“Jurassic World: Reino Ameaçado” é o destaque da Temperatura Máxima deste domingo (20/07) na TV Globo

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Neste domingo, 20 de julho de 2025, o Temperatura Máxima da TV Globo traz para a tela Jurassic World: Reino Ameaçado, um filme que vai muito além da ação e dos dinossauros imponentes. Mais do que uma sequência de suspense e aventura, o longa convida o público a pensar sobre a relação entre a humanidade e a natureza, e os desafios éticos que emergem quando tentamos controlar o que não dominamos por completo.

A trama se passa três anos depois do fim do Jurassic Park, numa Ilha Nublar onde os dinossauros vivem livres — sem humanos por perto. Mas o equilíbrio está ameaçado: um vulcão adormecido está prestes a entrar em erupção e colocar em risco a vida dessas criaturas pré-históricas. É aí que entra Claire, interpretada por Bryce Dallas Howard (O Abrigo, A Vila), uma mulher determinada que acredita que esses animais merecem uma chance de sobrevivência. Para isso, ela pede ajuda de Owen (Chris Pratt, Guardiões da Galáxia, Passageiros), um ex-treinador de velociraptors, para juntos retornarem à ilha e resgatar os dinossauros.

Esse chamado para salvar o que poderia ser uma nova extinção traz à tona um debate profundo — até onde vai nossa responsabilidade quando criamos vida em laboratório? Quando temos o poder, temos também o dever? O filme entrega cenas de ação emocionantes, mas é no dilema moral que ele realmente se destaca.

Além de Bryce Dallas Howard e Chris Pratt, o filme conta com Jeff Goldblum (Independence Day, O Grande Hotel Budapeste), que retorna no papel icônico do Dr. Ian Malcolm, trazendo à tona sua famosa crítica sobre os limites da ciência e o perigo da arrogância humana.

O elenco também inclui James Cromwell (Babe – O Porquinho Atrapalhado, L.A. Confidential), Geraldine Chaplin (Barry Lyndon, The Artist), Ted Levine (O Silêncio dos Inocentes, Monstros S.A.), Rafe Spall (Prometheus, O Agente da U.N.C.L.E.) e Toby Jones (Capitão América: O Primeiro Vingador, O Espião que Sabia Demais), trazendo profundidade ao enredo que vai além da ação.

Dirigido por J.A. Bayona, conhecido por seu olhar sensível e visual impactante em filmes como O Impossível e Sete Minutos Depois da Meia-Noite, o longa une efeitos especiais de última geração com uma narrativa que toca o coração — e faz o espectador sair da zona de conforto.

Para quem quiser reviver a aventura depois da exibição, o filme também está disponível nas plataformas Globoplay e Telecine, com toda a qualidade que os fãs merecem.

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Lançamento nos cinemas

Em cartaz nos cinemas, Jurassic World: Recomeço chega como um convite para mergulhar não só em ação e efeitos espetaculares, mas em uma história que pulsa com os dilemas do nosso tempo. Depois de cinco anos dos eventos que transformaram o mundo dos dinossauros, a Terra se tornou um lugar onde essas criaturas gigantes só conseguem sobreviver em bolsões isolados, cercados por um clima tropical que lembra a era em que dominaram o planeta.

Nesse cenário delicado, uma equipe corajosa embarca numa missão que vai muito além do simples resgate: eles buscam coletar o DNA das três maiores criaturas da terra, do ar e do mar. Essas amostras podem ser a chave para um medicamento capaz de salvar vidas humanas, unindo assim os destinos da natureza e da humanidade numa única jornada.

O filme conduzido por Gareth Edwards, que já mostrou sensibilidade em grandes produções, ganha vida pelas interpretações de Scarlett Johansson, Jonathan Bailey e Mahershala Ali. Mais do que heróis de aventura, seus personagens carregam dúvidas, medos e a responsabilidade de lidar com forças que nem sempre podem controlar. É nesse entrelace entre o humano e o selvagem que a história ganha seu impacto emocional.

The Love School – Escola do Amor 19/04/2025 exibe o evento: A Família ao Pé da Cruz

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Neste sábado, dia 19 de abril de 2025, o The Love School – Escola do Amor chega com um episódio especial que promete emocionar o público. A partir do meio-dia, a atração vai exibir os principais momentos do evento “A Família ao Pé da Cruz”, realizado na Sexta-feira Santa (18) na Arena Pacaembu, em São Paulo.

O encontro, que reuniu milhares de pessoas, teve como foco principal a restauração dos lares, o fortalecimento da fé e a reconciliação entre familiares. Foi uma verdadeira experiência de cura emocional e espiritual, criada para ajudar casais, pais, filhos e irmãos a se reconectarem em um ambiente de perdão e recomeço.

Inspirado no versículo de Colossenses 1:21, que fala sobre a reconciliação por meio da cruz, o evento levou uma mensagem poderosa de paz, amor e unidade. O palco? Nada menos que um dos espaços mais icônicos da capital paulista, o Pacaembu, transformado num grande altar de esperança.

Hoje em dia, muitas famílias vivem debaixo do mesmo teto, mas estão separadas por mágoas, silêncios e ressentimentos. “A Família ao Pé da Cruz” surgiu justamente para quebrar essas barreiras, reforçando que aos pés da cruz, tudo pode ser renovado.

Se você não pôde estar presente ou quer reviver esse momento único, a edição deste sábado do The Love School é imperdível. Prepare-se para se emocionar com testemunhos reais, palavras de fé e mensagens que tocam fundo no coração.

Superman chega às plataformas digitais – A nova era do herói que inspira esperança!

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O momento que os fãs da DC tanto esperavam finalmente chegou. O novo filme do Superman, que inaugura o ambicioso Universo DC de James Gunn, já está disponível para compra e aluguel nas principais plataformas digitais. Agora, qualquer pessoa pode vivenciar a ação, a emoção e os momentos de ternura do kryptoniano mais famoso do mundo, sem precisar sair de casa.

A chegada do longa ao ambiente digital marca não apenas um novo passo para o personagem, mas também o início de uma nova fase do cinema de super-heróis da DC, trazendo uma narrativa mais humana, divertida e emocionante, que promete encantar antigos fãs e conquistar novas gerações.

Um Superman mais humano e corajoso

Interpretado por David Corenswet, o filme apresenta Superman já consolidado como herói, admirado e respeitado globalmente. Mas mesmo o kryptoniano mais poderoso do mundo enfrenta desafios que vão além da força física. Quando Lex Luthor, vivido por Nicholas Hoult, cria uma crise que coloca sua reputação em dúvida, Clark Kent precisa provar que ser um herói é muito mais do que ter superpoderes: é ter coragem, integridade e empatia.

O longa se aprofunda na humanidade de Superman, mostrando que, por trás da capa, existe um homem que lida com dúvidas, perdas e responsabilidades enormes. É uma abordagem que permite ao público se conectar emocionalmente com o personagem, vendo nele reflexos das próprias lutas e decisões da vida real.

Aliados que fazem a diferença

Ao longo da trama, Superman não está sozinho. Ele conta com a ajuda de Lois Lane (Rachel Brosnahan), seu amor e parceira incondicional, e de Krypto, o Supercão, que rouba a cena com momentos adoráveis e heroicos. Inspirado no próprio cachorro do diretor James Gunn, o personagem conquistou fãs e até influenciou o aumento de buscas por adoção de cães nos Estados Unidos.

Além disso, heróis da Liga da Justiça aparecem para enfrentar vilões inéditos, incluindo o próprio Ultraman e a misteriosa Engenheira, criando batalhas épicas que unem forças, estratégias e laços afetivos. A presença desses aliados reforça a ideia de que o heroísmo verdadeiro envolve conexão, confiança e solidariedade, não apenas força física.

Uma história cheia de desafios e superações

A narrativa começa com Superman já três anos atuando como herói. Ao intervir em um conflito internacional, ele se vê vítima de uma trama elaborada por Luthor, que usa um clone chamado Ultraman para incriminá-lo. Ferido e desacreditado, Superman se retira para a Fortaleza da Solidão, apenas para descobrir que a batalha será maior do que ele imaginava.

Preso em uma dimensão artificial, junto de Krypto e outros aliados, ele enfrenta obstáculos que testam não só sua força, mas também sua resiliência e inteligência emocional. Com a ajuda da Liga da Justiça e de aliados inesperados, Superman consegue superar a manipulação de Luthor, derrotar os vilões e restaurar sua reputação.

É uma história que mistura ação, suspense e emoção, mostrando que mesmo um super-herói precisa de apoio, amizade e coragem para superar adversidades.

O impacto de Krypto e do toque humano de James Gunn

Um dos destaques do filme é a relação entre Superman e Krypto. As cenas do Supercão trazem momentos de ternura, humor e leveza, equilibrando a tensão das batalhas. James Gunn revelou que se inspirou em seu cachorro pessoal, Ozu, para criar o personagem, e que treinar o animal durante as filmagens trouxe desafios e aprendizados que influenciaram a narrativa.

A inclusão de Krypto não só conquistou o público, mas também gerou um efeito cultural: as buscas por adoção de cachorros cresceram significativamente após a estreia do filme. Esse detalhe reforça como histórias de super-heróis podem inspirar gestos de empatia e compaixão na vida real, conectando o entretenimento com valores humanos universais.

Recepção e sucesso de bilheteria

Antes mesmo do lançamento digital, o filme foi um sucesso nos cinemas. No Brasil, ultrapassou 4 milhões de espectadores, tornando-se o 4º maior sucesso de bilheteria de 2025 e arrecadando mais de R$ 90 milhões. Mundialmente, o longa já soma mais de US$ 579 milhões, sendo a produção baseada em quadrinhos mais lucrativa do ano até agora.

Críticos elogiaram o equilíbrio entre ação e humor, destacando a profundidade emocional e a construção sólida dos personagens. Enquanto alguns apontaram que o filme traz uma quantidade grande de informações e eventos, a narrativa se mantém coesa, permitindo ao público se envolver plenamente com a história.

O que torna este Superman especial

Este filme não se limita a mostrar poderes extraordinários. Ele explora temas universais: responsabilidade, coragem, empatia, amizade e justiça. É uma narrativa que permite ao público refletir sobre valores pessoais e coletivos, reforçando a ideia de que o heroísmo está acessível a todos, mesmo sem superpoderes.

James Gunn trouxe para o filme seu olhar particular sobre o mundo dos super-heróis, misturando elementos clássicos da DC com toques modernos e emocionais, criando um longa que agrada tanto aos fãs de quadrinhos quanto a novos espectadores.

Disponível para todos

Agora, o público pode assistir ao filme quando quiser. Seja em um momento de descontração com amigos, em família ou sozinho, o longa está disponível nas principais plataformas digitais para compra ou aluguel, permitindo que cada um escolha sua forma de vivenciar a aventura do kryptoniano.

Com cenas de ação épicas, momentos emocionantes e pitadas de humor, Superman é um convite para se emocionar, se inspirar e se encantar com um dos personagens mais icônicos da história do entretenimento.

Sessão da Tarde exibe “Operação Presente” nesta terça (23) e aquece o coração de toda a família

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Na Sessão da Tarde desta terça, 23 de dezembro de 2025, a TV Globo apresenta o longa-metragem de animação “Operação Presente” (Arthur Christmas), uma produção que já se tornou figurinha carimbada na programação natalina e que segue conquistando públicos de todas as idades com uma mensagem simples, porém poderosa: o Natal só faz sentido quando ninguém é deixado para trás.

Lançado em 2011, o longa é uma coprodução britânico-americana assinada pelo consagrado estúdio Aardman Animations, conhecido mundialmente por obras criativas, carismáticas e com forte identidade autoral. Diferente de seus filmes mais clássicos em stop motion, “Operação Presente” marcou um momento importante na história do estúdio ao se tornar o segundo longa totalmente produzido em computação gráfica (CGI), após “Por Água Abaixo” (2006), sem perder o humor inteligente e o olhar humano que são marcas registradas da Aardman.

A trama parte de uma pergunta que atravessa gerações e sempre desperta curiosidade, especialmente nas crianças: como Papai Noel consegue entregar todos os presentes do mundo inteiro em uma única noite? A resposta apresentada pelo filme é criativa e divertida. Em um complexo ultrassecreto localizado no Polo Norte, funciona uma gigantesca central de operações altamente tecnológica, conhecida como a Operação Presente, responsável por garantir que milhões de lares recebam seus presentes com precisão quase militar.

No comando dessa engrenagem perfeita está o Papai Noel atual, auxiliado por milhares de elfos e por seus dois filhos, que representam visões completamente diferentes sobre o Natal. De um lado está Steve, dublado por Hugh Laurie, um personagem extremamente racional, eficiente e focado em números, estatísticas e desempenho. Do outro, surge Arthur, interpretado por James McAvoy, o filho mais novo, sensível, gentil e movido por uma crença genuína no espírito natalino.

O conflito central do filme nasce quando, apesar de toda a tecnologia e organização, uma criança acaba ficando sem receber seu presente. Para o sistema, trata-se de uma falha mínima, estatisticamente irrelevante. Para Arthur, no entanto, o erro é inaceitável. Em sua visão, se uma única criança for esquecida, então o Natal simplesmente não aconteceu como deveria. É essa empatia quase ingênua, mas profundamente humana, que transforma Arthur no coração da história.

Determinado a corrigir o erro antes do amanhecer do dia 25, Arthur assume uma missão aparentemente impossível: entregar pessoalmente o presente esquecido. Para isso, ele conta com a ajuda improvável do excêntrico Vovô Noel, dublado por Bill Nighy, uma figura que representa os tempos antigos, quando o Natal era feito com improviso, emoção e menos tecnologia. Juntos, eles embarcam em uma aventura caótica, divertida e emocionante a bordo de um trenó antigo, em total contraste com a moderna nave utilizada pela Operação Presente.

Dirigido por Sarah Smith, com codireção de Barry Cook, o filme equilibra com habilidade o humor afiado com momentos de pura emoção. O roteiro, escrito por Sarah Smith e Peter Baynham, constrói personagens carismáticos e situações cômicas sem abrir mão de reflexões importantes sobre responsabilidade, empatia e o impacto dos pequenos gestos. A mensagem é clara e acessível: eficiência é importante, mas nunca pode substituir o cuidado individual e o olhar atento ao outro.

O elenco de vozes reforça a força do filme. Além de James McAvoy e Hugh Laurie, o longa conta com Jim Broadbent como o Papai Noel, Imelda Staunton como a Mamãe Noel e Bill Nighy como o memorável Vovô Noel. Cada personagem adiciona camadas à narrativa, tornando a experiência envolvente tanto para crianças quanto para adultos, que conseguem captar as nuances emocionais e simbólicas da história.

O sucesso de “Operação Presente” não se limitou à recepção do público. O filme teve uma trajetória sólida nas bilheteiras mundiais, arrecadando cerca de US$ 147,4 milhões globalmente. Foram US$ 46,4 milhões na América do Norte, US$ 33,3 milhões no Reino Unido e US$ 67,6 milhões em outros mercados, números expressivos para uma animação com proposta mais afetiva do que grandiosa. No Reino Unido, o longa chegou ao topo das bilheteiras durante a semana do Natal, consolidando-se como um dos títulos mais populares da temporada.

Nos Estados Unidos e no Canadá, o filme estreou em quarto lugar, atrás de grandes produções da época, mas manteve um desempenho considerado positivo, arrecadando quase US$ 50 milhões no mercado interno, mesmo com um orçamento estimado em US$ 100 milhões. Já no Brasil, onde estreou em 2 de dezembro de 2011, “Operação Presente” rapidamente encontrou seu público, ocupando o segundo lugar nas bilheteiras e sendo exibido em 241 salas, muitas delas em 3D.

Karatê Kid – Lendas tem trecho inicial divulgado e já pode ser comprado no Brasil

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A clássica franquia de artes marciais que atravessou décadas acaba de ganhar um novo capítulo. “Karatê Kid: Lendas”, produção que conecta passado e presente, já está disponível para compra digital no Brasil, com exclusividade por três semanas. Para marcar a estreia, a Sony Pictures Home Entertainment liberou os dez minutos iniciais do longa, que podem ser assistidos online. O trecho apresenta o novo protagonista, Li Fong, e oferece um gostinho da jornada que ele está prestes a viver.

O jovem é interpretado por Ben Wang, conhecido por papéis em American Born Chinese (Disney+), Chang Can Dunk e MacGyver. Ele vive um adolescente chinês que, após uma tragédia pessoal, precisa deixar sua vida em Pequim e recomeçar em Nova York com a mãe. Em meio à adaptação a uma cultura completamente nova, Li conhece Mia, personagem de Sadie Stanley (Kim Possible, Cruel Summer, The Goldbergs), e tenta se reinventar — mas, mesmo querendo evitar conflitos, logo se vê envolvido em algo maior do que esperava.

Uma ponte entre mestres e discípulos

Para os fãs antigos da saga, a grande surpresa é o encontro de Jackie Chan (A Hora do Rush, O Medalhão, Bater ou Correr, Kung Fu Panda) e Ralph Macchio (Cobra Kai, Os Garotos Perdidos, Crossroads) em cena. Chan retoma o papel de Sr. Han, o mestre que já guiou outro “karatê kid” nas telonas em 2010, enquanto Macchio retorna como Daniel LaRusso, figura central da trilogia original dos anos 1980 e da série Cobra Kai.

Na trama, Sr. Han percebe que as habilidades de Li não serão suficientes para enfrentar o novo desafio que surge em seu caminho — e, para isso, convida Daniel para ajudar a treinar o garoto. É nesse momento que duas filosofias marciais se cruzam: kung fu e caratê se unem em um novo estilo que define não apenas a técnica, mas também o amadurecimento emocional do protagonista.

Uma nova história com raízes profundas

Dirigido por Jonathan Entwistle, conhecido por seu trabalho em The End of the F*ing World e I Am Not Okay With This, e roteirizado por Rob Lieber (Pedro Coelho, Goosebumps 2), o filme aposta em uma narrativa que mescla tradição, emoção e ação. Com locações entre a China e Nova York, o longa mergulha nas dificuldades do exílio, nas crises de identidade e na luta silenciosa de quem precisa se reinventar longe de casa. Li não quer ser um herói. Ele só quer pertencer. Mas quando um amigo está em perigo, ele é forçado a revisitar tudo o que aprendeu — e aquilo que recusava — para proteger quem ama.

Orçamento e bilheteria

Com um orçamento estimado em 45 milhões de dólares, Karatê Kid: Lendas teve um desempenho sólido nas bilheteiras mundiais, arrecadando cerca de 105 milhões de dólares. Embora os números não representem um fenômeno comercial, eles confirmam o apelo duradouro da franquia, capaz de atravessar gerações e se renovar com um elenco multicultural e uma trama emocionalmente envolvente. O resultado reforça o interesse do público por histórias de superação com raízes culturais profundas — e pode abrir espaço para novos desdobramentos no universo da saga.

Disponível sob demanda

O longa-metragem pode ser adquirido por R$39,90 em plataformas como Apple TV (iTunes), Amazon Prime Video, Google Play, Microsoft Filmes & TV (Xbox) e Claro TV+. Durante o período inicial, o título estará disponível apenas para compra — com acesso vitalício ao conteúdo adquirido. A opção de aluguel será liberada posteriormente.

Ação em Alta Velocidade! Globo exibe Trem-Bala no Domingo Maior de hoje, 8 de fevereiro

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Se a ideia é terminar o domingo com o coração acelerado e um sorriso no rosto, a Globo faz o convite perfeito. Neste domingo, 8 de fevereiro de 2026, o Domingo Maior exibe Trem-Bala, um filme que abraça o exagero, a diversão e a ação sem freio. É aquele tipo de produção feita para o público se jogar no sofá, esquecer da rotina e simplesmente aproveitar cada cena, mesmo quando tudo parece caminhar para o completo caos.

A história se passa quase toda dentro de um trem-bala japonês que cruza o país em alta velocidade. Dentro dele, estão cinco assassinos profissionais, cada um acreditando estar ali para cumprir uma missão específica e sair sem maiores problemas. O que eles não sabem é que seus objetivos estão conectados de forma muito mais complexa do que imaginam. A partir desse ponto, encontros inesperados, confrontos violentos e diálogos cheios de ironia começam a se desenrolar vagão após vagão.

Brad Pitt vive Joaninha, um assassino experiente que tenta mudar sua forma de agir. Cansado de violência e convencido de que anda com uma maré de azar, ele decide resolver tudo do jeito mais tranquilo possível. Só que, em um trem lotado de criminosos armados até os dentes, essa ideia parece quase ingênua. Pitt entrega um personagem carismático, divertido e humano, brincando com a própria imagem de astro dos filmes de ação e arrancando risadas em momentos inesperados.

Um dos grandes acertos do filme está no elenco de apoio. Aaron Taylor Johnson e Brian Tyree Henry interpretam Tangerina e Limão, dois assassinos que funcionam quase como uma dupla cômica em meio ao caos. A relação entre eles mistura provocações, lealdade e um humor peculiar que equilibra muito bem a violência das cenas. Já Joey King surpreende ao viver uma personagem que parece inofensiva à primeira vista, mas logo se revela uma das figuras mais perigosas da trama.

O elenco ainda reúne nomes conhecidos como Andrew Koji, Hiroyuki Sanada, Michael Shannon, Bad Bunny, Karen Fukuhara, Logan Lerman e Sandra Bullock, em uma participação especial que adiciona mais leveza e ironia à história. Cada personagem entra na narrativa com energia própria, mesmo quando sua presença é breve, o que ajuda a manter o ritmo acelerado do filme.

Na direção, David Leitch mostra que sabe conduzir ação como poucos. O espaço limitado do trem vira um verdadeiro palco para lutas criativas, perseguições improváveis e cenas visualmente marcantes. Tudo é muito estilizado, colorido e exagerado de propósito. Trem-Bala não tenta parecer realista o tempo todo, e essa escolha faz parte do seu charme. O filme assume o tom de comédia de ação e se diverte com isso.

O roteiro, escrito por Zak Olkewicz e baseado no livro Maria Beetle, do autor japonês Kōtarō Isaka, passou por mudanças importantes ao longo do desenvolvimento. A ideia inicial era criar um filme mais sombrio e violento, mas o projeto acabou encontrando sua identidade ao apostar no humor e na ironia. O resultado é uma narrativa que mistura ação intensa com situações absurdas e diálogos afiados.

Produzido durante a pandemia de COVID 19, o longa foi filmado majoritariamente em estúdios nos Estados Unidos, com cenários que recriam com cuidado o interior do trem japonês. Um detalhe que chama atenção é o envolvimento físico de Brad Pitt nas cenas de ação. O ator realizou grande parte das próprias acrobacias, o que contribui para a sensação de impacto e proximidade com o espectador.

Apesar do tom leve e divertido, Trem-Bala também gerou debates importantes após seu lançamento. Parte do público criticou as escolhas de elenco, apontando questões relacionadas à representatividade, já que personagens originalmente japoneses foram interpretados por atores não asiáticos, mesmo com a história ambientada no Japão. Essas discussões trouxeram reflexões relevantes sobre diversidade no cinema e mostram que, mesmo filmes feitos para entretenimento, também podem provocar conversas necessárias.

No fim das contas, Trem-Bala é exatamente o que promete ser. Um filme acelerado, barulhento, colorido e cheio de personalidade. Não busca profundidade ou grandes reflexões, mas entrega diversão, personagens marcantes e cenas que não dão tempo para o tédio aparecer. É o tipo de produção ideal para quem gosta de ação com uma boa dose de humor e não se incomoda com exageros.

HIM | Novo terror assinado por Jordan Peele ganha trailer impactante e emocionante

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Acaba de ser lançado o trailer de HIM, o mais novo filme do premiado diretor Jordan Peele, e já provoca aquela mistura intensa de ansiedade e expectativa. Em poucas imagens, o vídeo revela a pressão silenciosa de um jovem atleta tentando se reerguer após uma grave lesão, enquanto uma sombra de mistério envolve a trama. O resultado é uma combinação de medo e esperança que vai além do terror convencional, trazendo à tona uma história de luta, dor e resiliência que deve ficar conosco muito tempo depois dos créditos finais.

Desde sua estreia como diretor com Get Out, Jordan Peele se destacou não só por assustar, mas por nos fazer sentir — aquela inquietação que toca o peito, o medo que se mistura à reflexão sobre questões sociais e humanas profundas. Seu terror ultrapassa fantasmas e monstros, para revelar as feridas da sociedade e a complexidade do ser humano.

Em HIM, essa característica se mantém, mas o foco muda para o universo do futebol americano. E não o brilho dos holofotes, mas o campo da dor silenciosa, da queda inesperada e do esforço para se reerguer. O longa acompanha um jovem atleta cujo futuro é ameaçado por uma lesão, que encontra um mentor improvável para ajudá-lo a reconstruir não apenas seu corpo, mas também sua alma.

O que emociona na trama é essa delicada dualidade entre a dor da perda e a esperança do recomeço. Peele tem um talento raro para capturar momentos em que o medo se transforma em força, e o olhar para dentro revela um turbilhão de emoções contraditórias. Ao unir o terror com a jornada esportiva, ele destaca não só a competitividade e pressão, mas também o lado humano do atleta — aquele que muitas vezes fica oculto por trás da glória e dos aplausos.

A esse enredo se soma a presença de Marlon Wayans, conhecido pelo humor e carisma, que surpreende ao assumir um papel sensível e fundamental. Seu personagem, um treinador e guia, traz à tela a importância do apoio verdadeiro, do abraço que conforta e da palavra que levanta. É a conexão que desperta a força interior do protagonista e dá vida ao coração da narrativa.

Assistir a HIM será mais do que acompanhar um filme de terror: será mergulhar numa experiência onde o medo se confunde com coragem, e o desafio físico ganha profundidade emocional. Jordan Peele usa seu gênero com maestria para abordar temas sensíveis — vulnerabilidade, superação, medo do fracasso — sempre com autenticidade e impacto.

Ao longo da carreira, Peele também se mostrou comprometido em dar voz a histórias de personagens negros complexos e cheios de humanidade, ampliando a representatividade no cinema. HIM segue essa trajetória, reforçando a importância de protagonismos diversos e reais.

O lançamento nos Estados Unidos está previsto para 19 de setembro. Ainda sem data confirmada no Brasil, o filme já gera grande expectativa, principalmente entre os fãs do diretor, que sabem que ele entrega algo além do entretenimento: um convite para olhar para dentro, reconhecer nossos medos e encontrar a força para enfrentá-los.

HIM promete emocionar e dialogar tanto com quem gosta de terror quanto com quem entende a luta diária — seja nos esportes, seja na vida. No fundo, Jordan nos lembra que os verdadeiros monstros que encaramos estão dentro de nós, e que o caminho da vitória passa por reconhecer nossa fragilidade e seguir em frente, com coragem.

Capitão Planeta vai ganhar série live-action na Netflix com produção de Leonardo DiCaprio e Greg Berlanti

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Em um momento em que o mundo pede — ou melhor, grita — por narrativas conscientes e engajadas, um velho conhecido da televisão está prestes a ressurgir das memórias afetivas com nova roupagem e fôlego renovado. O clássico desenho animado Capitão Planeta e os Protetores da Natureza vai ganhar uma série live-action produzida pela Netflix, em parceria com dois nomes de peso: Leonardo DiCaprio, pela Appian Way, e Greg Berlanti, produtor por trás de diversos sucessos da DC na TV.

A informação foi revelada com exclusividade pelo site Deadline e já movimenta fãs nostálgicos e curiosos da cultura pop. O projeto ainda está em fase inicial de desenvolvimento, mas já tem como roteirista confirmada Tara Hernandez, conhecida pelo trabalho em A Senhora Davis. A série será produzida pela Berlanti Productions e pela Warner Bros. Television, que detém os direitos da animação original.

Do desenho ao discurso: uma missão que nunca envelhece

Criado no início da década de 1990 pelo empresário e ativista Ted Turner, Capitão Planeta sempre foi mais do que um desenho. Era, na verdade, uma tentativa sincera — e pioneira — de usar o entretenimento como instrumento de transformação social. Em meio a aventuras cheias de ação, vilões caricatos e bordões inesquecíveis, havia uma mensagem clara: cuidar do planeta é uma missão coletiva, e cada gesto importa.

Na trama, cinco jovens de diferentes partes do mundo recebem anéis com poderes ligados aos elementos da natureza — Terra, Fogo, Água, Vento e Coração. Juntos, eles invocam o Capitão Planeta, super-herói ecológico que surge para combater ameaças ambientais e inspirar atitudes sustentáveis. Mas o mais simbólico era o bordão ao final de cada episódio: “O poder é de vocês!” — um lembrete direto para o público jovem de que mudança real começa com pequenas escolhas.

Um herói que retorna em tempos de urgência climática

Não é difícil entender por que Leonardo DiCaprio está envolvido nesse projeto. Ativista ambiental assumido e engajado, o ator já produziu documentários, discursou na ONU e lidera uma fundação voltada à preservação da biodiversidade. Ao lado de Berlanti — mestre em construir universos heroicos que dialogam com temas sociais —, DiCaprio aposta na força simbólica do Capitão Planeta para reacender o debate sobre meio ambiente com linguagem atual e narrativa envolvente.

A roteirista Tara Hernandez tem o desafio de atualizar a história sem perder o coração da proposta original: um equilíbrio delicado entre entretenimento e educação. Em tempos de colapso climático, fake news ambientais e jovens ativistas sendo criminalizados, a série pode tocar em temas urgentes, mostrando que o ativismo pode ser acessível, empático e, sim, emocionante.

Da TV Colosso ao streaming

Para muitos brasileiros, o Capitão Planeta chegou junto com a infância. A série estreou por aqui em julho de 1991, dentro do Xou da Xuxa, na Rede Globo, e depois passou por outros programas icônicos como TV Colosso, Angel Mix e Festival de Desenhos. Também foi exibida em canais pagos como Cartoon Network, Tooncast, Boomerang e até no Canal Futura — reforçando seu caráter educativo.

A estética colorida, as lições diretas e a representatividade global dos Planeteers marcaram uma geração que cresceu ouvindo sobre buraco na camada de ozônio, poluição dos mares e desmatamento — e que, agora adultos, assistem a essas ameaças se concretizando. O retorno da série, portanto, tem tudo para unir gerações em torno de uma mesma causa.

Sem data, mas com propósito

Ainda não há elenco confirmado nem previsão de estreia, mas a expectativa é grande. Especialmente porque este não é o primeiro esforço para adaptar o herói ao live-action. Em 2016, um filme chegou a ser desenvolvido pela Paramount, com Glen Powell envolvido no roteiro e cogitado como protagonista — projeto que acabou engavetado.

Agora, com o apoio criativo da Netflix, a expertise narrativa de Berlanti, o engajamento ambiental de DiCaprio e o talento provocador de Tara Hernandez, o Capitão Planeta tem a chance real de voltar ao centro do debate — não só como símbolo de nostalgia, mas como um espelho necessário para tempos que pedem urgência, empatia e transformação.

“Além do Direito” | Netflix divulga trailer oficial e revela estreia do novo drama jurídico coreano

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Logo nos primeiros minutos de “Além do Direito”, nova série sul-coreana da Netflix, a gente entende que não se trata de mais um K-drama bonitinho sobre justiça, advogados geniais e discursos moralistas em tribunais. Nada disso. O que vemos ali, na tensão silenciosa entre uma recém-formada e seu mentor impiedoso, é um retrato nu e cru do que significa entrar no mundo jurídico — onde não basta entender de leis, é preciso aprender a engolir o orgulho, mascarar a insegurança e sobreviver aos jogos de poder. Abaixo, confira o trailer oficial:

Com todos os episódios lançados globalmente no dia 2 de agosto, a produção dirigida por Kim Kyung-tae e roteirizada por Park Min-jung chega para ocupar um lugar de destaque entre os dramas jurídicos coreanos. Mas, ao contrário do que se espera, ela se distancia dos clichês e mergulha num universo de dilemas morais, ambientes tóxicos e amadurecimento emocional forçado. É sobre Direito, sim. Mas é, acima de tudo, sobre o preço de continuar acreditando na justiça quando o sistema insiste em esmagar quem tenta fazer diferente. As informações são do Mix de Séries.

Quem é Oh Yoon-seo? E por que ela merece nossa atenção?

Interpretada com uma honestidade tocante por Jung Chae-yeon, Yoon-seo é uma jovem advogada vinda de origens simples, que sempre acreditou no Direito como uma ferramenta de transformação. Não por ingenuidade, mas por convicção. Ela estudou duro, abriu mão de muitas coisas e agora conseguiu algo que parecia um sonho: uma vaga no prestigiado (e temido) escritório KWN Law Firm, em Seul.

Só que o sonho logo vira pesadelo.

O que deveria ser o começo de uma carreira promissora vira uma espécie de campo minado emocional. Lá dentro, as regras não estão nos livros. Estão nos olhares, nos silêncios e nas humilhações veladas. Ninguém explica como se deve agir. Ou você aprende observando e engolindo sapos, ou vira alvo.

É nesse cenário que ela encontra seu mentor: Han Ki-joon (vivido por Lee Jin-uk, em atuação contida e magnética), um advogado sênior respeitadíssimo, cuja frieza é tão famosa quanto sua eficácia. Ki-joon não sorri. Não elogia. Não protege. Ele testa. Ele cobra. Ele observa. Para ele, ensinar é colocar o aprendiz contra a parede — e ver se sobrevive.

A relação entre os dois é o coração da série. Uma dança delicada entre admiração e conflito, aprendizado e frustração. Enquanto Yoon-seo ainda acredita na ética, Ki-joon já desistiu disso há tempos. O jogo agora é outro. E é perigoso.

Advogar é sobreviver: o retrato impiedoso dos grandes escritórios

Quem já viveu o dia a dia de um escritório grande — seja no Brasil, na Coreia ou em qualquer outro lugar — vai se reconhecer (e talvez até sentir um certo desconforto) com o realismo de “Além do Direito”. Aqui, o glamour dos processos milionários dá lugar a uma rotina sufocante de prazos, noites viradas, cafeína, e-mails ásperos e decisões éticas desconfortáveis.

A pirâmide é clara: sócios veteranos mandam. Associados tentam não escorregar. Estagiários torcem para não serem ignorados. As relações são movidas a interesse, e qualquer erro pode ser fatal. A meritocracia, claro, é uma ilusão. E isso é mostrado sem dó.

Yoon-seo não sofre apenas por ser novata. Ela sofre por ser mulher, idealista e por não saber disfarçar seu desconforto diante das contradições do sistema. E a série deixa isso evidente. Mas sem panfletar. É tudo na sutileza: um comentário atravessado aqui, um olhar que não se desvia ali, uma reunião em que sua voz não é ouvida — até o dia em que ela explode. E a gente explode junto com ela.

Casos que doem mais fora do tribunal

O que também diferencia a produção de outras séries jurídicas é como os casos apresentados não são apenas desafios legais, mas espelhos dos conflitos internos dos personagens. Cada episódio traz um novo dilema — mas o que está em jogo, no fundo, é sempre algo pessoal.

Em um episódio tenso, o escritório assume a defesa de uma multinacional farmacêutica acusada de esconder efeitos colaterais perigosos de um remédio. Ki-joon comanda a estratégia como quem joga xadrez. Yoon-seo, ao contrário, se envolve emocionalmente ao conhecer uma das vítimas. A frieza do Direito contra a empatia de quem ainda acredita no certo. Quem vence?

Outro arco potente gira em torno da acusação de assédio moral e psicológico contra um professor universitário renomado. A defesa parte da dúvida razoável. Mas as alunas contam histórias parecidas demais para serem ignoradas. E aí, onde está a linha entre presunção de inocência e conivência?

Esses casos são tratados com cuidado. Não há soluções fáceis. Nem respostas confortáveis. E essa complexidade é um dos maiores méritos da série.

Um elenco que não atua — vive os papéis

Além de Jung Chae-yeon e Lee Jin-uk, o elenco de apoio dá vida a um universo rico em tensões, alianças e traições:

Jeon Hye-bin, como a sócia Seo Hye-jin, é uma presença forte. Ela já esteve no lugar de Yoon-seo, mas fez escolhas diferentes. Lee Hak-joo interpreta Jung Woo-shik, o típico oportunista de escritório: escorregadio, ambicioso e sempre pronto para puxar tapetes com elegância. Kim Yeo-jin brilha como a juíza Park Young-sook, uma mulher que chegou ao topo sem perder sua integridade — mas que paga caro por isso.

Cada personagem tem espaço para respirar, errar, se contradizer. Não há vilões caricatos nem heróis perfeitos. Há pessoas tentando dar conta. E falhando, às vezes.

Silêncio como linguagem: uma série que diz muito com pouco

A direção de Kim Kyung-tae é sensível e inteligente. Não há pressa. Os episódios têm ritmo próprio. A câmera se demora em silêncios, olhares, gestos pequenos. O barulho do ar-condicionado no escritório vira trilha sonora. O café que esfria, a lágrima que não cai, o SMS que não é respondido — tudo tem peso.

A fotografia é fria, quase clínica. Tons de cinza, azul e branco dominam. Mas em momentos de fragilidade, vemos cores quentes surgirem timidamente, como quando Yoon-seo visita a casa da infância ou encontra refúgio em um café à noite.

A trilha sonora acompanha esse minimalismo emocional. As músicas compostas especialmente para a série — com destaque para a lindíssima “Gray Horizon”, de Baek Yerin — são quase sussurros de esperança ou desilusão. Em uma cena emblemática, Yoon-seo caminha sozinha pela cidade ao som de Seori, e a gente sente o peso que ela carrega mesmo sem que ela diga uma palavra.

No fim das contas, o que está em jogo é o que você está disposto a perder

O drama é uma série que vai mexer com quem já enfrentou ambientes profissionais hostis, com quem já teve que abrir mão de si para caber em algum lugar, com quem já duvidou se ainda vale a pena lutar pelos próprios valores. Mais do que sobre leis e tribunais, é uma história sobre gente. Sobre crescer. Sobre ceder e resistir. Sobre tentar — mesmo quando tudo empurra para desistir. É o tipo de série que fica com você. Que faz pensar. Que dá vontade de recomendar para aquele amigo que está sofrendo no primeiro emprego, ou para aquela colega que sempre acreditou que dava para fazer diferente.

Devoradores de Estrelas | Nova aventura sci-fi de Phil Lord e Christopher Miller ganha trailer eletrizante

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Foto: Reprodução/ Internet

Há trailers que anunciam um filme. E há trailers que parecem abrir uma porta para outra vida — e é exatamente isso que o novo material de Devoradores de Estrelas faz. Lançado pela Sony Pictures, o vídeo coloca o espectador dentro da mente, do medo e da solidão de Ryland Grace, personagem de Ryan Gosling, que acorda em uma espaçonave perdida no vazio do cosmos, a anos-luz de casa, sem lembrar sequer seu próprio nome. A partir daí, começa uma história que é tanto um épico de ficção científica quanto um mergulho profundo no coração humano.

Sob a direção da dupla Phil Lord e Christopher Miller, vencedores do Oscar® pela franquia “Aranhaverso”, o filme estreia em março de 2026 no Brasil e surge como uma das obras mais emocionais e surpreendentes já adaptadas do autor Andy Weir. E se o trailer já deixa clara a dimensão técnica da produção, o que realmente prende o olhar é a intimidade — aquela sensação de acompanhar um homem comum, imperfeito, vulnerável, tentando encontrar sentido no silêncio absoluto entre as estrelas.

O despertar que ninguém gostaria de viver

A primeira cena do trailer é quase inquietante. Em vez de explosões, naves cruzando nebulosas ou batalhas interplanetárias, vemos apenas Ryland abrindo os olhos. Um close lento, marcado por respiração pesada e uma luz branca que parece julgá-lo. Ele está deitado, preso a fios, cercado por máquinas que não reconhece — e por dois corpos imóveis, deitados em cápsulas ao lado dele. A câmera não tem pressa. Ela permanece, observando o momento em que o medo se transforma em pânico, e depois em confusão.

É nesse instante que o filme mostra sua força: um blockbuster disposto a tratar seu protagonista como um ser humano antes de tratá-lo como herói. Quando Ryland percebe que está em uma espaçonave, sozinho, sem memórias e sem respostas, o público entende imediatamente que sua maior batalha não será contra criaturas espaciais ou inimigos armados — mas contra o próprio desespero.

A memória como sobrevivência

Enquanto Ryland tenta compreender onde está, flashes começam a surgir: laboratórios, reuniões tensas, rostos em pânico, manchetes sobre o Sol enfraquecendo. Aos poucos, o trailer revela o quebra-cabeça emocional que o personagem precisa montar para sobreviver. A cada lembrança, uma parte de sua missão se encaixa — e com ela vem o peso da responsabilidade.

A revelação é devastadora: antes de acordar perdido no espaço, ele era um simples professor de ciências. Um homem comum que, sem aviso, se viu arrastado para o maior risco já enfrentado pela humanidade. O Sol, fonte de toda vida, estava morrendo. E a única chance de descobrir o porquê envolvia enviar uma nave a 11,9 anos-luz da Terra, em uma corrida contra o tempo que soava praticamente suicida. A Terra inteira o escolheu. E, de repente, ele está ali — sozinho, com o destino do planeta inteiro nas costas.

A amizade que muda tudo

E então, quando o trailer parece sugerir que Ryland está destinado a enfrentar o universo completamente sozinho, algo inesperado acontece. Um som estranho ecoa pelo interior da nave. Não é mecânico. Não é humano. É… vivo. O olhar de Ryland muda. Pela primeira vez, ele sorri — não um sorriso de alegria, mas de surpresa, de alívio, de reconhecimento.

O trailer não entrega o grande segredo do filme, mas insinua que Ryland encontrará uma forma de companhia, e é essa presença inesperada que altera o rumo de sua jornada. Uma amizade improvável, improvável demais, que se torna o ponto mais emocionante da história.

Um mundo prestes a acabar — e pessoas tentando salvá-lo

Enquanto acompanhamos Ryland no espaço, o trailer também mostra fragmentos da Terra. A atriz Sandra Hüller, indicada ao Oscar® por “Anatomia de Uma Queda”, surge em cenas intensas, debatendo teorias, enfrentando decisões irreversíveis e segurando o mundo que ameaça ruir. Sua presença traz profundidade ao impacto emocional da história, como se lembrasse o público de que cada cálculo, cada risco e cada sacrifício feitos por Ryland carregam rostos, vidas e histórias penduradas na beira do abismo.

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