HBO Max divulga trailer de Dona Beja e aposta em uma superprodução que resgata o Brasil colonial com olhar contemporâneo

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Esdras Ribeiro
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A HBO Max divulgou na última terça, 25, o primeiro trailer de Dona Beja, novela original que será lançada em 2 de fevereiro e que desponta como uma das produções mais ambiciosas já desenvolvidas pela plataforma no Brasil. O material promocional apresenta parte da escala da obra, que combina investimento robusto, preocupação estética e um olhar contemporâneo para a reconstrução do passado.

Com fotografia sofisticada, pesquisa histórica evidente e uma abordagem narrativa que dialoga com o público atual, o trailer antecipa uma releitura de Ana Jacinta de São José, figura central do folclore e da memória cultural brasileira. A prévia reacende o interesse em torno de uma das personagens mais emblemáticas da ficção nacional, ao mesmo tempo em que destaca a força dramática da protagonista e seu impacto simbólico no imaginário coletivo.

Ambientada no início do século XIX, a produção propõe uma viagem a um Brasil em plena transição, marcado por desigualdades sociais, disputas de poder e tensões políticas que moldavam o cotidiano da época. Nesse cenário, a trajetória de Ana Jacinta surge como um retrato de resistência e ruptura, evidenciando o papel de uma mulher que desafiou as convenções de sua sociedade e transformou-se em lenda.

Uma releitura que preserva o legado e amplia o debate contemporâneo

Inspirada na clássica novela exibida pela Rede Manchete em 1986, Dona Beja retorna ao público em um contexto completamente diferente. A nova adaptação, assinada pela Floresta, busca honrar a força da produção original ao mesmo tempo em que amplia discussões atuais sobre autonomia feminina, poder político e tensões sociais ainda presentes no país.

O argumento é de Renata Jhin, com adaptação de António Barreira e Daniel Berlinsky. A produção conta ainda com colaboração de Maria Clara Mattos, Cecília Giannetti, Clara Anastácia e Ceci Alves, que imprimem à narrativa uma perspectiva contemporânea sem abrir mão da densidade histórica. A direção artística é conduzida por Hugo de Sousa, acompanhado por Bia Coelho, Rogério Sagui e João Bolthauser.

Grazi Massafera assume o papel de Beja, interpretando-a com uma combinação de fragilidade, magnetismo e força. David Junior dá vida a Antônio, seu grande amor e também o centro das maiores tensões emocionais da trama. O elenco conta ainda com nomes como André Luiz Miranda, Bianca Bin, Indira Nascimento, Erika Januza, Deborah Evelyn, Otávio Muller e Isabela Garcia.

A relevância histórica de Ana Jacinta para a nova geração

A personagem que inspira a novela não é apenas um mito da teledramaturgia, mas uma figura histórica real, nascida em 1800 em Minas Gerais. Ana Jacinta de São José, cuja vida foi marcada por violência, resistência e ascensão social, tornou-se símbolo de coragem e independência em um contexto onde mulheres tinham pouco espaço para exercer sua autonomia.

A HBO Max aposta na força dessa trajetória para dialogar com temas contemporâneos ligados à emancipação feminina e à reinterpretação da memória nacional. A própria condução do trailer ressalta o poder narrativo de uma história centrada no olhar da protagonista, destacando seus embates com homens influentes, sua inteligência estratégica e sua capacidade de subverter estruturas sociais.

O enredo: amor, poder e sobrevivência no interior de Minas Gerais

Ambientada em 1815, a trama acompanha a juventude de Beja em Araxá, onde ela é apresentada como uma jovem de personalidade marcante e beleza incomum. A narrativa sofre sua primeira grande ruptura quando a protagonista é sequestrada pelo próprio avô, José Alves, interpretado por Roberto Bomtempo. O acontecimento, traumático e violento, define grande parte de sua trajetória e separa Beja de seu amor de juventude, Antônio.

Manipulado pela mãe, Ceci, vivida por Deborah Evelyn, Antônio cresce acreditando ter sido abandonado por Beja. Ao retornar ao Brasil, ele se casa com Angélica, papel de Bianca Bin, em uma união construída sobre culpa, traição emocional e a força das convenções sociais da época.

Enquanto isso, Beja passa anos sob domínio do avô, mas gradualmente conquista liberdade e espaço entre a elite mineira. Inteligente e carismática, ela se torna uma mulher influente, negociando joias, adquirindo terras e construindo um império pessoal em um ambiente dominado por homens. Ao retornar a Araxá, confronta uma cidade que a vê com fascínio e ressentimento, tornando-se alvo de intrigas e disputas políticas.

A tensão com Antônio cresce à medida que ambos se reencontram. Dividido entre o amor antigo e o casamento estabelecido, ele dinamiza a trama com conflitos emocionais intensos. Diante da rejeição e da hipocrisia social, Beja toma uma decisão ousada: abrir um bordel de luxo. A casa rapidamente se transforma em reduto de poder, escândalo e influência, provocando reações extremas entre as famílias tradicionais.

As mulheres em disputa: redes de poder e resistência

A presença de Beja em Araxá reorganiza afetos, alianças e disputas. Ceci, mãe de Antônio, torna-se sua principal adversária e mobiliza uma rede de mulheres influentes para tentar destruir sua reputação. Idalina e Genoveva, interpretada por Isabela Garcia, estão entre as aliadas de Ceci, assim como Augusta, vivida por Kelzy Ecard, esposa do juiz Honorato Costa Pinto, papel de Otávio Muller.

Essas personagens representam a complexa teia social da época, marcada por rivalidades pessoais, ambições políticas e tensões morais que moldam boa parte da narrativa.

Paralelamente, a novela aborda dramas familiares que ampliam o painel social de Araxá. Entre eles, a história de Carminha, interpretada por Catharina Caiado, filha do juiz, que retorna grávida da Corte e é forçada a oficializar um casamento com o professor Gaudêncio, sem que ele tenha conhecimento da verdadeira paternidade da criança. O núcleo adiciona nuances importantes sobre moralidade, repressão e o peso das expectativas sobre as mulheres.

Outra frente essencial da trama é a trajetória de Josefa, interpretada por Thalma de Freitas, que vive um casamento infeliz com José Carneiro, papel de Luciano Quirino. Ainda presa às memórias do amor de juventude, representado por Avelino (Lucas Wickhaus), Josefa passa a enfrentar dilemas que abalam sua estrutura emocional e reverberam em toda a cidade.

Crítica – Zootopia 2 entrega maturidade narrativa e aprofunda debates sociais com sensibilidade e coragem

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Renato Almeida da Silva
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Zootopia 2 chega aos cinemas carregando o peso de suceder uma das animações mais marcantes da última década. O filme original, lançado em 2016, conquistou o público ao combinar humor, aventura e uma crítica social ampla, situando seus personagens em uma metrópole vibrante onde conviviam diversidade e tensão. Agora, a continuação retoma esse universo de forma mais complexa, emocionalmente mais elaborada e disposta a expandir discussões que permanecem urgentes. A nova trama acompanha Judy Hopps e Robert Wilde em um ponto delicado de suas jornadas, revelando como feridas antigas influenciam não apenas o vínculo entre eles, mas a maneira como cada um encara suas convicções mais profundas.

A história ganha novo fôlego com a introdução da influente Família Lynxley, guardiã do Diário de Fundação, peça histórica que preserva a versão oficial das origens da cidade. Quando o artefato é roubado por Gary, uma cobra pertencente a uma espécie historicamente marginalizada após um episódio distorcido e mal interpretado, o filme deixa de lado qualquer expectativa de aventura convencional. O roubo funciona como catalisador para uma investigação maior: uma reflexão sobre memória, apagamento e a forma como versões oficiais moldam identidades coletivas. Nada é apresentado como mera coincidência; cada gesto aponta para feridas abertas e disputas por narrativas que definem quem pertence e quem permanece à margem.

Nibbles, especialista em répteis e relações interespécies, surge para equilibrar o enredo com frescor e profundidade. Sua presença cria conexões onde antes existiam muros, instigando Judy, Robert e o próprio público a enxergar além das tensões superficiais. Mais do que uma coadjuvante, ela funciona como mediadora em um debate sobre convivência e responsabilidade histórica. O grupo formado por Judy, Robert, Gary e Nibbles ressignifica o filme como uma travessia de escuta e reconciliação, destacando que conflitos sociais raramente são fruto de indivíduos isolados, mas sim de estruturas que perpetuam silêncios e desigualdades.

Apesar de lidar com temas densos, Zootopia 2 mantém o humor afiado que caracteriza a franquia. As cenas cômicas surgem no momento certo, oferecendo respiro emocional sem comprometer o impacto do drama. E é justamente no drama que o filme encontra seu núcleo mais pulsante, discutindo ancestralidade, identidades reprimidas, políticas de coexistência e a necessidade de revisar o passado com honestidade. A narrativa não idealiza a história da cidade; pelo contrário, questiona ativamente quem construiu essas memórias e por que algumas vozes foram excluídas.

Ao invés de tentar superar o primeiro filme em grandiosidade, a continuação opta por amadurecer. Reconhece que seu público cresceu e ajusta o tom para acompanhar essa evolução. A obra abraça silêncios, incertezas e recomeços, entendendo que histórias verdadeiras se fortalecem quando enfrentam suas próprias sombras. É um filme que se permite desacelerar para aprofundar, ao invés de acelerar para impressionar.

No desfecho, a continuação se revela não apenas competente, mas necessária. Judy e Robert emergem mais complexos e vulneráveis, enquanto Gary e Nibbles ampliam o escopo emocional e político da trama com novas perspectivas. Zootopia, sempre vibrante, mostra que ainda possui muito a aprender sobre si mesma. A obra reafirma que memórias não devem ser apagadas, mas revisitadas e reconstruídas com responsabilidade. O resultado é um filme que não se limita a continuar uma história, mas a expandi-la com propósito e sensibilidade.

Netflix confirma Johan Renck como diretor da série live action de Assassin’s Creed

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Esdras Ribeiro
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A adaptação em live action de Assassin’s Creed para a Netflix começa a ganhar forma concreta e sinaliza uma abordagem ambiciosa desde seus primeiros anúncios. A plataforma confirmou que Johan Renck será o diretor responsável por conduzir a série. O cineasta sueco ficou mundialmente conhecido pelo trabalho em Chernobyl, minissérie elogiada pela crítica e pelo público por sua narrativa densa, rigor histórico e forte carga emocional. A informação foi divulgada pela revista Variety e reforça a intenção da Netflix de investir em uma produção de alto nível, capaz de ir além do entretenimento superficial.

A escolha de Renck não é apenas simbólica. Seu histórico demonstra uma atenção especial à construção de atmosferas, ao desenvolvimento psicológico dos personagens e ao tratamento sério de temas complexos. Esses elementos dialogam diretamente com o universo de Assassin’s Creed, que sempre se destacou por explorar conflitos morais, disputas ideológicas e consequências humanas de decisões tomadas ao longo da história. A série promete, portanto, adotar um tom mais maduro e reflexivo, sem abrir mão da ação e do apelo visual que consagraram a franquia.

O elenco inicial já confirmado também indica um projeto em expansão. Laura Marcus, Toby Wallace, Lola Petticrew e Zachary Hart estão entre os primeiros nomes anunciados, embora seus papéis ainda não tenham sido revelados. A expectativa é de que novos atores sejam divulgados nos próximos meses, ampliando o escopo narrativo da produção. A diversidade do elenco sugere uma trama que pode transitar por diferentes épocas, culturas e pontos de vista, algo essencial para capturar a essência da saga.

Assassin’s Creed nasceu em 2007 como uma série de jogos eletrônicos de ação e aventura com elementos de RPG, desenvolvida e publicada pela Ubisoft. Desde o início, a franquia se diferenciou por sua proposta narrativa, que mistura ficção histórica com eventos e personagens reais. No centro da história está o conflito milenar entre duas sociedades secretas. De um lado estão os Assassinos, defensores do livre arbítrio e da liberdade individual. Do outro, os Templários, que acreditam que a ordem absoluta é o caminho para alcançar a paz mundial. Essa rivalidade atravessa séculos e serve como base para todas as histórias da série.

Outro pilar fundamental do universo de Assassin’s Creed é a existência de uma civilização antiga que viveu antes dos humanos. Extremamente avançada, essa sociedade foi destruída por uma imensa tempestade solar, deixando para trás artefatos poderosos que influenciam o destino da humanidade. Esses objetos se tornam alvo da disputa entre Assassinos e Templários, adicionando uma camada de ficção científica à narrativa e conectando passado, presente e futuro.

A linha narrativa moderna da franquia começa em 2012, com Desmond Miles, um jovem que descobre ser descendente de importantes membros da Ordem dos Assassinos. Com o auxílio do Animus, uma máquina capaz de acessar memórias genéticas, Desmond passa a reviver as experiências de seus ancestrais. A partir desse recurso, o público é transportado para períodos históricos marcantes, como as Cruzadas, o Renascimento italiano, a Revolução Americana e o Egito Antigo. Essa estrutura permitiu à série revisitar momentos históricos sob uma perspectiva alternativa, mesclando fatos reais com elementos de ficção.

A origem criativa de Assassin’s Creed tem forte influência do romance Alamut, do escritor esloveno Vladimir Bartol, que aborda temas como fanatismo, manipulação ideológica e poder. Inicialmente, o projeto surgiu como um derivado da franquia Prince of Persia. O conceito original foi desenvolvido como uma ideia para Prince of Persia The Two Thrones, mas acabou evoluindo para uma nova propriedade intelectual. A equipe criativa optou por criar um universo próprio, ambientado no Oriente Médio e inspirado nos Assassinos islâmicos que atuaram durante o período das Cruzadas.

Com o passar dos anos, Assassin’s Creed se consolidou como uma das maiores franquias da indústria dos games. Os títulos foram lançados para uma ampla variedade de plataformas, incluindo diferentes gerações de consoles, computadores, dispositivos móveis e serviços de streaming. A maioria dos jogos principais foi produzida pela Ubisoft Montreal, com o apoio de outros estúdios da empresa em projetos paralelos, modos multijogador e versões portáteis. Essa expansão ajudou a manter a franquia relevante ao longo de quase duas décadas.

Além dos videogames, o universo de Assassin’s Creed também se expandiu para outras mídias. Livros, quadrinhos, produtos licenciados e um filme lançado em 2016 fazem parte desse ecossistema. Embora a adaptação cinematográfica tenha recebido críticas mistas, ela demonstrou o potencial da franquia fora dos consoles e abriu caminho para novas interpretações. A série da Netflix surge, assim, como uma oportunidade de explorar esse universo com mais profundidade, aproveitando o formato seriado para desenvolver personagens, conflitos e arcos narrativos de forma mais consistente.

Sessão da Tarde de Natal aposta em emoção e magia com “Genie – A Magia do Natal” nesta quarta (24)

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Na véspera de Natal, a Sessão da Tarde desta quarta-feira, 24 de dezembro, convida o público a desacelerar e refletir sobre o verdadeiro significado das festas de fim de ano com a exibição de Genie – A Magia do Natal. Mais do que uma fantasia leve, o filme propõe uma jornada sensível sobre escolhas, prioridades e a importância de valorizar o que realmente importa quando o tempo parece sempre insuficiente.

Lançado em 2023, o longa é dirigido por Sam Boyd e tem roteiro assinado por Richard Curtis, conhecido mundialmente por histórias que equilibram humor, afeto e humanidade. Ambientado em uma Nova York moderna e agitada, o filme atualiza um antigo conto natalino para os dilemas contemporâneos, especialmente aqueles vividos por quem se vê consumido pelo trabalho e pela busca incessante por sucesso.

O protagonista da história é Bernard, interpretado por Paapa Essiedu, um homem competente e ambicioso que trabalha em uma prestigiada casa de leilões. À primeira vista, sua vida profissional parece bem-sucedida, mas o preço cobrado é alto. Bernard vive sob pressão constante, tenta atender às exigências exageradas de seu chefe e acaba abrindo mão de momentos essenciais ao lado da família. O trabalho deixa de ser apenas uma ocupação e passa a dominar completamente sua rotina e seus pensamentos.

Esse desequilíbrio se torna evidente no aniversário de sua filha, Eve, quando Bernard chega atrasado, esgotado e sem sequer lembrar do presente prometido. O constrangimento daquele momento é mais do que um detalhe: ele simboliza a distância emocional que se formou entre pai e filha. Sua esposa, Julie, interpretada por Denée Benton, já cansada das ausências e promessas não cumpridas, se sente invisível dentro do próprio casamento. Pouco depois, a família se fragmenta, e Bernard se vê sozinho, tentando entender onde tudo começou a dar errado.

Como se não bastasse o colapso familiar, o protagonista também perde o emprego. A demissão surge como um golpe duro, mas necessário, desmontando a falsa sensação de segurança que ele acreditava ter construído. É nesse momento de fragilidade que o elemento fantástico surge de forma inesperada. Ao mexer em uma antiga caixa guardada em casa, Bernard liberta Flora, uma gênia com mais de dois mil anos de existência, interpretada com carisma por Melissa McCarthy.

Diferente da imagem clássica de gênios obedientes e silenciosos, Flora é expansiva, irônica, emotiva e cheia de personalidade. Ela explica que pode realizar desejos sem limites, mas deixa claro que a magia não substitui decisões conscientes. Ainda assim, Bernard, tomado pelo desespero de consertar tudo rapidamente, passa a usar os desejos de forma impulsiva, acreditando que soluções mágicas resolverão problemas construídos ao longo de anos.

Os resultados, como era de se esperar, nem sempre saem como o planejado. Alguns desejos acabam gerando situações caóticas e cômicas, criando momentos de humor que aliviam o tom dramático da narrativa. No entanto, por trás das trapalhadas, o filme constrói uma crítica clara à ideia de que felicidade pode ser alcançada por atalhos. Cada erro de Bernard reforça que não existe magia capaz de substituir presença, diálogo e responsabilidade emocional.

Com o passar do tempo, Bernard começa a enxergar além de seus próprios interesses. Ele se reaproxima da filha, passa a ouvir mais e a participar de pequenos momentos que antes ignorava. Paralelamente, decide usar alguns desejos para ajudar outras pessoas, realizando sonhos simples de Natal e oferecendo acolhimento a quem vive à margem da sociedade. Esses gestos, embora mágicos em sua execução, são profundamente humanos em sua intenção.

Flora também passa por uma transformação significativa. Após séculos sendo usada apenas como ferramenta para satisfazer vontades alheias, ela experimenta algo novo: pertencimento. Pela primeira vez, alguém demonstra preocupação genuína com seus sentimentos. A gênia desenvolve laços, cria conexões e até se permite viver um romance inesperado, mostrando que o desejo de amar e ser amada atravessa o tempo, a idade e até a imortalidade.

O ponto mais tocante da história acontece quando Bernard percebe que Flora carrega uma solidão silenciosa. Em um gesto de empatia e amadurecimento, ele faz um desejo que não beneficia diretamente a si mesmo: libertá-la. Esse momento marca a verdadeira mudança do personagem, que finalmente entende que amar também é saber abrir mão e pensar no bem do outro.

Mesmo após libertar Flora, Bernard ainda tem desejos restantes. Ao invés de buscar riqueza ou status, ele decide voltar no tempo e reviver um momento crucial: o aniversário da filha. Desta vez, faz escolhas diferentes. Abandona o emprego que o consumia, coloca a família em primeiro lugar e oferece à filha um presente simples, mas carregado de significado. O filme deixa claro que o valor daquele gesto não está no objeto, mas na intenção e no tempo dedicado.

Genie – A Magia do Natal encerra sua história com uma mensagem acolhedora e necessária, especialmente em tempos acelerados. O longa lembra que sucesso profissional perde o sentido quando não há alguém com quem compartilhá-lo e que o verdadeiro espírito natalino está nos encontros, no cuidado e na capacidade de recomeçar.

Com Bill Murray, “Um Santo Vizinho” é o destaque da Sessão de Sábado de hoje (27) na TV Globo

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A Sessão de Sábado de hoje, 27 de dezembro, exibe na TV Globo o filme Um Santo Vizinho, uma comédia dramática sensível e tocante que encontra beleza justamente onde menos se espera. Lançado em 2014, o longa dirigido e escrito por Theodore Melfi conquistou público e crítica ao contar uma história simples, mas profundamente humana, sobre amizade, solidão e a capacidade de enxergar bondade além das aparências.

A trama acompanha Maggie, interpretada por Melissa McCarthy, uma mãe solo que se muda com o filho Oliver para o Brooklyn em busca de um recomeço. Enfrentando dificuldades financeiras e uma rotina exaustiva de trabalho, Maggie se vê sem alternativas quando precisa de alguém para cuidar do menino após a escola. É nesse contexto que surge Vincent MacKenna, o vizinho da porta ao lado, vivido por Bill Murray, um homem que, à primeira vista, parece tudo menos confiável. (Via: AdoroCinema)

Vincent é um aposentado ranzinza, beberrão, endividado e socialmente inadequado. Sua postura grosseira e seu jeito nada acolhedor fazem com que seja visto como alguém a ser evitado. Ainda assim, motivado mais pelo dinheiro do que por empatia, ele aceita tomar conta de Oliver. O acordo informal entre os dois começa de forma desajeitada, marcada por situações pouco convencionais e escolhas questionáveis por parte de Vincent.

Oliver, interpretado por Jaeden Lieberher, é um garoto de apenas 10 anos, tímido, inteligente e em processo de adaptação a uma nova escola e a uma nova realidade. Ele sofre bullying dos colegas e sente falta de estabilidade emocional, algo comum para uma criança que vive apenas com a mãe e enfrenta constantes mudanças. É justamente nessa vulnerabilidade que a amizade entre ele e Vincent começa a se formar.

Apesar de levar Oliver a lugares nada apropriados para sua idade, como bares, corridas de cavalos e até encontros com Daka, uma prostituta grávida interpretada por Naomi Watts, Vincent acaba se tornando uma figura importante na vida do garoto. Aos poucos, Oliver passa a enxergar além da superfície e descobre que, por trás da fachada áspera, existe um homem solitário, marcado por perdas e frustrações, mas ainda capaz de gestos sinceros de cuidado.

O grande mérito de Um Santo Vizinho está em não romantizar seus personagens. Vincent não é transformado em herói clássico, nem Oliver surge como um salvador ingênuo. A relação entre os dois se constrói a partir de falhas, erros e aprendizados mútuos. Oliver encontra em Vincent alguém que o trata como igual, sem condescendência, enquanto Vincent passa a lidar com sua própria solidão ao se permitir criar laços novamente.

Melissa McCarthy entrega uma atuação contida e emocionalmente honesta, fugindo do tom exagerado de algumas de suas comédias mais conhecidas. Maggie é retratada como uma mulher cansada, mas determinada, que tenta equilibrar trabalho, maternidade e as próprias dores. Já Naomi Watts surpreende em um papel delicado e cheio de humanidade, dando profundidade a uma personagem que poderia facilmente cair em estereótipos.

Bill Murray, por sua vez, é o coração do filme. Sua interpretação de Vincent mistura humor ácido, melancolia e fragilidade, criando um personagem que provoca risos e incômodo na mesma medida. Murray constrói um homem falho, longe de qualquer ideal de perfeição, mas extremamente real. É justamente essa imperfeição que torna Vincent tão cativante.

O roteiro de Theodore Melfi se destaca por tratar temas delicados com leveza e respeito. Questões como abandono, envelhecimento, solidão, julgamento social e empatia são abordadas de forma acessível, sem discursos moralistas. O título do filme ganha sentido ao longo da narrativa, quando a ideia de “santidade” é apresentada não como perfeição, mas como a capacidade de fazer o bem, mesmo carregando inúmeros defeitos.

As filmagens tiveram início em julho de 2013 e foram realizadas majoritariamente no Brooklyn, em Nova York, cenário que contribui para o tom acolhedor e cotidiano da história. A ambientação urbana reforça o contraste entre a dureza da vida adulta e a sensibilidade do olhar infantil de Oliver.

Para quem deseja assistir a Um Santo Vizinho além da exibição na TV, o filme também está disponível no formato SVOD, por streaming, no catálogo da Amazon Prime Video.

Kidnap | Drama tailandês transforma um sequestro em um jogo perigoso de sentimentos

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Em Kidnap, o suspense serve apenas como ponto de partida para uma história muito mais profunda. O drama tailandês acompanha um sequestrador que decide desobedecer às ordens recebidas e poupar a vida de seu prisioneiro. A escolha, aparentemente simples, muda tudo. A partir desse momento, os dois deixam de ser apenas vítima e algoz e passam a se tornar reféns de emoções inesperadas, enquanto o perigo segue cada vez mais próximo.

A relação entre Min (Ohm Pawat Chittsawangdee) e Q (Leng Thanaphon U-sinsap) se desenvolve em meio a tensão constante, silêncio, medo e conexões que surgem quando menos se espera. O roteiro aposta em conflitos internos, dilemas morais e na construção lenta de sentimentos, mostrando como decisões tomadas em situações extremas podem alterar destinos de forma irreversível.

Dirigido por Noom Attaporn Teemarkorn, Kidnap se destaca pela atmosfera sombria e pela sensibilidade ao tratar temas como culpa, empatia e sobrevivência emocional. A fotografia de Pichet Talao reforça o clima de claustrofobia e perigo, enquanto a trilha sonora assinada por Klom Orave Pinijsarapirom, Amp Achariya Dulyapaiboon e GG0NE intensifica cada momento de tensão e intimidade.

O elenco de apoio amplia o universo da série, apresentando personagens que orbitam o passado e as escolhas de Min, como seu irmão mais novo, colegas e figuras ligadas ao submundo do crime, ajudando a construir uma narrativa mais rica e realista. Cada personagem carrega suas próprias motivações, tornando o enredo imprevisível e emocionalmente envolvente.

Mais do que um drama sobre sequestro, Kidnap é uma história sobre humanidade em situações extremas, sobre como sentimentos podem nascer até nos cenários mais sombrios e sobre o alto preço de desafiar regras impostas por um mundo cruel.

Onde assistir: Kidnap está disponível na Netflix, permitindo que o público acompanhe essa intensa produção tailandesa do início ao fim, com todos os seus dilemas, reviravoltas e emoções à flor da pele.

Katherine Center apresenta “The Love Haters” e reforça seu lugar entre os grandes nomes do romance contemporâneo

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Katherine Center já provou mais de uma vez que sabe falar sobre amor sem cair em clichês vazios. Agora, a autora best-seller do New York Times volta a encantar o público brasileiro com “Haters do Amor”, novo romance lançado no país pela Editora Jangada. A obra chega com a promessa de equilibrar humor afiado, emoção genuína e aquele tipo de romance que aquece o coração sem perder a honestidade.

Para quem já conhece o trabalho da escritora, o clima é familiar. Center ficou mundialmente conhecida após os sucessos The Lost Husband e Happiness for Beginners, que ganharam adaptações na Netflix e ampliaram seu alcance para além das livrarias. Em seu novo livro, ela mantém a marca registrada: personagens imperfeitos, diálogos espirituosos e histórias que falam sobre recomeços de forma leve, mas profunda.

A protagonista da vez é Katie Vaughn, uma mulher que já se decepcionou o suficiente para decidir que o amor não vale mais o risco. Descrente de romances e finais felizes, ela aposta todas as fichas em sua carreira como produtora de vídeo. O problema é que, quando seu emprego entra em perigo, Katie aceita um trabalho de última hora que muda completamente seus planos e a leva até Key West, na Flórida.

É lá que ela cruza o caminho de Tom “Hutch” Hutcheson, um nadador-salvador da Guarda Costeira tão confiante quanto irresistível. O choque de mundos é imediato, principalmente porque Katie guarda um segredo nada pequeno: ela não sabe nadar. Mesmo assim, decide fingir que sabe, dando início a uma sequência de situações constrangedoras, caóticas e extremamente divertidas. Para completar o pacote de tensão, ainda precisa conviver com Cole, o irmão de Hutch, que deixa claro desde o início que não simpatiza nem um pouco com ela.

O que poderia ser apenas mais um romance de verão se transforma em uma verdadeira montanha-russa emocional. Entre aulas de natação improvisadas, voos de helicóptero, festas exageradas, tempestades tropicais e até um dogue alemão que rouba a cena, Katie começa a perceber que o amor costuma aparecer justamente quando menos se espera — e, muitas vezes, na forma da pessoa que mais desafia nossas certezas.

O grande mérito de “Haters do Amor” está na humanidade de seus personagens. Katherine Center não idealiza relações nem cria protagonistas inalcançáveis. Pelo contrário, ela aposta em inseguranças reais, medos reconhecíveis e sentimentos contraditórios, fazendo com que o leitor se veja refletido nas páginas. É um romance que faz rir, mas também convida à reflexão sobre confiança, vulnerabilidade e segundas chances.

Com 360 páginas e preço sugerido de R$ 66,90, o livro se posiciona como uma leitura perfeita para quem busca algo envolvente, leve e emocionalmente honesto. Fãs de autoras como Ali Hazelwood, Lynn Painter e Jenna Evans Welch certamente vão se sentir em casa.

Saiba qual filme vai passar na Sessão da Tarde desta terça (6) na TV Globo

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Na Sessão da Tarde desta terça-feira, 6 de janeiro de 2026, a TV Globo convida o público a embarcar em uma aventura que mistura ficção científica, ação e humor em escala global. O filme escolhido é “MIB: Homens de Preto – Internacional”, produção que expande o universo da clássica franquia Men in Black e apresenta uma nova geração de agentes encarregados de manter a ordem entre humanos e alienígenas, sempre longe dos olhos curiosos da população.

Lançado em 2019, o longa funciona como um spin-off da saga iniciada nos anos 1990, deixando de lado os icônicos agentes K e J para apostar em uma história inédita, novos personagens e cenários espalhados pelo mundo. O resultado é um filme que respeita a essência da franquia, mas busca atualizar sua linguagem para um público mais jovem e conectado com narrativas globais.

A trama começa de forma intimista, ainda na infância de Molly, interpretada por Tessa Thompson. Quando criança, ela testemunha algo que mudaria sua vida para sempre: a abordagem de dois agentes do MIB a seus pais, seguida do apagamento de suas memórias após um encontro inesperado com um ser extraterrestre. Enquanto os adultos seguem suas vidas sem qualquer lembrança do ocorrido, Molly não esquece. Pelo contrário: ela passa anos obcecada pelos mistérios do universo e pela existência de vida fora da Terra.

Essa obsessão se transforma em motivação. Molly cresce determinada a provar que o MIB existe e, mais do que isso, a fazer parte da organização secreta. Sua persistência e inteligência acabam sendo recompensadas quando ela consegue localizar a sede da agência e, após insistir incansavelmente, é aceita como agente. Assim nasce a agente M, uma das personagens mais determinadas já apresentadas na franquia.

Já como agente oficialmente reconhecida, M é enviada para a filial do MIB em Londres, onde algo extremamente estranho vem acontecendo. Diferente das ameaças tradicionais vindas do espaço, o perigo agora parece estar dentro da própria organização. Há indícios de traição, informações vazadas e ataques alienígenas cada vez mais coordenados.

É nesse cenário que entra o agente H, vivido por Chris Hemsworth. Carismático, confiante e com um histórico de grandes feitos dentro do MIB, H é designado para trabalhar ao lado de M. A dupla, inicialmente marcada por diferenças de postura e experiência, precisa aprender a confiar um no outro para enfrentar uma ameaça que pode colocar em risco não apenas a Terra, mas todo o equilíbrio entre as espécies.

A parceria entre M e H funciona como o coração do filme. Enquanto ele representa o agente veterano, acostumado a improvisar e quebrar regras, ela traz um olhar mais atento, curioso e questionador, algo que muitas vezes falta aos membros mais antigos da organização. Esse contraste gera conflitos, mas também momentos de humor e cumplicidade.

Diferente dos filmes anteriores, que se concentravam majoritariamente nos Estados Unidos, “MIB: Homens de Preto – Internacional” aposta em uma narrativa verdadeiramente global. A investigação leva os protagonistas a diferentes países, ampliando o escopo da franquia e reforçando a ideia de que a ameaça alienígena não conhece fronteiras.

Além disso, o longa apresenta novos alienígenas, tecnologias inéditas e criaturas visualmente marcantes, mantendo a tradição da série de misturar efeitos especiais com um toque de irreverência. Um dos destaques é a presença de Pawny, personagem dublado por Kumail Nanjiani, que funciona como alívio cômico e rapidamente se torna um dos mais carismáticos do filme.

O elenco reúne nomes conhecidos do grande público. Além de Chris Hemsworth e Tessa Thompson, que já haviam contracenado juntos anteriormente, o filme conta com Liam Neeson no papel de High T, o chefe da filial londrina do MIB, trazendo uma aura de autoridade e mistério. Rebecca Ferguson interpreta Riza Stavros, uma traficante de armas alienígenas com passado enigmático, enquanto Rafe Spall vive um agente cuja lealdade é colocada em dúvida ao longo da trama.

A direção é assinada por F. Gary Gray, conhecido por seu trabalho em filmes de ação como Velozes e Furiosos 8 e Uma Saída de Mestre. Gray imprime um ritmo acelerado ao longa, equilibrando cenas de ação bem coreografadas com momentos de humor e desenvolvimento de personagens.

O roteiro fica por conta de Art Marcum e Matt Holloway, dupla responsável por outros sucessos do cinema de entretenimento. A produção executiva de Steven Spielberg, nome intimamente ligado à história da franquia, reforça o cuidado em manter a identidade de Men in Black, mesmo com tantas novidades.

As filmagens de “MIB: Homens de Preto – Internacional” começaram oficialmente em julho de 2018, com locações em Londres e outras cidades ao redor do mundo. O filme é uma produção conjunta da Columbia Pictures, Amblin Entertainment, Parkes + Macdonald, Image Nation e Tencent Pictures, com distribuição da Sony Pictures Releasing.

A pré-estreia aconteceu em 11 de junho de 2019, em Nova York. Poucos dias depois, o longa chegou aos cinemas do Brasil e de Portugal em 13 de junho, estreando nos Estados Unidos em 14 de junho de 2019, em formatos convencional, 3D e IMAX 3D. Mundialmente, o filme arrecadou mais de US$ 250 milhões, consolidando-se como um sucesso comercial, especialmente considerando seu caráter de spin-off.

The Beauty revela trailer perturbador e transforma a busca pela perfeição em um pesadelo mortal

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Foto: Reprodução/ Internet

O universo da moda, tradicionalmente associado ao glamour, à elegância e à busca incessante pela perfeição, ganha contornos sombrios e perturbadores em The Beauty, nova produção criada por Ryan Murphy em parceria com Matt Hodgson. Teve seu trailer oficial revelado nesta segunda-feira (5), a série é baseada na aclamada HQ homônima escrita por Jeremy Haun e Jason A. Hurley e promete ser um dos lançamentos mais impactantes da televisão em 2026. Misturando drama, suspense, terror psicológico e crítica social, a obra mergulha fundo nos limites da vaidade humana e nos perigos de uma sociedade obcecada pela aparência. Abaixo, confira o vídeo:

A trama se inicia quando o mundo da alta costura é abalado por uma sequência de mortes misteriosas e extremamente macabras envolvendo supermodelos internacionais. O que, a princípio, parece uma série de crimes isolados logo se revela parte de algo muito maior e mais perigoso. Para investigar o caso, o FBI envia a Paris os agentes Cooper Madsen e Jordan Bennett, dois profissionais experientes que rapidamente percebem que estão lidando com uma ameaça que ultrapassa fronteiras, leis e até mesmo conceitos básicos de ética e humanidade.

À medida que a investigação avança, os agentes descobrem a existência de um vírus sexualmente transmissível capaz de transformar pessoas comuns em versões fisicamente perfeitas de si mesmas. Corpos esculturais, rostos simétricos e juventude quase eterna passam a ser possíveis graças a essa “benção” científica. No entanto, o que parece um milagre moderno cobra um preço alto e brutal. As consequências da infecção são tão devastadoras quanto imprevisíveis, levando a deformações, surtos violentos e, em muitos casos, à morte.

No centro desse pesadelo está uma figura conhecida apenas como “A Corporação”, um bilionário da tecnologia interpretado por Ashton Kutcher. Misterioso, frio e extremamente calculista, ele é o criador da droga revolucionária apelidada de “A Beleza”. Por trás de um discurso de progresso, inovação e liberdade estética, esconde-se um império trilionário construído sobre experimentos ilegais, manipulação genética e exploração humana. Para proteger seus segredos e manter o controle absoluto sobre o mercado da perfeição, A Corporação não hesita em recorrer à violência extrema, acionando seu executor pessoal conhecido apenas como O Assassino, vivido por Anthony Ramos.

Enquanto Cooper e Jordan tentam juntar as peças desse quebra-cabeça mortal, a narrativa se expande para outros personagens igualmente impactados pela epidemia. Um deles é Jeremy, interpretado por Jeremy Pope, um forasteiro perdido e desesperado que se vê envolvido no caos causado pela disseminação da droga. Em busca de um propósito e tentando sobreviver em um mundo que valoriza apenas a aparência, ele representa o olhar mais humano e vulnerável da história, funcionando como um contraponto emocional à frieza das grandes corporações e ao cinismo da indústria da beleza.

A série adota uma narrativa global, levando os personagens a uma corrida contra o tempo por cidades icônicas como Paris, Veneza, Roma e Nova Iorque. Cada cenário não serve apenas como pano de fundo estético, mas também reforça a crítica central da obra: a padronização da beleza e o culto ao corpo perfeito são fenômenos globais, alimentados por redes de poder, consumo e influência midiática. Ryan Murphy utiliza essas paisagens para criar um contraste constante entre o belo e o grotesco, o luxo e a decadência.

No elenco, Evan Peters, colaborador frequente de Murphy, assume o papel do agente Cooper Madsen, entregando mais uma atuação intensa e complexa. Rebecca Hall interpreta Jordan Bennett, uma investigadora inteligente, pragmática e emocionalmente marcada pelos horrores que descobre ao longo do caso. Isabella Rossellini surge como Franny Forst, uma figura influente e enigmática ligada ao mundo da moda, cuja presença adiciona ainda mais camadas de mistério à trama. Bella Hadid, supermodelo na vida real, interpreta Ruby, personagem que dialoga diretamente com a crítica à indústria fashion e ao culto à imagem.

Do ponto de vista temático, a série se encaixa perfeitamente na filmografia e no estilo narrativo de Ryan Murphy. Conhecido por explorar os limites da sociedade contemporânea em séries como American Horror Story, Nip/Tuck e Pose, o criador volta a provocar o público ao questionar até onde a humanidade está disposta a ir em nome da perfeição. A série aborda questões como bioética, capitalismo extremo, exploração do corpo, identidade e o impacto psicológico da busca incessante por aceitação e reconhecimento.

O desenvolvimento da série foi anunciado oficialmente em 30 de setembro de 2024, quando o canal FX confirmou que estava trabalhando em uma adaptação da HQ com Ryan Murphy e Matt Hodgson à frente do projeto. Em agosto de 2025, a emissora revelou que a estreia estava prevista para 2026, informação reforçada pelo próprio Murphy em outubro do mesmo ano, quando indicou janeiro como o mês escolhido. Finalmente, em 3 de dezembro de 2025, o FX confirmou a data oficial de estreia: 21 de janeiro de 2026.

As filmagens aconteceram entre novembro de 2024 e junho de 2025, passando por diversas locações internacionais, o que reforça a ambição visual e narrativa da série. O cuidado com a fotografia, o figurino e a ambientação já é evidente no trailer, que apresenta uma estética elegante, perturbadora e altamente estilizada, alinhada ao tom crítico e provocador da história.

Café com Deus Pai | Obra brasileira ultrapassa milhões de leitores e se firma como um dos maiores sucessos editoriais do país

Publicado por
Esdras Ribeiro
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Em um mercado editorial cada vez mais disputado, poucos livros conseguem manter relevância por mais de um ano consecutivo. “Café com Deus Pai”, de Junior Rostirola, é uma dessas exceções. Em 2025, o devocional voltou a liderar as listas de mais vendidos do país, confirmando que seu sucesso não é passageiro, mas resultado de uma conexão genuína com milhões de leitores.

O destaque aparece no Painel do Varejo de Livros 2025, levantamento realizado pela PublishNews a partir dos dados do BookScan, que acompanha as vendas nas principais livrarias do Brasil. Mais uma vez, o ranking aponta a força dos títulos nacionais, com Café com Deus Pai ocupando as primeiras posições do ano — um feito que se repete após o desempenho expressivo registrado em 2024.

O fenômeno se intensifica com a presença simultânea de duas edições no topo da lista. Café com Deus Pai 2026 lidera o ranking anual, enquanto Café com Deus Pai 2025 aparece logo atrás, reforçando a fidelidade do público e o caráter contínuo da obra, pensada para acompanhar o leitor em sua rotina diária de reflexão.

Mais do que um livro, Café com Deus Pai se tornou um hábito. A cada página, a proposta é simples, mas poderosa: oferecer uma pausa em meio à correria do cotidiano. O sexto volume da coleção, intitulado Porções diárias de amor, amplia essa experiência ao incorporar elementos que convidam à interação, como frases destacadas, planos de leitura bíblica e espaços que estimulam anotações e reflexões pessoais.

Em 2025, a coleção alcançou a marca de 10 milhões de exemplares vendidos, consolidando-se como o devocional mais lido do Brasil e um dos maiores sucessos editoriais em língua portuguesa. O impacto ultrapassa o território nacional. Traduzido para sete idiomas, o livro passou a integrar prateleiras e rotinas de leitores na Europa, nos Estados Unidos e em diversos países da América Latina, ampliando o alcance da mensagem.

A presença digital também desempenha papel fundamental nesse sucesso. O podcast Café com Deus Pai, apresentado por Junior Rostirola, tornou-se o mais ouvido do Brasil no Spotify, acumulando mais de 186 milhões de reproduções e figurando entre os mais populares do mundo. Nas redes sociais, trechos do livro circulam diariamente, compartilhados de forma espontânea por leitores que se reconhecem nas mensagens e encontram nelas conforto e inspiração.

Parte dessa conexão está diretamente ligada à história pessoal do autor. Nascido em Itajaí (Santa Catarina), Junior Rostirola viveu uma infância marcada por violência doméstica, dificuldades emocionais e exclusão social. Ainda jovem, abandonou os estudos e enfrentou um período de depressão profunda. Foi na fé cristã que encontrou um caminho de reconstrução, transformando vivências dolorosas em palavras que hoje acolhem e orientam milhões de pessoas.

O sucesso contínuo de Café com Deus Pai também reflete uma mudança no comportamento do leitor brasileiro. Em meio a um cenário de incertezas, cresce a busca por obras que ofereçam acolhimento, reflexão e sentido. Livros voltados à espiritualidade e ao autoconhecimento seguem conquistando espaço, mostrando que histórias reais, sensíveis e próximas da experiência humana têm força para atravessar o tempo e as tendências do mercado.

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