há abraços nem gestos de afeto — apenas expressões contidas, cada uma carregando uma história silenciosa. Essa composição simples, mas carregada de significado, antecipa o coração do longa: a busca por pertencimento e conexão em um mundo cada vez mais solitário.

No filme, Fraser interpreta um ator americano decadente que, vivendo em Tóquio, acaba encontrando trabalho em um serviço real e curioso: o de “familiar de aluguel”. Nele, pessoas podem contratar atores para desempenhar papéis de parentes — pai, irmão, marido — e assim preencher temporariamente o vazio da solidão. O pôster, portanto, não apenas apresenta os personagens, mas também traduz em uma só imagem a essência dessa trama que mistura comédia dramática, melancolia e descobertas inesperadas.

Embora Brendan Fraser seja o rosto principal do pôster e o grande nome da produção, o elenco ao seu lado tem papel fundamental para dar vida à história. Cada personagem traz consigo uma forma de lidar com a ausência de vínculos reais, e o time de atores foi escolhido a dedo para representar essas diferentes perspectivas.

Depois de conquistar o Oscar com A Baleia (2022), Brendan retorna ao cinema em uma fase marcante da carreira. Em Rental Family, ele interpreta um ator estrangeiro que não encontra mais espaço em Hollywood e acaba em Tóquio, aceitando trabalhos improváveis para sobreviver. Seu personagem mistura fracasso, humor e ternura, e o pôster já antecipa essa atmosfera: um homem deslocado, cercado por pessoas que não conhece, mas que precisa fingir amar como se fossem de sua própria família. Fraser promete entregar uma performance intimista, em que a solidão se mistura com a redescoberta do afeto.

Conhecido internacionalmente por trabalhos como Giri/Haji (2019) e Snake Eyes (2021), Takehiro Hira interpreta um cliente que contrata o serviço de familiares de aluguel para simular uma vida que ele não tem. No pôster, sua presença é discreta, mas sua expressão sugere alguém que esconde mais do que mostra. Seu papel promete explorar o peso das aparências e a pressão social que muitos japoneses enfrentam para manter uma “família ideal” diante dos outros.

A atriz japonesa, que participou de Pachinko (2022) e da série Monarch: Legacy of Monsters (2023), vive uma mulher que recorre a Fraser para representar laços que perdeu ao longo da vida. Yamamoto é reconhecida por sua capacidade de transmitir vulnerabilidade com olhar e silêncio, e aqui terá a chance de aprofundar um drama humano que conversa diretamente com o tema central do filme: a dificuldade de lidar com a ausência. No pôster, sua postura fechada ao lado dos outros já dá sinais de sua solidão.

Com uma carreira em ascensão, Shannon Mahina Gorman representa o elo mais jovem da trama. Sua personagem recorre ao serviço de aluguel para encontrar um apoio emocional que não encontra em casa. A presença dela no pôster reforça a ideia de que a solidão não atinge apenas adultos pressionados pelo trabalho ou pelas convenções sociais, mas também jovens que, mesmo cercados de gente, não conseguem construir conexões verdadeiras.

Veterano do cinema japonês, Akira Emoto é um dos grandes destaques do elenco. Conhecido por filmes como Dr. Akagi (1998) e Warm Water Under a Red Bridge (2001), ele interpreta um homem idoso que se relaciona com os familiares de aluguel de uma maneira quase afetuosa, como se quisesse reconstruir laços que se perderam ao longo da vida. Sua presença no pôster traz peso emocional e também simboliza uma geração que cresceu em meio à tradição, mas hoje encara a solidão como uma sombra inevitável.

Quando o filme chega aos cinemas?

Rental Family ainda não tem uma data oficial de estreia confirmada. A previsão é que o longa chegue aos cinemas apenas em 2026, após percorrer o circuito de festivais e ganhar força na temporada de premiações. Essa espera prolongada aumenta a expectativa do público, especialmente porque o projeto marca o reencontro de Brendan Fraser com papéis de forte carga emocional.


Resumo da novela A Caverna Encantada de quarta, 14/05 (SBT)

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Foto: Divulgação/ SBT

Capítulo 205 – Quarta-feira, 14 de maio de 2025 – O mistério volta a rondar a cidade com a chegada inesperada de Helga, uma mulher envolta em segredos e cuja aparência enigmática desperta calafrios. Com um olhar firme e um jeito marcante, ela surpreende ao anunciar: veio ao Brasil para ficar. O anúncio não passa despercebido — principalmente porque Helga é extremamente parecida com Wanda, o que deixa Fafá e Pilar intrigadas e desconfiadas. Seria apenas coincidência ou há algo mais por trás dessa semelhança?

Enquanto isso, a trama dá mais um passo rumo à verdade sobre César. O misterioso Sandro do Dindin finalmente entra em contato com Lavínia. De forma direta, ele afirma que tem informações importantes sobre o paradeiro de César — mas para obtê-las, o grupo precisará se encontrar com ele pessoalmente, o que acende um alerta e gera tensão entre os amigos.

No meio disso tudo, o coração de Goma bate mais forte. Apaixonado por Helga, ele confessa a Thomas que pretende se casar com ela, sem imaginar o turbilhão de enigmas que ainda envolvem a recém-chegada.

Para tentar deixá-la mais à vontade, Fafá, Gabriel e Pilar decidem mostrar a cidade a Helga e a levam até a casa de Shirley e Wanda. No entanto, o que parecia ser uma visita tranquila se transforma em um momento perturbador: no instante em que Wanda abre a porta, Helga desaparece misteriosamente, deixando todos perplexos.

Em breve em A Caverna Encantada: Revelações emocionantes e feridas do passado

No colégio, o clima é de confissão e emoção. Dalete procura Thomas e, aflita, desabafa: está com medo de perder Moisés, o menino que tanto ama. Com lágrimas nos olhos, ela mostra a ele uma antiga roupinha — a mesma que Moisés usava quando foi encontrado ainda bebê, numa cesta. Para a surpresa de ambos, Thomas revela que possui uma foto sua de infância usando exatamente a mesma roupa.

Diante do mistério que os une, e com a presença de Tonico, Dalete decide que chegou a hora de contar a verdade: Moisés é irmão de Thomas. A revelação abala profundamente o garoto, que não consegue lidar com o impacto e foge, inconformado.

Enquanto isso, do outro lado da cidade, Elisa faz um alerta doloroso a Lavínia. Ao observar as atitudes frias e manipuladoras da amiga, ela dispara: se continuar trilhando esse caminho, Lavínia pode acabar se transformando em alguém tão amarga quanto Norma.

No “Companhia Certa” desta segunda (21/07), Fábio Porchat revela histórias inéditas e fala sobre carreira e humor

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Ronnie Von e Fábio Porchat (Foto: Divulgação RedeTV!)

Na noite desta segunda-feira, 21 de julho de 2025, às 0h, o público terá um encontro especial com um dos maiores nomes da comédia brasileira da atualidade. Fábio Porchat — ator, humorista, roteirista, diretor e apresentador — será o convidado do programa Companhia Certa, comandado por Ronnie Von. Essa participação reforça a relação de admiração e respeito que existe entre os dois, especialmente depois que Porchat conduziu com maestria o programa no último sábado, 11, em uma edição comemorativa dos 81 anos do veterano apresentador.

Em um bate-papo leve, divertido e, ao mesmo tempo, repleto de momentos de reflexão, Porchat revisitará memórias, falará sobre seu processo criativo e dividirá histórias pessoais, como sua profunda amizade com o saudoso Paulo Gustavo. Além disso, ele abordará temas importantes, como o papel do humor na sociedade, a responsabilidade do artista e os desafios de construir uma carreira sólida em um meio tão dinâmico quanto a comédia brasileira contemporânea.

Carisma e inteligência: um encontro de gerações no sofá do Companhia Certa

Desde que estreou na televisão brasileira, Fábio Porchat chama atenção não apenas pelo talento, mas também pelo carisma natural que lhe permite se conectar com públicos dos mais variados. No Companhia Certa, programa de Ronnie Von conhecido pelo tom intimista e pela qualidade das entrevistas, ele terá a chance de mostrar uma faceta mais pessoal e reflexiva.

É também um momento de celebração, já que Ronnie Von recentemente completou 81 anos, e foi justamente Fábio quem comandou a edição especial — um gesto simbólico que representa a passagem do bastão entre gerações. Agora, no papel de convidado, Porchat poderá revelar histórias inéditas e visões de mundo que o tornam único.

O processo criativo por trás do sucesso

Uma das características mais marcantes de Fábio Porchat é sua versatilidade. Com uma carreira que transita entre teatro, televisão, cinema, internet e stand-up, ele é um artista completo que entende profundamente as várias nuances do humor. Em seu programa no GNT, Que História É Essa, Porchat?, essa essência fica clara.

“Pensei: ‘O que eu sei fazer? Sei bater papo, improvisar, consigo melhorar as histórias das pessoas e ainda sou engraçado […] E se eu fizesse o programa só com o ‘filé mignon’ dos talk shows?”, conta Porchat durante a entrevista. Essa ideia de criar um formato dinâmico, centrado na sua personalidade e estilo, mostra a confiança que ele tem no seu trabalho e o desejo constante de inovar.

Porchat também destaca que seu programa foi pensado para que “o programa corra atrás de mim e não o contrário”. Essa inversão traz uma nova dinâmica para o talk show, colocando o apresentador no centro, mas sempre deixando espaço para a conversa e o improviso natural.

A amizade com Paulo Gustavo: parceria, aprendizado e saudade

Um dos momentos mais emocionantes da conversa é quando Porchat fala sobre Paulo Gustavo, grande amigo e parceiro de cena, que nos deixou precocemente em 2021. Os dois se conheceram na escola de teatro no Rio de Janeiro e, desde então, criaram uma conexão artística e pessoal muito forte.

“Éramos uma dupla em Infraestruturas. Eu escrevia os textos e corria para ele ler comigo, porque ele era brilhante, muito engraçado, então ele me falava: ‘Hum, isso aqui não tá funcionando’. Eu ia para casa, mexia. Esses textos não foram escritos pelo Paulo, mas, evidentemente, têm o DNA dele em todos eles e em mim também, lógico”, relembra Porchat.

Essa troca constante de críticas, ideias e sugestões ajudou a moldar grande parte do humor brasileiro dos anos 2000, especialmente um estilo que mistura sátira social com linguagem coloquial e humor ácido. Paulo Gustavo e Fábio Porchat representam uma geração que quebrou barreiras e levou a comédia nacional a novos patamares.

Porta dos Fundos: a revolução do humor na internet

Fábio Porchat é também um dos sócios-fundadores da produtora Porta dos Fundos, fenômeno que transformou o cenário da comédia no Brasil. Fundada em 2012, junto a Antonio Tabet, Gregório Duvivier, João Vicente de Castro e Ian SBF, a produtora conquistou milhões de fãs ao levar esquetes humorísticos ao YouTube, com roteiros inteligentes e críticas afiadas à sociedade.

“Tem que fazer rir, esse é o ponto de partida. Mas o humor também pode lançar luz sobre certos assuntos e, às vezes, jogar sombra. O humor está aí para provocar reflexão”, afirma Porchat, ressaltando o papel social da comédia. O canal rapidamente se tornou um dos mais influentes da internet brasileira, usando sua plataforma para questionar preconceitos, política, cultura e a vida cotidiana com irreverência.

Nem sempre as reações foram positivas: algumas esquetes geraram polêmica, e Porchat chegou a receber ameaças por vídeos que criticavam instituições como a polícia. Ainda assim, ele mantém firme a visão de que o humor é uma ferramenta poderosa para provocar mudanças e abrir debates.

Trajetória e formação: de um jovem ousado a referência nacional

Fábio Porchat nasceu no Rio de Janeiro, em 1º de julho de 1983, filho de Fábio Ferrari Porchat de Assis, político e roteirista. Passou parte da infância em São Paulo e, desde jovem, mostrou talento especial para comunicação e arte. Em 2002, participou do programa do Jô Soares com uma esquete aplaudida de pé, que abriu portas para sua carreira.

Com formação em Artes Cênicas pela Casa de Arte das Laranjeiras (CAL), no Rio, Porchat construiu seu caminho com peças teatrais de sucesso e participações em programas como Zorra Total e Esquenta. Em 2005, estreou no teatro com Infraestruturas, ao lado de Paulo Gustavo, sob direção de Malu Valle — espetáculo que marcou o início de sua trajetória brilhante.

No cinema, participou de filmes como Vai que Dá Certo, Meu Passado Me Condena e dublou o personagem Olaf na versão brasileira de Frozen. Sua versatilidade o levou também para a TV paga, com programas como Papo de Segunda no GNT, além de apresentar talk shows na Record.

Humor com propósito: reflexões e responsabilidades

Para Porchat, o humor vai muito além do entretenimento; é uma forma de diálogo, protesto e até terapia coletiva. Em tempos difíceis, ele acredita que a comédia tem o poder de aproximar as pessoas e trazer à tona temas delicados.

“Rir é um ato político. Quando a gente ri de algo, está assumindo uma posição, dizendo que não aceita certas coisas. Isso pode incomodar, mas também abrir portas para o diálogo”, explica. Essa postura mostra a maturidade de quem já enfrentou altos e baixos, críticas, e soube usar sua visibilidade para falar de temas importantes.

Episódios inéditos e momentos de descontração

No Companhia Certa, Porchat promete revelar histórias nunca antes contadas, mostrando seu lado mais humano e espontâneo. Conhecido por valorizar a autenticidade, ele não tem medo de rir de si mesmo ou de tratar assuntos delicados com leveza.

A edição traz também momentos de humor afiado, fruto da química entre Porchat e Ronnie Von, que juntos criam um ambiente de conversa natural e agradável — quase como um encontro entre amigos.

O futuro de Fábio Porchat: sempre em busca de inovação

Com a carreira consolidada, Porchat segue explorando novas frentes. Seu programa no GNT se mantém relevante, ele continua à frente do Porta dos Fundos e desenvolve projetos em cinema, teatro e televisão.

GOAT – Universal Pictures libera primeiro trailer do thriller psicológico produzido por Jordan Peele

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(from left) Isaiah White (Marlon Wayans) and Cameron Cade (Tyriq Withers) in HIM, directed by Justin Tipping.

A Universal Pictures acaba de divulgar o primeiro trailer de GOAT (HIM), um dos filmes mais aguardados para quem ama suspense psicológico e histórias de terror que vão além do óbvio. Produzido pelo visionário Jordan Peele — responsável por redefinir o terror moderno com obras como Corra!, Nós e Não! Não Olhe! — o longa chega aos cinemas brasileiros no dia 18 de setembro e promete deixar o público sem fôlego.

🌟 Um mergulho no lado sombrio da fama

Dirigido por Justin Tipping, GOAT (HIM) é mais do que um simples filme de terror. Ele propõe uma reflexão intensa sobre a obsessão pela perfeição, a cultura da idolatria e a tênue linha que separa admiração e destruição.

O enredo acompanha Cameron Cade (interpretado por Tyriq Withers), um jovem quarterback cuja vida inteira foi moldada em torno do futebol americano. Às vésperas do Combine — o evento que determina o futuro de jovens atletas no profissional —, Cam é atacado por um fã perturbado e sofre um grave trauma cerebral 🧠, colocando em risco toda a sua carreira.

É nesse momento crítico que surge Isaiah White (vivido por Marlon Wayans), uma lenda viva do esporte e ídolo máximo de Cameron. Isaiah oferece ao jovem uma oportunidade única: treiná-lo pessoalmente em seu luxuoso e misterioso ginásio isolado. O que parecia ser a salvação, no entanto, logo revela camadas muito mais sombrias.

⚡ Da inspiração ao pesadelo

À medida que o treinamento se intensifica, Cameron começa a perceber que seu mentor não é exatamente o herói que ele imaginava. Preso em uma atmosfera sufocante, onde a pressão, a manipulação e o terror psicológico se tornam cada vez mais palpáveis, o jovem atleta entra em uma espiral de paranoia e dúvida.

A transformação de Isaiah — do ídolo carismático ao manipulador inquietante — é o coração pulsante do filme. A trama explora como a busca pelo status de “GOAT” (Greatest Of All Time) pode se tornar um caminho solitário, perigoso e, muitas vezes, autodestrutivo.

🎥 A assinatura Jordan Peele: terror com crítica social

Produzido por Jordan Peele através de sua Monkeypaw Productions, GOAT (HIM) carrega a marca registrada do cineasta: usar o terror como ferramenta para discutir problemas sociais. Assim como em Corra! e Nós, aqui o medo é tão psicológico quanto cultural.

A direção de Justin Tipping promete visuais intensos e uma atmosfera carregada de tensão, onde nada é o que parece. O trailer já adianta imagens hipnotizantes, claustrofóbicas e uma trilha sonora inquietante que deve deixar o espectador à beira da poltrona 🎞️.

📅 Data de estreia

GOAT (HIM) estreia nos cinemas do Brasil em 18 de setembro, com cópias em versões acessíveis, garantindo a inclusão de pessoas com deficiência auditiva e visual.

ALMA Festival terá transmissão inédita ao vivo pelo Multishow e Globoplay direto do Rio de Janeiro

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Foto: Reprodução/ Internet

Pela primeira vez desde sua criação, o ALMA Festival — um dos principais encontros da cultura urbana no Brasil — será transmitido ao vivo para todo o país. A cobertura inédita acontece no dia 19 de julho, a partir das 18h, com exibição simultânea no Multishow e no Globoplay, direto do Riocentro, no Rio de Janeiro. O público poderá acompanhar mais de oito horas ininterruptas de programação, em uma jornada que une música, games, performance e atitude.

Um palco para as vozes das ruas

Com três palcos ativos simultaneamente, o ALMA Festival 2025 chega à sua edição mais grandiosa e diversa, refletindo a pluralidade da cultura urbana brasileira. O line-up reúne nomes de peso do rap, trap e funk, gêneros que há décadas vêm transformando as narrativas das periferias em potência criativa.

Entre os artistas confirmados na transmissão estão BK, ConeCrew Diretoria, Duquesa, L7nnon, MC Cabelinho, MC Tuto e Veigh — nomes que, além de acumularem milhões de ouvintes nas plataformas digitais, traduzem em suas obras temas como resistência, identidade e representatividade.

“O ALMA sempre teve esse compromisso: não ser apenas um festival de música, mas um espaço onde as histórias das ruas ganham visibilidade. Neste ano, com a transmissão nacional, essa missão se amplia ainda mais”, afirma Lucas Albertim, fundador da 4Fly, produtora responsável pelo evento.

Uma transmissão que marca um novo capítulo

A parceria com os canais do Grupo Globo marca uma virada histórica. Pela primeira vez, o ALMA chega a uma audiência nacional, em uma exibição multiplataforma que amplia sua presença e influência.

“É uma vitória imensa para a cultura urbana”, celebra Albertim. “Estamos levando para as casas de milhões de brasileiros a energia que vem da favela, da juventude preta, dos coletivos que batalham diariamente por espaço. Isso representa um reconhecimento inédito e necessário.”

A iniciativa reforça o papel estratégico da música urbana nas programações do Multishow e do Globoplay, que vêm investindo cada vez mais em conteúdos que refletem a diversidade artística brasileira.

ALMA é mais que música: é atitude

Desde a sua criação, o ALMA Festival se propõe como uma experiência multidisciplinar, reunindo Arte, Esporte, Música e Atitude — uma sigla que define sua essência. Em 2025, essa proposta ganha nova força com o torneio “Controle de Ouro do ALMA”, realizado em parceria com a Player1, plataforma de eSports da Globo.

O desafio gamer será disputado nos bastidores do festival, mas fará parte da transmissão ao vivo. A competição será liderada pelos artistas L7nnon e Papatinho, que comandam equipes compostas por nomes da música e do cenário gamer nacional. A ação reflete o espírito transversal do festival, que conecta música, juventude e novas linguagens digitais.

“O ALMA representa essa nova geração que consome e produz cultura de formas múltiplas. Música e game são duas potências da periferia, e ver isso tudo junto em um festival como esse é revolucionário”, diz Gabriela Antunes, curadora cultural do evento.

Um festival que pulsa com o Brasil

Mais do que um espetáculo, o ALMA Festival 2025 promete ser um acontecimento cultural, com impacto dentro e fora dos palcos. Ao reunir artistas consagrados e novas vozes, ao abraçar as batalhas de rima e os torneios de eSports, ao ser transmitido para todo o país por dois dos maiores canais de mídia do Brasil, o festival reforça seu papel como plataforma de visibilidade, conexão e transformação.

Izabella Camargo participa do programa Companhia Certa deste sábado (12)

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Foto: Reprodução/ Internet

Na madrugada deste sábado (12) para domingo (13), às 0h30, a RedeTV! exibe uma conversa íntima e inspiradora no Companhia Certa. Ronnie Von recebe Izabella Camargo, jornalista admirada pelo público e hoje uma referência quando o assunto é saúde mental e equilíbrio emocional. Longe dos telejornais desde 2018, ela fala com franqueza sobre sua transformação após um episódio de burnout — e sobre como a pausa forçada virou uma nova missão de vida.

“Fui escolhida por aquilo que vivi”

Com a serenidade de quem atravessou o caos e voltou com novas ferramentas, Izabella conta como o burnout que a afastou da televisão acabou se tornando um ponto de virada. “Fui escolhida em uma situação que vivi para levar essa pauta adiante”, diz, referindo-se à defesa da saúde mental nos ambientes de trabalho. Hoje, ela atua como consultora e produz o podcast Interioriza, onde fala sobre bem-estar, propósito e reconstrução.

Mesmo após ter sofrido um “apagão” ao vivo durante a previsão do tempo — cena que rodou o país —, Izabella optou por não se prender à dor. “Poderia ter ficado muito mal, mas consegui ressignificar”, afirma, com a convicção de quem transformou vulnerabilidade em força.

Entre microfones e fraldas: o despertar da maternidade

Outro capítulo marcante da entrevista é a maternidade. Mãe de Angelina, de 4 anos, e grávida de Antônio, Izabella compartilha que o desejo de ter filhos só surgiu depois da reconexão consigo mesma. “Nunca imaginei que seria mãe. No ritmo do hard news, não cabia um filho na minha vida. Mas depois que cuidei da minha saúde e experimentei o amor próprio… gerei o amor.”

A chegada de Antônio está prevista para o dia 17 de julho — data que, curiosamente, é também o aniversário de Ronnie Von. “É a previsão máxima… e é muito simbólico estar aqui com você hoje. Estou feliz com essa coincidência”, conta ela, em tom leve e afetuoso.

Um pé no agora e outro no futuro

Apesar do afastamento da TV aberta, Izabella não descarta um retorno. E se depender dela, o reencontro com as câmeras pode vir com um novo propósito: “Nunca quis sair. Se eu pudesse levar essa comunicação sobre saúde para a TV aberta, alcançaria pessoas que não estão na internet.”

A fala reforça que a comunicação continua sendo sua essência — só mudou a pauta. Hoje, ela prefere os silêncios entre as frases, a pausa consciente, o tempo do corpo. E é justamente essa mudança de ritmo que torna sua trajetória tão atual.

Extermínio: A Evolução chega às plataformas digitais — terror pós-apocalíptico disponível para aluguel e compra

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Quase três décadas após o lançamento de Extermínio (2002), o mundo volta a mergulhar no pesadelo viral com Extermínio: A Evolução, terceiro capítulo de uma das sagas mais influentes do cinema de terror moderno. Estrelado por Aaron Taylor-Johnson, Jodie Comer e Ralph Fiennes, e dirigido por Danny Boyle, o longa já está disponível para aluguel e compra nas principais plataformas digitais do Brasil, oferecendo uma nova e inquietante perspectiva sobre o colapso da civilização.

O terceiro capítulo da aclamada franquia que revolucionou o gênero zumbi com uma abordagem realista e intensa — o longa pode ser encontrado nas lojas virtuais Apple TV (iTunes), Amazon Prime Video, Claro TV+, Google Play e Microsoft Films & TV (Xbox) pelo valor sugerido de R$ 29,90. Após a compra, o título fica disponível de forma permanente na conta do usuário, podendo ser assistido quantas vezes quiser; no caso do aluguel, o espectador pode ver o filme várias vezes dentro do período estipulado pela plataforma escolhida.

O filme, originalmente batizado de 28 Years Later, representa um marco não apenas para a franquia iniciada em 2002, mas também para o gênero de zumbis como um todo. Em um tempo em que as narrativas apocalípticas se multiplicam, “Extermínio: A Evolução” surpreende ao mesclar espetáculo e intimidade, violência e contemplação, medo coletivo e drama humano.

Se o primeiro filme revolucionou o terror ao introduzir infectados ágeis e uma estética documental angustiante, e sua sequência — Extermínio 2 — levou a saga a um tom mais militarizado, agora Danny Boyle e Alex Garland propõem um novo tipo de narrativa: menos sobre o colapso inicial e mais sobre o que vem depois. O vírus da raiva não é mais um surto emergente — é uma realidade crônica, que moldou uma geração inteira.

Um mundo isolado, uma ponte para o horror

A história se passa em uma ilha fortificada ao norte da Inglaterra, onde uma comunidade de sobreviventes vive há anos em relativo equilíbrio. Essa bolha de segurança, no entanto, é rompida quando um grupo decide cruzar a ponte que os separa do continente — agora um território inóspito, dominado por infectados ainda mais agressivos, facções humanas violentas e uma natureza que retomou seu espaço com fúria.

A ponte, enquanto elemento narrativo, funciona como símbolo de transição, separando não apenas dois territórios físicos, mas também dois estados mentais: o da ilusão de ordem e o do caos absoluto. A metáfora é potente e recorrente ao longo do filme, reforçando a noção de que, após tanto tempo, não há retorno possível à antiga ideia de civilização.

Personagens entre o instinto e a empatia

O elenco é liderado com brilho por Jodie Comer, que interpreta Isla, uma líder comunitária determinada a proteger sua gente a qualquer custo. Isla não é uma heroína convencional — é falha, mas profundamente humana. Aaron Taylor-Johnson, como Jamie, encarna a inquietação da juventude que cresceu em um mundo fragmentado e busca algo mais além dos muros da ilha. Já Ralph Fiennes, no papel do ambíguo Dr. Kelson, traz uma dose de mistério e tensão moral à trama, lembrando que mesmo os gestos científicos mais nobres podem esconder motivações obscuras.

Esses personagens não enfrentam apenas monstros — enfrentam dilemas sobre autoridade, sacrifício, fé, e o custo da sobrevivência a longo prazo. As atuações são contidas e intensas, refletindo o peso de uma existência onde o passado virou mito e o futuro, uma ameaça.

Estética radical: o apocalipse através das lentes do cotidiano

Uma das decisões mais ousadas de Danny Boyle foi a adoção de iPhones 15 Pro Max para registrar grande parte das cenas de ação. Com mais de 20 aparelhos filmando simultaneamente em algumas sequências, o cineasta resgata a estética crua e quase documental do original, mas com tecnologia de ponta.

O resultado são imagens com textura orgânica, movimentos rápidos e composições que colocam o espectador no centro da confusão. É uma estética que conversa com o mundo atual, onde tragédias são registradas em tempo real, muitas vezes por testemunhas amadoras. O apocalipse, aqui, é íntimo, próximo e registrável — como se o horror pudesse ser transmitido ao vivo de qualquer esquina.

Obstáculos e renascimentos: a saga por trás das câmeras

A existência de Extermínio: A Evolução é quase um milagre. Desde 2007, fãs especulavam sobre uma possível continuação, mas o projeto enfrentou bloqueios criativos e jurídicos. A ideia original era lançar 28 Months Later, mas desentendimentos com estúdios e a dispersão dos criadores adiaram tudo por anos.

Foi somente quando Garland reapresentou a proposta como um renascimento completo da franquia — com nova trilogia e novos protagonistas — que o projeto deslanchou. Boyle afirmou, em entrevistas, que o tempo decorrido entre os filmes foi crucial para amadurecer o enredo e permitir que o mundo real influenciasse diretamente a história contada.

O que vem por aí?

Segundo o próprio Danny Boyle, o novo longa é apenas o começo. O filme já foi planejado como o primeiro capítulo de uma nova trilogia. Os próximos títulos, provisoriamente chamados de “28 Years Later: Part II” e “Part III”, terão Cillian Murphy de volta como ator e produtor executivo, além de ampliarem o escopo geográfico da história.

As filmagens devem ocorrer em locações na América do Sul e na Ásia, ampliando o olhar da franquia sobre os diferentes impactos culturais e políticos da epidemia. Garland prometeu que a segunda parte será ainda mais radical, com foco em temas como inteligência artificial, biotecnologia e coletivos autônomos de sobreviventes.

“A Profissional” leva ação implacável ao Cine Maior deste domingo (20/07), na tela da Record TV

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Foto: Reprodução/ Internet

Neste domingo, 20 de julho de 2025, os espectadores da Record TV terão um encontro marcado com a tensão, a adrenalina e a vingança no ar. O “Cine Maior” exibe o eletrizante A Profissional (The Protégé), filme dirigido por Martin Campbell (007 – Cassino Royale) e estrelado por um trio de peso: Maggie Q, Samuel L. Jackson e Michael Keaton. Com uma trama que mistura ação afiada, drama pessoal e jogos mentais, o longa mergulha fundo no universo dos assassinos profissionais e da busca por justiça pessoal.

Mas A Profissional é mais do que apenas balas cruzando o ar: é também uma história sobre vínculos improváveis, traumas de infância, sobrevivência e o preço de viver à margem da humanidade. O filme, lançado originalmente em 2021, conquistou fãs do gênero e agora ganha uma nova chance de impactar o público brasileiro em rede nacional, ao alcance do controle remoto.

Anna: a assassina que aprendeu a viver nas sombras

De acordo com a sinopse do AdoroCinema, no centro da narrativa está Anna (Maggie Q), uma matadora de aluguel fria, inteligente e letal, que foi resgatada ainda criança no Vietnã pelo lendário assassino Moody (Samuel L. Jackson). Moody não apenas salvou sua vida — ele moldou seu destino, tornando-se seu mentor e a única figura paterna que ela conheceu. A relação entre os dois, embora permeada por uma rotina de violência, é de profunda cumplicidade e afeto. Eles compartilham segredos, memórias e um modo de viver à margem, onde a confiança é uma moeda rara.

Quando Moody é brutalmente assassinado, Anna vê seu mundo ruir. A dor da perda se transforma em fúria e determinação. Ela parte então em uma jornada de vingança que a coloca no caminho de Michael Rembrandt (Michael Keaton), um enigmático e perigoso homem de negócios que guarda mais segredos do que aparenta. Entre os dois nasce uma estranha conexão — um jogo de sedução e ameaça, de igual para igual, que desafia suas convicções e os empurra para uma espiral cada vez mais perigosa.

A mente por trás da câmera: Martin Campbell

Martin Campbell é um nome conhecido entre os amantes da ação. Neozelandês de nascimento e britânico por formação, Campbell foi o responsável por revitalizar a franquia James Bond em duas ocasiões: com GoldenEye (1995) e Cassino Royale (2006). Sua assinatura está nos enquadramentos elegantes, nas coreografias de luta realistas e na construção de heróis que sangram, falham e se reinventam.

Em A Profissional, Campbell abandona o glamour dos espiões e mergulha em um submundo sujo, onde a moral é cinzenta e a violência tem um peso emocional. O diretor opta por cenas de ação menos estilizadas e mais cruas, dando ao filme uma atmosfera mais sombria, quase melancólica. Não é à toa: em seu cerne, o longa fala sobre orfandade, luto e identidades forjadas sob extrema violência.

Protagonismo feminino em um gênero masculino

Maggie Q, nascida Margaret Denise Quigley, é uma atriz que tem no currículo papéis marcantes em produções como Missão: Impossível 3, Divergente e na série Nikita. Em A Profissional, ela entrega sua performance mais complexa até então, equilibrando a frieza letal de uma assassina com momentos de fragilidade emocional intensos. Anna não é uma heroína no sentido clássico — ela é uma sobrevivente. E Maggie Q domina cada nuance dessa condição, seja nas lutas corpo a corpo meticulosamente coreografadas ou nos silêncios onde o olhar diz mais do que qualquer linha de diálogo.

O protagonismo feminino em filmes de ação ainda é um terreno em disputa. Embora nomes como Charlize Theron (Atômica), Uma Thurman (Kill Bill) e Angelina Jolie (Salt) tenham consolidado personagens memoráveis, o espaço ainda é dominado por homens. Anna se junta a esse seleto grupo com mérito e personalidade própria, sem apelar para estereótipos nem romantizações.

Samuel L. Jackson: o mentor que se tornou lenda

Figura onipresente no cinema americano das últimas décadas, Samuel L. Jackson interpreta Moody com seu já conhecido carisma — mas também com uma inesperada ternura. Moody é duro, sim, mas vê em Anna algo que ele mesmo perdeu: uma chance de redenção, de deixar um legado que não seja apenas morte. Sua morte prematura na trama é o catalisador de toda a jornada de Anna, mas sua presença paira sobre o filme inteiro. É como se ele fosse o fantasma que orienta seus passos — ou que cobra sua promessa.

Michael Keaton: vilão ou vítima?

Michael Keaton entrega uma de suas performances mais ambíguas como Rembrandt, um antagonista que nunca é completamente definido como vilão. Ele é tão letal quanto Anna, mas também fascinantemente eloquente, inteligente e… sedutor. A química entre os dois personagens é estranha, tensa e carregada de subtexto. Em vários momentos, o espectador é levado a se perguntar: eles se desejam? Se odeiam? Se entendem? Ou tudo isso ao mesmo tempo?

Essa complexidade é mérito do roteiro de Richard Wenk (O Protetor, Os Mercenários 2), que foge do maniqueísmo e constrói diálogos carregados de ironia, cinismo e dilemas morais. Rembrandt não é um simples vilão de filme de ação — ele é um espelho de Anna, um “e se” de sua própria trajetória.

Bastidores e filmagens: de Bucareste ao Vietnã

As filmagens de A Profissional começaram em janeiro de 2020 e percorreram locações em Bucareste, Londres e Da Nang, no Vietnã. O cenário internacional reforça o caráter global da trama, com suas tramas de conspiração e operações secretas. A direção de fotografia aposta em tons escuros, ambientes urbanos sufocantes e cenários minimalistas, dando ao filme uma estética noir moderna.

Durante a produção, o filme passou por mudanças de título: inicialmente chamado Ana, depois The Asset, até ser lançado como The Protégé. Essas mudanças refletem as diferentes camadas da narrativa, que é tanto uma história de vingança quanto de identidade.

Recepção crítica: entre elogios e ressalvas

Na época de seu lançamento, The Protégé recebeu críticas mistas. Enquanto parte da imprensa especializada elogiou a performance de Maggie Q e a direção eficiente de Campbell, outros apontaram que a trama não traz grandes inovações ao gênero. Ainda assim, o filme conquistou um público fiel — especialmente entre os amantes de thrillers com protagonistas femininas fortes.

O consenso entre os críticos foi que o filme é competente, bem dirigido, com cenas de ação sólidas e atuações acima da média. Seu desempenho modesto nas bilheteiras (US$ 8 milhões arrecadados) pode ser atribuído à concorrência acirrada na época e ao cenário ainda afetado pela pandemia.

Impacto e legado: um novo clássico cult?

Desde então, A Profissional tem sido redescoberto por meio das plataformas de streaming como Telecine, Paramount+ e Prime Video. Sua exibição pela Record TV marca uma nova fase de popularização do filme no Brasil — especialmente entre os espectadores que buscam filmes de ação mais densos e bem construídos.

O longa também entrou na pauta de discussões sobre representatividade asiática em Hollywood, já que Maggie Q é uma das poucas atrizes de ascendência vietnamita a protagonizar uma grande produção de ação nos Estados Unidos. Sua performance é frequentemente citada como uma das mais subestimadas do gênero na década.

Cine Maior: ação com propósito na TV aberta

O “Cine Maior” da Record TV vem se destacando por trazer títulos de ação que não apenas entretêm, mas também provocam o público. Em um cenário onde o streaming domina a atenção, a TV aberta ainda desempenha um papel crucial ao democratizar o acesso a produções de alto nível. Filmes como A Profissional ganham uma nova vida ao atingir públicos diversos, muitos dos quais podem estar vendo Maggie Q ou Michael Keaton pela primeira vez.

Resumo da novela Cruel Istambul de terça (21/10) – Cemre e Nedim vivem momento de ternura enquanto Seniz prepara armadilha

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No capítulo da novela Cruel Istambul que vai ao ar nesta terça-feira, 21 de outubro, Cemre e Nedim se aproximam ainda mais, fortalecendo o laço de confiança e carinho que nasce entre eles. Unidos pela dor e pela esperança, compartilham confidências e emoções que os tornam cada vez mais cúmplices. Agah, dominado pela frustração e pelo remorso, visita o túmulo do irmão para desabafar sua dor e refletir sobre tudo o que aconteceu, tentando encontrar algum sentido em meio às perdas.

Enquanto isso, na mansão, Neriman humilha Seher ao relembrar a fuga de Cemre, reabrindo feridas antigas e ampliando o sofrimento da mãe. Cenk busca amparo junto ao pai e recebe de Agah palavras de incentivo, que o motivam a repensar suas atitudes. Ceren, profundamente abalada com a situação de Seher, enfrenta um turbilhão de sentimentos — entre a culpa e a vontade de reparar seus erros.

Damla revela a Civan seus sentimentos e intenções, intensificando o clima de tensão e desejo que paira sobre a família. À noite, sob o som das ondas, Cemre canta para Nedim na praia, num instante de pura ternura e conexão. No entanto, sem imaginar o que se aproxima, ela mal percebe que Seniz já prepara uma nova armadilha — um plano cruel que pode destruir sua paz e mudar o rumo de todos.

Saiba o que vem por aí nos próximos capítulos de Cruel Istambul

Cemre decide abrir seu coração a Nedim, compartilhando lembranças dolorosas e revelações sobre o passado conturbado de seu pai. Emocionado, Nedim se sente abalado com tudo o que ouve, e Cemre passa a se culpar por envolvê-lo em tamanha dor. Enquanto isso, Neriman revela a Ceren que toda a fortuna da família pertence ao sobrinho de Agah, notícia que desperta ambição e acirra as disputas dentro da casa.

Determinada a seguir sozinha, Cemre consegue emprego em um hotel, tentando se reerguer e construir um futuro independente. Ao mesmo tempo, Damla manipula a imprensa para favorecer seus próprios interesses, e Seher faz um apelo público pelo retorno da filha, expondo ainda mais o drama familiar. Agindo em segredo, Cenk se aproxima de Cemre, tentando ajudá-la sem o conhecimento de Seniz, enquanto Nedim insiste para que ela volte à mansão — o que coloca o casal entre o amor e o dever.

A tensão aumenta quando Cemre passa a temer ser localizada pelas autoridades. Agah acusa Civan de ter colaborado na fuga da jovem, provocando uma grave crise entre os dois. Durante os depoimentos à polícia, Ceren mente e responsabiliza Seher pelo suposto sequestro, o que aprofunda o sofrimento da mãe. Damla, por sua vez, tenta amenizar o escândalo ao defender Civan diante da família.

O clima de incerteza atinge o auge quando Nedim é reconhecido pelo dono do hotel onde estão hospedados, obrigando Cemre a agir rapidamente para evitar que sejam denunciados. Em meio à confusão, Nedim é roubado, o que agrava a vulnerabilidade do casal e os deixa sem recursos. Enquanto isso, Ceren, tomada pelo arrependimento por suas mentiras, entra em colapso emocional e se recusa a se alimentar, dominada pela culpa e pela sensação de que sua família está desmoronando.

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