Sombras no Deserto traz Nicolas Cage em uma visão ousada e sombria sobre a juventude de Jesus

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Estreia em 13 de novembro nos cinemas brasileiros o longa-metragem “Sombras no Deserto”, uma das produções mais ousadas e debatidas do ano. Distribuído pela Imagem Filmes, o título marca uma nova fase na carreira de Nicolas Cage, que assume um papel intenso e carregado de simbolismo ao lado de FKA Twigs e Noah Jupe. A direção é de Lotfy Nathan, cineasta que imprime ao projeto uma visão autoral e inquietante sobre fé, destino e a natureza do poder.

Ambientado no Egito Antigo, o filme apresenta uma leitura radicalmente inédita sobre um tema raramente explorado: a adolescência de Jesus Cristo. A trama é inspirada no Evangelho apócrifo de Pseudo-Tomé, um texto que descreve os chamados “anos perdidos” da vida do messias, ausentes nos evangelhos oficiais. Nessa versão, o jovem Jesus manifesta dons sobrenaturais que ainda não compreende, tornando-se um ser dividido entre o sagrado e o humano, entre o milagre e o medo.

Para Lotfy Nathan, o projeto nunca teve como propósito provocar a fé, mas sim investigar o mistério da formação de um mito. “Eu não pretendia fazer um filme religioso”, afirma o diretor. “Mas conforme mergulhei nessa história, percebi que ela fala sobre o que é ser parte de uma família — sobre amor, temor e sobrecarregar alguém com expectativas impossíveis.” Essa perspectiva íntima e emocional transforma o longa em um drama sobrenatural de forte impacto psicológico, em que a tensão cresce à medida que o poder do garoto ameaça desestabilizar todos ao seu redor.

No papel do pai, chamado apenas de O Carpinteiro, Nicolas Cage entrega uma das atuações mais vigorosas de sua carreira recente. Seu personagem é um homem simples que vê sua fé e sua sanidade abaladas diante do inexplicável. Ao seu lado, FKA Twigs vive a mãe do menino, uma mulher que tenta proteger o filho e preservar a unidade da família mesmo quando a presença dele passa a ser vista como uma maldição. O jovem Noah Jupe completa o trio principal com uma performance densa e misteriosa, capturando a inocência e a perturbação de um ser que carrega o divino sem compreender o que isso significa.

A direção de Nathan aposta em uma estética austera e hipnótica. As paisagens áridas, o silêncio opressivo e a fotografia em tons terrosos evocam um clima de solidão e reverência, enquanto a câmera acompanha de perto os gestos e olhares dos personagens, ampliando o desconforto e a sensação de isolamento. Essa atmosfera reforça a dualidade do filme: o deserto físico reflete o deserto interior de seus protagonistas — um lugar onde fé e medo coexistem.

O resultado é uma obra que desafia classificações fáceis. Nem uma cinebiografia religiosa, nem um terror convencional, “Sombras no Deserto” é uma meditação cinematográfica sobre a origem da fé e o preço da diferença. Cada cena parece construída para provocar desconforto e reflexão, conduzindo o espectador a um terreno onde o sagrado se confunde com o humano e onde a inocência pode se transformar em poder destrutivo.

Em festivais internacionais, o longa já vem sendo descrito como “uma experiência espiritual perturbadora”, elogiado pela coragem estética e pela profundidade de suas interpretações. Críticos destacam a performance contida e magnética de Nicolas Cage, a entrega emocional de FKA Twigs e a sensibilidade de Nathan ao tratar temas teológicos sob um olhar humano e contemporâneo.

Max Oliver: O Protetor das Galáxias | Jonatas Aragão fala sobre como transformou a dor em ficção e esperança

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Foto: Reprodução/ Internet

Por trás de lutas intergalácticas e um multiverso recheado de inteligência artificial, mitologia e desigualdade social, Max Oliver: O Protetor das Galáxias guarda algo muito mais íntimo: a história de um homem que usou a imaginação como forma de sobrevivência. Escrita por Jonatas Aragão, a saga não nasceu em meio ao conforto de um escritório silencioso, mas sim em um porão improvisado, onde a esperança era o único alicerce possível.

Na conversa a seguir, Jonatas compartilha como deu vida ao seu protagonista em um dos momentos mais difíceis da própria trajetória — e como a ficção virou abrigo, motivação e caminho de transformação. Max, afinal, não é apenas um herói de fantasia. É reflexo da luta de quem, mesmo sem superpoderes, decide continuar tentando.

Como nasceu o universo de Max Oliver? Há quanto tempo essa história te acompanha?

Tudo começou entre 2019 e 2020, quando me mudei para São Paulo em busca de uma vida melhor. Chegando na Baixada Santista, enfrentei uma realidade dura: desemprego, dificuldades financeiras e, mais tarde, a pandemia, que agravou ainda mais a situação. Como meu relacionamento com a esposa do meu pai não era bom, acabei sendo expulso de casa.

Passei a viver em um porão, dormindo em uma cama feita de blocos de cimento e pedaços de madeira, coberta por uma espuma fina. Me sentia completamente derrotado.

Foi num desses dias tristes que ouvi, pelo celular emprestado do dono da casa, a música Tente Outra Vez, de Raul Seixas. Aquela canção despertou algo dentro de mim — um desejo quase esquecido de recomeçar. Ao lado da cama, havia um caderno velho. Peguei uma caneta e rabisquei os primeiros personagens: um garoto com dois braceletes e uma menina misteriosa. Eles viriam a ser Max Oliver e Sarah Blake.

Ali, naquele instante, eu entendi que a escrita poderia me resgatar. Aquela história se tornaria minha força. Assim nasceu o primeiro volume da saga, que hoje sei que terá doze. Foi o meu jeito de transformar dor em criação.

Seu livro mistura multiversos, desigualdade, IA e mitologia. Como costurou tudo isso sem perder o lado emocional?

A desigualdade social foi o ponto de partida. No primeiro volume, ela está muito presente. Me inspirei no bairro do Bronx, nos EUA — lugar de abandono e sobrevivência. Max é um garoto criado no pior bairro de Nova York, vivendo com a mãe, Bárbara, uma mulher guerreira. Do outro lado da balança está Sarah Medellín Blake, uma jovem multibilionária de uma das famílias mais influentes do mundo. A distância entre eles não é só financeira — é um abismo de experiências.

Mas não queria contar apenas uma história sobre contrastes sociais. Quis sonhar maior. Quis criar um multiverso onde tudo fosse possível: raças inéditas, tecnologias imaginárias, culturas próprias e até civilizações inteiras.

A mitologia entrou depois, por sugestão do coautor Jorge Miguel, que viu na mitologia um elo simbólico capaz de aprofundar ainda mais a trama. Ela trouxe camadas, significados, pontes entre passado e futuro.

Apesar da variedade de elementos, a emoção sempre foi meu norte. Queria tocar o coração das pessoas — crianças, adultos ou idosos. Escrevo de forma simples, direta, mas com espaço para quem quiser mergulhar fundo.

A nostalgia geek é muito presente. Qual foi o papel das referências dos anos 90 e 2000 na construção da saga?

Essas referências foram fundamentais. Não como adorno, mas como essência. As produções geek da minha infância e adolescência — Ben 10, Liga da Justiça, Super Choque, Homem-Aranha, Batman do Futuro — todas elas me ensinaram valores.

Mais do que ação, elas falavam sobre coragem, empatia, sacrifício, amizade. Eram verdadeiras aulas de humanidade disfarçadas de aventura.

Ao colocar essas influências em Max Oliver, meu objetivo foi duplo: prestar uma homenagem afetiva e apresentar essas vibrações a uma nova geração. Muitos jovens de hoje não conheceram essas obras, então quis trazer, com minha própria linguagem, um pouco daquela mágica de volta.

Qual é, no fim das contas, a mensagem que você gostaria que os leitores levassem de Max Oliver?

Espero que os leitores entendam que Max Oliver é mais do que ficção científica — é uma história sobre gente. Sobre nós. Sobre dor, escolhas e recomeços.

Quero que cada pessoa que leia o livro perceba que também carrega dentro de si um potencial enorme, ainda que adormecido. E que esse potencial, às vezes, só desperta nos momentos mais escuros da vida.

Não são os superpoderes que tornam alguém especial. São as decisões que tomamos quando tudo parece perdido. Max não é invencível. Ele sofre, erra, cai. Mas segue em frente — e isso o transforma.

No fim, meu desejo é que Max Oliver seja, para quem lê, o que ele foi para mim: uma fagulha de esperança. Uma lembrança de que ainda dá pra tentar. Ainda dá pra recomeçar.

Thunderbolts chega com tudo, mas bilheteria fica no vermelho

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Se você esperava que Thunderbolts fosse explodir nas telonas como um raio, a notícia é que o filme vai fechar com uma bilheteria modesta — algo em torno de US$ 390 milhões pelo mundo todo. Para um blockbuster que custou US$ 180 milhões e ainda levou mais US$ 100 milhões em divulgação, o desempenho pode parecer meio “sem faísca”. O filme fica atrás de outros lançamentos recentes da Marvel, como Eternos (US$ 401 milhões) e até do Adão Negro (US$ 393 milhões). Mas, calma, nem tudo é cinza nesse céu!

Nos Estados Unidos, o começo foi promissor: com US$ 76 milhões em poucos dias, Thunderbolts superou até o desempenho inicial de Shang-Chi e Eternos. O filme precisou de oito dias para passar da marca de US$ 100 milhões por lá — o que, para o MCU, é um resultado razoável, embora longe dos recordes. Na pré-estreia, o longa faturou US$ 11 milhões, quase igualando os US$ 12 milhões de Capitão América: Admirável Mundo Novo e ficando atrás apenas dos US$ 17,5 milhões de Guardiões da Galáxia Vol. 3.

Mas por que o filme não brilhou mais? Talvez porque Thunderbolts aposta numa turma meio “bad boys” do MCU: anti-heróis que estão longe daquele tradicional bonzinho da Marvel. Aqui o grupo é formado pelo Agente Americano John Walker (Wyatt Russell), a Viúva Negra Yelena Belova (Florence Pugh), o Guardião Vermelho Alexei Shostakov (David Harbour), o icônico Soldado Invernal Bucky Barnes (Sebastian Stan), a Fantasma (Hannah John-Kamen), e a Treinadora (Olga Kurylenko). E no comando, ninguém menos que a enigmática Valentina Allegra de Fontaine, interpretada pela super carismática Julia Louis-Dreyfus. Para completar o time, Lewis Pullman surge como Bob, o Sentinela.

Essa galera é perfeita para quem curte personagens com histórias tortuosas, dilemas éticos e aquele toque sombrio, muito diferente do clássico herói que sempre salva o dia com moral cristalina. O filme mergulha fundo nessa vibe “heróis com defeitos”, o que é um frescor dentro do MCU, mas pode não ter sido tão atraente para o público geral que prefere as aventuras tradicionais.

Além disso, Thunderbolts prepara o terreno para futuras histórias, abrindo portas para novas tramas e talvez até spin-offs — afinal, anti-heróis têm muito mais histórias para contar do que só “salvar o mundo”.

No fim das contas, Thunderbolts é aquele filme para os fãs que gostam de ver a Marvel explorar outros tons e nuances, saindo do lugar comum. E para quem curte personagens complexos, é um prato cheio!

E aí, você já viu? Curtiu a vibe dos anti-heróis tentando dar um jeito no mundo ou achou que faltou fogo nessa equipe? Conta aí!

Sensacional 12/05/2025: Luiz Bacci relembra pedido marcante de Silvio Santos em entrevista a Daniela Albuquerque

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Com 30 anos de carreira e uma trajetória que começou ainda na infância, Luiz Bacci é hoje um dos nomes mais reconhecidos do jornalismo policial brasileiro. Aos 41 anos, o apresentador do Cidade Alerta relembrou, em entrevista emocionante à Daniela Albuquerque, momentos marcantes da sua vida profissional e pessoal no programa Sensacional, exibido nesta segunda-feira (12) na RedeTV!.

Do rádio em Mogi das Cruzes à televisão nacional

Nascido em Mogi das Cruzes (SP), Bacci iniciou sua carreira com apenas 12 anos, como apresentador de um programa de rádio local. Desde cedo, já demonstrava carisma e talento para a comunicação. Com o tempo, sua determinação o levou a conquistar espaço na televisão, onde consolidou sua imagem como repórter e âncora de programas populares voltados à cobertura policial.

“Eu sempre soube que queria fazer isso. Desde criança, minha paixão era comunicar, contar histórias reais, dar voz às pessoas”, contou Bacci, emocionado ao lembrar das origens.

Homenagem a Silvio Santos e um último encontro marcante

Durante a conversa, Bacci também relembrou sua admiração por Silvio Santos, com quem trabalhou entre 2007 e 2010, em sua primeira passagem pelo SBT. Um dos momentos mais comoventes foi o relato do último encontro com o apresentador, pouco antes de seu afastamento definitivo da televisão.

“Quando ele gravou o último programa, eu ia participar, mas a Record não liberou. Depois, consegui encontrá-lo no Jassa, e algo muito simbólico aconteceu: ele pediu para tirar uma foto comigo. Foi como uma despedida. Quatro meses depois, ele faleceu. Aquilo ficou marcado para sempre.”

O pai como guia e uma coincidência que mudou sua vida

Em outro momento tocante, o jornalista falou sobre a importância do pai em sua jornada. Ele revelou uma coincidência que o emociona até hoje: pouco antes de falecer, seu pai teve uma espécie de premonição sobre o futuro profissional do filho.

“Ele disse: ‘Seu tempo em Mogi acabou. Algo maior vai acontecer em São Paulo’. No dia seguinte, ele morreu. E, no sétimo dia da missa, o SBT me ligou com uma proposta de trabalho. Foi algo muito forte, muito simbólico pra mim.”

Apesar do apoio do pai, Bacci contou que sua mãe tinha medo da exposição e dos riscos envolvidos na carreira artística, como o uso de drogas e a pressão psicológica.

“Ela sempre teve medo, mas eu sabia que esse era meu caminho. Foi um chamado que eu nunca consegui ignorar.”

Vida amorosa: “Casamento? Tô fora!”

No fim da entrevista, com bom humor e sinceridade, Luiz Bacci também abriu o jogo sobre sua vida amorosa. Questionado sobre relacionamentos, ele respondeu com a irreverência que já virou sua marca registrada:

“Namorando? Não, não sou besta. E casar então? Deus que me livre, tô fora. Não acredito mais no casamento. Prefiro focar em mim, no meu trabalho e na minha paz.”

O “Menino de Ouro” da televisão

Apelidado de “Menino de Ouro” por Marcelo Rezende, seu grande mentor na Record, Bacci honra o legado com ética, dedicação e coragem. Ao longo da entrevista, ficou claro que por trás do apresentador firme dos noticiários, existe um homem sensível, grato à família, e apaixonado pelo que faz.

“Lutando por Você” – Uma série que une ação, suspense e emoção disponível no Viki

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Foto: Reprodução/ Internet

No cenário cada vez mais diversificado das produções asiáticas para streaming, “Lutando por Você” destaca-se como um drama que combina ação, suspense e uma profunda carga emocional. Disponível na plataforma Viki, a série vem conquistando o público com uma trama que transcende o mero entretenimento, oferecendo uma reflexão sobre escolhas difíceis, relações humanas e o preço da sobrevivência.

Uma trama envolvente em meio a dilemas morais

A narrativa acompanha Da Hei, interpretado por Andy Ko, um jovem que enfrenta graves dificuldades financeiras em decorrência de despesas médicas. Para garantir sua subsistência, ele ingressa em uma organização misteriosa que oferece trabalhos de toda natureza, que vão desde tarefas corriqueiras, como encontrar animais perdidos, até atividades perigosas e moralmente ambíguas, incluindo ações violentas.

Neste ambiente repleto de incertezas, Da Hei conhece Xiao Bai (Nelson Ji), seu colega de quarto e parceiro nas missões. Porém, há um segredo por trás dessa convivência: Xiao Bai é, na verdade, um agente secreto infiltrado com a missão de desmantelar a organização da qual Da Hei faz parte.

A série constrói, ao longo dos episódios, uma dinâmica complexa entre os dois protagonistas, que desenvolvem uma relação de confiança e cumplicidade que desafia suas obrigações profissionais e pessoais, conduzindo a uma narrativa carregada de tensão e emoção.

Personagens que vão além dos estereótipos

Um dos pontos fortes de “Lutando por Você” está na construção dos personagens centrais. Da Hei é um personagem profundamente humano, que enfrenta dilemas cotidianos com coragem e vulnerabilidade. Andy Ko entrega uma atuação convincente, retratando o conflito interno de um jovem que precisa se reinventar em um ambiente hostil sem perder sua essência.

Já Xiao Bai, interpretado por Nelson Ji, traz a complexidade do agente infiltrado dividido entre seu dever e os laços que cria. Sua jornada mostra que, mesmo aqueles com missões claras, podem ser movidos por sentimentos e questionamentos pessoais.

Essa dualidade dos protagonistas é o que dá ritmo à série, mantendo o público engajado e interessado em seus destinos.

Qualidade técnica e narrativa

Sob a direção de Cai Fei Qiao, a série apresenta uma produção que alia qualidade técnica a um roteiro inteligente. A ambientação reforça a atmosfera de suspense e perigo, enquanto a edição equilibra cenas de ação com momentos introspectivos.

A trilha sonora é utilizada com precisão, ressaltando as tensões dramáticas e acentuando os vínculos emocionais entre os personagens. O roteiro evita clichês e oferece reviravoltas que enriquecem a narrativa, além de abordar questões sociais relevantes, como desigualdade e os desafios das camadas mais vulneráveis.

A relevância da série no panorama atual

A obra dialoga com uma audiência global que busca produções que misturem entretenimento de qualidade com temas profundos. Em um momento em que as plataformas de streaming investem em conteúdo diversificado, esta série asiática oferece uma perspectiva autêntica sobre a realidade de muitos jovens, suas batalhas internas e externas.

A série também contribui para ampliar a representatividade no gênero de dramas de ação, ao dar voz a personagens que refletem nuances reais, longe do maniqueísmo tradicional.

Disponibilidade e como assistir

A série está disponível no Viki, plataforma especializada em conteúdo asiático, que oferece legendas em diversos idiomas. O público pode optar por assistir gratuitamente com anúncios ou assinar o serviço VIP para acesso antecipado e sem interrupções.

Cinemaço deste domingo (13): TV Globo exibe O Relatório — quando a verdade se torna um campo de batalha

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Neste domingo, 13 de julho, o Cinemaço da TV Globo exibe um desses que não se esquece fácil: “O Relatório”, estrelado por Adam Driver e baseado em uma história real que ainda ecoa — talvez porque ela nunca tenha realmente terminado.

É sobre guerra, poder e política? Sim. Mas, mais do que isso, é sobre gente tentando fazer a coisa certa quando o mundo todo parece conspirar para que não façam.

Uma investigação que custou anos — e quase a própria alma

Daniel J. Jones (vivido com entrega por Adam Driver) não é um herói no molde clássico. Ele não tem capa, nem frases de efeito. É um homem comum — com senso de dever incomum.

Analista do Senado dos EUA, ele recebe a missão de investigar as ações da CIA após os atentados de 11 de setembro. Descobre, então, um sistema que legalizou a tortura, apagou rastros, destruiu fitas e contou com o silêncio de muita gente que preferiu “seguir ordens”.

Mas Daniel não recua. Mesmo quando a pressão aumenta. Mesmo quando ninguém mais acredita. Mesmo sem saber se alguém vai ouvir sua verdade.

E é aí que o filme se torna menos sobre política, e mais sobre coragem.

Uma história real contada sem efeitos — só com impacto

Dirigido e roteirizado por Scott Z. Burns, O Relatório é direto, denso, incômodo. Não tenta ser fácil — e não precisa. Ele aposta no poder do conteúdo, no peso dos documentos, na atuação contida e brilhante de um elenco que entende que menos é mais.

Annette Bening está impressionante como a senadora Dianne Feinstein, e Jon Hamm oferece a ambiguidade perfeita em um mundo onde quase ninguém é 100% inocente.

Silêncio, negação e uma pergunta que ainda paira

O que o filme mostra com precisão assustadora é o modo como a verdade incomoda quem se beneficia da mentira. Jones passa quase uma década montando o chamado “relatório da tortura” — e ainda assim não sabe se alguém vai lê-lo. Ou se vai fazer diferença.

A pergunta que O Relatório nos faz, sem gritar, é essa:
Quanto vale a verdade quando ninguém quer ouvi-la?

Uma noite para pensar, não só assistir

A TV aberta tem o poder de colocar histórias como essa nas casas de milhões. E nesse domingo, o Cinemaço oferece mais do que um filme: entrega uma reflexão necessária sobre ética, dever e o que resta de nós quando escolhemos o caminho certo — mesmo sozinhos.

Se você busca mais do que entretenimento, não perca.

Crítica – Jurassic World: Recomeço é um espetáculo visual que honra a franquia

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Quando a franquia Jurassic Park estreou nos anos 90, ela redefiniu o conceito de espetáculo cinematográfico. Trinta anos depois, Jurassic World: Recomeço tenta equilibrar respeito ao passado com ambições de um novo começo. E embora não revolucione a fórmula, entrega uma produção visualmente deslumbrante, com momentos de pura adrenalina.

Dirigido por Gareth Edwards (Godzilla, Rogue One), o filme impressiona desde os primeiros minutos com sua escala grandiosa e direção segura. O cineasta tem um olhar aguçado para criar tensão e impacto visual, e sabe exatamente como construir a sensação de que o ser humano voltou a ser minúsculo diante das forças da natureza.

🧬 Scarlett Johansson lidera com força e sutileza

Scarlett Johansson estreia com brilho na franquia como Zora, uma cientista marcada por decisões do passado. A atriz traz intensidade emocional e presença magnética, conseguindo transmitir complexidade mesmo quando o roteiro não aprofunda tanto suas motivações. Sua atuação é um dos grandes destaques e confere credibilidade a uma trama que poderia facilmente escorregar para o exagero.

O elenco de apoio também se sai bem, com boas performances e química em cena. Embora falte espaço para desenvolvimentos mais robustos, todos entregam o necessário para manter a história em movimento — com empatia, leveza e ritmo.

🦕 Dinossauros imponentes, ação na medida certa

Se há uma promessa que Recomeço cumpre com louvor, é a de oferecer um verdadeiro show de criaturas pré-históricas. Os efeitos visuais são excepcionais, e as sequências de ação têm energia e coreografia bem resolvidas. Há dinossauros novos, mutações intrigantes e até um toque de terror em certos momentos. O design sonoro e a trilha também ajudam a construir a atmosfera de aventura com tensão constante.

Mais do que sustos e perseguições, o filme também acerta ao apresentar uma ambientação que mistura o tecnológico e o selvagem, refletindo o caos gerado por décadas de manipulação genética. Essa fusão entre passado e futuro é um dos temas que Recomeço aborda com mais consistência.

🔄 Um recomeço cauteloso, mas promissor

Apesar do título ambicioso, o roteiro ainda se prende a estruturas familiares. Elementos como a corporação vilanesca, a criatura que escapa do controle e o embate final grandioso já são conhecidos do público. Mas, diferentemente dos últimos filmes da trilogia World, aqui há mais equilíbrio entre nostalgia e avanço. O filme não tenta apagar o passado, mas dialoga com ele — e isso já representa um progresso.

Há, sim, espaço para mais ousadia em filmes futuros, principalmente em termos temáticos e dramáticos. Mas Recomeço serve como uma ponte bem construída entre o que foi e o que pode vir. Ele planta sementes para uma nova fase — mais sombria, mais reflexiva e, quem sabe, mais surpreendente.

🎬 Uma aventura digna, com alma blockbuster e coração clássico

Jurassic World: Recomeço talvez não seja o capítulo mais inovador da saga, mas é um dos mais bem executados da era moderna. Com visual arrebatador, ritmo eficiente e uma protagonista forte, o longa cumpre seu papel de entretenimento com qualidade.

É o tipo de filme que vale ser visto na tela grande — não apenas pelos dinossauros, mas pelo esforço sincero de entregar algo relevante dentro de uma franquia marcada por altos e baixos. Um recomeço que pode, com os ajustes certos, levar a um novo auge.

Hana-Kimi ganha adaptação em anime! Clássico da comédia romântica japonesa chega à Crunchyroll em 2026

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O amor está prestes a florescer novamente — desta vez, em forma de anime. O clássico mangá Hana-Kimi (Hanazakari no Kimitachi e), uma das histórias mais queridas e divertidas dos anos 2000, finalmente ganhará sua primeira adaptação animada, com estreia marcada para 4 de janeiro de 2026 na Crunchyroll. Produzida pelo estúdio Signal.MD, conhecido por obras visualmente delicadas como Nina the Starry Bride, a série promete resgatar o charme e o humor da trama original, que conquistou gerações de leitores ao redor do mundo. Abaixo, confira o novo trailer divulgado:

Uma nova vida para um clássico do shoujo

Publicado originalmente entre 1996 e 2004 na revista Hana to Yume, o mangá criado por Hisaya Nakajo marcou época por sua mistura de comédia romântica, drama escolar e toques sutis de questionamento de gênero — algo considerado ousado para sua época. Com mais de 23 volumes e cerca de 17 milhões de cópias vendidas, Hana-Kimi se tornou uma das séries shoujo mais influentes dos anos 2000, inspirando várias adaptações live-action em países como Japão, Taiwan e Coreia do Sul.

Agora, duas décadas após o fim da publicação, os fãs finalmente poderão ver Mizuki, Sano e Nakatsu ganhando vida em animação — com o toque moderno da equipe criativa que promete equilibrar nostalgia e frescor.

Detalhes da produção e equipe criativa

O anime de Hana-Kimi está sendo dirigido por Natsuki Takemura, que recentemente comandou a série infantil Go! Go! Vehicle Zoo, e contará com o estúdio Signal.MD à frente da produção. A equipe técnica inclui Atsuko Nakajima (de Ranma ½ e Tokyo Ghoul:re) no design de personagens, o que indica uma abordagem expressiva e fiel ao traço clássico de Nakajo.

A trilha sonora ficará por conta da dupla YOASOBI, fenômeno do J-Pop conhecida por hits como Yoru ni Kakeru e Idol (tema de Oshi no Ko). Eles assinam tanto a abertura quanto o encerramento da série, algo que já desperta altas expectativas entre os fãs. A combinação entre o pop moderno e o romantismo melancólico da história promete trazer um novo ar à narrativa — unindo passado e presente de maneira envolvente.

Uma história sobre amor, coragem e identidade

Para quem ainda não conhece o enredo, Hana-Kimi acompanha Mizuki Ashiya, uma adolescente nipo-americana apaixonada por esportes — e, principalmente, pelo saltador em altura Izumi Sano, seu grande ídolo. Decidida a conhecê-lo pessoalmente, Mizuki toma uma atitude radical: se disfarça de garoto e se matricula na mesma escola masculina onde ele estuda.

A partir daí, começam as situações hilárias (e muitas vezes emocionantes) de uma vida dupla: esconder sua identidade, conviver com dezenas de rapazes e, para piorar — ou melhorar —, dividir o quarto com o próprio Sano.

Mas, por trás do humor e dos mal-entendidos, Hana-Kimi sempre foi sobre aceitação, descoberta e afeto genuíno. O mangá lida com temas que vão além do romance colegial, explorando questões de gênero, amizade e autoexpressão com uma leveza surpreendente. Personagens como o carismático Nakatsu, que começa a questionar seus sentimentos por “um garoto”, ou a enfermeira Umeda, abertamente gay e espirituosa, são exemplos da representatividade que a obra trazia muito antes de isso se tornar pauta comum nos animes.

O legado de Hana-Kimi

Mesmo após duas décadas, a trama segue sendo lembrada como um dos títulos mais icônicos do gênero shoujo. Ela abriu espaço para discussões sutis sobre sexualidade e gênero em um formato acessível, leve e cheio de humor.

As adaptações anteriores em live-action — como a versão japonesa de 2007 estrelada por Horikita Maki e Oguri Shun, e o remake de 2011 com Maeda Atsuko e Aoi Nakamura — conquistaram imenso sucesso, mas nenhuma delas conseguiu traduzir completamente a energia visual do mangá. O anime, portanto, representa a oportunidade perfeita para dar vida a esse universo com fidelidade e modernidade.

Cine Aventura Especial deste sábado (27) aposta em ficção científica com suspense e dilemas éticos em “57 Segundos”

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O Cine Aventura Especial deste sábado, 27 de dezembro de 2025, leva ao ar na Record o filme 57 Segundos, uma produção americana de ficção científica com suspense lançada em 2023. Dirigido por Rusty Cundieff e escrito por ele em parceria com Macon Blair, o longa é inspirado no conto “Fallen Angel”, de E. C. Tubb, e aposta menos em efeitos grandiosos e mais em conflitos humanos, decisões difíceis e consequências irreversíveis. No centro da história estão Josh Hutcherson e Morgan Freeman, dois personagens de gerações distintas, conectados por um artefato capaz de alterar o curso do tempo e, principalmente, a vida de quem o utiliza.

De acordo com a sinopse do AdoroCinema, a trama começa a se desenhar a partir da dor de Franklin Fausti, vivido por Josh Hutcherson. Ele é um blogueiro de tecnologia que construiu sua presença na internet denunciando práticas abusivas de grandes empresas, especialmente do setor farmacêutico. Essa militância não nasceu do acaso. Franklin carrega uma ferida aberta que nunca cicatrizou: a morte de sua irmã gêmea, Natalie. Ela se tornou dependente de um analgésico chamado Zonastin, um medicamento amplamente divulgado como seguro, mas que escondia efeitos devastadores. O vício levou Natalie a um caminho sem volta, deixando Franklin com a sensação constante de que alguém precisa ser responsabilizado.

Essa perda transforma o protagonista em alguém obstinado, inquieto e emocionalmente exausto. Não se trata apenas de expor uma empresa poderosa, mas de tentar dar sentido à própria dor. Para Franklin, derrubar os responsáveis pelo Zonastin é a única forma de honrar a memória da irmã e, talvez, encontrar algum tipo de paz. O principal alvo dessa cruzada é Sig Thorensen, interpretado por Greg Germann, um executivo influente, acostumado a manipular informações e pessoas para proteger sua imagem e seus lucros.

O rumo da história muda quando Franklin consegue algo que parecia improvável: uma entrevista com Anton Burrell, personagem de Morgan Freeman. Burrell é um magnata da tecnologia conhecido por investir em soluções inovadoras para a área da saúde. Diferente dos executivos tradicionais, ele se apresenta como alguém preocupado em melhorar a vida das pessoas, usando ciência e tecnologia de forma direta e prática. Às vésperas de um grande evento, Burrell se prepara para apresentar ao mundo o Tri Band 5, um dispositivo de pulso que promete controlar doenças como diabetes, hipertensão e até dependência química por meio de neurotecnologia avançada, sem a necessidade de medicamentos convencionais.

Durante a apresentação do Tri Band 5, o clima de celebração é interrompido por uma tentativa de assassinato. Um homem armado invade o local e tenta matar Burrell. Em um impulso inesperado, Franklin intervém e consegue salvar a vida do empresário. Esse ato muda completamente o destino dos dois. O blogueiro deixa de ser apenas um espectador crítico e passa a fazer parte de algo muito maior, ainda que não compreenda isso de imediato.

No meio da confusão, Franklin encontra um anel que Burrell deixa cair. O objeto, à primeira vista comum, guarda um segredo extraordinário. Ao colocá lo no dedo, Franklin descobre que o anel permite voltar exatamente 57 segundos no tempo. Não são horas, dias ou anos. São apenas 57 segundos. Esse limite específico dá ao filme uma identidade própria, pois obriga o personagem a lidar com decisões rápidas e consequências quase imediatas.

No início, Franklin encara o poder como um presente inesperado. Ele passa a testar os limites do anel em situações banais, usando a habilidade para ganhar dinheiro em apostas, corrigir pequenas falhas do cotidiano e até tentar se aproximar romanticamente de Jala, sua colega interpretada por Lovie Simone. Esses momentos revelam um lado mais leve da narrativa, mas também expõem algo essencial: como é fácil se acostumar à sensação de controle absoluto, mesmo que por poucos segundos.

Com o tempo, Franklin percebe que o uso constante do anel começa a moldar sua forma de pensar. Ele passa a agir com menos cautela, confiando que sempre poderá voltar atrás. Essa falsa segurança se transforma em um vício silencioso. O filme faz um paralelo claro entre o poder do anel e o próprio Zonastin, o remédio que destruiu a vida de Natalie. Ambos oferecem alívio imediato, mas cobram um preço alto a longo prazo.

Decidido a usar o poder para algo que realmente importe, Franklin volta sua atenção para Sig Thorensen. Com a ajuda do anel, ele consegue se infiltrar na empresa farmacêutica e reunir provas que vão muito além de suspeitas. Documentos internos revelam que a companhia sabia dos efeitos nocivos do Zonastin e, ainda assim, optou por mantê lo no mercado. A investigação também aponta o envolvimento direto da empresa na morte de Susan Miller, uma funcionária que ameaçava tornar públicas as irregularidades.

Com o apoio de seu amigo Andy, Franklin organiza as informações e as entrega à imprensa. A repercussão é imediata e devastadora para Thorensen, que vê sua imagem pública desmoronar. Sentindo o cerco se fechar, o executivo parte para uma atitude extrema: sequestra Franklin e tenta fugir do país em um avião particular. O desespero do vilão contrasta com a exaustão emocional do protagonista, que já não tem certeza se controlar o tempo vale todo o sofrimento que acumulou.

A fuga termina de forma trágica. A aeronave sofre uma falha após a intervenção policial e cai. Franklin sobrevive ao acidente, enquanto Thorensen morre, encerrando sua trajetória marcada por ganância e negligência. O desfecho não traz celebração, apenas um silêncio pesado, típico de histórias em que a justiça chega, mas deixa cicatrizes profundas.

Após os acontecimentos, Anton Burrell procura Franklin e faz uma proposta tentadora. Ele o convida para integrar sua equipe de pesquisa e ajudar a desenvolver ainda mais a tecnologia ligada ao anel e à manipulação do tempo. Para qualquer outra pessoa, seria a oportunidade de uma vida. Para Franklin, porém, a experiência recente falou mais alto. Ele reconhece o perigo daquele poder, o risco de dependência e as consequências imprevisíveis de mexer no tempo.

Em uma decisão que define sua jornada, Franklin recusa a oferta e escolhe destruir o anel. O gesto simboliza maturidade, responsabilidade e a compreensão de que nem tudo o que é possível deve ser utilizado. Ao abrir mão do poder, ele aceita que algumas dores não podem ser apagadas, apenas enfrentadas.

Nos bastidores, 57 Segundos também carrega histórias interessantes. As filmagens começaram em abril de 2022, na cidade de Lafayette, na Louisiana. Durante o período de produção, Morgan Freeman esteve bastante envolvido com o projeto, chegando a contribuir com ideias para o roteiro e participando ativamente da escolha de locações. Sua presença ajudou a dar mais peso e consistência ao filme, tanto dentro quanto fora das telas.

Quem matou Odete Roitman em Vale Tudo? Os principais suspeitos e os mistérios que cercam o assassinato da vilã

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O assassinato de Odete Roitman voltou a agitar o público com o remake da novela Vale Tudo. A trama, que se consolidou como um marco da televisão brasileira em 1988, retorna à televisão com suspense, intriga e um elenco de peso, mantendo o mistério em torno da vilã mais poderosa da história da teledramaturgia. No centro desse enigma estão cinco personagens que carregam motivos mais do que suficientes para ter cometido o crime: Celina (Malu Galli), Heleninha (Paolla Oliveira), Marco Aurélio (Alexandre Nero), Fátima (Bella Campos) e César (Cauã Reymond).

Cada um dos suspeitos representa uma camada distinta do drama e da ambição que permeiam Vale Tudo. Celina, com sua busca por reconhecimento e justiça pessoal, poderia ter se sentido pressionada a eliminar Odete. Heleninha, cuja trajetória a levou a confrontos diretos com a vilã, é vista pelo público como uma candidata plausível, mas seu desfecho ainda levanta dúvidas. Marco Aurélio, com interesses empresariais e rivalidades, também se encaixa na lista de possíveis autores do crime. Já Fátima e César apresentam motivações ligadas a vingança, herança e disputas familiares, compondo um grupo em que todos têm razões para agir de forma extrema.

Em recente participação no Fantástico, exibido no último domingo, 5 de outubro, a autora Manuela Dias revelou que foram gravados 10 finais alternativos, levando em consideração todos os cinco suspeitos. Cada desfecho considerava tanto a possibilidade de cada personagem ter cometido o crime quanto a hipótese de inocência, mantendo o suspense e a imprevisibilidade para o público. Esse cuidado demonstra a complexidade da trama e o respeito à tradição da obra original, ao mesmo tempo em que permite flexibilidade para ajustar a narrativa de acordo com a repercussão entre os espectadores.

Heleninha é a responsável?

Um dos pontos que mais intrigam os fãs é o destino de Heleninha. No último capítulo da novela, após uma passagem de tempo, a personagem será liberada da prisão. Essa decisão pode ter múltiplas interpretações: ou Heleninha não foi a autora do crime, ou sua libertação acontece devido à ausência de provas concretas contra ela. De qualquer forma, a saída da prisão adiciona tensão e novas camadas de suspense, deixando o público questionando quem realmente matou Odete Roitman.

Nos próximos dias que antecedem o desfecho, o público poderá acompanhar enterros, interrogatórios e contradições entre os personagens, além de flashbacks que revelam detalhes cruciais da história. Esses elementos não apenas mantêm a atenção do telespectador, mas também reforçam a riqueza dramática da novela, permitindo que cada suspeito seja explorado de forma profunda e multifacetada.

Comparação com a versão original

Na primeira versão de Vale Tudo, produzida em 1988, o assassinato de Odete Roitman causou verdadeiro frenesi nacional. A revelação do culpado só ocorreu no último capítulo, mobilizando milhões de brasileiros que acompanharam cada episódio com expectativa e teorias sobre o autor do crime. Beatriz Segall, que interpretou a vilã na trama original, tornou-se um ícone do mal na televisão, e o mistério sobre sua morte foi um dos maiores da teledramaturgia.

No remake, a dinâmica do suspense é atualizada, mas mantém o espírito de mistério. No entanto, alguns elementos se diferenciam da versão clássica. Por exemplo, Leila (Carolina Dieckmann) não possui as mesmas motivações da personagem original, tornando improvável que o desfecho seja uma réplica exata. Essa adaptação mostra a intenção de respeitar o material original, ao mesmo tempo em que traz frescor e novas interpretações para os personagens e para o público contemporâneo.

O impacto do mistério

O mistério em torno da morte de Odete Roitman vai além da trama: ele provoca discussões, teorias e debates entre os fãs, nas redes sociais e nos meios de comunicação. Quem matou Odete? Por que cada personagem poderia ter cometido o crime? Como cada decisão influencia o destino dos demais? Essas perguntas alimentam a narrativa e mantêm os telespectadores envolvidos, transformando o suspense em um elemento central da experiência de assistir à novela.

A estratégia de gravar múltiplos finais reforça ainda mais essa interação. O público se vê diante de um enigma em aberto, especulando possibilidades e analisando cada detalhe dos episódios. Essa abordagem demonstra a capacidade da novela de inovar, mesmo sendo um remake de uma obra consagrada, criando um diálogo entre tradição e contemporaneidade.

A expectativa pelo capítulo final

O desfecho da novela está marcado para o dia 17 de outubro, quando o público finalmente descobrirá quem matou Odete Roitman. Até lá, cada cena ganha importância estratégica, cada diálogo carrega pistas e cada gesto pode ser interpretado como suspeito. Essa construção gradual do suspense é uma das marcas registradas de Vale Tudo, provando que, mesmo décadas após a primeira exibição, a trama continua relevante e envolvente.

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