Pode preparar o coração, porque o drama, o glamour e o caos dos bastidores do showbiz japonês estão de volta! A terceira temporada de Oshi no Ko acaba de ganhar um trailer eletrizante e data oficial de estreia: janeiro de 2026, exclusivamente na Crunchyroll. Depois de deixar os fãs em suspense com reviravoltas dignas de novela das 10, o anime promete mergulhar ainda mais fundo nas feridas (e nos segredos) da indústria do entretenimento. E, se depender das cenas do novo trailer, ninguém vai sair ileso — nem os personagens, nem o público. Abaixo, confira o vídeo divulgado:
Reencarnação, fama e vingança: o pop nunca foi tão trágico
Pra quem ainda não embarcou nessa montanha-russa emocional, Oshi no Ko começa com uma premissa que parece simples, mas rapidamente vira um redemoinho de dor e obsessão. Gorou Amamiya, um médico obstetra fã da idol Ai Hoshino, é assassinado por um fã desequilibrado — e renasce como Aquamarine Hoshino, o filho da própria Ai. Só que a ironia do destino não para aí: sua irmã gêmea, Ruby, é a reencarnação de uma de suas pacientes.
Anos depois, o brilho da fama se apaga quando Ai é morta pelo mesmo fã, e Aqua jura encontrar o responsável — custe o que custar. Ruby, por outro lado, decide seguir os passos da mãe e se tornar uma idol, tentando reviver o sonho que a tragédia interrompeu.
É aí que Oshi no Ko brilha: ele mistura o brilho artificial dos palcos com o lado obscuro do sucesso, mostrando como o amor, a fama e a vingança podem andar lado a lado.
O passado volta à tona — e vai ser intenso
Na nova temporada, os gêmeos Hoshino estão mais maduros, mas também mais distantes. Enquanto Ruby se torna o rosto de um filme inspirado na vida de Ai, Aqua continua sua jornada sombria atrás da verdade — e o alvo é claro: Hikaru Kamiki, o ator misterioso que pode ser seu pai… e o grande vilão da história.
O trailer mostra que as máscaras vão começar a cair. Há flashes de tensão, lágrimas, e uma energia de “ponto sem retorno” no ar. Os fãs já estão teorizando sobre um final que pode mudar tudo o que sabemos sobre os personagens — e, conhecendo o estilo de Oshi no Ko, é melhor se preparar para o emocional ser testado.
Sucesso que não sai dos holofotes
Desde a estreia em 2023, Oshi no Ko virou um fenômeno. A mistura de drama psicológico, crítica à fama e visual deslumbrante conquistou fãs no mundo todo. E não é só no anime: o mangá, escrito por Aka Akasaka (sim, o mesmo de Kaguya-sama: Love is War) e ilustrado por Mengo Yokoyari, é um sucesso de vendas — publicado no Brasil pela Panini e em Portugal pela Devir. Pra completar o pacote, a história também ganhou um live-action no Prime Video, mostrando que a febre da trama veio pra ficar.
O grande charme do anime é como ele transforma um enredo sobre idols e fama em algo muito mais profundo — uma reflexão sobre identidade, trauma e o preço da visibilidade. Nenhum personagem é totalmente bom ou mau. Todos estão tentando sobreviver em um mundo onde cada sorriso pode esconder uma cicatriz.
O premiado diretor japonês Mamoru Hosoda, responsável por algumas das obras mais sensíveis e inventivas da animação contemporânea, está de volta com um novo projeto que promete emocionar o público. Seu próximo filme, Scarlet, ganhou um trailer inédito ao som de “Hateshi naki”, canção-tema interpretada pela atriz e cantora Mana Ashida, que também dá voz à protagonista. Abaixo, confira o vídeo:
Produzido pelo Studio Chizu, o longa tem estreia marcada para 21 de novembro de 2025 no Japão e já vem sendo apontado como um dos títulos mais aguardados do ano. No Brasil, a previsão é que o filme chegue aos cinemas apenas em 2026, ainda sem data definida. As informações são do site O Vício.
Uma fábula sobre vingança, tempo e redenção
Descrito como uma mistura de fantasia medieval e ficção temporal, a trama acompanha a jornada de uma princesa espadachim que viaja através do tempo e do espaço em busca de vingança pelo assassinato do pai. No entanto, o destino a conduz a um confronto mais profundo — não apenas com o inimigo, mas com os próprios sentimentos que a movem.
Após uma batalha que a deixa gravemente ferida, Scarlet desperta em um mundo moderno e surreal, onde conhece um jovem idealista que a ajuda a reencontrar seu propósito. É nesse encontro improvável entre eras e ideais que a protagonista começa a questionar o peso da vingança e o verdadeiro significado de liberdade.
Combinando ação, emoção e filosofia, Hosoda constrói um conto épico sobre a dor e a cura — temas recorrentes em sua filmografia, mas agora revisitados sob uma perspectiva mais sombria e madura.
O mestre da emoção
Para quem acompanha o cinema japonês, o nome Mamoru dispensa apresentações. O diretor já foi aclamado por produções como Guerras de Verão (2009), Crianças Lobo (2012) e o visualmente deslumbrante BELLE (2021), que foi indicado ao Oscar e consolidou Hosoda como um dos grandes contadores de histórias da atualidade.
Em Scarlet, ele assina tanto o roteiro quanto a direção, mergulhando novamente em suas obsessões criativas: o choque entre mundos, o amadurecimento emocional e as relações humanas diante do impossível. “Quis explorar o que resta de nós quando tiramos tudo — a glória, o poder e o tempo. Scarlet é sobre o que sobra: a alma”, declarou o diretor em entrevista recente à imprensa japonesa.
Recepção antecipada e trilha sonora poderosa
Apresentado fora de competição no 82º Festival de Veneza, o longa arrancou aplausos de pé e elogios por sua direção artística e pela performance vocal de Mana Ashida, que já havia trabalhado com Hosoda em O Menino e o Mundo dos Demônios. A canção “Hateshi naki”, composta especialmente para o filme, tem sido descrita como um hino de esperança após a dor, e promete marcar presença entre as trilhas mais memoráveis do cinema japonês recente.
Lançamento internacional e planos futuros
A distribuição japonesa ficará por conta da Toho, enquanto a Sony Pictures Classics será responsável pelo lançamento internacional, com uma exibição especial de qualificação a prêmios prevista para o fim de 2025. O lançamento comercial fora do Japão deve ocorrer em fevereiro de 2026, com forte aposta em festivais e indicações.
Zerocalcare nunca foi um autor de histórias leves — e ainda bem. Em Esqueça o Meu Nome, sua nova graphic novel, o quadrinista italiano mais vendido da atualidade entrega algo ao mesmo tempo confessional e desconcertante: um mergulho em suas próprias memórias, onde realidade e fantasia se confundem a ponto de o leitor não saber mais onde termina o trauma e começa a invenção.
O ponto de partida é simples — a morte da avó —, mas nada em Zerocalcare é simples de verdade. A perda desencadeia uma avalanche de lembranças, culpas e perguntas que ele nunca quis fazer. O resultado é um retrato honesto e melancólico de um homem tentando entender o que sobrou de si depois que a infância foi embora.
Quando o luto vira labirinto
O autor transforma o luto em um labirinto visual e emocional. Cada quadro parece desenhado com a mão trêmula de quem ainda está tentando processar o que viveu. As linhas são imperfeitas — propositalmente —, e nelas há algo de cru, quase desconfortável. É o tipo de arte que não quer agradar, quer atingir.
A HQ alterna momentos de lembrança real com delírios fantásticos, monstros simbólicos e cenas que beiram o pesadelo. E isso funciona porque o leitor entende: a dor não é linear. O que Zerocalcare faz é materializar o caos interno, transformar a memória em algo palpável — mesmo que isso doa.
A infância como campo de batalha
Há uma ideia forte que atravessa todo o livro: a de que crescer é uma espécie de traição. Ao revisitar o passado, o autor percebe que a inocência não desaparece de repente — ela é arrancada aos poucos, junto com a fé em quem éramos. A avó, nesse contexto, é mais do que uma figura familiar: é o último elo com o que foi puro, antes que o peso da sociedade e da culpa tomasse conta.
E é nessa camada que Zerocalcare mostra maturidade narrativa. Ele não idealiza o passado — expõe suas rachaduras. A casa da avó, os objetos esquecidos, as fotos antigas, tudo serve como espelho de um protagonista que tenta entender de onde veio e, principalmente, por que ainda não sabe para onde vai.
Arte que sangra
Visualmente, o quadrinho é de um vigor impressionante. Zerocalcare domina o contraste entre cores fortes e sombras densas, criando uma atmosfera entre o sonho e o pesadelo. As criaturas que habitam suas páginas não são monstros externos — são os medos, as lembranças e as culpas que ele carrega.
Ainda assim, há beleza na dor. As cores gritam, os traços tremem, mas há uma sensibilidade quase poética em cada quadro. É arte feita de cicatrizes — e, curiosamente, é aí que ela se torna universal.
Um livro que exige entrega
“Entre o que fica e o que vai”, Zerocalcare entrega uma história corajosa, mas que também pode afastar quem espera algo mais “linear”. O ritmo é fragmentado, as transições são abruptas e a mistura entre realidade e delírio exige do leitor mais atenção do que costumeiramente se pede em uma HQ.
Mas talvez seja esse o ponto: a vida também não tem roteiro. E o autor não tenta organizar o caos — apenas desenhá-lo. O resultado é uma obra que incomoda, emociona e, acima de tudo, fica com você depois que termina.
O universo de Duna segue se expandindo — e, desta vez, é a televisão que assume o papel de guia nesse novo mergulho pelas areias do tempo. A HBO divulgou um vídeo inédito dos bastidores da segunda temporada de Duna: A Profecia, série que explora as origens da misteriosa irmandade Bene Gesserit. Com imagens e depoimentos sinceros de elenco e equipe, o vídeo revela o cuidado quase artesanal que a produção tem para construir um mundo que pareça, ao mesmo tempo, antigo e futurista. É uma viagem pelos bastidores que mistura fantasia, política e emoção — tudo aquilo que faz o universo de Duna ser uma experiência cinematográfica única, mesmo na TV. Abaixo, confira o vídeo:
Enquanto os filmes dirigidos por Denis Villeneuve exploram o destino épico de Paul Atreides (Timothée Chalamet), Duna: A Profecia retorna milhares de anos no passado, mostrando um tempo em que o nome “Atreides” ainda nem existia. A trama acompanha as irmãs Valya e Tula Harkonnen, interpretadas por Emily Watson e Olivia Williams, duas mulheres que se tornam peças-chave na criação do Bene Gesserit — uma organização secreta que viria a influenciar todo o curso da história humana. O vídeo dos bastidores da 2ª temporada mostra como essas personagens se desenvolvem ainda mais, ganhando camadas emocionais e novos conflitos.
Filmada em locações exuberantes e estúdios gigantes, a segunda temporada promete elevar o padrão visual que já impressionou os fãs no primeiro ano. No vídeo, é possível ver o trabalho minucioso do design de produção e dos figurinos, que combinam luxo e austeridade — uma marca do universo criado por Frank Herbert nos livros originais. Os bastidores também destacam o retorno da diretora Anna Foerster, que comandou episódios da primeira temporada e volta com uma visão ainda mais madura sobre os temas de poder e fé que permeiam a narrativa.
Enquanto a primeira temporada se concentrou em apresentar o contexto político e religioso das irmãs Harkonnen, a 2ª promete mergulhar mais fundo nas consequências de suas escolhas. O vídeo mostra flashes de rituais, conflitos internos e uma tensão crescente entre as líderes da futura irmandade. Há um clima de misticismo no ar — e de transformação. Os cenários mais escuros, a fotografia quase etérea e a trilha sonora imersiva sugerem uma narrativa mais densa, voltada para o questionamento da fé e do poder.
O legado de Duna continua crescendo
Com o sucesso dos filmes (Duna: Parte 1 em 2021 e Duna: Parte 2 em 2024), o público demonstrou que há espaço — e muito interesse — por histórias que combinem ficção científica, política e espiritualidade. Duna: A Profecia surge como uma ponte entre o cinema e a TV, expandindo o universo criado por Frank Herbert com um olhar mais intimista e feminino.
O vídeo dos bastidores da segunda temporada chega exatamente nesse momento em que os fãs estão mais curiosos do que nunca. Afinal, o terceiro filme, Duna: Parte 3, já encerrou as filmagens, e a série deve servir como um elo perfeito para entender o que move esse império que se sustenta em segredos, fé e ambição.
Quando estreia?
Ainda sem data oficial divulgada, a nova temporada de Duna: A Profecia deve chegar ao Max em 2026, após a conclusão da longa pós-produção. Mas, se o vídeo divulgado serve de termômetro, os fãs podem esperar algo grandioso — visualmente impressionante e, ao mesmo tempo, profundamente humano.
Estreia hoje nos cinemas brasileiros Meu Pior Vizinho, uma comédia romântica sul-coreana que promete encantar o público ao misturar humor, melancolia e encontros improváveis em meio à rotina caótica da vida urbana. Dirigido por Lee Woo-chul, o longa oferece uma narrativa sensível e divertida sobre como o amor pode surgir — e ecoar — nos lugares mais inesperados.
A história acompanha Lee Seung-jin (interpretado por Lee Ji-hoon), um músico sonhador que decide se mudar para um novo apartamento em busca de tranquilidade e inspiração. Sua paz, no entanto, é logo interrompida por um choro enigmático que invade suas noites. Intrigado e sem conseguir dormir, ele parte em busca da origem dos sons — e descobre que o “fantasma” é, na verdade, Hong Ra-ni (Han Seung-yeon), sua vizinha reclusa.
Ra-ni é uma designer talentosa, mas solitária, que vive cercada por seus projetos e dramas pessoais. Seu apartamento é seu refúgio e, ao mesmo tempo, sua prisão. As ferramentas de trabalho, os desabafos noturnos e a solidão criam o som ambiente que atormenta Seung-jin. Aos poucos, o que começa como irritação e curiosidade se transforma em um laço de empatia, amizade e, por fim, amor.
Entre o riso e a melancolia
Inspirado no filme francês “Blind Date”, de Clovis Cornillac, o filme adapta a comédia romântica europeia para o contexto urbano da Coreia do Sul, mantendo o charme do original, mas incorporando temas contemporâneos. A parede que separa os protagonistas é uma metáfora poderosa sobre a solidão nas grandes cidades — um retrato fiel de uma geração que vive próxima fisicamente, mas distante emocionalmente.
O longa combina humor leve e emoção contida, um equilíbrio característico do cinema coreano moderno. Através dos diálogos afiados e das situações cotidianas, o roteiro questiona: até que ponto as barreiras que criamos — físicas ou emocionais — nos impedem de viver algo verdadeiro?
Além das risadas, há um toque de melancolia e realismo. O filme fala sobre medo, vulnerabilidade e reconexão, mostrando que o amor nem sempre chega de forma grandiosa — às vezes, ele se infiltra pelas pequenas frestas da rotina.
Lee Ji-hoon e Han Seung-yeon: química e renovação
Para Lee Ji-hoon, o papel de Seung-jin marca um momento de virada na carreira. Conhecido por seus papéis em dramas de época como “River Where the Moon Rises” (2021) e “Rookie Historian Goo Hae-ryung” (2019), o ator mostra um lado mais espontâneo e vulnerável. Seu desempenho combina timidez e carisma, dando vida a um protagonista imperfeito, mas profundamente humano.
Já Han Seung-yeon, que brilhou como integrante do grupo de K-pop KARA, confirma mais uma vez seu talento como atriz. Depois de participações notáveis em “Show Me the Ghost” (2021) e “Hello, My Twenties!” (2016), ela entrega uma Hong Ra-ni cheia de nuances — uma mulher que aprendeu a lidar com a solidão, mas que, aos poucos, redescobre a importância de se abrir ao outro.
A química entre os dois é palpável, mesmo quando estão separados por uma parede. Essa dinâmica inusitada é um dos grandes trunfos do filme: a tensão entre distância e proximidade, isolamento e conexão, faz com que o público se envolva emocionalmente com cada diálogo trocado através das paredes.
A vida moderna como personagem
O longa é uma crônica sobre a vida contemporânea e aborda temas como o esgotamento emocional, a pressão do sucesso e a dificuldade de comunicação em tempos digitais. O som — elemento central da narrativa — ganha um papel quase simbólico. Cada barulho vindo do apartamento vizinho reflete emoções contidas, lembrando o espectador de como a vida moderna é repleta de ruídos, tanto internos quanto externos. Ao transformar o incômodo em conexão, o longa sugere que escutar o outro pode ser o primeiro passo para o amor.
Visualmente, a direção de Lee Woo-chul aposta em planos intimistas e iluminação suave, reforçando a sensação de confinamento e intimidade. O espectador é convidado a observar a relação crescer em meio a rotinas silenciosas, cafés esquecidos e músicas tocadas ao piano — um retrato sensível de dois solitários aprendendo a dividir o mesmo espaço emocional.
Um retrato coreano do amor moderno
Nos últimos anos, o cinema sul-coreano tem se destacado por renovar os gêneros clássicos com olhares contemporâneos. Assim como “In Our Prime” e “Decision to Leave”, “Meu Pior Vizinho” investe em personagens emocionalmente complexos, explorando o amor de forma menos idealizada e mais realista.
Em vez de focar apenas na paixão, o filme se dedica a mostrar o processo de aproximação — as hesitações, os ruídos, os silêncios. É um romance que cresce devagar, como uma melodia que vai se formando aos poucos, até se tornar impossível de ignorar.
Nesta semana, Selton Mello deu aquele presente que os fãs adoram: um vídeo íntimo, descontraído e cheio de momentos engraçados dos bastidores de Anaconda, o novo reboot da franquia que marcou gerações e agora renasce em Hollywood com uma mistura improvável de humor, terror e ação. O ator brasileiro, que estrela o longa ao lado de Jack Black, Paul Rudd, Steve Zahn, Thandiwe Newton e Daniela Melchior, mostrou o clima de irreverência que tomou conta da produção desde o início das filmagens.
“Meu momento favorito: mostrar o que acontece por trás das câmeras. Com Anaconda, não foi diferente”, escreveu Selton na legenda. O vídeo, claro, viralizou em minutos. Não só pela curiosidade natural em torno de uma superprodução hollywoodiana, mas pelo carisma e pelo olhar genuíno que Selton imprime ao gravar esse tipo de conteúdo. Ele não mostra apenas o set — mostra a energia das pessoas que constroem aquele universo.
Um reboot que não tenta ser sério — e é justamente aí que mora o charme
Dirigido por Tom Gormican e escrito por ele ao lado de Kevin Etten, o novo filme já nasce com uma proposta assumida: é uma comédia de terror escrachada, que abraça o exagero do original de 1997 e se diverte com isso. Esqueça o suspense sombrio ou a tensão constante. Aqui, o espírito é outro, quase como se o filme desse uma piscada para o público o tempo todo, lembrando que ninguém precisa levar nada tão a sério.
O enredo gira em torno de Doug (Jack Black) e Griff (Paul Rudd), dois amigos que, enfrentando crises típicas da meia-idade, decidem viajar até a Amazônia para recriar o longa que marcou a juventude deles. A ideia já seria absurda por si só, mas fica ainda mais caótica quando uma anaconda gigantesca — dessa vez real — aparece, transformando o sonho de fazer cinema num pesadelo hilário.
O próprio trailer, lançado pela Sony no fim de setembro de 2025, já mostrava o tom: piadas autorreferenciais, escorregões, sustos inesperados e uma cobra gigante que parece tão interessada em devorar quanto em provocar reações cômicas. É autossátira na veia, um tipo de humor que só funciona quando todos os envolvidos estão no mesmo espírito. E, pelo vídeo de Selton, estão.
Nos bastidores, Selton vira o “elo de ligação” entre caos e camaradagem
No vídeo postado nas redes, Selton aparece totalmente integrado à equipe e, principalmente, ao elenco. A troca dele com Paul Rudd chama atenção: os dois riem de improvisos, conversam como se fossem amigos de longa data e parecem ter encontrado um ritmo próprio. Rudd, com seu humor leve e eterno ar de surpresa, funciona quase como uma dupla de comédia com Selton, que responde com uma naturalidade impressionante para quem está filmando seu maior projeto internacional.
Com Jack Black, o clima é ainda mais escrachado. Em vários trechos, Jack brinca com Selton, tenta fazer o brasileiro repetir palavras e frases gringas com sotaque perfeito e, claro, esbarra em expressões cariocas que ele não consegue pronunciar por nada. Selton, por sua vez, tenta ensinar — mas desiste rápido ao perceber que a gargalhada é mais eficiente do que a aula.
O vídeo também mostra momentos técnicos que sempre fascinam o público: a gigante cabeça animatrônica da cobra descansando ao lado de uma mesa de almoço, ensaios com tela verde, operadores de efeitos especiais manipulando estruturas enormes e cenas caóticas gravadas no meio de uma “Amazônia hollywoodiana”. Selton observa tudo com aquele humor fino que o público brasileiro conhece bem — e isso dá ao material um toque de brasilidade no meio do caos.
Um brasileiro no centro da ação — e sem perder a essência
A escalação de Selton Mello sempre chamou atenção, principalmente por ser algo raro na carreira dele, que é marcada por escolhas cuidadosas e personagens densos. No filme, ele interpreta Santiago Braga, um guia local que tenta conduzir Doug, Griff e seus amigos com alguma sensatez, mas rapidamente percebe que está lidando com um grupo que atrai confusão como ninguém.
Santiago é um personagem que permite a Selton explorar tanto o humor quanto a emoção — e o ator parece confortável demais nessa mistura. Ele transita entre a ironia fina e momentos de vulnerabilidade, dando um toque humano a um filme que, na maior parte do tempo, flerta com o absurdo planejado.
Para os brasileiros, ver Selton nesse contexto é mais que representatividade. É uma confirmação de que seu talento atravessa fronteiras sem perder identidade. Ele fala português nos bastidores, brinca com a equipe, improvisa e mantém um tom que só ele tem. É o Brasil dentro da floresta hollywoodiana — e isso dá ao reboot uma camada inesperada de autenticidade.
A equipe abraça o absurdo e o transforma em virtude
Produzido pela Columbia Pictures e pela Fully Formed Entertainment, o reboot foi pensado como uma grande carta de amor — e de zoeira — ao original. Brad Fuller e Andrew Form, responsáveis por franquias clássicas do terror, mergulharam fundo no tom de comédia metalinguística que Gormican queria.
Nos bastidores, Fuller chegou a comentar que a intenção jamais foi competir com o filme de 1997, mas “rir com ele, não dele”. E isso se reflete em tudo: da atuação exagerada ao design da anaconda, que mistura terror e humor de forma quase caricata.
Parte desse charme também vem dos efeitos práticos. Mesmo com CGI de ponta, o filme usa bonecos gigantescos que exigem cinco, seis operadores ao mesmo tempo. No vídeo de Selton, há um momento tão espontâneo quanto revelador: a equipe tentando ajustar uma das presas da anaconda mecânica enquanto o ator comenta, rindo, que “o glamour de Hollywood é muito superestimado”.
Primeiras imagens e trailer só aumentaram a expectativa
Quando a revista People publicou as primeiras fotos oficiais em 16 de setembro de 2025, o público mergulhou na nostalgia. Ver Jack Black coberto de lama, Paul Rudd fugindo de uma câmera que parece ter vontade própria e Selton Mello com expressão de quem perdeu a paciência antes do café da manhã criou um imediatismo raro: todos já queriam assistir ao filme.
No dia seguinte, a Sony divulgou o trailer. A recepção foi explosiva. O público entendeu imediatamente a proposta — não é terror puro, não é apenas comédia, e definitivamente não é algo que precise ser levado a sério. É entretenimento puro. É exagero com propósito.
E no meio de tudo isso, Selton aparece firme, divertido e totalmente encaixado naquele universo caótico.
Um lançamento para fechar 2025 com leveza e risadas
O filme estreia no Brasil em 25 de dezembro de 2025, chegando como uma opção divertida para o fim de ano — exatamente quando o público busca leveza, humor e aquela sensação de “vamos aproveitar o momento”. A Sony aposta alto no projeto e deve investir em campanhas globais, entrevistas conjuntas e, claro, mais vídeos de bastidores que mostram a alma da produção.
Se depender do que Selton Mello mostrou — e da sintonia evidente entre o elenco — o longa-metragme tem tudo para ser um dos títulos mais comentados do período. Não apenas pelo absurdo calculado, mas pela forma carinhosa como a equipe parece abraçar esse absurdo.
A Disney abriu as portas para uma nova etapa da jornada de Moana ao divulgar o primeiro trailer e o pôster oficial do aguardado remake live-action. Mais do que apenas revisitar um clássico recente, o estúdio apresenta uma proposta que busca honrar a cultura polinésia, valorizar novas vozes e recontar uma das narrativas mais amadas da geração atual. No centro dessa nova versão está Catherine Laga’aia, que assume o papel que imortalizou Auli’i Cravalho na animação de 2016. Ao lado dela, Dwayne Johnson retorna como o carismático Maui, reacendendo uma chama especial na relação entre ator, personagem e ancestralidade.
O trailer revela os primeiros vislumbres dessa adaptação, trazendo paisagens exuberantes, a textura das ondas em escala real e a energia aventureira que definiu a obra original. Também marca o início do diálogo visual entre a animação e o live-action, agora conduzido pela visão do diretor Thomas Kail — conhecido por seu talento em equilibrar sensibilidade humana e espetáculo visual. Com roteiro de Jared Bush e Dana Ledoux Miller, o filme estreia em 9 de julho de 2026 no Brasil e 10 de julho nos EUA, prometendo celebrar uma década do legado da jovem navegadora do Pacífico. Abaixo, confira o vídeo:
Um elenco que equilibra frescor e familiaridade
A escolha de Catherine Laga’aia como Moana foi recebida com entusiasmo. Jovem, talentosa e conectada às raízes samoanas, ela representa uma geração que cresceu vendo personagens polinésias ganharem destaque na cultura pop. Sua escalação dá ao filme um novo fôlego, não apenas pela juventude, mas pela autenticidade cultural que carrega consigo.
Ao seu lado, Dwayne Johnson reprisa o papel de Maui, agora com a maturidade de quem entende ainda mais profundamente o impacto de seu personagem. Johnson já afirmou diversas vezes que viver o semideus é uma forma de reverenciar sua própria história familiar — especialmente seu avô, o Alto Chefe Peter Maivia, que inspirou elementos da personalidade e da postura de Maui. Esse elo emocional se reflete na força de Johnson em defender publicamente o projeto desde o início.
O restante do elenco reforça a importância da representação cultural:
John Tui como Chefe Tui, o pai de Moana Frankie Adams como Sina, mãe da heroína Rena Owen como a inesquecível Vovó Tala
A seleção traz rostos conhecidos de produções ligadas ao Pacífico e dá continuidade a um movimento de Hollywood que busca aproximar narrativas polinésias das vivências de artistas que realmente pertencem a essas culturas.
O anúncio que pegou o mundo de surpresa
Em abril de 2023, Dwayne Johnson usou seu próprio canal no YouTube para anunciar que Moana ganharia um remake live-action. A notícia dividiu opiniões no início, principalmente pelo pouco tempo entre a animação e a nova versão. Entretanto, a Disney explicou que a produção fazia parte das celebrações pelos 100 anos do estúdio, e que havia espaço para aprofundar ainda mais a cultura, os símbolos e o impacto da história.
Auli’i Cravalho, apesar de não reprisar Moana, assumiu um papel importante como produtora executiva. Sua participação garante uma ponte entre a obra original e as novas interpretações, reforçando que a narrativa continua nas mãos de pessoas comprometidas com a autenticidade cultural.
Direção e roteiro: uma combinação pensada a longo prazo
A escolha de Thomas Kail como diretor apresentou desde cedo um norte interessante: alguém com experiência em musicalidade, narrativa emocional e grandes palcos — como Hamilton — agora leva essa sensibilidade para o cinema. Já o retorno de Jared Bush, aliado à participação de Dana Ledoux Miller, mantém vivo o espírito da animação, ao mesmo tempo em que abre espaço para ajustes que só o formato live-action pode sustentar.
Os bastidores e a greve que mudou os planos
Os testes de elenco deveriam ter começado ainda em 2023, mas a greve do SAG-AFTRA interrompeu o cronograma. Mesmo com o atraso, Johnson afirmou no início de 2024 que a protagonista já havia sido escolhida, mesmo que seu nome precisasse permanecer em sigilo. O anúncio oficial de Catherine Laga’aia, acompanhado de John Tui, Frankie Adams e Rena Owen, veio apenas em junho, consolidando um elenco de forte representatividade cultural.
Filmagens com o mar como protagonista
As filmagens aconteceram entre julho e novembro de 2024, divididas entre Atlanta e o Havaí. Além das locações paradisíacas, a equipe teve o desafio de traduzir visualmente elementos míticos, espirituais e oceânicos de forma natural. A produção reforça que, assim como na animação, o mar não é apenas cenário — ele é personagem.
Data de lançamento e mudanças no calendário da Disney
Originalmente previsto para junho de 2025, o remake foi adiado para julho de 2026 depois que Moana 2 entrou no calendário de estreias. A decisão evitou que dois grandes projetos da mesma franquia fossem lançados com pouco intervalo, permitindo que o live-action receba a atenção que merece — e, de quebra, celebrando os 10 anos de um dos maiores sucessos da história recente da Disney.
A jornada épica de Pandora está prestes a entrar em sua fase mais sombria. Avatar: Fogo e Cinzas, o terceiro capítulo da monumental franquia de James Cameron, acaba de ter sua primeira cena revelada, trazendo os filhos de Jake Sully em confronto direto com a nova antagonista: Varang, interpretada por Oona Chaplin. A breve sequência, exibida durante uma apresentação interna da Disney, indica que o universo de Cameron está mais tenso, violento e emocional do que nunca — e que o luto que marcou o final de O Caminho da Água será apenas o começo.
The first clip from 'AVATAR: FIRE AND ASH' has been released.
James Cameron (Titanic, Avatar, O Exterminador do Futuro 2) — que dirige, produz, edita e coescreve o novo filme — repete a ousadia de sempre: construir uma trama que se desenrola como uma verdadeira ópera visual e emocional. A produção de Avatar: Fogo e Cinzas começou em 2017, filmada simultaneamente com Avatar: O Caminho da Água, num processo que o cineasta descreve como “um único grande filme de dez horas dividido em capítulos”.
Além de Cameron, o roteiro contou com a colaboração de Rick Jaffa e Amanda Silver (Planeta dos Macacos: O Confronto, Jurassic World), Josh Friedman (O Exterminador do Futuro: Destino Sombrio) e Shane Salerno (Alien vs. Predador 2, Savages – Selvagens). Essa união criativa tornou a definição dos créditos particularmente complexa — afinal, todos trabalharam juntos na estrutura das próximas quatro sequências, sendo separados apenas no processo de refinamento dos roteiros individuais.
O elenco retorna quase completo: Sam Worthington (Fúria de Titãs), Zoe Saldaña (Guardiões da Galáxia), Sigourney Weaver (Alien – O Oitavo Passageiro), Stephen Lang (Não Respire), Joel David Moore (Dodgeball), CCH Pounder (Sons of Anarchy) e Matt Gerald (Demolidor).
A primeira cena revelada
A sequência apresentada mostra um grupo central para a franquia: os filhos de Jake e Neytiri, ainda vivendo sob o impacto da morte de Neteyam, que abalou profundamente a família Sully. O trecho destaca o clima de tensão crescente em Pandora e revela a primeira aparição de Varang, líder do chamado Povo das Cinzas.
Oona Chaplin surge completamente transformada, incorporando uma antagonista que não se limita à brutalidade física: Varang parece movida por crenças radicais sobre o futuro de Pandora e pela convicção de que Jake Sully destruiu o equilíbrio dos clãs ao interferir em conflitos que não lhe pertenciam.
Uma nova cultura e um novo tipo de guerra
O terceiro filme da saga introduz o Ash People (Povo das Cinzas), uma tribo Na’vi agressiva e militarizada, que vive em regiões que sofreram queimadas intensas — efeitos diretos da exploração humana. As consequências desse ambiente moldam sua cultura: um clã resistente, desconfiado, adaptado a um território devastado e acostumado a sobreviver em meio à destruição.
Varang, sua líder, fecha um acordo perigoso ao se aliar ao renascido Coronel Quaritch, vilão interpretado por Stephen Lang. Se em O Caminho da Água ele já demonstrava uma sede pessoal de vingança, agora encontra em Varang uma parceira estratégica — talvez a mais formidável que já enfrentou Jake Sully.
Um ano após o luto
A história se passa um ano depois da família Sully se estabelecer entre os Metkayina. O luto por Neteyam ainda reverbera nas relações entre Jake, Neytiri, Kiri, Lo’ak e Tuk, e essa ferida emocional se torna o motor dramático da trama.
Enquanto lidam com a perda, os Sully descobrem que a tensão política em Pandora tomou proporções alarmantes. Com o Povo das Cinzas em ascensão e os humanos intensificando suas operações, um novo ciclo de violência se instala — e a família central do filme é empurrada novamente para o centro de uma guerra que parece não ter fim.
Quatro filmes planejados
James Cameron não esconde que está construindo uma saga de longo alcance. Depois de Fogo e Cinzas, os próximos dois filmes — Avatar: The Tulkun Rider (2029) e Avatar: The Quest for Eywa (2031) — já estão previstos e devem começar suas filmagens após a conclusão do terceiro.
Com estreia prevista para 19 de dezembro de 2025 (18 de dezembro no Brasil e em Portugal), o longa promete ampliar o escopo político, cultural e espiritual de Pandora, ao mesmo tempo em que mergulha em uma guerra inevitável entre os Na’vi e as forças humanas.
A Netflix divulgou nesta sexta-feira (21) o trailer final de Sonhos de Trem, drama intimista que já chega ao streaming carregado de emoção e forte expectativa. O novo vídeo, lançado junto com a estreia global do filme na plataforma, aprofunda os tons melancólicos e contemplativos da narrativa, oferecendo um último vislumbre da jornada de Robert Grainier, um homem comum tentando sobreviver a perdas profundas em um país que se transforma à sua volta.
A montagem privilegia cenas de olhar, de mãos calejadas, de natureza impondo sua presença. Há algo profundamente humano na forma como o vídeo apresenta Robert Grainier, interpretado por Joel Edgerton, como um homem comum prestes a se ver diante do inimaginável. O trailer não revela excessos nem entrega grandes reviravoltas — revela humanidade.
E talvez seja justamente isso que o torna tão impactante: sua simplicidade emocional.
A história de um homem que tenta se manter inteiro
Baseado na novela de 2011 de Denis Johnson, “Sonhos de Trem” parte de uma premissa aparentemente simples: acompanhamos a vida de Robert Grainier, um lenhador contratado para ajudar na expansão das ferrovias norte-americanas no início do século XX.
É um trabalho exaustivo, realizado entre montanhas, florestas e longos períodos de ausência de casa. Sua esposa, vivida por Felicity Jones, e sua filha o esperam enquanto ele tenta equilibrar sobrevivência, amor e distância.
O trailer final faz questão de destacar essa dimensão íntima da história. Não há grande narrativa épica. Há um mundo que avança — e um homem tentando não ficar para trás.
Silêncio, perda e a sensação de deslocamento
Um dos elementos mais marcantes do novo trailer é sua trilha sonora quase imperceptível. Ela não guia o espectador; acompanha. É como se o vídeo dissesse que o drama mais profundo não está nas palavras, mas no que não se diz.
Há rápidas imagens que já antecipam a jornada emocional de Grainier: um olhar distante, uma casa vazia, uma paisagem que parece grande demais para a dor que ele carrega. O trailer não explica — apenas mostra. Ele nos deixa sentir a solidão que acompanha o personagem, a dureza do trabalho que engole sua rotina e o impacto das mudanças que ele não pode controlar.
Essa escolha estética combina com o estilo do filme, que sempre foi descrito como um drama contemplativo, feito para tocar o espectador em suas próprias memórias de perda, silêncio e recomeço.
Um elenco preciso que reforça a força emocional
No vídeo final, além de Edgerton e Jones, também aparecem breves momentos de Clifton Collins Jr., Kerry Condon e William H. Macy, todos em personagens que passam pela vida de Grainier deixando marcas pequenas, mas significativas.
A montagem do trailer destaca expressões, olhares, gestos contidos. Nada é acidental. Cada aparição sugere que esses personagens funcionam como espelhos, ecos ou alertas na caminhada do protagonista.
Edgerton, especialmente, surge com uma carga emocional poderosa. A forma como ele olha para a câmera — ou para o nada — diz mais do que qualquer diálogo. O trailer já deixa claro: sua atuação é o coração do filme.
Como o filme nasceu e por que o trailer carrega tanto peso
O projeto começou a ganhar forma em 2024, quando a produtora Black Bear confirmou a adaptação da obra de Denis Johnson. Clint Bentley, que já demonstrava sensibilidade para dramas humanos, assumiu a direção e o roteiro ao lado de Greg Kwedar.
Desde o início, a proposta sempre foi preservar o tom emocional do livro e transformá-lo em cinema de maneira respeitosa, silenciosa e profunda. O trailer final reflete exatamente isso: a sensação de que estamos diante de uma obra que não quer provar nada, apenas existir em sua verdade.
O filme estreou no Festival de Sundance em janeiro de 2025, onde foi amplamente celebrado. Logo depois, a Netflix adquiriu os direitos e passou a promover o longa como uma de suas grandes apostas da temporada.
Um lançamento pensado para emocionar e para ganhar prêmios
Antes de chegar ao streaming, “Sonhos de Trem” teve uma breve passagem pelos cinemas dos Estados Unidos em 7 de novembro. Uma estratégica janela de exibição limitada, pensada para credenciá-lo na temporada de premiações.
A aposta deu certo. O longa recebeu elogios consistentes e começou a despontar como candidato ao Oscar 2026, especialmente após suas indicações no Gotham Film Awards.
O trailer final, lançado hoje, reforça o discurso da Netflix: este não é apenas um filme — é uma experiência emocional.
A chegada de “Wicked: Parte 2” aos cinemas marcou um daqueles raros momentos em que a expectativa do público encontra o tamanho da produção. Lançado no fim de novembro, o filme estreou como um verdadeiro fenômeno. A sequência dirigida por Jon M. Chu conquistou a maior abertura de 2025 na América do Norte, confirmando que o universo de Oz continua mais vivo do que nunca na imaginação dos fãs.
Nos primeiros dias, o longa arrecadou 68,6 milhões de dólares somando pré-estreias e o dia oficial de lançamento. É um número expressivo para qualquer produção, mas ganha ainda mais relevância ao colocar o filme no topo do ranking do ano. A Variety observou que cerca de 12,6 milhões desse valor veio de sessões antecipadas, realizadas antes da quinta-feira.
Caso essas exibições não fossem incluídas, o título de maior abertura pertenceria a “Um Filme Minecraft”, que somou 57,11 milhões. Mesmo assim, o desempenho de “Wicked: Parte 2” evidencia um apetite muito claro do público por produções grandiosas, musicais épicos e personagens que atravessam gerações.
Um projeto longo, complexo e muito aguardado
A história da produção de “Wicked” para os cinemas começou há mais de uma década. A Universal Pictures e o produtor Marc Platt anunciaram os planos em 2012, porém vários fatores atrasaram o desenvolvimento. Houve mudanças de cronograma, ajustes de roteiro, incertezas criativas e, mais recentemente, a paralisação causada pela pandemia.
A virada veio em 2021, quando Cynthia Erivo e Ariana Grande foram oficialmente confirmadas como protagonistas. A escolha movimentou a internet, renovou o interesse do público e trouxe energia nova para o projeto. O diretor Jon M. Chu, conhecido pela sensibilidade musical e visual, assumiu a responsabilidade de conduzir a adaptação. A decisão de dividir a obra em duas partes surgiu da preocupação em preservar momentos essenciais do musical, respeitando a jornada emocional e política das personagens.
As filmagens ocorreram na Inglaterra entre dezembro de 2022 e janeiro de 2024, com uma pausa durante a greve do SAG-AFTRA em 2023. Foi um processo longo, planejado nos mínimos detalhes, que envolveu cenários elaborados, coreografias complexas e um extenso trabalho de pós-produção.
A estreia e a recepção dividida
Antes de chegar oficialmente aos cinemas, a segunda parte da trama teve uma première especial no Suhai Music Hall, em São Paulo, no início de novembro. A sessão reuniu fãs, influenciadores e críticos, criando um clima de celebração para o lançamento mundial.
O filme estreou no Brasil em 20 de novembro e no dia seguinte nos Estados Unidos. As primeiras avaliações foram mistas. Embora o público tenha abraçado a continuação com entusiasmo, parte da crítica avaliou que o segundo capítulo não alcança a mesma força emocional do anterior. Ainda assim, a escala da produção, os números musicais e a fidelidade ao material original garantem momentos impactantes o suficiente para justificar o projeto ambicioso.
O enredo: uma Oz mais sombria, mais política e mais dividida
A narrativa da continuação aprofunda as consequências dos eventos do primeiro filme. Passaram-se cinco anos desde que Elphaba foi acusada de traição. Agora isolada na floresta, ela se dedica a lutar pelos direitos dos animais, usando sua magia para proteger aqueles que foram silenciados pela tirania do Mágico.
Glinda, por sua vez, está em uma posição completamente diferente. Nomeada porta-voz oficial do governo, ela se vê presa entre o dever e a consciência. O noivado com Fiyero reforça sua imagem pública, mas também acentua seu conflito interno. Glinda tenta acreditar que está fazendo o correto, mesmo quando tudo ao redor parece se desfazer.
As tensões aumentam quando Elphaba visita sua irmã, Nessarose, governante de Munchkinland. A visita desencadeia uma série de acontecimentos que revelam feridas antigas e criam novas perdas. O caso do jovem Boq, transformado em Homem de Lata após uma tentativa de magia que deu errado, ilustra o quão frágeis e perigosas são as relações dentro da família e do reino.
Quando um tornado atinge Oz e traz Dorothy Gale para o centro dos conflitos, a história entra em sua fase mais dramática. A morte de Nessarose leva Elphaba a enfrentar Glinda, e as duas se veem à beira de uma ruptura definitiva. É um momento que mistura dor, arrependimento e desilusão.
A força da amizade e o peso de se posicionar
A segunda metade do filme intensifica o embate entre as personagens, mas também ilumina os vínculos que as conectam. Elphaba, cansada de ser alvo de ódio, decide se entregar para proteger Glinda. A cena em que as duas se despedem é um dos pontos mais sensíveis da narrativa e reforça que, apesar de caminhos diferentes, a amizade delas continua sendo o coração da história.
O Mágico enfrenta sua própria verdade quando descobre que é o pai biológico de Elphaba. A revelação o desestabiliza, levando-o a abandonar Oz. Glinda assume o controle político do reino, revisa leis e reorganiza o governo, procurando honrar o legado da amiga.
Enquanto isso, Elphaba e Fiyero, agora transformado em espantalho, planejam uma fuga silenciosa. A falsa morte da protagonista é o único caminho para que ela consiga sobreviver e desaparecer de vez do imaginário coletivo de Oz. O casal deixa o reino às sombras, caminhando para um futuro incerto, mas juntos.
Um elenco afinado e mais maduro
Ariana Grande e Cynthia Erivo entregam interpretações emocionalmente mais densas do que na primeira parte. Seus duetos e confrontos dramáticos dão vida ao conflito central, que não é apenas mágico, mas humano.
Michelle Yeoh se destaca com uma presença forte e ameaçadora como Morrible. Jeff Goldblum traz um Mágico mais vulnerável, enquanto Jonathan Bailey exibe um Fiyero dividido entre dever e paixão. Ethan Slater, Marissa Bode, Bowen Yang e Bronwyn James completam o elenco com papéis que ampliam a dimensão política e afetiva da trama.
Jon M. Chu aproveita cada música, cenário e movimento de câmera para construir um espetáculo visual que conversa com a linguagem teatral da Broadway, mas sem abrir mão da grandiosidade cinematográfica.
