O Diário de Pilar na Amazônia ganha primeiro trailer e apresenta uma aventura que celebra a floresta e o folclore brasileiro

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O cinema brasileiro infantil acaba de ganhar um novo e promissor capítulo com o lançamento do primeiro trailer de O Diário de Pilar na Amazônia, divulgado na última quarta, 26. A prévia introduz o público a uma aventura vibrante e cheia de imaginação, marcada pela beleza da floresta, pela diversidade cultural e pela força de uma protagonista que já conquistou milhares de leitores ao redor do país.

Baseado na obra da escritora Flávia Lins e Silva, o longa aposta em um universo encantado que dialoga com a infância, mas que também encontra eco em temas atuais e urgentes. O filme acompanha Pilar, interpretada pela jovem Lina Flor, que descobre o poder de viajar para diferentes lugares do mundo por meio de sua rede mágica. É essa curiosidade natural, somada a um espírito aventureiro e ao desejo constante de aprender, que guia a personagem até a Amazônia, ponto de partida para uma jornada emocionante.

Desde os primeiros segundos do trailer, a produção revela um cuidado especial com a forma como a floresta é retratada. A Amazônia aparece como um espaço grandioso, misterioso e profundamente vivo, tratada não apenas como cenário, mas como personagem. Essa sensibilidade se reflete também no encontro de Pilar com figuras icônicas do folclore brasileiro, como Iara e Curupira, que surgem de maneira orgânica na narrativa, reforçando a magia e o valor cultural que permeiam a história.

A trama ganha ainda mais peso emocional quando Pilar conhece Maiara, uma jovem ribeirinha que perdeu sua comunidade após um ataque que devastou a região onde vivia. Em meio à dor e à incerteza, as duas criam um laço imediato, construído sobre empatia e solidariedade. Determinada a ajudar, Pilar embarca ao lado da nova amiga em uma missão que vai além da fantasia. Juntas, elas percorrem rios, trilhas e clareiras na tentativa de reencontrar a família de Maiara e compreender o que ameaça aquele território.

O filme transforma essa busca numa reflexão acessível e emocional sobre desmatamento, preservação e a responsabilidade coletiva diante da natureza. Ainda que pensada para o público infantil, a narrativa se permite tocar em temas complexos sem perder a leveza e a capacidade de encantamento. O resultado é uma história que fala com crianças, mas que também sensibiliza adultos que reconhecem, na tela, parte da realidade amazônica que tantas vezes surge desconectada da ficção.

Além da força da protagonista, o elenco reúne nomes conhecidos do público brasileiro. Nanda Costa (Amor de Mãe, Piedade), Marcelo Adnet (Tá no Ar: A TV na TV), Emílio Dantas (A Força do Querer, Todas as Flores), Babu Santana (Estômago, Big Brother Brasil 20), Rocco Pitanga (Malhação, Cidade dos Homens) e outros artistas dão vida a personagens que transitam entre o humor, o afeto e a fantasia. Miguel Soares, Sophia Ataíde e Thúlio Naab completam a equipe, ajudando a construir um ambiente narrativo plural, diverso e profundamente brasileiro.

O Diário de Pilar na Amazônia é dirigido por Eduardo Vaisman (DPA – Detetives do Prédio Azul) e Rodrigo Van Der Put (DPA – O Filme), dupla que já possui experiência em produções que conciliam entretenimento e sensibilidade. A adaptação aposta no equilíbrio entre fidelidade ao universo literário e liberdade criativa, com o objetivo de traduzir para o cinema a essência das histórias criadas por Flávia Lins e Silva (DPA – Detetives do Prédio Azul), autora responsável também pelo roteiro em parceria com João Costa Van Hombeeck (Apaixonados: O Filme).

Temperatura Máxima deste domingo (30) exibe Creed III: A luta mais íntima da carreira de Adonis chega à TV aberta

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A Globo exibe neste domingo, 30 de novembro, na Temperatura Máxima, o filme Creed III, produção que marcou um novo capítulo na franquia iniciada por Rocky e consolidada pela trajetória de Adonis Creed. Lançado em 2023, o longa conquistou público e crítica ao apresentar uma história que vai muito além do universo do boxe. A narrativa conduzida por Michael B. Jordan, que também assina a direção, mergulha na vida adulta do protagonista e em questões íntimas que se tornaram determinantes para seu futuro.

Creed III acompanha Adonis em um momento de estabilidade pessoal e profissional. Após anos de dedicação ao esporte, ele agora desfruta de uma carreira consolidada, de reconhecimento internacional e de uma vida familiar equilibrada ao lado de Bianca e da filha Amara. Em um primeiro olhar, tudo parece alinhado com o que ele sempre sonhou conquistar. O desempenho no ringue lhe trouxe sucesso, e o amadurecimento emocional dos últimos filmes o levou a um lugar de conforto e paz raramente visto antes em sua trajetória. Mas o filme faz questão de mostrar que a estabilidade nem sempre significa plenitude e que alguns capítulos do passado insistem em retornar, mesmo quando parecem já resolvidos.

É nesse ponto que a figura de Damian Anderson se torna central. Interpretado pelo talentoso Jonathan Majors, o personagem surge como um amigo de infância que Adonis não vê há muitos anos. Os dois cresceram juntos, compartilhando sonhos e desafios, até que uma situação traumática mudou o curso de suas vidas. Damian acabou preso ainda adolescente, enquanto Adonis seguiu um caminho que o levou à fama. Essa diferença de destino, construída de forma silenciosa ao longo dos anos, se transforma em uma ferida aberta quando Damian reaparece, determinado a recuperar tudo o que acredita ter sido tirado dele.

O reencontro entre Adonis e Damian não é conduzido como um simples conflito entre o herói e o antagonista. O filme apresenta um antagonismo que nasce de sentimentos reais, como frustração, abandono, arrependimento e inveja. Damian não é apenas alguém que foi deixado para trás; ele é alguém que viveu anos preso no tempo, agarrado à imagem de um jovem talentoso cuja carreira nunca existiu. Essa carga emocional faz do personagem uma das presenças mais densas e complexas da franquia, o que torna sua relação com Adonis ainda mais intensa.

Michael B. Jordan, estreando como diretor, se destaca pela sensibilidade ao explorar esses conflitos. Sua condução valoriza as emoções internas dos personagens tanto quanto o espetáculo visual das lutas. O ator-diretor investe em uma estética que reforça a subjetividade da narrativa, com cenas que dialogam com a intimidade dos protagonistas e com a linguagem corporal que expressa mais do que as palavras. A direção aposta em momentos silenciosos, no olhar dos personagens, no peso da memória, criando uma atmosfera envolvente que transforma cada embate em uma metáfora sobre dor, culpa e redenção.

Outro elemento que reforça a força emocional do filme é a família Creed. Bianca, interpretada por Tessa Thompson, atua como o ponto de equilíbrio de Adonis. Sua relação com a música passa por transformações, mas seu papel no filme se concentra no apoio emocional e na construção de um lar que dá sentido à nova fase da vida do marido. Bianca compreende a sensibilidade que Adonis esconde por trás da figura de campeão e tenta guiá-lo por um caminho de diálogo e autoconhecimento. A filha Amara, interpretada por Mila Davis-Kent, também ganha espaço com naturalidade, trazendo leveza e profundidade por meio de sua relação afetiva e comunicativa com os pais. A presença dela reforça a ideia de legado, de continuidade e de responsabilidade emocional, aspectos que se tornam fundamentais quando Adonis precisa confrontar seu passado e decidir quem deseja ser dali em diante.

A ausência de Rocky Balboa é sentida, mas não pesa negativamente na narrativa. Pela primeira vez, Sylvester Stallone não aparece em cena, ainda que permaneça como produtor. A escolha de seguir sem Rocky representa simbolicamente a autonomia de Adonis, que agora precisa encontrar suas próprias respostas e assumir sua história sem depender da figura paterna que o guiou até então. Esse silêncio narrativo se torna parte da maturidade do protagonista, que finalmente enfrenta seu maior adversário: ele mesmo.

A história avança com ritmo envolvente, sempre conduzida pelas emoções que emergem do reencontro entre os dois antigos amigos. Adonis tenta oferecer a Damian uma chance real de recomeço, movido pela culpa e pela percepção de que sua ausência contribuiu para o destino do amigo. Mas Damian carrega mágoas profundas e não vê essa aproximação como uma reparação, e sim como uma oportunidade de ocupar o espaço que, em seu entendimento, deveria ter sempre sido seu. Essa disputa simbólica se transforma em conflito direto quando Damian entra para valer no universo do boxe profissional, mostrando técnica, agressividade e um ressentimento que transborda a cada movimento.

Ascensão Imortal | Novo livro da trilogia Sete Imortais imagina uma sociedade transformada pela descoberta da imortalidade

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O avanço científico sempre carregou a promessa de prolongar a vida humana, mas poucas obras recentes exploram esse cenário com tanta densidade quanto “Ascensão Imortal”, segundo livro da trilogia Sete Imortais, escrita por Sebastian Dumon. A obra retoma temas apresentados no primeiro volume, mas amplia seus horizontes ao questionar o impacto social, político e ético da imortalidade quando ela deixa de ser mito e passa a ser um produto controlado por elites.

A premissa da saga remonta a milhares de anos. Um vírus ancestral infectou um humano e desencadeou mutações genéticas profundas. A maioria dos infectados pereceu, incapaz de controlar a transformação. Apenas sete sobreviveram. Eles descobriram que a imortalidade exigia um custo permanente: precisavam consumir sangue humano para manter o corpo funcionando. Ao longo dos séculos, essa minoria passou a atuar nos bastidores, manipulando governos e mercados, guiando a história por caminhos invisíveis aos olhos da população. A humanidade, sem saber, era conduzida por mãos ocultas.

Com o avanço da ciência moderna, surge um oitavo imortal. Seu aparecimento acende um alerta global e abre a possibilidade de que a imortalidade seja compreendida, desenvolvida e, eventualmente, replicada. A revelação provoca uma ruptura imediata na ordem mundial e dá início a uma discussão que ultrapassa laboratórios: quem teria direito a viver para sempre?

É nesse ponto que “Ascensão Imortal” se expande. Agora, a sociedade já convive com a ideia de que a longevidade ilimitada pode ser alcançada artificialmente. O protagonista, Lucas Moretti, é atacado por uma imortal e se transforma em alguém que o tempo não pode mais alcançar. Seu destino o conecta ao Projeto Renascer, iniciativa científica criada para prolongar a vida humana e que rapidamente se torna símbolo de esperança e poder.

Clínicas especializadas surgem em todos os continentes, criando um mercado bilionário e abrindo espaço para legislações emergenciais. Países passam a regular a circulação de sangue, elemento que se torna essencial para manter vivos os recém-chegados imortais. Mas o que começou como um avanço médico com propósito humanitário se transforma, aos poucos, em uma engrenagem de exploração global.

Uma nova elite se fortalece. São os Aprimorados, descendentes dos primeiros imortais e indivíduos que agora dominam as técnicas científicas que antes os mantinham ocultos. Com influência política e econômica, eles moldam leis em benefício próprio e introduzem um sistema que coloca vidas humanas como recursos de mercado.

Nesse contexto ganham força as chamadas Fazendas de Sangue, instalações que prometem emprego e estabilidade, mas funcionam como centros de coleta permanente. O trabalho humano é reduzido a matéria-prima, e famílias inteiras passam a depender da venda regular de sangue para sobreviver. A desigualdade se intensifica, expondo um futuro distópico que parece distante apenas à primeira vista.

A narrativa se desloca também para o Brasil, onde o Congresso Nacional se prepara para votar uma série de propostas que espelham políticas adotadas no Canadá. Entre elas, uma lei que obrigaria cidadãos não aprimorados a doar ou vender uma cota mensal de sangue e outra que regulamentaria as Fazendas de Sangue em território brasileiro. O país torna-se palco de tensões políticas, protestos e confrontos, com a população dividida entre o medo e a promessa de progresso.

Diante desse cenário, Lucas se une a personagens que formam o núcleo de resistência. Ana, médica premiada com o Nobel, foi a mente original por trás do Projeto Renascer e agora luta para evitar que sua pesquisa seja distorcida. João, hacker habilidoso, se dedica a expor documentos sigilosos que revelam a extensão da manipulação estatal. Mariana carrega cicatrizes físicas e emocionais que ilustram o impacto humano da ascensão dos imortais. Juntos, eles tentam conter uma transformação social que ameaça ultrapassar um ponto irreversível.

O grande mérito de “Ascensão Imortal” está no equilíbrio entre ficção científica e reflexão contemporânea. Sebastian Dumon constrói uma distopia que dialoga com debates reais sobre biotecnologia, desigualdade social e a mercantilização do corpo humano. A ciência, no livro, avança rapidamente, mas a ética vacila, e a tecnologia que deveria salvar vidas se torna ferramenta de controle.

O autor explica que buscou uma abordagem menos fantasiosa e mais plausível da imortalidade. Segundo ele, embora o tema seja recorrente na literatura, o desafio foi criar uma versão ancorada em possibilidades científicas e em tensões políticas que já moldam o presente. Dumon afirma que a saga funciona como um convite à reflexão: se houvesse uma cura para todas as enfermidades, quanto a sociedade estaria disposta a ceder em troca dela?

Com ritmo intenso, personagens bem construídos e uma atmosfera que mistura realismo e urgência, “Ascensão Imortal” reforça a relevância da ficção científica como espelho das fragilidades humanas. O livro amplia o universo da trilogia e deixa uma pergunta perturbadora: em um mundo onde viver para sempre se torna possível, quem decide quem merece esse privilégio?

Supercine exibe Acertando o Tom neste sábado (29) e destaca jornada musical marcada por fé e amizade

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A Globo preparou uma noite especial para o Supercine deste sábado, 29 de novembro, com a exibição do filme “Acertando o Tom”. A produção norte-americana, conhecida originalmente como “Praise This”, mistura música, humor, drama e espiritualidade em uma narrativa que fala sobre descobertas, pertencimento e a força das segundas chances.

A protagonista é Sam, interpretada por Chloe Bailey (conhecida por produções como Swarm, Jane e pela carreira musical ao lado da irmã no duo Chloe x Halle). Sam é uma jovem talentosa que sempre sonhou em viver de música, mas seu temperamento explosivo e algumas decisões equivocadas acabam a surpreendendo com uma mudança repentina de cidade. Longe do ambiente que conhece, ela se vê obrigada a ingressar em um coral gospel, experiência que inicialmente rejeita, mas que acaba transformando sua vida de maneiras profundas.

De acordo com a sinopse do AdoroCinema, o enredo acompanha a adaptação de Sam a um universo completamente diferente do seu, marcado por disciplina, espiritualidade e trabalho coletivo. O que ela acreditava ser um castigo se torna um ponto de virada: novos amigos surgem, barreiras emocionais começam a cair e a relação com a música ganha um novo significado. Paralelamente, Sam também se envolve na preparação do coral para uma grande competição musical, desafiando seus próprios limites e ajudando o grupo a encontrar sua identidade.

O elenco reúne nomes de destaque. Quavo (ator e membro do grupo Migos, também presente em Atlanta e Narcos: Mexico) adiciona carisma ao longa, enquanto Anjelika Washington (Stargirl, Tall Girl, Dear Vivian) entrega uma performance simpática e divertida que equilibra bem os tons mais leves da história.

A direção fica por conta de Tina Gordon Chism (Little, Drumline, Peeples), que imprime ao filme uma linguagem vibrante, alinhando musicalidade, humor e drama. Ela também assina o roteiro ao lado de Brandon Broussard (The Blackening, The Perfect Guy, The Lovebirds), que contribui para o ritmo dinâmico e envolvente da narrativa.

A produção é de Jonathan Glickman (Creed II, Missão: Impossível – Protocolo Fantasma, O Turista) e Leslie Small (Kevin Hart: What Now?, 2 Minutes of Fame, Hair Show). Na produção executiva, destaca-se Will Packer, conhecido por sucessos como Girls Trip, Straight Outta Compton, Ride Along e Think Like a Man, sempre marcando presença em projetos que combinam entretenimento popular com desenvolvimento emocional.

O filme conta com fotografia de Larry D. Horricks (Coração de Cowboy, The Shack, Enemy Way) e edição de David Moritz (Os Fantasmas se Divertem, Mulan, Kung Fu Panda 2). O design de produção ficou nas mãos de Keith P. Cunningham (Um Parto de Viagem, À Procura da Felicidade, O Mentiroso), que cria a atmosfera certa para os palcos, ensaios e momentos íntimos da protagonista.

“Acertando o Tom” vai além de uma história musical. Trata-se de um filme sobre amadurecimento, fé em si mesmo e a capacidade de encontrar novos caminhos mesmo quando tudo parece fora de lugar. É uma obra leve, emocional e divertida, ideal para quem busca inspiração ou simplesmente deseja encerrar a noite com um sorriso e uma boa trilha sonora.

O Supercine vai ao ar logo após o Altas Horas. O filme também está disponível para streaming no Prime Video.

Zootopia 2 tem estreia explosiva e caminha para bater US$ 1 bilhão nas próximas semanas

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Zootopia 2 chegou aos cinemas com a força de quem carrega uma das animações mais queridas da última década. O lançamento, que já era aguardado pelo público desde o anúncio oficial, superou expectativas e se tornou um dos fenômenos de bilheteria mais impressionantes do ano. Os primeiros números indicam que a sequência deve ultrapassar rapidamente a marca de 500 milhões de dólares e pode repetir o feito do filme original, alcançando o cobiçado bilhão mundial.

De acordo com o The Hollywood Reporter, o desempenho inicial é expressivo em praticamente todos os territórios. Somente nos dois primeiros dias de exibição, a animação arrecadou quase 54 milhões de dólares na China, que se consolida como o grande motor internacional da franquia. Nos Estados Unidos e no Canadá, o filme somou 39 milhões de dólares entre terça e quarta-feira, um resultado acima do esperado para o período.

Essa combinação de força nos EUA e explosão no mercado asiático coloca Zootopia 2 lado a lado com estreias recentes de enorme impacto, como Moana e Frozen 2. Na China, o sucesso chama ainda mais atenção, já que o novo longa da Disney caminha para registrar a maior abertura de um filme americano na região desde 2020. Para analistas, esse é um sinal claro de que a marca continua muito forte e que a sequência encontrou o tom certo para reconquistar o público.

Enquanto impressiona nas bilheterias, o longa também tem chamado atenção por sua história mais ampla e emocional. Ambientado uma semana após os eventos do primeiro filme, o novo filme acompanha Judy Hopps e Nick Wilde tentando se adaptar ao trabalho conjunto na Polícia de Zootopia. Embora agora sejam parceiros oficiais, suas personalidades colidem com frequência, o que coloca a dupla em risco diante das responsabilidades cada vez maiores dentro da corporação.

Essa tensão fica evidente logo no início, quando uma operação contra contrabandistas de tamanduás sai de controle. O fracasso irrita o Chefe Bogo, que ameaça separar os dois agentes caso eles não passem por uma sessão de terapia com a quokka Dra. Fuzzby. A situação parece simples, mas se torna o estopim para investigar um novo mistério que se aproxima silenciosamente da cidade.

Durante a ação desastrosa, Judy encontra um pedaço de pele de cobra e pistas que a fazem suspeitar da presença de um réptil em meio àquela rede de contrabando. Somado a isso, o Baile Zootenário, evento luxuoso que celebra os cem anos de Zootopia, se aproxima. Para Judy, esse pode ser o ponto de encontro que revelará quem realmente está por trás da movimentação suspeita.

Determinada, ela convence Nick a acompanhá-la ao baile organizado pelos Lincesley, uma das famílias mais tradicionais da cidade. Lá, Judy acaba se aproximando de Patalberto, o filho mais novo do clã, enquanto Nick identifica uma figura encapuzada escondida sobre o salão. O clima de festa rapidamente se transforma em caos quando a figura salta de um lustre e finalmente se revela: trata-se de uma víbora que sequestra Milton, patriarca dos Lincesley, e foge levando um diário antigo que registra a criação das muralhas climáticas de Zootopia.

A cena desencadeia uma reação em cadeia. Desesperado para proteger a reputação de sua família, Milton acusa Judy e Nick de serem cúmplices da víbora, levando o caso ao prefeito Cavalgante. A tensão aumenta quando a cobra acidentalmente envenena Bogo. Com isso, a polícia passa a perseguir Judy e Nick, que fogem com o diário recuperado enquanto a víbora escapa junto de um aliado desconhecido.

A fuga os leva até o submundo de Zootopia, onde o chefão do crime Sr. Big os coloca em contato com Nibbles Castanheira, uma castora que acredita em várias teorias da conspiração envolvendo a cidade. É ela quem os conduz à Feira do Brejo, uma zona marginalizada onde vive uma comunidade de répteis isolada do resto da cidade. Ali, o basilisco Jesús revela que o diário pode ser a chave para entender a expulsão histórica dos répteis de Zootopia e o soterramento do território original onde viviam, hoje escondido sob a região de Tundralândia.

Quando a polícia invade o local e causa uma confusão generalizada, Judy e Nick encontram novamente a víbora, que engole o diário para impedir que ele caia em mãos erradas e foge por um túnel submerso. Na perseguição, Judy quase se afoga e é salva por Nick, um momento que expõe as fragilidades emocionais dos dois. A relação se rompe depois de uma discussão intensa na qual Judy questiona se eles realmente combinam como dupla. A briga fica marcada pela queda da caneta de cenoura que simbolizava o vínculo entre eles.

Pouco depois, a víbora finalmente se revela. Seu nome é Gary A’Cobra e seu aliado é justamente Patalberto, o jovem lince que Judy conheceu na festa. A revelação abre espaço para novas camadas da trama. Judy descobre que a verdadeira inventora das muralhas climáticas foi Agnes, bisavó de Gary, que acabou criminalizada e apagada da história quando Ebenezer Lincesley roubou sua patente. No passado, ele ainda incriminou Agnes pela morte de sua empregada tartaruga para justificar sua expulsão.

Com essa descoberta, Judy, Gary e Nick seguem para a muralha climática em busca da patente original, que estaria escondida nas ruínas soterradas da antiga Ravina dos Répteis. A escalada emocional da história atinge o ponto mais tenso quando Patalberto, decidido a proteger o nome de sua família, trai o grupo, envenena Judy e rouba o antídoto que poderia salvá-la.

O confronto final acontece à beira de um penhasco. Nick, desesperado, enfrenta Patalberto e consegue recuperar o frasco com o antiveneno. Em um gesto de confiança, ele o arremessa para Gary, que cura Judy momentos antes de perder a consciência. Na luta, Patalberto cai, mas é salvo por Judy, que se recusa a deixá-lo morrer, mesmo após sua traição.

Com a patente finalmente recuperada e os crimes revelados, a polícia prende os Lincesley, e a história de Agnes é restituída. O reconhecimento reacende o vínculo entre Zootopia e a comunidade de répteis, agora reintegrada à cidade. Judy e Nick são inocentados, Bogo se recupera e a dupla volta ao trabalho com um novo entendimento sobre confiança e parceria.

No fim, Nick aparece com a caneta de cenoura consertada. Judy grava com ela uma declaração inesperada do parceiro, em que ele admite seu amor por ela. A gravação é exibida na cena pós-créditos, criando uma espécie de epílogo emocional que sugere que uma nova fase está prestes a começar.

Segunda temporada de Hell’s Paradise ganha pôster impactante e chega em janeiro

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A espera finalmente começou a diminuir. Hell’s Paradise volta às telas em 11 de janeiro pela Crunchyroll, acompanhado de um pôster oficial que caiu como faísca em um público que já estava ansioso. A imagem, intensa e delicada ao mesmo tempo, resume bem o espírito da série, com violência e poesia convivendo lado a lado, como se o mundo de Shinsenkyo respirasse por conta própria.

Desde que o anime estreou em 2023, o interesse pelo universo criado por Yuji Kaku só cresceu. O mangá já era querido por muitos leitores, mas a animação produziu algo diferente e trouxe textura para sentimentos que antes estavam apenas nas páginas. Agora, com a segunda temporada confirmada, a sensação é de reencontro com o mundo, com os personagens e com a maneira como a obra questiona vida, morte, culpa e redenção.

A sinopse oficial prepara o terreno. Gabimaru, o ninja mais temido de Iwagakure, está à beira da execução. Sua última chance de sobreviver é uma missão improvável: viajar até uma ilha misteriosa e recuperar o Elixir da Vida, uma substância envolta em lendas e associada ao paraíso budista de Sukhavati. É ali, em meio a criaturas impossíveis, estátuas vivas e eremitas de poderes estranhos, que ele tenta sobreviver ao mesmo tempo em que alimenta a esperança de rever a esposa. Acompanhado pela carrasca Yamada Asaemon Sagiri, ele descobre que a ilha não pune apenas o corpo, mas também a alma.

O que sempre chamou atenção na obra é o contraste entre brutalidade e humanidade. Mesmo em um cenário onde ninguém está seguro e tudo soa ameaçador, há momentos profundamente humanos que surgem sem aviso. Gabimaru, por exemplo, é letal, frio e experiente, mas carrega um amor tão sincero que quase contradiz sua aparência. Sagiri, por outro lado, enfrenta dúvidas sobre sua força, seu papel e seu lugar no mundo, dilemas que ecoam muito além da ficção e se conectam diretamente com questões contemporâneas.

O mangá, publicado entre 2018 e 2021 na Shōnen Jump+, sempre foi sobre isso: a colisão entre violência e sensibilidade. Kaku contou que a estrutura original da história era completamente diferente, ambientada até mesmo em um centro de detenção juvenil. O que permaneceu intacto foi o interesse em observar pessoas colocadas em situações extremas e obrigadas a cooperar mesmo quando seus valores se chocam. Esse elemento humano, esse atrito inevitável entre caráter, medo, desejo e sobrevivência, é o coração pulsante de Hell’s Paradise. Ao transportar essa essência para o período Edo, o autor encontrou o equilíbrio perfeito entre fantasia e reflexão.

Outro ponto fascinante é o processo criativo por trás da obra. Kaku queria desenhar personagens que, mesmo vivendo em um período distante do nosso, carregassem conflitos modernos. Sagiri, por exemplo, é uma mulher que enfrenta pressões sociais, expectativas rígidas e dúvidas internas, temas atuais traduzidos em uma figura que vive séculos atrás. Gabimaru, ainda que seja um ninja treinado para matar, reflete sobre o amor, sobre dignidade e sobre o que significa viver sem um propósito. Esses detalhes ajudaram o mangá a conquistar leitores que talvez não se identificassem de imediato com prisioneiros e carrascos, mas que reconheceram neles fragilidades muito humanas.

Quando o anime chegou pelas mãos do estúdio MAPPA, o desafio era enorme. A ilha de Shinsenkyo precisava ganhar vida sem perder sua aura de mistério, perigo e beleza quase sagrada. A produção conseguiu entregar algo visualmente marcante, com criaturas assustadoras, cenários surreais e um cuidado minucioso na expressão dos personagens. A adaptação não apenas ampliou a intensidade das batalhas, mas também preservou os silêncios, aqueles instantes em que um olhar diz mais do que uma fala.

Agora, com a segunda temporada, o público se prepara para uma fase ainda mais densa. Os próximos arcos do mangá são mais filosóficos, mais violentos e mais complexos emocionalmente. Há personagens que mudam drasticamente, antagonistas que expandem a mitologia da ilha e perguntas que finalmente começam a ganhar respostas. A expectativa é que o MAPPA mantenha a qualidade visual e narrativa da primeira temporada, especialmente porque a nova fase é decisiva para o arco emocional de Gabimaru e Sagiri.

O pôster divulgado recentemente acompanha esse clima. Ele traz um traço mais maduro, com personagens que carregam no olhar as consequências do caminho percorrido. É como se cada detalhe da arte dissesse que a história não será mais a mesma. E talvez seja exatamente isso que deixa o público tão animado: a promessa de uma temporada que não só continua a jornada, mas aprofunda sua razão de existir.

O retorno de Hell’s Paradise não representa apenas mais episódios, representa um reencontro. É a chance de acompanhar novamente uma narrativa que equilibra ação intensa com questionamentos íntimos, fantasia com emoção real, misticismo com humanidade. Para alguns fãs, é revisitar a brutalidade poética de Shinsenkyo; para outros, é descobrir como personagens tão quebrados conseguem encontrar algo parecido com esperança em um lugar que não oferece nada além de dor.

Se a primeira temporada abriu a porta para o inferno, esta segunda promete conduzir o público pelos corredores mais profundos dele e talvez mostrar que, mesmo no pior dos cenários, ainda existe espaço para laços inesperados, escolhas difíceis e um tipo muito particular de beleza.

Avatar: Fogo e Cinzas emociona em nova prévia e revela o lado mais sombrio da saga de James Cameron

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A nova prévia de Avatar: Fogo e Cinzas chegou carregada de emoção e trouxe para o público uma sensação familiar: a de que estamos voltando para casa, mas uma casa que mudou. Pandora aparece sob uma luz diferente, tomada por cicatrizes, fogo, cinzas… e também por reconstrução. A família Sully, tão querida pelo público desde o primeiro filme, surge enfrentando um dos períodos mais delicados de sua história, marcado pela ausência de Neteyam, mas também por um novo capítulo que pede força, união e reinvenção.

Logo nos primeiros segundos da prévia, é possível perceber que este terceiro filme não está interessado apenas nas grandiosas batalhas que sempre marcaram a franquia. O foco agora está muito mais no coração dos personagens. Jake e Neytiri aparecem com um olhar que mistura exaustão e esperança, como quem tenta manter de pé uma família que já passou por perdas profundas, mas ainda busca fôlego para continuar. Há um silêncio entre eles que diz muito. É a pausa de quem sabe o que já enfrentou e o que ainda está por vir.

O luto pelo filho Neteyam se torna quase um personagem à parte. Ele se manifesta em pequenos gestos: na forma como os Sully se entreolham, no tom das conversas, na tentativa de manter a família unida apesar da dor. Cameron parece consciente de que esse sentimento não pode ser romantizado. A prévia trata o tema com respeito, sutileza e sensibilidade, sem transformar a dor em espetáculo, mas deixando claro que ela moldará cada decisão dos protagonistas daqui para frente.

Além dessa jornada emocional, o vídeo nos apresenta um novo povo de Pandora, o Povo das Cinzas. E é aqui que o filme começa a expandir o universo da franquia de maneira ainda mais rica. Os Ash People têm uma relação intensa com o fogo e uma cultura mais bélica, mais dura, fruto de um ambiente hostil. Ao contrário dos Metkayina, que viviam em harmonia com a água, os membros dessa nova tribo carregam marcas de guerras antigas e de um território que exige resistência o tempo todo. A estética do grupo impressiona e traz uma identidade completamente diferente do que vimos até agora.

A líder do Povo das Cinzas, Varang, chama atenção imediatamente. Ela não aparece como uma vilã caricata, mas como alguém que defende seu povo a qualquer custo. Seu olhar duro e sua postura determinada revelam uma personagem guiada por dor, memória e disputa territorial. Quando a prévia reforça a aliança dela com Quaritch, fica claro que essa união pode redefinir tudo o que conhecemos sobre os conflitos de Pandora. A guerra deixa de ser apenas entre humanos e Na’vi. Ela se torna uma disputa interna, de identidade, de sobrevivência e de escolhas morais.

Nesse cenário tenso, Jake e Neytiri se tornam novamente o centro emocional da história. Eles precisam ser pais, líderes e guerreiros ao mesmo tempo. Precisam acolher a dor dos filhos enquanto tentam lidar com a própria. Precisam manter a família unida em meio ao caos. E precisam tomar decisões difíceis em um momento em que o planeta parece estar virando ao avesso. A prévia mostra que essa será a parte mais íntima e humana do filme, aquela que faz o público se reconhecer nos personagens mesmo vivendo em um mundo distante.

A ambientação também reflete esse momento turbulento. Pandora já não surge tão exuberante quanto antes. Há cicatrizes abertas, árvores queimadas, terras devastadas. É como se o planeta estivesse respirando com dificuldade, pedindo socorro, tentando se recuperar do impacto das batalhas. Esse contraste visual torna o filme mais maduro e reforça a mensagem ambiental que sempre acompanhou a saga: cada ação tem um impacto real, e a natureza jamais sai ilesa de conflitos desse tamanho.

Mesmo com toda a densidade emocional, a prévia também aponta para a força e o crescimento dos filhos de Jake e Neytiri. Lo’ak aparece mais seguro, embora ainda carregue o peso da responsabilidade que não pediu. Kiri surge conectada à natureza de uma forma cada vez mais profunda, quase espiritual. É possível sentir que os dois serão determinantes para os rumos da história. Eles não aparecem mais como jovens descobrindo Pandora, mas como figuras centrais de um momento que pode definir o futuro do planeta.

Do outro lado da narrativa, Quaritch retorna com uma presença igualmente forte, mas diferente da vista anteriormente. Ele não é apenas o antagonista movido pela vingança. A prévia sugere um personagem mais complexo, com novas motivações e um papel que pode surpreender o público. Sua relação com Varang e com o Povo das Cinzas promete trazer tensão para cada cena em que aparece.

A proximidade do lançamento reforça o peso deste terceiro capítulo. Avatar: Fogo e Cinzas não chega apenas como mais um filme da franquia. Ele ocupa um espaço estratégico e emocional. É a ponte que conectará O Caminho da Água às duas últimas partes da saga, previstas para 2029 e 2031. Isso significa que muita coisa será plantada agora para florescer nos próximos filmes. E, pelo tom da prévia, tudo indica que serão sementes carregadas de significado.

No Brasil e em Portugal, o longa chega um dia antes da estreia norte-americana, em 18 de dezembro de 2025. É um presente para os fãs que acompanham a franquia desde 2009 e que, ao longo dos anos, construíram uma relação afetiva com Pandora, suas paisagens e seus personagens. Há um carinho especial por esse universo, e a nova prévia só fortalece essa conexão.

Hoje Eu Quero Voltar Sozinho ganha edição em quadrinhos pela Editora Seguinte em 2026 e renova o alcance de sua história marcante

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Poucas histórias brasileiras conseguiram atravessar o tempo com tanta delicadeza quanto Hoje Eu Quero Voltar Sozinho. O longa, lançado em 2014, marcou jovens e adultos com sua abordagem sensível sobre amadurecimento, amizade, amor e descoberta da própria identidade. Agora, mais de uma década depois, a narrativa renasce em um novo formato: uma versão em quadrinhos que será publicada pela Editora Seguinte em maio de 2026. A adaptação reúne o diretor e roteirista Daniel Ribeiro, autor do texto original, e o ilustrador Bruno Freire, que assume a missão de traduzir para imagens uma história que vive até hoje no imaginário de milhares de fãs.

A notícia do lançamento mexeu com a memória afetiva de muita gente que viu o filme ainda adolescente e hoje, mais velha, reconhece o quanto a obra ajudou a abrir portas para conversas sobre diversidade, acessibilidade e afetos juvenis. Há algo profundamente simbólico no fato de a história retornar pelas mãos de seu próprio criador: é como se Daniel Ribeiro revisitasse uma parte importante de sua trajetória artística e emocional, agora com o desafio de recriar Leo, Gabriel e Giovana para uma nova geração.

O reencontro com Leo, um personagem que nunca deixou de existir no coração do público

Uma das razões pelas quais Hoje Eu Quero Voltar Sozinho se tornou tão especial está na humanidade de Leo. Ele é um adolescente cego que deseja as mesmas coisas que qualquer jovem: autonomia, liberdade, pequenas aventuras e, claro, a chance de viver o primeiro amor. Mas a grande força da narrativa sempre foi o fato de que Leo não é definido por sua deficiência. Ele é curioso, às vezes inseguro, um pouco tímido, teimoso e cheio de sonhos. Seu mundo é feito de sensações, sons, amizades verdadeiras e medos comuns a qualquer pessoa que está tentando encontrar seu lugar no mundo.

Na versão em quadrinhos, essa sensibilidade ganha contornos novos. Bruno Freire ilustra a história com um olhar que não tenta substituir o cinema, mas sim expandi-lo. As páginas prometem mostrar o cotidiano de Leo com delicadeza, priorizando o gestual dos personagens, a atmosfera das ruas, a forma como a luz atravessa os momentos e a textura emocional de cada cena. Há algo de profundamente íntimo no ritmo dos quadrinhos: o leitor percorre cada quadro no seu tempo, guarda detalhes, revisita páginas e vive pequenas pausas que ampliam o significado da narrativa.

Uma história que continua necessária, dez anos depois

O filme de Daniel Ribeiro foi um marco, não apenas para o cinema brasileiro, mas para a representação LGBTQIA+ na juventude. Na época, poucas produções tratavam o amor entre dois garotos com tanta autenticidade, sem espetacularizar o conflito nem transformar o romance em uma tragédia. Hoje Eu Quero Voltar Sozinho fala sobre amor com inocência, poesia e verdade — e esse tipo de representação sempre foi escassa.

A decisão de trazer a obra para o universo dos quadrinhos reforça a importância de continuidade dessa discussão. Em um mercado editorial que tem aberto cada vez mais espaço para histórias com protagonistas diversos, a HQ chega como um gesto de carinho e também como um convite: é hora de relembrar o que nos tocou lá atrás, mas também é tempo de apresentar a história a quem não viveu aquele lançamento em 2014.

Em um período em que redes sociais moldam comportamentos, em que jovens convivem com medos e expectativas diferentes das gerações anteriores, a história de Leo, Gabriel e Giovana permanece atual. Ela fala sobre coragem de se descobrir, sobre o medo de não ser aceito e sobre o valor de ser visto por quem realmente importa — e isso é universal.

A força dos quadrinhos na reinvenção da narrativa

Transformar um filme tão sensorial em quadrinhos é um desafio artístico e emocional. Mas é exatamente aqui que a união entre Daniel Ribeiro e Bruno Freire se torna especial. O diretor conhece intimamente cada detalhe da história, enquanto o ilustrador acrescenta um olhar contemporâneo, mais próximo da linguagem visual consumida pelos jovens de hoje.

Os primeiros materiais divulgados mostram um trabalho cuidadoso, com personagens expressivos, paleta acolhedora e cenas que misturam simplicidade e profundidade. A HQ não pretende apenas adaptar, mas ressignificar. Como se Leo, dessa vez, estivesse contando sua história com outras palavras, outros gestos, outras cores — mas com o mesmo coração.

O formato permite ainda brincar com a subjetividade. Passagens que no filme são rápidas, como toques, silêncios e risadas contidas, podem ganhar páginas inteiras. A relação entre Leo e Gabriel pode ser vista com mais calma, mais detalhes, mais intimidade. A amizade com Giovana também encontra mais espaço para revelar nuances que talvez no longa tenham ficado apenas sugeridas.

Há, portanto, uma chance real de esta HQ ampliar o que o filme começou.

Uma sinopse que toca fundo sem precisar exagerar

A nova edição acompanha as férias de Leo, que parecem iguais a todas as outras: ele divide o tempo entre a piscina da vizinhança e conversas com Giovana, que vive acreditando que algo grandioso vai acontecer a qualquer momento. Leo, por sua vez, sonha com a ideia de fazer um intercâmbio, mas duvida que seja possível viajar sozinho, considerando o excesso de proteção da mãe e as dificuldades que enfrenta para conquistar autonomia.

A volta às aulas traz antigos problemas — o bullying dos colegas, o incômodo de ser visto apenas como “o menino cego”, a pressão da família — mas também traz Gabriel, o novo aluno, dono de um sorriso tranquilo e de uma curiosidade sincera. A aproximação entre os dois surge de forma espontânea. São conversas no caminho da escola, tardes compartilhadas e pequenas revelações que fazem Leo perceber um sentimento que nunca tinha experimentado antes.

É nesse percurso que a história encontra seu tom mais doce: a sensação de descobrir o mundo através do afeto, de ser reconhecido para além das expectativas e limitações que os outros projetam.

O legado do filme

Embora Hoje Eu Quero Voltar Sozinho tenha conquistado diversos prêmios internacionais, incluindo o FIPRESCI no Festival de Berlim, e tenha sido o escolhido para representar o Brasil na corrida pelo Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, seu impacto vai além dos troféus. O que realmente permaneceu foi o carinho do público, os relatos de jovens que se viram pela primeira vez numa narrativa assim, o afeto que a obra despertou em pessoas que precisavam daquela história para entender a si mesmas.

O filme ocupou um espaço que até então estava vazio. E por isso ele não parou no tempo: circula em escolas, clubes de leitura, cineclubes universitários, grupos LGBTQIA+, salas de aula e até hoje é recomendado como referência nas discussões sobre inclusão.

A chegada da HQ reforça essa permanência.

Sessão da Tarde exibe Barraco de Família e leva à TV Globo uma comédia cheia de afeto e reconciliações nesta sexta (28)

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Foto: Reprodução/ Internet

A tarde de sexta-feira na Globo costuma trazer uma sensação de pausa no meio da rotina, e parte desse encanto vem da já tradicional Sessão da Tarde. No dia 28 de novembro, quem ligar a televisão para relaxar um pouco antes do fim de semana encontrará uma comédia brasileira que equilibra emoção, caos doméstico, música e muitas verdades sobre família. Barraco de Família chega à programação como uma escolha certeira para quem gosta de histórias leves, divertidas e ao mesmo tempo conectadas com o Brasil real, aquele que mistura fé, humor, orgulho e conflito em doses generosas.

O longa, dirigido por Maurício Eça e estrelado por Cacau Protásio e Lellê, acompanha a história de Cleide e Kellen, mãe e filha que carregam uma relação intensa, marcada por amor, frustração, orgulho e, claro, muita confusão. A jornada das duas é repleta de momentos de choque, reconciliação, brigas que parecem não ter solução e conversas que só acontecem quando não dá mais para esconder o que se sente. É justamente por isso que Barraco de Família consegue ser tão próximo do público: porque fala de laços que, por mais tortos que pareçam, sempre encontram um jeito de se reorganizar.

Uma história que começa com um retorno inesperado

De acordo com o AdoroCinema, o ponto de partida do filme acontece quando Kellen, uma funkeira de enorme sucesso, decide reaparecer na casa onde cresceu após um ano inteiro sem dar notícias. A mãe, Cleide, que segurou a família enquanto a filha corria atrás da fama, sente imediatamente que algo não vai bem. O instinto materno fala mais alto, e ela percebe que aquele retorno súbito carrega mais dúvidas do que certezas.

A temperatura emocional da vila suburbana onde a família mora muda assim que Kellen entra em cena. Os vizinhos observam de longe, tentando entender a movimentação. Os parentes se entreolham tentando adivinhar se a chegada significa boas ou más notícias. E Cleide, que sabe que a filha costuma esconder seus problemas atrás de discursos ensaiados e sorrisos fotogênicos, percebe que existe ali uma dor não dita, um peso que nenhum número de seguidores consegue aliviar.

O que o público descobre pouco depois é que a cantora caiu no centro de um escândalo digital. Um vídeo vazado fez com que ela fosse cancelada nas redes sociais, arranhando a imagem que sempre cultivou com rigor. Sem saber como se recolocar no mercado e pressionada pela própria equipe, Kellen decide recorrer às raízes. A volta para casa é anunciada como um gesto humilde, mas a verdade é que, no início, tudo não passa de uma tentativa desesperada de se reconectar com o público.

A família não é plateia, é encontro

Barraco de Família ganha força justamente quando os personagens percebem que Kellen não está ali movida por saudade. A mãe, o pai Eupídio, a avó Zuleika, a tia Eulália e o irmão Kleverson logo entendem que estão sendo usados como parte de uma narrativa criada para recuperar a reputação da cantora. A partir daí, a comédia se instala com vigor, porque as reações surgem de cada um deles com espontaneidade e autenticidade.

O filme parte de uma premissa muito reconhecível no Brasil contemporâneo: a distância entre o mundo online, cheio de filtros e estratégias, e a vida real, que exige presença, responsabilidade e vínculos. Kellen vive no primeiro mundo, enquanto sua família vive no segundo. Quando esses universos se chocam, o resultado é barulhento, divertido e cheio de situações que o público vai reconhecer de conversas de domingo, encontros de família e pequenas crises domésticas que todos nós já vivemos.

Mas o roteiro, assinado por Emílio Boechat e Lena Roque, não se limita às piadas. Ele usa o humor como porta de entrada para discutir temas como autoestima, pertencimento, perdão e a complexidade de voltar para o lugar de onde se saiu tentando ser alguém completamente diferente. Kellen encara o retorno como uma estratégia, mas acaba encontrando um espelho que mostra tanto suas fragilidades quanto suas raízes.

Uma mãe que equilibra dureza e carinho

Cleide, interpretada por Cacau Protásio, é um dos grandes destaques do longa. A atriz entrega uma personagem que vive a maternidade com intensidade, mostrando as camadas de quem ama profundamente, mas não pretende engolir mentiras só para evitar conflitos. Cleide sabe que a filha tem talento, sabe o quanto ela batalhou e sabe também que a fama tem um preço. O que ela não aceita é ser tratada como parte de um jogo de imagem.

A força de Cleide vem exatamente dessa combinação de humor e firmeza. Ela provoca risadas nos momentos mais leves, mas também emociona quando expõe o quanto doeu viver esse um ano de silêncio da filha. Sua relação com Kellen é uma das partes mais ricas do filme, pois ambas precisam aprender a ouvir o que a outra tem a dizer, mesmo quando a verdade não favorece nenhuma das duas.

Kellen e o mundo da música: queda, orgulho e reconstrução

Lellê entrega uma Kellen que é tudo menos plana. Ela dá vida a uma cantora acostumada a holofotes, que veste uma persona forte e, muitas vezes, arrogante para esconder suas inseguranças mais profundas. O cancelamento, somado ao distanciamento da família, revela uma jovem que está à beira de perder tudo o que construiu e que tenta desesperadamente reinventar sua imagem sem precisar encarar suas próprias contradições.

Quando Kellen tenta transformar a casa da mãe em cenário para criar vídeos e conteúdos que provem sua “humildade”, o público começa a perceber como a lógica das redes sociais pode distorcer até as relações mais íntimas. A personagem se vê obrigada a reconhecer que autenticidade não é algo que se improvisa diante da câmera, é algo que exige verdade.

A trajetória dela ao longo do filme é uma mistura de humor e dor. Ela se irrita com a falta de glamour da antiga rotina, tenta manipular situações, briga com a família e demora a admitir que errou. Mas é justamente esse caminho torto que torna sua evolução mais significativa.

Um elenco que celebra diversidade e entrega carisma

Barraco de Família também chama atenção por trazer um elenco majoritariamente negro, algo ainda raro nas grandes produções brasileiras. A presença de artistas como Cacau Protásio, Lellê, Jeniffer Nascimento, Sandra de Sá, Lena Roque, Eduardo Silva, Robson Nunes e Nany People não apenas enriquece a história, mas reafirma a importância de mostrar famílias negras plurais, complexas, engraçadas e emocionantes, sem reduzir esses personagens a estereótipos.

Cada um deles contribui para construir uma comédia afetuosa, de ritmo ágil e cheia de personalidade. A energia do elenco ajuda o filme a ganhar certa leveza mesmo quando aborda questões mais sensíveis, como a pressão da fama, a relação com o passado ou a necessidade de pedir perdão.

Da estreia aos lares brasileiros

O longa chegou aos cinemas em maio de 2023, com distribuição da Synapse Distribution e da Ledafilms, e rapidamente conquistou um público que valoriza produções nacionais com identidade marcante. Agora, retorna à TV aberta com a chance de alcançar novos espectadores, especialmente aqueles que buscam uma comédia acessível, divertida e próxima do cotidiano.

Além da exibição na Sessão da Tarde, Barraco de Família também está disponível para aluguel digital em plataformas como o Prime Video, onde os valores de locação começam a partir de R$ 6,90.

Novo filme de Resident Evil inicia filmagens em Praga e revela primeira imagem

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A franquia Resident Evil está vivendo mais um daqueles momentos em que o coração do fã bate mais rápido. Depois de anos de idas e vindas no cinema, o novo filme live-action finalmente começou a ser rodado em Praga, sob a direção de Zach Cregger, cineasta que vem ganhando um espaço cada vez mais respeitado no terror contemporâneo. Para marcar o início da produção, o diretor de fotografia Dariusz Wolski divulgou a primeira imagem oficial dos bastidores. Não é uma foto cheia de efeitos, cenários elaborados ou figurinos dramáticos. É apenas a claquete, com o logo do filme. As informações são do Omelete.

A foto surgiu por meio de uma página de fãs polonesa e rapidamente se espalhou entre comunidades do mundo todo. Era uma imagem simples, mas carregada de simbolismo. A presença de Wolski nela deixou evidente que o projeto está em boas mãos. Ele é um artista visual com vasta experiência, conhecido por trabalhos em produções de impacto como Piratas do Caribe, Prometheus, Fênix Negra e tantos outros filmes onde atmosfera e estética caminham juntas. Sua assinatura geralmente carrega sombras densas, composições marcantes e um olhar muito particular para ambientes que parecem sempre esconder algo.

O impacto que moldou gerações

Para entender o entusiasmo ao redor desse novo filme, é preciso voltar ao passado. A série nasceu em 1996, quando Shinji Mikami e Tokuro Fujiwara lançaram o primeiro Resident Evil para PlayStation. Foi um marco imediato. A sensação de caminhar por corredores silenciosos enquanto portas rangiam e luzes piscavam transformou a forma como o público entendia o medo nos jogos.

O universo criado ali era frio, claustrofóbico, misterioso. A cada esquina havia a possibilidade de um zumbi cambaleante, um cão infectado, uma criatura mutante ou algo ainda pior. Mas havia também a presença constante de algo mais profundo: o temor de organizações poderosas, vírus experimentais e o risco sempre iminente da perda de controle. Era o tipo de horror que aproximava fantasia e realidade, deixando o jogador inquieto mesmo fora do jogo.

Com o passar dos anos, a franquia atravessou diversas evoluções. Resident Evil 4, de 2005, transformou a maneira como jogos de ação eram feitos ao popularizar a câmera sobre o ombro. Resident Evil 7, de 2017, recolocou a série no caminho do terror puro com uma perspectiva em primeira pessoa que deixava tudo ainda mais visceral. Village, de 2021, expandiu esse universo com uma mistura de fantasia gótica e biotecnologia. Os remakes recentes mostraram que é possível honrar o passado e modernizar a experiência ao mesmo tempo.

A franquia hoje ultrapassa os videogames. Há séries animadas, livros, quadrinhos, colecionáveis e, claro, filmes. Esse ecossistema dá a Resident Evil uma força quase única. O público não consome apenas histórias; consome uma mitologia inteira, um sentimento de pertencimento que se renova a cada anúncio, trailer ou detalhe revelado pela Capcom.

Não é à toa que Resident Evil é a série de jogos de terror mais vendida da história, com mais de 170 milhões de cópias até março de 2025. É um fenômeno que conecta gerações, países e linguagens — e isso explica por que cada adaptação cinematográfica recebe tanta atenção.

O legado e as polêmicas das adaptações anteriores

Falar de Resident Evil no cinema é falar de uma montanha-russa emocional. O primeiro filme chegou em 2002, dirigido por Paul W. S. Anderson e estrelado por Milla Jovovich como Alice, uma personagem criada exclusivamente para os filmes. A proposta inicial era entregar algo inspirado nos jogos, mas não necessariamente fiel aos acontecimentos principais. Essa liberdade criativa dividiu opiniões, especialmente entre fãs mais puristas.

Apesar disso, a franquia de Jovovich conquistou um público enorme. Seus seis filmes arrecadaram mais de 1 bilhão de dólares e construíram uma legião de admiradores que defendem até hoje a energia exagerada das cenas, a mistura de ação e ficção científica e os momentos icônicos da protagonista enfrentando hordas de criaturas.

Por outro lado, a crítica nunca se mostrou muito receptiva. Ao longo dos anos, os filmes foram acumulando avaliações negativas, e boa parte dos fãs dos jogos passou a desejar uma adaptação que se aproximasse mais do tom original da Capcom.

Em 2021, Welcome to Raccoon City tentou seguir esse caminho. O filme trouxe mais referências, mais fidelidade estética, personagens clássicos e um esforço autêntico de aproximar cinema e jogo. Mesmo assim, esbarrou em limitações de produção e não conseguiu conquistar a repercussão desejada.

Esse histórico torna o filme de Zach Cregger ainda mais significativo. Ele representa uma chance real de reconstruir a reputação da franquia no cinema usando o que mais funcionou nos jogos: atmosfera, horror, tensão, humanidade e o desconforto constante de não saber o que está prestes a surgir na escuridão.

Sinais de um novo capítulo mais maduro

O que mais chama atenção no novo projeto é o conjunto de escolhas criativas. Cregger é um diretor que entende o terror não pela explosão, mas pela construção de desconforto. Seus filmes anteriores mostram isso de forma clara. Ele dá tempo para o medo respirar. Ele cria camadas. Ele trata o suspense como uma dança lenta e angustiante, o que combina perfeitamente com os corredores estreitos e laboratórios decadentes que fazem parte da identidade visual de Resident Evil.

Dariusz Wolski, por sua vez, é alguém que faz da câmera uma personagem. Seus enquadramentos costumam criar universos inteiros dentro do plano, e sua habilidade em trabalhar iluminação em ambientes escuros é reconhecida mundialmente. É o tipo de profissional que pode transformar cada cenário do filme em uma experiência sensorial.

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