Arquivo A revela como a construção sustentável está moldando o futuro das cidades

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Nesta quinta-feira, 6 de novembro, às 21h, o programa Arquivo A, exibido pela TV Aparecida, apresenta uma edição especial que mergulha nas transformações do setor da construção civil. Com reportagem de Rafaela Lourenço, o episódio mostra como engenheiros, arquitetos e comunidades vêm reinventando a forma de construir, unindo tecnologia, tradição e consciência ambiental para reduzir os impactos ao meio ambiente.

Construir com a terra: o retorno de uma técnica milenar

Logo na abertura, o público conhecerá uma casa sustentável erguida com 70% de terra, bambu e madeira, materiais que garantem conforto térmico e beleza natural. O isolamento da terra mantém o ambiente interno fresco, dispensando o uso de sistemas artificiais de climatização. A proposta alia economia, durabilidade e estética, provando que o tradicional pode ser também moderno e eficiente.

Cada vez mais presente em áreas urbanas e condomínios de alto padrão, esse tipo de construção vem conquistando moradores interessados em experiências mais próximas da natureza, em um movimento que valoriza o reaproveitamento de recursos e o design responsável.

Projeto Guyrá: a força da bioconstrução coletiva

A reportagem também visita a aldeia Rio Bonito, em Ubatuba (SP), onde o Projeto Guyrá ergue uma cozinha comunitária feita inteiramente de bambu. O espaço, projetado para ser multiuso, é fruto de um trabalho colaborativo que mistura saberes ancestrais e novas técnicas de construção.

Cerca de 50 pessoas, pertencentes a 13 famílias da aldeia, participam diretamente da obra, aprendendo e compartilhando conhecimentos sobre bioconstrução. Mais do que um projeto físico, o Guyrá simboliza um reencontro com a terra e a valorização da cultura tradicional em harmonia com as soluções do presente.

Tijolos ecológicos: inovação que reduz o desperdício

Outro destaque do programa é a visita a uma fábrica de tijolos sustentáveis intertravados, que eliminam o uso de argamassa e reduzem até 80% dos resíduos gerados nas obras. De montagem rápida e alta resistência, esse tipo de bloco vem sendo aplicado em construções de até três pavimentos, provando que é possível combinar praticidade, economia e responsabilidade ambiental.

A matéria detalha o processo de produção e explica como essa tecnologia vem sendo adotada por arquitetos e engenheiros que buscam métodos mais limpos e acessíveis para o futuro das cidades.

Bioarquitetura: quando o concreto encontra a floresta

A edição também apresenta um edifício em São Paulo que leva a bioarquitetura a outro patamar. O prédio foi projetado para integrar vegetação e estrutura de forma orgânica, com árvores de até oito metros distribuídas entre os andares.

A torre em espiral abriga mais de 1.760 m² de área verde, funcionando como um verdadeiro ecossistema urbano. Além de contribuir para o conforto térmico e acústico, a vegetação ajuda a purificar o ar e a devolver o contato com a natureza a quem vive em grandes centros.

Contêineres e casas do futuro

Para encerrar, o Arquivo A mostra uma fábrica em Caçapava (SP) que transforma contêineres marítimos em residências modernas, confortáveis e ecológicas. A solução, que aproveita estruturas já existentes, oferece uma alternativa rápida e sustentável, com grande potencial de personalização.

A repórter também visita a chamada Casa do Futuro, um projeto que combina automação, eficiência energética e design inteligente, ilustrando como as inovações tecnológicas estão moldando a próxima geração de lares sustentáveis.

A Órfã 3 inicia filmagens! Terror volta com William Brent Bell na direção e promete expandir o universo de Esther

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Foto: Reprodução/ Internet

Esther está de volta — e não é um sonho ruim. O terceiro filme da franquia A Órfã começou oficialmente a ser filmado, reacendendo o interesse dos fãs por uma das vilãs mais perturbadoras do cinema recente. A notícia foi confirmada no último sábado (8), com uma imagem da claquete do set, datada de 5 de novembro. Nela, um detalhe chamou atenção: o título provisório “Órfãos” (Orphans).

De acordo com informações do Omelete, a claquete também confirma o retorno de William Brent Bell, o mesmo diretor de Orphan: First Kill (2022). Ainda sem detalhes sobre o elenco ou a história, o simples fato de o projeto estar em andamento já foi suficiente para movimentar as redes sociais — e despertar curiosidade sobre o futuro da personagem que ninguém esquece.

O terror que virou um clássico moderno

Lançado em 2009, o primeiro filme apresentou ao público a enigmática Esther, vivida com intensidade por Isabelle Fuhrman. O filme, dirigido por Jaume Collet-Serra, parecia seguir a fórmula de um suspense familiar — um casal que adota uma menina misteriosa — até que uma reviravolta inesperada mudou tudo. O desfecho transformou a trama em um dos choques mais memoráveis do gênero.

Com Vera Farmiga e Peter Sarsgaard no elenco, o longa conquistou status de cult e se tornou referência em terror psicológico. Mais do que sustos, entregou um mergulho incômodo sobre confiança, trauma e o perigo de julgar pelas aparências.

First Kill: o início do pesadelo

Treze anos depois, o público voltou a mergulhar no universo de Esther com Orphan: First Kill (2022). Em vez de seguir a cronologia, o filme revisitou o passado para revelar as origens de Leena, a mulher que se fazia passar por uma criança.

Dirigido novamente por William Brent Bell, o longa impressionou ao trazer Isabelle Fuhrman de volta ao papel — agora adulta, interpretando uma personagem que aparenta ter menos de 10 anos. A ilusão foi criada com truques de câmera, dublês e maquiagem, num resultado elogiado até pelos mais céticos.

Ao lado de Julia Stiles e Rossif Sutherland, Fuhrman entregou uma performance inquietante, sustentando uma tensão constante entre fragilidade e perversidade. O desfecho ousado fez o filme ganhar respeito entre os fãs e consolidou a franquia como uma das mais originais do terror recente.

O que vem aí no terceiro filme?

Ainda sem sinopse oficial, o título provisório “Órfãos” sugere um caminho curioso. O novo capítulo pode aprofundar o passado de Esther ou mostrar o impacto de suas ações sob uma nova perspectiva — talvez até com novas vítimas ou cúmplices surgindo pelo caminho.

Com William Brent Bell novamente à frente do projeto, é provável que o longa siga o estilo do diretor: um terror mais psicológico, elegante e com atenção aos detalhes visuais. Ele já mostrou isso em Boneco do Mal e Seita Mortal, explorando a tensão de forma mais sutil do que sangrenta. O desafio será manter viva a atmosfera sufocante que tornou A Órfã tão marcante — e dar a Esther um novo terreno para manipular e enganar.

Onde assistir e o que vem por aí

Enquanto novas informações não são divulgadas, os dois primeiros filmes estão disponíveis na HBO Max, uma boa oportunidade para revisitar (ou conhecer) a trajetória de Esther antes do novo capítulo.

As filmagens seguem em andamento, e a data de estreia ainda não foi revelada. Mas uma coisa é certa: a órfã mais assustadora do cinema está de volta — e continua tão imprevisível quanto sempre foi.

Marvel dá os primeiros sinais do novo Doutor Estranho — e o passado caótico ainda ronda a franquia

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Foto: Reprodução/ Internet

Na noite desta quinta, 13 de novembro, o site americano Nexus Point News movimentou a comunidade nerd ao afirmar que a Marvel começou, bem timidamente, a estruturar o próximo filme do Doutor Estranho. Nada de roteiro fechado, nada de diretor escolhido — é aquele início de projeto em que todo mundo finge que está tudo muito claro, mas na verdade a equipe ainda está montando o quebra-cabeça.

O que chamou atenção foi o suposto envolvimento maior de Benedict Cumberbatch nas conversas iniciais. Não apenas como ator, mas opinando sobre caminhos criativos, possibilidades de direção e até o tom do longa. Não é comum ver a Marvel abrir tanto espaço para seus protagonistas nesse estágio, então o sinal é interessante: talvez o estúdio esteja tentando deixar o personagem com uma identidade mais sólida, depois de anos de altos e baixos no Multiverso.

Fontes dizem ainda que a Marvel está vasculhando o mercado atrás de um roteirista e um diretor. Sam Mendes, nome desejado por Cumberbatch, chegou a ser comentado, mas o timing não ajuda — ele está completamente envolvido com seu gigantesco projeto sobre os Beatles, o que praticamente o tira do jogo. Ainda assim, fica a curiosidade: como seria um Doutor Estranho dirigido por um cineasta de prestígio britânico e pegada dramática?

Enquanto isso, o passado bate à porta. E que passado.

Relembrando o furacão de 2022

É impossível falar do próximo passo da franquia sem esbarrar em Doutor Estranho no Multiverso da Loucura, lançado em 2022. Aquele foi um filme que carregou expectativas enormes — talvez até demais — e que acabou se tornando um dos títulos mais curiosos e controversos da Fase 4 do MCU.

Com direção de Sam Raimi, o longa trouxe Benedict Cumberbatch e boa parte do elenco original de volta, com destaque absoluto para Elizabeth Olsen, que praticamente dominou a história como a instável e devastadora Wanda Maximoff. No centro da trama, estava também America Chavez, interpretada por Xochitl Gomez, abrindo caminho para o público conhecer uma personagem que literalmente atravessa realidades.

Entre viagens por universos, ameaças ocultas, versões alternativas e decisões desesperadas, o filme mergulhou fundo na mistura de terror, humor e fantasia — a marca registrada de Raimi.

Uma sequência que quase não existiu

Pouca gente lembra, mas os planos para o segundo filme começaram lá atrás, ainda embalados pelo sucesso do Doctor Strange de 2016. O diretor original, Scott Derrickson, queria fazer um longa mais sombrio. Chegou a anunciar o projeto, fechou contrato… e depois pulou fora. O motivo oficial? “Diferenças criativas”. O motivo real? Bom, Hollywood raramente conta.

Entra em cena Michael Waldron, roteirista de Loki, e depois Sam Raimi — uma escolha inesperada, mas que deu ao filme uma personalidade própria. Porém, como quase tudo na Fase 4, os bastidores foram cheios de tropeços: pandemia, pausa nas gravações em Londres, retomada meses depois, e por fim, refilmagens nos EUA para ajustar o tom.

Mesmo assim, o filme brilhou nas bilheterias: quase 1 bilhão de dólares mundialmente. Foi o quarto maior sucesso de 2022, mesmo com a recepção dividida entre quem amou a ousadia e quem achou tudo corrido demais.

E o que sobrou para a sequência? Muita coisa. Talvez até demais.

Multiverso da Loucura deixou vários nós para amarrar. O de Wanda, o de America Chavez, o das variantes, o do terceiro olho que mudou tudo, e claro, o surgimento de Clea, interpretada por Charlize Theron, na cena pós-créditos.

Além disso, o MCU só se complicou mais desde então. Tivemos Loki, Sem Volta Para Casa, The Marvels, séries que mexeram com linhas do tempo, realidades, incursões e conceitos que agora fazem parte do cotidiano do Doutor Estranho. Ou seja: o próximo filme não pode simplesmente ignorar essa bagunça — ele precisa abraçá-la ou dar um novo rumo ao personagem.

Com Cumberbatch participando mais ativamente, especula-se que o filme pode explorar:

  • o impacto psicológico do Darkhold no Strange;
  • o destino incerto (e emocionalmente carregado) da Wanda;
  • o treinamento de America Chavez;
  • as consequências das incursões entre universos;
  • e até onde vai o relacionamento complicado entre Strange e Christine.

Sem falar de Clea, que abre a porta para um lado ainda mais místico do MCU.

O que está acontecendo agora — de verdade

Neste momento, tudo indica que o filme está no comecinho do comecinho. Há brainstorming, há reuniões, há sondagens. Mas não há produção em andamento, não há filmagens marcadas, não há cronograma público.

E mesmo assim, o fato de a Marvel já se mexer diz muito. O estúdio sabe que Strange é um dos pilares que ainda funcionam diante da fase turbulenta da franquia. Trazer o personagem de volta com peso, profundidade e narrativa mais coesa parece ser uma prioridade.

Diretor? Ninguém sabe. Roteirista? Também não. Mas o projeto está vivo, respirando e, pela primeira vez em anos, com o ator principal sentado à mesa de decisões.

Diamond Films libera trailer intenso de “Marty Supreme”, novo drama esportivo com Timothée Chalamet em busca do Oscar

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Foto: Reprodução/ Internet

A Diamond Films virou o dia de cabeça para baixo nesta sexta, 14, ao publicar o primeiro trailer de Marty Supreme, um drama esportivo intenso e estilizado que coloca Timothée Chalamet (Um Completo Desconhecido, Duna, Me Chame Pelo Seu Nome) em uma de suas performances mais ousadas até agora.

O vídeo caiu nas redes como uma faísca em um galpão cheio de gasolina: fãs, críticos e curiosos começaram imediatamente a comentar o tom frenético das imagens, a estética carregada de tensão e, claro, a entrega visceral do ator, que parece completamente transformado.
Sem repetir qualquer fórmula de seus trabalhos anteriores, Chalamet surge mais bruto, inquieto e elétrico — e já há quem enxergue no filme um forte candidato à temporada de prêmios. Abaixo, confira o vídeo:

Uma Nova York subterrânea, um esporte improvável e um diretor que ama o caos

O projeto é comandado por Josh Safdie (Joias Brutas, Bom Comportamento), cineasta que se tornou sinônimo de histórias claustrofóbicas e personagens à beira de um ataque nervoso. Depois do impacto de Joias Brutas, Safdie troca o universo das apostas ilegais modernas pela Nova York dos anos 1950, mas leva consigo a mesma energia anárquica.

Desta vez, ele mira o mundo do tênis de mesa — um cenário quase mítico para quem viveu aquela época e que, curiosamente, o cinema sempre ignorou. O trailer já mostra que o diretor não tem qualquer interesse em seguir padrões: o pingue-pongue aqui ganha aura de rock sujo, suor quente e um tipo de intensidade que faz a bola parecer uma pequena granada quicando de um lado ao outro.

Safdie assina o roteiro ao lado de Ronald Bronstein (Daddy Longlegs, Joias Brutas), parceiro de longa data e igualmente obcecado por personagens quebrados. Juntos, eles constroem uma Nova York viva, densa e barulhenta: um mosaico de artistas, esportistas, boêmios e figuras excêntricas que habitavam clubes esfumaçados, porões apertados e galpões improvisados — todos querendo provar alguma coisa para si mesmos e para o mundo.

Não é biografia — é obsessão

Embora o filme beba levemente da trajetória de Marty Reisman (ídolo do tênis de mesa nos anos 1950), a proposta passa longe de uma cinebiografia tradicional. Marty Supreme é, antes de tudo, uma história sobre fixação: a de um jovem que se recusa a desaparecer na multidão. No trailer, Marty aparece como um garoto talentoso, mas constantemente desacreditado. A câmera o segue de perto — perto demais — em treinos frustrados, competições clandestinas e momentos de pura autodestruição emocional. A Nova York recriada no filme não serve apenas como pano de fundo; ela pulsa junto com o protagonista. É como se cada esquina ecoasse os conflitos dele.

A transformação de Timothée Chalamet

As reações mais entusiasmadas ao trailer giram em torno da metamorfose de Chalamet. Ele adota um corpo inquieto, gestos fragmentados, olhares que queimam de determinação e desespero. Não é o charme melancólico de Me Chame Pelo Seu Nome nem o heroísmo contido de Duna — é outra coisa.
Há uma agressividade silenciosa, uma vulnerabilidade exposta, uma energia que sugere que o personagem está sempre um passo de perder tudo — inclusive a si mesmo.
Para muitos, essa pode ser a atuação mais arriscada da carreira do ator.

Um elenco inesperado e cheio de personalidades

O filme reúne um grupo improvável (e delicioso) de participações. Gwyneth Paltrow (Shakespeare Apaixonado, Contágio) interpreta Kay Stone, uma figura enigmática que aparece pouco, mas diz muito com os olhos.
Odessa A’zion (Hellraiser, Convite Maldito) surge como Raquel, presença que parece tanto impulsionar quanto desequilibrar Marty emocionalmente.

A grande surpresa é Fran Drescher (The Nanny, Beautician and the Beast), conhecida por décadas pelo humor brilhante na TV. Aqui, ela interpreta a mãe do protagonista em um papel grave, denso e completamente distante do que o público espera dela.

Outro nome que chamou a atenção é o de Tyler, The Creator (multivencedor do Grammy, videoclipes e projetos visuais), creditado como Tyler Okonma, fazendo sua estreia como ator. Mesmo com poucos segundos de trailer, sua presença já deixa claro que ele não entrou no projeto para fazer figuração.

A lista ainda inclui Kevin O’Leary (Shark Tank), Philippe Petit (O Equilibrista), Spenser Granese (The Last of Us), Emory Cohen (O Lugar Onde Tudo Termina, Brooklyn), Sandra Bernhard (Pose, Scandal), Isaac Mizrahi (Unzipped) e até ex-jogadores icônicos como Tracy McGrady (NBA Hall of Fame) e Kemba Walker (Boston Celtics, Charlotte Hornets).

Euphoria conclui gravações da terceira temporada e reacende expectativas para o próximo capítulo da série

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Foto: Reprodução/ Internet

Poucas séries dos últimos anos conseguiram traduzir, com tanta intensidade, o caos emocional da juventude quanto Euphoria. Desde que estreou na HBO, em 2019, a produção criada por Sam Levinson deixou de ser apenas um drama adolescente e se transformou em um espelho cultural. Seus personagens, suas dores e suas atmosferas invadiram timelines, ditaram tendências e, de alguma forma, marcaram a forma como falamos sobre saúde mental, identidade e vulnerabilidade. Agora, depois de anos de espera, incertezas e silêncio dos bastidores, a terceira temporada enfim concluiu suas gravações — e isso reacendeu algo que parecia adormecido no público.

A notícia veio de uma maneira quase tímida: um story no Instagram de Sydney Sweeney, intérprete da impulsiva e fraturada Cassie. Na foto, uma comemoração de encerramento, daquelas festas de “wrap” que marcam o fim das filmagens. Para qualquer outra série, seria apenas uma formalidade. Para Euphoria, virou praticamente um acontecimento. Depois de tantos adiamentos, a confirmação soou como um sopro de alívio, acompanhado de expectativa, nostalgia e um toque de ansiedade coletiva. As informações são do Omelete.

Um retrato emocional que marcou época

Quando Euphoria estreou, ninguém imaginava o impacto que ela teria. Adaptada de uma minissérie israelense, a produção encontrou um tom autoral, sensorial e profundamente íntimo ao abordar temas que sempre dominaram a adolescência — mas que raramente são tratados com franqueza. Drogas, transtornos emocionais, solidão, sexualidade, relacionamentos abusivos, violência e a eterna busca por pertencimento fizeram da série um terreno emocional conhecido por muitos e doloroso para outros tantos.

No centro disso tudo, Rue Bennett se tornou muito mais que a narradora da história. A interpretação de Zendaya elevou a personagem a um ícone cultural — não no sentido da perfeição, mas no da humanidade crua. Rue é falha, contraditória, sensível, destrutiva, esperançosa e perdida. Ela vive espirais de vício e negação, tenta se reencontrar e fracassa repetidas vezes, sem nunca deixar de ser, paradoxalmente, alguém com quem o público cria laços profundos.

Zendaya foi reconhecida por isso com prêmios como o Emmy e o Satellite Award, mas, para além das estatuetas, o que se consolidou foi um vínculo emocional entre público e personagem que raramente se vê em produções dessa escala.

Os personagens que extrapolaram a tela

Euphoria não se sustenta apenas em Rue. A série conseguiu criar um mosaico de personalidades que representam diferentes dores e tensões do amadurecimento. Jules (Hunter Schafer) trouxe uma abordagem sensível e sincera sobre identidade de gênero, além de representar amor, ruptura e autoconhecimento. Nate (Jacob Elordi) despertou discussões acaloradas sobre masculinidade tóxica. Maddy (Alexa Demie), com seu visual marcante e personalidade à flor da pele, virou símbolo de autoestima e enfrentamento, mesmo carregando suas próprias feridas.

Cassie, interpretada por Sydney Sweeney — e que agora retorna com destaque — tornou-se um estudo quase visceral sobre dependência emocional e a necessidade desesperada de ser amada. Kat (Barbie Ferreira) abriu debates sobre corpo, desejo e autoimagem. E Fez, papel de Angus Cloud, foi um dos personagens mais queridos pelo público, tanto pela autenticidade quanto pela ternura inesperada por trás de sua aparente dureza.

A perda de Angus Cloud, em 2023, tornou-se um dos momentos mais dolorosos para fãs e elenco. Além da comoção, a ausência dele deixa uma lacuna emocional na série — e ninguém sabe ainda como a narrativa lidará com isso.

A montanha-russa até chegar ao “gravando encerrado”

A terceira temporada enfrentou um caminho turbulento. Entre pandemia, reestruturações internas da HBO e agendas quase impossíveis — dado que praticamente todo o elenco principal explodiu em Hollywood —, a produção acumulou atrasos. Rumores também surgiram sobre conflitos criativos e possíveis mudanças no rumo da história. O projeto chegou a parecer paralisado, envolto em silêncio.

O que se sabe — e o que se suspeita — sobre a nova temporada

A HBO tem tratado a terceira temporada como um cofre lacrado. Nenhum detalhe oficial sobre a trama foi divulgado. Mas existe um consenso entre fãs e críticos de que a história deve acompanhar um salto temporal. A escola provavelmente ficará para trás. A vida adulta, com suas novas feridas e responsabilidades, deve assumir o protagonismo.

Essa transição também conversa com a realidade do elenco: todos cresceram, amadureceram, se tornaram figuras ainda mais complexas, famosas e disputadas. Não faria sentido seguir o mesmo cenário de três anos atrás.

A ausência de Fez será, sem dúvida, um ponto sensível. A maneira como a série lidará com isso — seja explicitando, seja omitiindo, seja ressignificando — já desperta curiosidade e, para muitos, temor.

Uma estética que virou linguagem

Falar sobre Euphoria é falar sobre estética — e não como algo superficial, mas como extensão emocional da narrativa. As cores saturadas, os brilhos, o neon em contraste com a sombra, as lentes que distorcem o real, a trilha sonora que pulsa como se estivesse dentro da pele. Tudo isso criou um vocabulário visual que se espalhou pela moda, pela publicidade, por videoclipes e até por festas temáticas ao redor do mundo.

Euphoria influenciou tendências de maquiagem, hairstyling, figurino e até atitudes. De certo modo, ela ensinou parte de uma geração a expressar emoções por meio da aparência — não por vaidade, mas por sobrevivência emocional.

Zendaya como bússola emocional

Mesmo com tantos núcleos importantes, é inevitável olhar para Rue como o eixo que mantém tudo em torno de si. Seu retorno é talvez a expectativa mais forte do público. Zendaya sempre falou com carinho e cuidado sobre a personagem, e já deixou claro em entrevistas anteriores que deseja explorar novas camadas de vulnerabilidade e reconstrução.

Se a segunda temporada foi marcada pelo caos, a terceira talvez mergulhe no que vem depois do caos — o cansaço, a tentativa de reerguer-se, a busca por estabilidade. Resta saber como Sam Levinson conduzirá isso, e até que ponto Rue conseguirá sustentar seu próprio peso emocional.

Moana renasce em carne e osso! Disney revela primeiro trailer emocionante do remake live-action

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Foto: Reprodução/ Internet

A Disney abriu as portas para uma nova etapa da jornada de Moana ao divulgar o primeiro trailer e o pôster oficial do aguardado remake live-action. Mais do que apenas revisitar um clássico recente, o estúdio apresenta uma proposta que busca honrar a cultura polinésia, valorizar novas vozes e recontar uma das narrativas mais amadas da geração atual. No centro dessa nova versão está Catherine Laga’aia, que assume o papel que imortalizou Auli’i Cravalho na animação de 2016. Ao lado dela, Dwayne Johnson retorna como o carismático Maui, reacendendo uma chama especial na relação entre ator, personagem e ancestralidade.

O trailer revela os primeiros vislumbres dessa adaptação, trazendo paisagens exuberantes, a textura das ondas em escala real e a energia aventureira que definiu a obra original. Também marca o início do diálogo visual entre a animação e o live-action, agora conduzido pela visão do diretor Thomas Kail — conhecido por seu talento em equilibrar sensibilidade humana e espetáculo visual. Com roteiro de Jared Bush e Dana Ledoux Miller, o filme estreia em 9 de julho de 2026 no Brasil e 10 de julho nos EUA, prometendo celebrar uma década do legado da jovem navegadora do Pacífico. Abaixo, confira o vídeo:

Um elenco que equilibra frescor e familiaridade

A escolha de Catherine Laga’aia como Moana foi recebida com entusiasmo. Jovem, talentosa e conectada às raízes samoanas, ela representa uma geração que cresceu vendo personagens polinésias ganharem destaque na cultura pop. Sua escalação dá ao filme um novo fôlego, não apenas pela juventude, mas pela autenticidade cultural que carrega consigo.

Ao seu lado, Dwayne Johnson reprisa o papel de Maui, agora com a maturidade de quem entende ainda mais profundamente o impacto de seu personagem. Johnson já afirmou diversas vezes que viver o semideus é uma forma de reverenciar sua própria história familiar — especialmente seu avô, o Alto Chefe Peter Maivia, que inspirou elementos da personalidade e da postura de Maui. Esse elo emocional se reflete na força de Johnson em defender publicamente o projeto desde o início.

O restante do elenco reforça a importância da representação cultural:

John Tui como Chefe Tui, o pai de Moana
Frankie Adams como Sina, mãe da heroína
Rena Owen como a inesquecível Vovó Tala

A seleção traz rostos conhecidos de produções ligadas ao Pacífico e dá continuidade a um movimento de Hollywood que busca aproximar narrativas polinésias das vivências de artistas que realmente pertencem a essas culturas.

O anúncio que pegou o mundo de surpresa

Em abril de 2023, Dwayne Johnson usou seu próprio canal no YouTube para anunciar que Moana ganharia um remake live-action. A notícia dividiu opiniões no início, principalmente pelo pouco tempo entre a animação e a nova versão. Entretanto, a Disney explicou que a produção fazia parte das celebrações pelos 100 anos do estúdio, e que havia espaço para aprofundar ainda mais a cultura, os símbolos e o impacto da história.

Auli’i Cravalho, apesar de não reprisar Moana, assumiu um papel importante como produtora executiva. Sua participação garante uma ponte entre a obra original e as novas interpretações, reforçando que a narrativa continua nas mãos de pessoas comprometidas com a autenticidade cultural.

Direção e roteiro: uma combinação pensada a longo prazo

A escolha de Thomas Kail como diretor apresentou desde cedo um norte interessante: alguém com experiência em musicalidade, narrativa emocional e grandes palcos — como Hamilton — agora leva essa sensibilidade para o cinema. Já o retorno de Jared Bush, aliado à participação de Dana Ledoux Miller, mantém vivo o espírito da animação, ao mesmo tempo em que abre espaço para ajustes que só o formato live-action pode sustentar.

Os bastidores e a greve que mudou os planos

Os testes de elenco deveriam ter começado ainda em 2023, mas a greve do SAG-AFTRA interrompeu o cronograma. Mesmo com o atraso, Johnson afirmou no início de 2024 que a protagonista já havia sido escolhida, mesmo que seu nome precisasse permanecer em sigilo. O anúncio oficial de Catherine Laga’aia, acompanhado de John Tui, Frankie Adams e Rena Owen, veio apenas em junho, consolidando um elenco de forte representatividade cultural.

Filmagens com o mar como protagonista

As filmagens aconteceram entre julho e novembro de 2024, divididas entre Atlanta e o Havaí. Além das locações paradisíacas, a equipe teve o desafio de traduzir visualmente elementos míticos, espirituais e oceânicos de forma natural. A produção reforça que, assim como na animação, o mar não é apenas cenário — ele é personagem.

Data de lançamento e mudanças no calendário da Disney

Originalmente previsto para junho de 2025, o remake foi adiado para julho de 2026 depois que Moana 2 entrou no calendário de estreias. A decisão evitou que dois grandes projetos da mesma franquia fossem lançados com pouco intervalo, permitindo que o live-action receba a atenção que merece — e, de quebra, celebrando os 10 anos de um dos maiores sucessos da história recente da Disney.

Avatar: Fogo e Cinzas libera trailer final e prepara o terreno para a fase mais sombria da saga de James Cameron

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Foto: Reprodução/ Internet

O universo de Pandora voltou a estremecer — e não apenas pela força das montanhas flutuantes ou pelo rugido das criaturas bioluminescentes. Com a divulgação do trailer final de Avatar: Fogo e Cinzas, o terceiro capítulo da franquia de James Cameron, a sensação é de que estamos diante de uma experiência cinematográfica que promete expandir, aprofundar e agitar tudo o que os fãs conhecem sobre esse mundo extraordinário. O vídeo, liberado pela 20th Century Studios, rapidamente tomou conta das redes sociais, alimentando debates, teorias e reações emocionadas. Não é exagero dizer que a expectativa atingiu seu auge. Afinal, estamos falando de uma das sagas mais ambiciosas e tecnicamente impecáveis da história do cinema.

Com estreia prevista para 19 de dezembro de 2025, Fogo e Cinzas assume a responsabilidade de dar continuidade aos eventos de O Caminho da Água (2022), ao mesmo tempo em que prepara o terreno para as duas sequências já anunciadas para 2029 e 2031. A julgar pelas imagens reveladas no trailer, o novo filme não se limita a dar sequência à trama: ele propõe uma virada emocional, estética e narrativa que pode redefinir o rumo da franquia pelos próximos anos.

Logo de início, o trailer apresenta um clima mais pesado e introspectivo. Um ano se passou desde que a família Sully se estabeleceu no clã Metkayina, mas a dor da perda de Neteyam continua viva. A ausência do primogênito paira como uma nuvem espessa sobre Jake, Neytiri e seus filhos. Há uma ferida aberta que nenhum mergulho nas águas cristalinas de Pandora é capaz de suavizar. Essa atmosfera de luto e revolta é perceptível não apenas nas expressões dos personagens, mas também na fotografia, mais contrastada e repleta de sombras, como se o planeta refletisse o emocional de sua família mais conhecida.

É nesse contexto que surge a grande novidade do trailer: a introdução do misterioso e temido Povo das Cinzas, uma tribo Na’vi que vive em regiões dominadas por vulcões e ambientes hostis. Diferente dos Omatikaya e dos Metkayina, cujo visual remete à natureza exuberante de florestas e oceanos, o novo clã apresenta uma estética marcada por tons escuros, pinturas agressivas e um estilo de vida moldado pelo fogo — um contraste arrebatador com tudo o que Pandora mostrou até agora. A líder dos Ash People, a imponente Varang, surge como uma figura de presença magnética. Seu semblante firme, seus movimentos calculados e sua postura de guerreira experiente deixam claro que ela não é uma antagonista tradicional: é alguém guiada por convicções profundas, por perdas passadas e por uma visão própria de justiça.

O mais impactante, porém, é vê-la aliada a Miles Quaritch, ainda mais adaptado à sua nova forma Na’vi. A parceria entre ambos deixa evidente que a guerra pela sobrevivência de Pandora está prestes a atingir um patamar sem precedentes. No trailer, Quaritch exibe uma mistura perturbadora de ódio e confusão existencial. Ele é uma figura dividida entre a memória de sua vida humana e as emoções despertadas pelo corpo que agora habita. Esse conflito interno, que já se insinuava em O Caminho da Água, parece ganhar proporções muito maiores no terceiro longa.

Jake e Neytiri, por sua vez, aparecem mais maduros, mas também mais quebrados. O luto pela morte de Neteyam se reflete na forma como eles se movimentam, falam e interagem com o restante da família. Neytiri, especialmente, surge tomada por uma intensidade quase selvagem. Em uma das cenas mais marcantes do trailer, ela afirma, com a voz embargada e olhar de fúria, que eles “já perderam demais”. Há uma energia crua nessa fala que indica que a personagem, que sempre equilibrou espiritualidade e força, pode estar prestes a romper alguns limites.

Kiri, interpretada novamente por Sigourney Weaver, também ganha destaque nos novos trechos. Sua ligação com Eywa se manifesta de forma mais poderosa, com cenas que sugerem habilidades sensoriais ampliadas e uma sensibilidade que a coloca no centro de acontecimentos decisivos. A jovem, ainda envolta em mistério, parece ser um dos pilares emocionais e narrativos de Fogo e Cinzas. Seus conflitos, suas descobertas e sua conexão com o planeta podem ser fundamentais no desfecho da história.

Lo’ak, que já vivia sob o peso da expectativa após a morte do irmão, também surge como alguém que enfrenta uma jornada pessoal intensa. Seu vínculo com o tulkun Payakan reaparece brevemente no trailer, indicando que essa relação continuará a ser um dos elementos mais sensíveis e simbólicos da trama. Cameron tem habilidade especial para transformar laços entre personagens e criaturas em metáforas profundas — e tudo indica que isso se repetirá aqui, só que de forma ainda mais dramática.

Para que tudo isso ganhasse corpo e verdade, Cameron contou novamente com o retorno de atores que já se tornaram sinônimo da franquia. Sam Worthington retoma o papel de Jake Sully com uma postura mais cansada e reflexiva, carregando no olhar todas as batalhas que já enfrentou e aquelas que sabe que ainda virão. Zoe Saldaña, sempre intensa, entrega uma Neytiri visceral, movida pela dor, pela raiva e pela vontade de proteger o que lhe resta. Stephen Lang, mais uma vez, se destaca como um antagonista multifacetado, enquanto Sigourney Weaver transforma Kiri em um dos personagens mais fascinantes dessa nova fase da franquia. Joel David Moore, CCH Pounder e Matt Gerald completam o elenco de retorno.

A grandiosidade de Fogo e Cinzas se deve, em grande parte, ao processo de produção que começou há muito tempo. As filmagens tiveram início em 2017, acontecendo paralelamente às de O Caminho da Água. Isso significa que Cameron não vê a saga como filmes isolados, mas como capítulos de uma história contínua, planejada com antecedência e construída como uma verdadeira epopeia cinematográfica. Enquanto trabalhava nesses dois longas, ele já preparava terreno para The Tulkun Rider e The Quest for Eywa, que devem chegar aos cinemas nos próximos anos e fechar o ciclo iniciado em 2009.

Angel’s Egg renasce nos cinemas brasileiros em uma restauração deslumbrante em 4K HDR

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Quase quatro décadas após sua estreia silenciosa e enigmática no Japão, o cultuado Angel’s Egg, dirigido por Mamoru Oshii com direção de arte e conceitos visuais de Yoshitaka Amano, finalmente chega aos cinemas brasileiros como sempre deveria ter sido visto: em uma restauração impecável em 4K HDR, realizada a partir dos negativos originais em 35mm. O lançamento nacional acontece nesta quinta-feira, 20 de novembro, sob distribuição da Sato Company, marcando um momento significativo para fãs de animação, colecionadores e amantes do cinema autoral.

A nova versão do longa foi exibida neste ano no Festival de Cannes, dentro da seção Cinéma de la Plage, como parte da seleção oficial de clássicos — um reconhecimento que reafirma a importância estética e histórica de uma obra que, durante muito tempo, permaneceu restrita a círculos específicos de cinéfilos.

Em São Paulo, a chegada do filme será celebrada com uma pré-estreia especial no dia 19 de novembro, às 19h30, no Cinesystem Belas Artes Frei Caneca, com mediação da jornalista e influenciadora de cultura pop asiática Miriam Castro (Mikannn).

Um filme que desafiou seu próprio tempo

Quando Angel’s Egg foi lançado, em 1985, a recepção não poderia ter sido mais ambígua. O público acostumado à explosão criativa do anime comercial — repleto de ação, diálogos rápidos e narrativas acessíveis — encontrou em Oshii algo muito diferente.
Era um filme contemplativo, quase silencioso, movido por símbolos religiosos, imagens de ruínas e criaturas fantasmagóricas que pareciam existir apenas na fronteira entre sonho, fé e esquecimento.

O resultado, na época, foi um estranhamento profundo. A bilheteria foi tímida, a crítica não sabia como definir o longa e muitos espectadores deixaram a sessão com mais perguntas do que respostas. Mas foi justamente essa estranheza que transformou Angel’s Egg na obra que ele é hoje: um marco cult inclassificável, estudado por acadêmicos, adorado por artistas visuais e reverenciado como uma das animações mais ousadas já produzidas. O tempo — sempre ele — tratou de colocar o filme no lugar certo. De obscuro, Angel’s Egg tornou-se essencial.

A poética do silêncio

O enredo do filme é simples apenas na superfície. A trama acompanha uma menina solitária que protege um misterioso ovo enquanto vaga por um mundo em ruínas. Ela é observada por um viajante, cuja presença desperta dúvidas, conflitos e um sentimento constante de incerteza.

Não há pressa. Não há explicação.
O filme se constrói na pausa, no gesto, na textura da luz, na sombra que recorta os cenários decadentes. Cada quadro parece uma pintura animada por algo mais profundo do que técnica — talvez fé, talvez melancolia, talvez o desejo de compreender o que resta quando tudo já se perdeu.

É justamente essa densidade que transformou o longa em objeto de culto. Angel’s Egg não se limita a ser visto: ele precisa ser sentido.

Um marco para a animação no Brasil

O lançamento nacional da animação é, em muitos sentidos, uma reparação histórica. Durante décadas, o longa permaneceu inacessível ao grande público, circulando apenas entre colecionadores, críticos especializados e fãs obstinados.

A exibição nos cinemas brasileiros não é apenas um evento de nostalgia: é a chance de apresentar o filme para uma nova geração, em sua forma definitiva.
E fazê-lo no momento em que o interesse por animação japonesa está em seu auge torna esta estreia ainda mais simbólica.

A Sato Company, responsável pelo lançamento, reforça a importância de trazer ao País obras que marcaram o imaginário de criadores do mundo inteiro. Angel’s Egg não é apenas um filme — é um capítulo fundamental da história da animação autoral.

Netflix lança trailer final de Sonhos de Trem e aumenta a expectativa para um dos dramas mais humanos do ano

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Foto: Reprodução/ Internet

A Netflix divulgou nesta sexta-feira (21) o trailer final de Sonhos de Trem, drama intimista que já chega ao streaming carregado de emoção e forte expectativa. O novo vídeo, lançado junto com a estreia global do filme na plataforma, aprofunda os tons melancólicos e contemplativos da narrativa, oferecendo um último vislumbre da jornada de Robert Grainier, um homem comum tentando sobreviver a perdas profundas em um país que se transforma à sua volta.

A montagem privilegia cenas de olhar, de mãos calejadas, de natureza impondo sua presença. Há algo profundamente humano na forma como o vídeo apresenta Robert Grainier, interpretado por Joel Edgerton, como um homem comum prestes a se ver diante do inimaginável. O trailer não revela excessos nem entrega grandes reviravoltas — revela humanidade.

E talvez seja justamente isso que o torna tão impactante: sua simplicidade emocional.

A história de um homem que tenta se manter inteiro

Baseado na novela de 2011 de Denis Johnson, “Sonhos de Trem” parte de uma premissa aparentemente simples: acompanhamos a vida de Robert Grainier, um lenhador contratado para ajudar na expansão das ferrovias norte-americanas no início do século XX.

É um trabalho exaustivo, realizado entre montanhas, florestas e longos períodos de ausência de casa. Sua esposa, vivida por Felicity Jones, e sua filha o esperam enquanto ele tenta equilibrar sobrevivência, amor e distância.

O trailer final faz questão de destacar essa dimensão íntima da história. Não há grande narrativa épica. Há um mundo que avança — e um homem tentando não ficar para trás.

Silêncio, perda e a sensação de deslocamento

Um dos elementos mais marcantes do novo trailer é sua trilha sonora quase imperceptível. Ela não guia o espectador; acompanha. É como se o vídeo dissesse que o drama mais profundo não está nas palavras, mas no que não se diz.

Há rápidas imagens que já antecipam a jornada emocional de Grainier: um olhar distante, uma casa vazia, uma paisagem que parece grande demais para a dor que ele carrega. O trailer não explica — apenas mostra. Ele nos deixa sentir a solidão que acompanha o personagem, a dureza do trabalho que engole sua rotina e o impacto das mudanças que ele não pode controlar.

Essa escolha estética combina com o estilo do filme, que sempre foi descrito como um drama contemplativo, feito para tocar o espectador em suas próprias memórias de perda, silêncio e recomeço.

Um elenco preciso que reforça a força emocional

No vídeo final, além de Edgerton e Jones, também aparecem breves momentos de Clifton Collins Jr., Kerry Condon e William H. Macy, todos em personagens que passam pela vida de Grainier deixando marcas pequenas, mas significativas.

A montagem do trailer destaca expressões, olhares, gestos contidos. Nada é acidental. Cada aparição sugere que esses personagens funcionam como espelhos, ecos ou alertas na caminhada do protagonista.

Edgerton, especialmente, surge com uma carga emocional poderosa. A forma como ele olha para a câmera — ou para o nada — diz mais do que qualquer diálogo. O trailer já deixa claro: sua atuação é o coração do filme.

Como o filme nasceu e por que o trailer carrega tanto peso

O projeto começou a ganhar forma em 2024, quando a produtora Black Bear confirmou a adaptação da obra de Denis Johnson. Clint Bentley, que já demonstrava sensibilidade para dramas humanos, assumiu a direção e o roteiro ao lado de Greg Kwedar.

Desde o início, a proposta sempre foi preservar o tom emocional do livro e transformá-lo em cinema de maneira respeitosa, silenciosa e profunda. O trailer final reflete exatamente isso: a sensação de que estamos diante de uma obra que não quer provar nada, apenas existir em sua verdade.

O filme estreou no Festival de Sundance em janeiro de 2025, onde foi amplamente celebrado. Logo depois, a Netflix adquiriu os direitos e passou a promover o longa como uma de suas grandes apostas da temporada.

Um lançamento pensado para emocionar e para ganhar prêmios

Antes de chegar ao streaming, “Sonhos de Trem” teve uma breve passagem pelos cinemas dos Estados Unidos em 7 de novembro. Uma estratégica janela de exibição limitada, pensada para credenciá-lo na temporada de premiações.

A aposta deu certo. O longa recebeu elogios consistentes e começou a despontar como candidato ao Oscar 2026, especialmente após suas indicações no Gotham Film Awards.

O trailer final, lançado hoje, reforça o discurso da Netflix: este não é apenas um filme — é uma experiência emocional.

Domingo Maior de hoje (23) exibe “Infiltrado na Klan”: O suspense poderoso de Spike Lee sobre racismo e resistência

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Foto: Reprodução/ Internet

O Domingo Maior de hoje, 23 de novembro, aposta em um dos filmes mais impactantes da última década: “Infiltrado na Klan” (BlacKkKlansman), dirigido por Spike Lee (Faça a Coisa Certa, Céus e Infernos, O Plano Perfeito). Misturando tensão, humor ácido e um senso de urgência política, o longa resgata uma história real que parece dialogar diretamente com o presente, mesmo ambientada nos anos 1970.

A produção acompanha Ron Stallworth, interpretado por John David Washington, um jovem policial negro do Colorado que tomou uma decisão ousada e quase impensável para a época. Em 1978, ele conseguiu se infiltrar na Ku Klux Klan, uma das organizações supremacistas brancas mais violentas dos Estados Unidos. A investigação começou por telefone, onde Ron fingia ser um homem branco e simpatizante dos ideais racistas do grupo. À medida que a operação avançava, outro policial (branco) precisava aparecer pessoalmente nas reuniões para manter a farsa. (Via: AdoroCinema)

O resultado foi uma parceria improvável, tensa e ao mesmo tempo brilhantemente construída, principalmente por causa da atuação de Adam Driver, que vive o policial que se passa por Ron nos encontros presenciais com os membros da Klan. A operação secreta durou meses e expôs planos de ataques, linchamentos e crimes de ódio organizados pela seita. Para além do suspense policial, Spike Lee transforma a história numa crítica direta ao racismo estrutural, mostrando como discursos de ódio se espalham, encontram espaços e se disfarçam ao longo das décadas.

Um filme que mistura indignação, humor e esperança

“Infiltrado na Klan” não é apenas sobre a investigação. É também sobre o peso emocional de ser um homem negro enfrentando um sistema que muitas vezes tenta silenciar, apagar ou intimidar. Spike Lee equilibra momentos de ironia e sátira com cenas duras, sem medo de provocar o espectador.

A narrativa vibra justamente por saber rir do absurdo que atravessa a história como quando Ron liga para o líder da Klan, interpretado por Topher Grace, e é recebido com entusiasmo, mesmo descrevendo preconceitos abertamente racistas.

Ao mesmo tempo, o filme respira através de personagens como Patrice (Laura Harrier), que levanta discussões sobre identidade, resistência e ativismo negro num período de profundas tensões sociais nos EUA.

Elenco comprometido e direção afiada

O elenco do filme atua com uma entrega que dá corpo e verdade à história. John David Washington (“Tenet”, “Malcolm & Marie”, série “Ballers”) interpreta Ron Stallworth com firmeza, carisma e nuances que revelam tanto a coragem quanto a vulnerabilidade do personagem. Adam Driver (“História de um Casamento”, “Paterson”, franquia “Star Wars”) dá vida a Flip Zimmerman mergulhando no conflito identitário de um policial judeu infiltrado em um grupo supremacista, trazendo tensão e sensibilidade à narrativa.

Laura Harrier (“Homem-Aranha: De Volta ao Lar”) ilumina a história com presença marcante, enquanto Topher Grace (“That ‘70s Show”, “Homem-Aranha 3”), Ryan Eggold (“The Blacklist”, “New Amsterdam”) e Jasper Pääkkönen (“Vikings”, “O Atentado ao Hotel Taj Mahal”) completam o time com atuações que reforçam a força política, emocional e crítica do filme.

Na versão exibida na TV, a dublagem brasileira com Marcelo Campos, Alfredo Rollo, Samira Fernandes e Felipe Zilse mantém a força das interpretações originais, reforçando a intensidade e a humanidade que o longa pede.

Um sucesso de crítica, bilheteria e relevância

Lançado em 2018, o filme arrecadou mais de US$ 89 milhões em todo o mundo, contra um orçamento de US$ 15 milhões, um ótimo desempenho para um filme de forte teor político. Nos Estados Unidos, estreou com US$ 10,8 milhões e garantiu a Spike Lee seu melhor fim de semana de abertura desde Plano Perfeito (2006). A produção também ganhou o Oscar de Melhor Roteiro Adaptado, marcando um dos momentos mais celebrados da carreira do diretor.

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