Renegado dá voz à alma em “Marge Now”, álbum que inaugura nova era pessoal e artística

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Na sexta-feira, 18 de julho, o rapper Renegado lança o aguardado álbum “Marge Now”, marcando não apenas seus 17 anos de carreira, mas o início de uma fase profundamente autoral, livre e visceral. O projeto chega às plataformas digitais como um manifesto musical e existencial, em que o artista mineiro explora, sem amarras, as múltiplas camadas de sua identidade, de suas vivências e de sua arte.

Ao longo de quase duas décadas, Renegado se firmou como uma das vozes mais inquietas da música urbana brasileira. Do rap ao samba, do soul ao eletrônico, ele sempre transitou entre estilos com naturalidade, dialogando com diferentes gerações e públicos. No currículo, soma colaborações marcantes com Elza Soares, Samuel Rosa, Bebel Gilberto, Diogo Nogueira, Thiaguinho, Anitta, Rogério Flausino, Dona Onete, entre outros — parcerias que ajudam a dimensionar a pluralidade de sua trajetória.

Mas em “Marge Now”, o caminho é mais íntimo. É como se Renegado olhasse para dentro, para as margens do próprio ser, e deixasse que a música traduzisse aquilo que, muitas vezes, o mercado não quer ouvir: a complexidade, o incômodo, a liberdade. “Esse é o álbum mais verdadeiro da minha carreira”, confessa. “Um trabalho que nasceu sem filtros, sem a necessidade de agradar, mas com o compromisso de dizer o que precisa ser dito.”

O título, que une a palavra “marge” — evocando as bordas, as periferias, os limites — com a urgência do “now”, sintetiza o espírito do disco: falar a partir de um lugar que historicamente foi excluído do centro, mas que pulsa vida, arte e resistência com força. E falar agora.

Musicalmente, o álbum é um caldeirão de referências. A base é o rap, mas ele se entrelaça com influências do Afrobeat, do funk carioca, do Amapiano sul-africano, e até com as harmonias sofisticadas do Clube da Esquina — movimento que também nasceu em Minas Gerais e que, como Renegado, apostou no hibridismo como linguagem.

As faixas equilibram batidas dançantes com letras afiadas, que abordam desde questões sociais até reflexões pessoais, passando por afetos, espiritualidade, ancestralidade e reconstrução. A produção do disco aposta em atmosferas densas e expansivas, criando uma experiência sonora envolvente, que convida tanto à escuta profunda quanto ao movimento do corpo.

“Esse álbum é meu grito mais honesto. Não quis seguir fórmula, não quis encaixar em prateleira nenhuma. É sobre a minha verdade, sobre ocupar o espaço com a minha voz, com tudo o que sou: artista, negro, brasileiro, periférico, sensível”, destaca Renegado.

O disco estará disponível em todas as plataformas digitais a partir de 18 de julho — e promete marcar um antes e depois não só na carreira do rapper, mas na forma como a música urbana brasileira pode se afirmar: plural, politizada e profundamente humana.

Adeus, Hawkins! Última temporada de Stranger Things tem teaser divulgado e datas confirmadas pela Netflix

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Foto: Divulgação/ Netflix

A Netflix anunciou nesta quarta-feira (16) o lançamento do teaser oficial da quinta e última temporada da série que se tornou um verdadeiro fenômeno cultural desde sua estreia em 2016. O desfecho tão aguardado de Stranger Things será dividido em três partes: o Volume 1 estreia em 26 de novembro, o Volume 2 chega em 25 de dezembro, e o episódio final será disponibilizado no dia 31 de dezembro, todos às 22h (horário de Brasília). Essa estratégia de lançamento fragmentado promete manter a expectativa dos fãs até o último minuto. Abaixo, confira o vídeo divulgado pela plataforma de streaming –

O que esperar do desfecho? Hawkins no limite da sobrevivência

Ambientada no outono de 1987, a nova temporada retoma a história em Hawkins, ainda abalada pela abertura dos portais para o Mundo Invertido. Vecna, o antagonista que marcou a última fase da trama, desapareceu sem deixar rastros, enquanto o governo impõe quarentena militar na cidade. Onze, mais uma vez perseguida, precisa se esconder para proteger aqueles que ama. Com a proximidade do aniversário do desaparecimento de Will Byers, uma ameaça antiga retorna, preparando o terreno para a batalha final entre o bem e o mal.

Foto: Divulgação/ Netflix

Quem volta para o último capítulo?

O elenco, que cativou o público com interpretações memoráveis, retorna praticamente completo. Winona Ryder, conhecida por clássicos como Beetlejuice e Garota, Interrompida, dá vida novamente a Joyce Byers, enquanto David Harbour, visto em Hellboy e Black Widow, retorna como Jim Hopper. Millie Bobby Brown, estrela de Enola Holmes, segue como Onze, acompanhada por Finn Wolfhard (It: A Coisa), Gaten Matarazzo (Broadway), Caleb McLaughlin (The Lion King), Noah Schnapp (Waiting for Anya), Sadie Sink (Fear Street), Natalia Dyer (Velvet Buzzsaw), Charlie Heaton (The New Mutants), Joe Keery (Free Guy), Maya Hawke (Once Upon a Time in Hollywood), entre outros talentos que completam o time.

Impacto e legado: mais que uma série, um fenômeno

Além de impulsionar a nostalgia dos anos 80, a produção estadunidense também teve impacto cultural significativo, revivendo o interesse por itens da época como os waffles Eggo e a New Coke, e colocando a música “Running Up That Hill”, de Kate Bush, de volta ao topo das paradas após quase quatro décadas. Ao longo de sua trajetória, acumulou mais de 70 prêmios, incluindo Emmys® e o Screen Actors Guild Award de Melhor Elenco em Série Dramática, além de somar mais de 230 indicações, consolidando seu lugar na história do entretenimento.

Temporada final dividida em três volumes

A decisão de dividir a temporada final em três volumes, com episódios mais longos e uma narrativa que se assemelha a capítulos de um filme, indica uma ambição maior para encerrar essa saga. Os fãs podem esperar um desfecho repleto de emoções, respostas para os mistérios que permeiam a trama e o fortalecimento dos laços entre os personagens que cresceram e conquistaram gerações ao longo dos anos.

Capítulo final de Hawkin

O encerramento dessa jornada promete ser uma experiência única para quem acompanhou cada reviravolta e se emocionou com a coragem, a amizade e a resistência dos protagonistas. Hawkins está prestes a viver seu capítulo final — e o mundo todo estará de olho para ver como essa história lendária será concluída.

Companhia Certa desta quarta (16): Alberto Bial fala sobre o futuro do esporte, etarismo e laços familiares em entrevista a Ronnie Von

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Na madrugada desta quarta-feira (16), o programa Companhia Certa, apresentado por Ronnie Von, recebe um convidado que representa mais do que uma trajetória vencedora nas quadras: Alberto Bial, ex-jogador, técnico e referência no basquete nacional, compartilha suas reflexões sobre o futuro do esporte no Brasil, os desafios da longevidade profissional e a relação afetuosa com o irmão, o jornalista Pedro Bial.

Com 73 anos e mais de quatro décadas dedicadas ao esporte, Alberto segue ativo como coordenador técnico do Fortaleza Basquete Cearense, mas não esconde a inquietação com os rumos do cenário esportivo brasileiro. Durante a conversa, ele levanta um alerta importante: a dependência crescente de políticas públicas para manter projetos em andamento. “Com o passar do tempo, as leis de incentivo se tornaram a única ‘mola mestra’ do esporte. […] As leis estaduais funcionam, mas elas têm que alcançar a todos”, observa, num apelo para que a estrutura esportiva nacional seja mais ampla, inclusiva e sustentável.

Além do compromisso com o esporte, Bial traz ao centro do debate uma questão ainda pouco discutida nos bastidores do alto rendimento: o etarismo. Ele revela como o envelhecimento passou a impactar diretamente sua presença no mercado. “Estou muito bem no Fortaleza […] Mas tem uma coisa que luto muito: o etarismo. Aos 73 anos, com os cabelos brancos, os convites para comandar equipes de alto rendimento diminuem drasticamente. É uma discriminação por conta da idade”, desabafa, com serenidade, mas sem deixar de transmitir a frustração de quem ainda tem muito a oferecer — e nem sempre é enxergado por isso.

Alberto Bial não apenas abriu portas no basquete brasileiro; ele formou gerações, construiu legados e segue atuando como um elo entre o passado e o futuro do esporte. E sua história também carrega um traço curioso e afetivo: o parentesco com Pedro Bial, um dos jornalistas e apresentadores mais conhecidos do país. O técnico relembra com bom humor as vezes em que foi confundido com o irmão mais novo. “Onde chego, o pessoal fala: ‘É o Pedro se escondendo, fingindo que não é ele’ ou ‘tá brincando comigo’. Já me passei por Pedro muitas vezes”, conta, aos risos. A semelhança física, segundo ele, só aumentou com o tempo.

Mas, mais do que confusões engraçadas, a relação entre os dois irmãos é marcada por respeito e admiração mútua. “Sempre inteligente com as questões que ele coloca, fico muito orgulhoso, é meu melhor amigo”, diz Alberto, emocionando o apresentador e quem acompanha a entrevista.

No estúdio, entre lembranças, críticas construtivas e momentos de ternura, Alberto Bial demonstra que sua história vai além das quadras. É a história de um homem que nunca parou de acreditar no poder transformador do esporte, que enfrenta as barreiras impostas pela idade com coragem e dignidade, e que carrega nas palavras e no olhar uma paixão genuína pela vida.

Rodrigo Sant’Anna e Flávia Reis prometem emoção e gargalhadas no Conversa com Bial desta quinta (17)

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Nesta quinta-feira, 17 de julho, o Conversa com Bial abre espaço para uma dupla que domina a arte do riso com talento, verdade e generosidade: Rodrigo Sant’Anna e Flávia Reis. Em um bate-papo inédito que vai ao ar na TV Globo e no GNT, os dois humoristas compartilham histórias que ultrapassam os palcos e refletem sobre o impacto do humor na construção de suas trajetórias pessoais e profissionais.

Veteranos da comédia e amigos de longa data, Rodrigo e Flávia prometem emocionar o público com relatos de bastidores, memórias de superação e homenagens marcantes — em especial, a nomes como Paulo Gustavo e Maurício Sherman, figuras fundamentais na vida de ambos.

Do subúrbio ao estrelato: humor como ferramenta de ascensão

Rodrigo Sant’Anna, conhecido por personagens inesquecíveis como a Valéria do Zorra Total e atualmente no ar com Tô de Graça, no Multishow, relembra como o sucesso o surpreendeu de forma avassaladora. “Quando a Marília Gabriela me convidou para uma entrevista, eu entendi que aquilo era muito maior do que eu imaginava”, revela, em um dos trechos mais aguardados da conversa.

Ele também recorda o início da carreira no teatro, com a montagem de Os Suburbanos. “Era tudo feito na raça. A banda tocava ao vivo entre os esquetes e eu precisava pegar empréstimo com a minha mãe pra conseguir pagar a galera. Mas foi ali que tudo começou”, antecipa.

Flávia Reis: da palhaçaria hospitalar ao riso na televisão

A atriz e comediante Flávia Reis traz à tona uma visão delicada e profunda sobre o riso como acolhimento — especialmente em seu trabalho voluntário em hospitais. “No hospital, o limite do humor é o outro. Às vezes, o maior presente é só estar presente”, diz ela, em um dos momentos mais sensíveis do programa.

Além disso, Flávia compartilha os bastidores do convite de Maurício Sherman para integrar o Zorra, e também conta como Paulo Gustavo a impulsionou a criar a personagem Vanda da Van. “Ele disse: ‘Abre meu stand up com a Vanda’. Aquilo foi um divisor de águas pra mim”, revela.

Reconexão e identidade: o humor como espelho da vida

Tanto Rodrigo quanto Flávia falam sobre o desafio e a responsabilidade de fazer humor em um país com tantas realidades distintas. Rodrigo destaca a importância de se reconectar com as próprias raízes como forma de manter o humor autêntico. “Sempre que fico travado, volto pra minha infância. É onde tudo começa e tudo faz sentido”, diz.

Já Flávia destaca que o riso, quando nasce do afeto, é mais do que piada: é escuta. É presença. “Humor não é só fazer rir. É saber o que o outro precisa naquele momento.”

Drama britânico Adolescência se torna a série mais vista da Netflix em 2025 e conquista 13 indicações ao Emmy

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Em um ano marcado por grandes estreias e o retorno de franquias globais, ninguém esperava que o título mais assistido da Netflix em 2025 viesse de uma produção britânica enxuta, intimista e devastadora. Mas foi exatamente isso que aconteceu com “Adolescência”, minissérie criada por Jack Thorne e dirigida por Philip Barantini, que alcançou 144,8 milhões de visualizações em apenas três meses — superando gigantes como Round 6, Bridgerton e The Witcher. As informações são do site Omelete.

Lançada em 13 de março, a série apresenta a história dos Miller, uma família comum que se vê tragada por uma tragédia brutal: Jamie, o filho de 13 anos, é acusado de assassinar uma colega da escola. A partir desse momento, a narrativa mergulha em um turbilhão de emoções, revelações e tensões sociais, onde a verdade não é clara — e a culpa é um peso insuportável.

Stephen Graham, um dos grandes nomes do drama britânico contemporâneo, interpreta Eddie, o pai que luta contra o colapso emocional e a desintegração de sua própria identidade diante da suspeita que recai sobre o filho. Ao lado dele estão Owen Cooper, revelação do ano no papel de Jamie, e Erin Doherty, como a psicóloga Briony Ariston, encarregada de decifrar o que há por trás do silêncio do menino. Completando o elenco, Ashley Walters dá vida ao implacável inspetor Luke Bascombe, que conduz uma investigação imersa em pressão política e comoção popular.

Da tensão doméstica ao fenômeno global

O que torna Adolescência tão singular não é apenas seu enredo — mas a forma como ele é contado. Filmada com câmeras próximas, cortes secos e um realismo que lembra o cinema social de Ken Loach, a série evita o espetáculo e aposta na densidade emocional. Cada episódio é um soco no estômago, expondo as fragilidades de um sistema de justiça que ainda tenta entender a juventude que pretende julgar.

Não à toa, a série conquistou 13 indicações ao Emmy 2025, incluindo Melhor Série Limitada, Melhor Ator (Stephen Graham), Melhor Atriz Coadjuvante (Erin Doherty), Melhor Roteiro e Melhor Direção. Críticos ao redor do mundo aclamaram a obra como “um novo padrão para dramas sobre crime e família”, e o jornal britânico The Guardian chamou a produção de “o drama mais corajoso e desconcertante da década”.

Superando “Round 6” e outros gigantes

Segundo o novo relatório da própria Netflix, que adota como métrica a divisão do tempo total assistido pelo tempo de duração da série, Adolescência lidera com 144,8 milhões de visualizações. A segunda temporada de Round 6 ficou em 117,3 milhões, enquanto a terceira temporada — lançada apenas quatro dias antes do fechamento do semestre — já acumulava 71,5 milhões, mostrando a força contínua do fenômeno coreano.

Ainda assim, o que surpreende é a curva ascendente de Adolescência, que começou com divulgação discreta, mas conquistou o público pelo boca a boca, pelas redes sociais e pelas resenhas apaixonadas da crítica. Em fóruns internacionais e no TikTok, cenas específicas da série viralizaram — especialmente os confrontos entre Eddie e Jamie, que colocam em xeque o amor paternal diante da dúvida moral.

“No Céu da Pátria Nesse Instante” tem estreia marcada para os cinemas brasileiros

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Quando a democracia de um país é posta à prova, os olhos do mundo e o coração da nação se voltam para o que acontece além dos holofotes, nas histórias que não costumam ganhar espaço nas manchetes. É exatamente esse espaço que a diretora Sandra Kogut invade em seu novo documentário No Céu da Pátria Nesse Instante, que estreia nos cinemas brasileiros em 14 de agosto. Mais do que um registro dos fatos, o filme é um mergulho na alma de um Brasil dividido, ansioso e em suspense, revelando o país de dentro para fora.

O Brasil que pulsa em cena

Estamos falando de um Brasil que viveu momentos únicos em sua história recente: os meses que antecederam e sucederam as eleições presidenciais de 2022, marcados por uma tensão crescente que culminou na invasão das sedes dos três poderes da República, no fatídico 8 de janeiro de 2023. Kogut não se propõe a narrar essa história como um manual ou um noticiário. Ela escolhe olhar para as pessoas — aquelas que viveram essa crise como angústia, como dúvida, como medo —, construindo um mosaico de emoções e pontos de vista que muitas vezes se ignoram, mas que juntos definem o pulso da nação.

Muitas vozes, uma nação

O que torna o documentário tão especial é essa pluralidade de olhares. A diretora não busca os protagonistas do debate político, mas as pessoas que estão na linha de frente da experiência cotidiana desse momento — personagens que habitam diferentes espectros ideológicos e sociais, cujas histórias revelam como a polarização não é apenas um conceito abstrato, mas uma realidade que afeta vidas, relações e esperanças.

Com um recorte delicado, Kogut mostra como essas realidades paralelas coexistem em tensão, às vezes em conflito, às vezes em incompreensão, mas sempre profundamente conectadas pelo destino comum de um país que busca se encontrar.

Além dos muros do Brasil

O alcance do filme extrapola as fronteiras nacionais. Depois de rodar importantes festivais mundo afora — de Málaga a Amsterdã, de Paris a Seul —, o documentário tocou plateias diversas que, embora distantes geograficamente, reconhecem nas imagens e nas histórias ali contadas os reflexos de suas próprias inquietações e desafios democráticos.

O reconhecimento veio em forma de prêmios no 56º Festival de Brasília do Cinema Brasileiro, incluindo Melhor Montagem e Prêmio Especial do Júri, reforçando a força e o impacto da obra.

Uma urgência contemporânea

Produzido por uma parceria que inclui Ocean Films, GloboNews, Globo Filmes, Canal Brasil e outras, e com distribuição da O2 Play em co-distribuição com a Lira Filmes, No Céu da Pátria Nesse Instante não é só um filme que fala do passado recente. É um chamado urgente para olhar o presente e pensar o futuro.

Com uma narrativa que pulsa entre o medo e a esperança, entre o caos e a busca por sentido, o documentário é um convite para que o público reflita sobre o que significa ser brasileiro numa época em que a democracia mostrou sua fragilidade, mas também sua capacidade de resistência.

Um convite para sentir e pensar

Neste momento tão delicado, onde tantas verdades disputam espaço e tantas narrativas tentam prevalecer, o filme nos convida a desacelerar, ouvir e enxergar o outro. É, acima de tudo, uma experiência humana — que nos faz sentir a complexidade de um país em crise, e a força da esperança que insiste em sobreviver, mesmo nos instantes mais sombrios.

Amandha Lee revisita trajetória com arte, disciplina e superação em entrevista ao podcast “Que Não Saia Daqui”

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“Eu estava sendo comida por formigas no pé, mas não queria sair de cena.”
Essa poderia ser apenas uma anedota curiosa dos bastidores da televisão. Mas, na voz serena e vibrante de Amandha Lee, torna-se um símbolo de entrega, foco e presença. A atriz, que marcou gerações com papéis densos e desafiadores, é a convidada do novo episódio do podcast Que Não Saia Daqui. E, ao longo da conversa, mais do que falar de personagens ou novelas, Amandha compartilha sua história com uma franqueza rara — e uma sensibilidade que atravessa a escuta.

Aos 47 anos, com quase quatro décadas de carreira, Amandha tem muito a contar. Mas não é da fama ou dos holofotes que ela fala com mais entusiasmo. É do processo. Das transformações invisíveis. Dos tombos que não viraram manchete. “A arte sempre me chamou para dentro. Me ensinou a escutar, a ter disciplina, a respeitar o silêncio”, diz, em tom contemplativo.

Das ruas de Copacabana ao palco da vida

Criada em Copacabana, bairro emblemático do Rio de Janeiro, Amandha foi uma criança elétrica — “espivitada”, como ela mesma diz — que encontrou no teatro um caminho para canalizar sua energia. Aos nove anos, começou a fazer aulas no tradicional Teatro Glauce Rocha. Foi ali que o palco se apresentou não como brincadeira, mas como destino.

“Minha mãe me colocou no teatro para eu gastar energia. Mas, sem saber, me deu um caminho para a vida”, conta.

Não demorou para que os testes, os papéis e os estudos se tornassem parte da rotina. Ainda adolescente, já entendia que atuar não era apenas interpretar personagens, mas mergulhar em emoções que muitas vezes ela ainda nem havia vivido. “Eu precisei amadurecer cedo. Porque a arte pede isso. Você se coloca no lugar do outro, e para isso precisa ter empatia, escuta, entrega.”

A cena que mudou tudo — e que quase ninguém viu

Um dos momentos mais emocionantes do episódio é quando Amandha revisita o dia em que tudo mudou. Durante as gravações de um episódio da série Carga Pesada, ela vivia Maria, uma mulher forte, do campo, conectada à terra. Em uma das cenas, ajoelhada no chão, começou a sentir formigas mordendo seus pés. Mas não parou.

“Eu entrei num estado de presença tão forte que nem sentia mais dor. Eu ouvi o ator com quem contracenava como nunca antes. Aquela foi a primeira vez que entendi o que era realmente estar em cena. E isso não tem volta.”

A cena não virou meme, não ganhou prêmio, não foi destaque na imprensa. Mas para Amandha, foi ali que ela se tornou atriz de verdade.

Entre o corpo e a personagem: o desafio de viver Margarida

Com o mesmo comprometimento visceral, ela aceitou um dos maiores desafios físicos de sua carreira ao interpretar Margarida, na novela Vidas em Jogo, da Record TV. A personagem passava por uma transformação corporal durante a trama. Amandha topou engordar 17 quilos sob supervisão médica — e depois emagrecer gradualmente, durante as gravações.

“Eu achei que ia ser tranquilo, porque sempre gostei de comer. Mas comer para engordar com qualidade e depois emagrecer com saúde exigiu uma disciplina absurda. Foi um processo de autoconhecimento e superação.”

Ela lembra que o corpo se tornou espelho da jornada interna da personagem. “Eu sentia a Margarida na carne. Literalmente. Cada cena era atravessada por essa vivência física. E foi doloroso, mas também muito libertador.”

A digitalização das novelas e o reencontro com o passado

O streaming, segundo a atriz, trouxe um presente inesperado: a chance de reencontrar o público — e ser descoberta por uma nova geração. “A arte tem essa coisa de resistir. De permanecer. E quando vejo jovens comentando cenas de A Casa das Sete Mulheres, fico emocionada. Porque aquilo foi feito com tanto amor, tanta entrega, e agora está vivo de novo.”

Amandha vê nesse movimento digital uma oportunidade rara de valorização da memória artística brasileira. “Temos um acervo riquíssimo. E hoje, com a internet, essas histórias não morrem. Elas se renovam. E isso é muito bonito.”

O esporte como refúgio e estrutura

Fora das câmeras, há quase uma década, Amandha se encontrou no triatlo. A corrida, a natação e o ciclismo entraram em sua rotina não como hobby, mas como um compromisso consigo mesma. “O esporte virou meu terapeuta. Quando tudo parecia fora do lugar, eu colocava o tênis e ia correr. E ali, as ideias se ajeitavam.”

O hábito virou filosofia de vida — e estendeu-se à sua família. Casada com um atleta, ela lembra com carinho do tempo em que levava os filhos de bicicleta para a escola. “Era nosso momento juntos. E eles cresceram vendo o esporte como parte da vida, não como obrigação.”

Ela reconhece que o esporte a ajudou a desenvolver algo essencial para a vida — e também para a arte: foco. “Sem foco, a gente se perde. E o esporte me ensinou a ter rotina, a respeitar limites, a persistir.”

Entre a leveza e a profundidade: um retrato raro de uma artista completa

A grandeza da entrevista não está nos feitos — que são muitos — mas na forma como Amandha fala de tudo isso: sem glamour excessivo, sem fórmulas prontas. Há algo profundamente humano na forma como ela compartilha suas vivências. É uma atriz que, mesmo com décadas de carreira, continua aberta ao aprendizado. É uma mulher que escolheu a consistência em vez da pressa. A verdade, em vez da performance.

“Eu continuo me reinventando todos os dias. E nem sempre é bonito. Mas é real.”

Essa autenticidade transforma o episódio de Que Não Saia Daqui em algo maior que uma entrevista. É um encontro. Com a artista, com a mulher, com a força que há em não desistir de si mesma.

Para ouvir com calma — e com o coração aberto

Em tempos de discursos acelerados e superficialidade, ouvir Amandha Lee é um sopro de profundidade. Uma lembrança de que resistir, cuidar do corpo, da mente e da arte é uma escolha diária. E que essa escolha pode, sim, ser feita com leveza — mas nunca sem coragem.

Ao fim da conversa, quando perguntada sobre o que a move, Amandha responde com simplicidade:

“Eu quero deixar alguma coisa boa. Se uma pessoa se sentir inspirada a cuidar de si, a voltar pra arte, a se reconectar com o corpo… já valeu.”

Tati Machado retorna ao “Mais Você” e se emociona ao falar da perda do filho Rael: “A dor não passa, mas o amor me sustenta”

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Na manhã desta segunda-feira (28), os estúdios do “Mais Você“, na TV Globo, se encheram de emoção e silêncio respeitoso com o retorno de Tati Machado à bancada do programa. Ela voltou ao ar após vivenciar a experiência mais dolorosa de sua vida: a perda de seu filho Rael, na reta final da gestação, em maio de 2025. As informações são do G1.

Com um sorriso tímido, os olhos marejados e o coração visivelmente apertado, Tati foi recebida com um longo e caloroso abraço por Ana Maria Braga. O reencontro entre as duas emocionou também a equipe técnica e os telespectadores, que acompanharam ao vivo um dos momentos mais humanos e delicados da televisão brasileira este ano. “Estou em casa”, disse Tati, em sua primeira fala no estúdio, com a voz embargada e segurando as mãos da apresentadora.

Ao lado de seu marido, o cineasta Bruno Monteiro, Tati compartilhou com o público os sentimentos que têm preenchido seus dias desde o momento em que soube que Rael não tinha resistido. O casal tem se apoiado mutuamente no luto, construindo com cuidado e sensibilidade um caminho de reconstrução. “Ontem estávamos sentados no sofá de casa e falamos: ainda bem que a gente se tem”, comentou Tati. Bruno completou: “Só tenho forças porque ela está do meu lado”.

A dor da ausência que não tem nome

Tati estava com 33 semanas de gestação quando percebeu que algo não estava certo. Já tinha sido alertada por profissionais da saúde de que, nos estágios mais avançados da gravidez, era comum que os movimentos do bebê diminuíssem. Ainda assim, algo em seu coração de mãe lhe dizia que precisava ir ao hospital. Foi ao fazer um exame que recebeu a notícia que nenhuma mãe deseja ouvir: o coração de Rael havia parado.

“É uma cobrança muito grande, essa tal da culpa”, disse a jornalista com a voz trêmula. “Cadê o sinal? Eu não tava sentindo ele mexer, mas ao mesmo tempo já tinha sido orientada que é comum. Ele já estava muito grande, então às vezes ele só estava de boa ali. Eu estava tentando não ficar noiada. Eu não senti nada. Não passei mal, não aconteceu nada.”

A perda gestacional tardia é uma dor muitas vezes silenciada, uma ferida invisível para o mundo, mas que sangra dia após dia no coração das mães e pais que a vivenciam. Ao decidir falar abertamente sobre o ocorrido, inclusive em uma entrevista ao “Fantástico” no último domingo (27), Tati deu voz a muitas mulheres que passaram ou passam pela mesma experiência — e que, assim como ela, precisam lidar com o luto de um filho que nunca puderam pegar no colo fora do ventre.

O silêncio e o amor como abrigo

Durante sua fala, Tati destacou a importância da rede de apoio que a acolheu nos dias mais difíceis. “Fui abraçada de uma forma que jamais imaginei. Minha família, meus amigos, meus colegas de trabalho, os médicos, as enfermeiras, os fãs, pessoas que nunca vi na vida… todo mundo me enviou palavras de carinho. Eu senti esse amor como um cobertor nos dias mais frios da minha vida.”

Ela também mencionou como o silêncio teve seu valor. “Nem sempre a gente precisa ouvir algo. Às vezes, só de alguém estar ali, sentar ao nosso lado e ficar em silêncio já é muito. Meu marido foi esse silêncio. Minha mãe foi esse colo. A TV, minha casa profissional, foi esse lugar seguro”, afirmou.

Ana Maria, que ao longo de sua carreira também compartilhou episódios de perdas e recomeços, fez questão de enfatizar a coragem de Tati: “Você não tem ideia de quantas mulheres e famílias você está acolhendo só por estar aqui hoje. Falar é difícil, mas é um gesto de amor”.

Maternidade interrompida, amor que continua

Tati e Bruno tinham escolhido o nome Rael com carinho. Um nome curto, sonoro, carregado de significado. “A gente sempre imaginava como seria ele. Com quem se pareceria. Já imaginávamos o primeiro dia de aula, os aniversários, as viagens. E, de repente, tudo se quebrou”, conta ela, com os olhos marejados. “Mas eu continuo sendo mãe do Rael. Ele existiu. Ele me transformou.”

A apresentadora reforçou que sua fala pública não tem o objetivo de buscar respostas, mas de validar a existência de Rael. “A dor da perda é imensa, mas o amor continua. Não quero que ele seja lembrado apenas como ‘o bebê que não nasceu’. Ele foi esperado, amado, desejado. Ele existiu. E sempre vai existir.”

Bruno, por sua vez, emocionou o público ao falar da paternidade interrompida. “Fui pai do Rael por 33 semanas. Eu falava com ele, lia, cantava. Trocava ideias com a barriga da Tati. Quando soube que ele tinha partido, minha primeira reação foi de negação. Depois, veio a raiva. Agora, estamos tentando aprender a viver com saudade de alguém que a gente só conheceu dentro do ventre. É muito difícil.”

A vida que segue, com delicadeza

Retornar à TV após uma perda como essa exige força e vulnerabilidade. Tati optou por voltar ao “Mais Você” gradualmente, sentindo os próprios limites e respeitando suas emoções. “Eu ainda estou muito sensível. Tem dias em que não consigo sair da cama. Outros dias, consigo sorrir. E tudo bem. O luto não tem forma, não tem prazo. Estou reaprendendo a ser eu.”

Durante o programa, foram exibidas imagens de Tati ao longo da gestação, mostrando momentos felizes e leves do casal. As imagens causaram comoção no estúdio e também entre os telespectadores, que enviaram mensagens de carinho e apoio através das redes sociais.

Ana Maria Braga, com sua sensibilidade habitual, concluiu o bloco dizendo: “Hoje, o Brasil está aprendendo a lidar com uma dor silenciosa e profunda. Obrigada, Tati, por nos ensinar que até na dor existe beleza — quando ela é atravessada com amor”.

Sobre Tati Machado

Nascida no Rio de Janeiro em 1991, a apresentadora tem se destacado como uma das jornalistas e comunicadoras mais queridas da televisão brasileira. Começou sua carreira em 2012 no SBT e logo ingressou na TV Globo, onde trilhou um caminho marcado por versatilidade, carisma e bom humor.

Foi no “Se Joga” que Tati ganhou visibilidade nacional, e desde então sua presença tem sido constante em programas como “É de Casa”, “Encontro” e “Mais Você”. Em 2024, venceu a “Dança dos Famosos” ao lado de Diego Maia, conquistando o coração do público com sua entrega e espontaneidade.

Casada com Bruno Monteiro, cineasta e diretor de fotografia, Tati sempre compartilhou com os fãs momentos de leveza, amor e autenticidade. Sua vivência recente da perda de Rael adiciona agora uma nova camada à sua trajetória: a da maternidade interrompida, mas repleta de significado.

Bruno Gadiol canta os pequenos gestos do amor em “Coisas Triviais”, sua nova faixa intimista

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Existe um tipo de amor que não precisa de declaração em alto-falante, buquê exagerado ou grandes promessas. Ele aparece aos poucos, no silêncio de quem compartilha um sofá, um café da manhã ou um sorriso espontâneo ao fim do dia. E é justamente esse tipo de sentimento que o cantor, compositor e ator Bruno Gadiol transforma em música em seu novo single, “Coisas Triviais”, que chega às plataformas no dia 31 de julho.

A canção abre caminho para o Ato 3 – Saturno, parte final do álbum Gêmeos em Gêmeos, segundo projeto de estúdio de Bruno que será lançado em agosto. Sensível e generosa em sua simplicidade, a faixa é um convite ao afeto sereno — aquele que floresce fora dos holofotes, no cotidiano compartilhado.

Uma canção que nasce da calma

Com voz suave e letra sincera, Bruno entrega um relato íntimo: a descoberta de um amor tranquilo após desilusões que deixaram marcas. Não é um lamento, mas uma celebração. Ao invés de versos carregados de dor, ele fala sobre acordar ao lado de alguém que traz paz, caminhar pela cidade de mãos dadas, rir das mesmas piadas. “Coisas triviais”, sim — mas que juntas formam o alicerce de algo muito maior.

Mais do que uma faixa romântica, a música é quase uma conversa entre Bruno e ele mesmo. Como se estivesse, enfim, reconhecendo o valor da quietude depois de viver amores barulhentos demais. Há uma maturidade emocional presente, mas sem perder a doçura que sempre marcou suas composições.

Um clipe que é memória viva

Além da música, Bruno também entrega um clipe que é pura verdade. Sem roteiro elaborado, sem atores contratados. Ele mesmo dirigiu, filmou e editou o vídeo com registros reais do seu dia a dia — cenas gravadas ao longo dos últimos meses com seu namorado, inspiração direta da canção.

É como abrir um caderno de lembranças onde cabem pequenos instantes que, vistos em sequência, emocionam: alguém servindo café, um olhar demorado, um abraço depois de um dia comum. Tudo é simples, tudo é sincero — e, por isso mesmo, tudo é profundamente tocante.

Bruno, mais do que cantar sobre o amor, vive o amor em câmera aberta, sem pudor de mostrar sua intimidade, mas sempre com respeito e delicadeza. O clipe é um reflexo disso: uma declaração sem palavras para alguém que fez da vida a melhor melodia.

Entre a Bossa e a MPB, um som que acolhe

Na produção musical, Bruno se uniu ao produtor Zain, nome em ascensão que já colaborou com artistas como Anitta e MC Zaac. Mas aqui, a vibe é outra. Inspirados na leveza da bossa nova e na melodia acolhedora da MPB, os dois criaram uma faixa que mais parece um cobertor musical.

Violões suaves, batidas discretas e um arranjo sem pressa se unem à voz de Bruno como uma conversa entre amigos no fim da tarde. Nada é forçado. Nada grita. A canção respeita o espaço de cada palavra, como quem entende que o amor também precisa de silêncio.

Segundo Bruno, a ideia era criar algo que “soasse como um abraço”. E é exatamente essa sensação que fica: um carinho no peito, uma lembrança boa, um suspiro de quem reconhece o amor verdadeiro nos gestos mais simples.

Um álbum em três atos e mil emoções

A nova canção faz parte de um projeto maior: o álbum Gêmeos em Gêmeos, dividido em três atos — Vênus, Marte e Saturno —, cada um com uma proposta emocional e sonora diferente. O artista define o disco como seu “mapa astral emocional”, e não é difícil entender por quê.

Ele mergulha fundo em fases, sentimentos e descobertas. É um álbum que acompanha os altos e baixos da alma, sem medo de mostrar as falhas, os acertos, os desejos e as dores. Um trabalho autoral no sentido mais completo da palavra, já que todos os clipes são dirigidos por ele mesmo, reforçando sua entrega não apenas como cantor, mas como artista visual.

Ao longo das faixas — são 12 no total — Bruno transita por camadas da sua própria história, abrindo espaço também para colaborações com ZAAC, CLAU e outros artistas que, assim como ele, buscam dizer algo que vá além da superfície.

Uma fase mais leve, mas cheia de profundidade

Gadiol já mostrou que sabe cantar sobre feridas, sobre amores que não deram certo, sobre a dor de se entregar e não ser correspondido. Mas agora, ele parece ter virado uma página. Não que tenha deixado de sentir — ao contrário, sente mais do que nunca. Só que agora sente com calma, com discernimento, com gratidão.

E essa nova fase, mais leve, tem um valor imenso. Porque num mundo tão acelerado, onde todo sentimento precisa ser grandioso para ganhar curtidas, o cantor escolhe cantar sobre o que ninguém vê: os bastidores do amor.

A música é, portanto, uma canção para quem entende que o extraordinário está no ordinário. Que amar é também lavar a louça juntos, esperar o outro dormir, dividir uma sobremesa ou simplesmente caminhar em silêncio sabendo que a companhia basta.

Um convite ao agora

Com lançamento marcado para o dia 31 de julho, Coisas Triviais é o tipo de faixa que pede para ser ouvida com atenção — talvez com os olhos fechados, talvez olhando para alguém querido ao lado. É um lembrete sutil de que a vida está acontecendo agora, entre um gesto e outro. E que o amor, quando verdadeiro, não precisa de cenário ideal: ele se basta com o que há.

HIM | Novo terror assinado por Jordan Peele ganha trailer impactante e emocionante

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Esdras Ribeiro
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Acaba de ser lançado o trailer de HIM, o mais novo filme do premiado diretor Jordan Peele, e já provoca aquela mistura intensa de ansiedade e expectativa. Em poucas imagens, o vídeo revela a pressão silenciosa de um jovem atleta tentando se reerguer após uma grave lesão, enquanto uma sombra de mistério envolve a trama. O resultado é uma combinação de medo e esperança que vai além do terror convencional, trazendo à tona uma história de luta, dor e resiliência que deve ficar conosco muito tempo depois dos créditos finais.

Desde sua estreia como diretor com Get Out, Jordan Peele se destacou não só por assustar, mas por nos fazer sentir — aquela inquietação que toca o peito, o medo que se mistura à reflexão sobre questões sociais e humanas profundas. Seu terror ultrapassa fantasmas e monstros, para revelar as feridas da sociedade e a complexidade do ser humano.

Em HIM, essa característica se mantém, mas o foco muda para o universo do futebol americano. E não o brilho dos holofotes, mas o campo da dor silenciosa, da queda inesperada e do esforço para se reerguer. O longa acompanha um jovem atleta cujo futuro é ameaçado por uma lesão, que encontra um mentor improvável para ajudá-lo a reconstruir não apenas seu corpo, mas também sua alma.

O que emociona na trama é essa delicada dualidade entre a dor da perda e a esperança do recomeço. Peele tem um talento raro para capturar momentos em que o medo se transforma em força, e o olhar para dentro revela um turbilhão de emoções contraditórias. Ao unir o terror com a jornada esportiva, ele destaca não só a competitividade e pressão, mas também o lado humano do atleta — aquele que muitas vezes fica oculto por trás da glória e dos aplausos.

A esse enredo se soma a presença de Marlon Wayans, conhecido pelo humor e carisma, que surpreende ao assumir um papel sensível e fundamental. Seu personagem, um treinador e guia, traz à tela a importância do apoio verdadeiro, do abraço que conforta e da palavra que levanta. É a conexão que desperta a força interior do protagonista e dá vida ao coração da narrativa.

Assistir a HIM será mais do que acompanhar um filme de terror: será mergulhar numa experiência onde o medo se confunde com coragem, e o desafio físico ganha profundidade emocional. Jordan Peele usa seu gênero com maestria para abordar temas sensíveis — vulnerabilidade, superação, medo do fracasso — sempre com autenticidade e impacto.

Ao longo da carreira, Peele também se mostrou comprometido em dar voz a histórias de personagens negros complexos e cheios de humanidade, ampliando a representatividade no cinema. HIM segue essa trajetória, reforçando a importância de protagonismos diversos e reais.

O lançamento nos Estados Unidos está previsto para 19 de setembro. Ainda sem data confirmada no Brasil, o filme já gera grande expectativa, principalmente entre os fãs do diretor, que sabem que ele entrega algo além do entretenimento: um convite para olhar para dentro, reconhecer nossos medos e encontrar a força para enfrentá-los.

HIM promete emocionar e dialogar tanto com quem gosta de terror quanto com quem entende a luta diária — seja nos esportes, seja na vida. No fundo, Jordan nos lembra que os verdadeiros monstros que encaramos estão dentro de nós, e que o caminho da vitória passa por reconhecer nossa fragilidade e seguir em frente, com coragem.

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