Netflix libera trailer de Os Sete Relógios de Agatha Christie com mistério e glamour nos anos 1920

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A Netflix acabou de soltar o primeiro trailer de sua nova série de suspense, Os Sete Relógios de Agatha Christie (Seven Dials), e já dá para sentir que vem mistério e glamour por aí. A história se passa numa luxuosa casa de campo nos anos 1920 e traz Mia McKenna-Bruce (How to Have Sex, The Witcher) no papel da investigadora Lady Eileen “Bundle” Brent. Para completar o elenco de peso, temos Helena Bonham Carter (Clube da Luta) e Martin Freeman (O Hobbit). A produção é comandada por Chris Chibnall, ex-showrunner de Doctor Who, e dirigida por Christopher Sweeney. As informações são do Omelete.

O trailer já dá o clima: uma festa elegante vira uma verdadeira confusão depois de uma pegadinha que sai do controle. Enquanto todo mundo acha que foi só um acidente, Bundle percebe que tem algo muito mais suspeito acontecendo. E é aí que começa a investigação que promete mudar a vida dela — e prender a atenção do público do começo ao fim. Abaixo, confira o vídeo:

Ambientada em 1925, a série mistura o charme da alta sociedade britânica com uma boa dose de suspense. O trailer mostra cenários luxuosos, figurinos impecáveis e aquela atmosfera sofisticada típica de uma casa de campo da época, mas sempre com uma pontinha de perigo no ar. É aquele tipo de série que faz você querer vestir chapéu e luvas só para mergulhar na história.

A trama é livremente inspirada no romance homônimo de Agatha Christie, publicado em 1929. Quem já conhece a “Rainha do Mistério” sabe que não vai faltar intriga, reviravolta e aquele suspense clássico que faz a gente ficar grudado na tela. Mas a série também dá uma repaginada moderna, deixando tudo mais dinâmico e envolvente para o público de hoje.

Além de Mia, Helena e Martin, o elenco conta com Edward Bluemel como Jimmy Thesiger, completando o time de personagens que prometem equilibrar charme, mistério e tensão dramática. A equipe de produção também é de primeira, com Chibnall atuando como roteirista e produtor executivo, ao lado de Joanna Crow, Suzanne Mackie, Chris Sussman, Andy Stebbing e James Prichard. Ou seja, cuidado e capricho não vão faltar. As informações são do AdoroCinema.

O trailer dá pistas de que a série não vai explorar só o mistério central, mas também as relações entre os personagens, os segredos e as intrigas que se escondem sob a fachada elegante da alta sociedade. Entre diálogos espirituosos, surpresas inesperadas e muito suspense, a produção promete prender a atenção do público do início ao fim.

Para os fãs de Agatha Christie, a série é uma chance de revisitar o universo da autora com uma roupagem nova e cheia de estilo. Para quem ainda não conhece, é uma boa oportunidade de se deixar levar pelo suspense, pelo drama de época e pelo charme de uma boa investigação clássica.

Sessão da Tarde desta quinta (27) exibe “Mr. Church”, drama com Eddie Murphy sobre perdas e recomeços

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Nesta quinta, 27 de novembro de 2025, a Globo escolhe uma história marcada pela delicadeza e pela força das relações humanas para a Sessão da Tarde. O público vai acompanhar Mr. Church, filme lançado originalmente em 2016 e dirigido por Bruce Beresford, que reúne performances emocionantes e uma narrativa inspirada em fatos reais. A produção se destaca por apresentar Eddie Murphy em um de seus trabalhos mais contidos e sensíveis, marcando seu retorno ao drama após um longo intervalo na carreira cinematográfica.

De acordo com a sinopse do AdoroCinema, o longa nasceu a partir do conto The Cook Who Came to Live with Us, escrito por Susan McMartin, que se baseou em experiências pessoais para construir a relação de afeto entre um cozinheiro reservado e uma família fragmentada pelas circunstâncias. Essa precisão emocional está presente em cada gesto do personagem e em cada transformação vivida pelos protagonistas ao longo de décadas. O elenco conta ainda com Britt Robertson, Natascha McElhone, Xavier Samuel, Lucy Fry e Christian Madsen, que reforçam a densidade íntima da trama.

Mr. Church não é um filme que busca grandes reviravoltas ou acontecimentos espetaculares. Seu impacto surge a partir da simplicidade, do cotidiano e das relações nutridas em silêncio. A obra explora o valor do cuidado, a força dos vínculos não biológicos e a capacidade que algumas pessoas têm de entrar na vida de outras justamente quando o mundo parece prestes a ruir. É essa combinação de elementos que faz da exibição de hoje um convite à sensibilidade.

Um estranho na cozinha e o início de uma transformação profunda

A história começa em Los Angeles, nos anos 1970, quando a pequena Charlie acorda certa manhã sentindo o cheiro de café da manhã sendo preparado. Ao descer as escadas, depara-se com um homem desconhecido cozinhando em sua casa. Trata-se de Henry Church, interpretado por Eddie Murphy, contratado para ser o cozinheiro da família durante um período específico.

A mãe de Charlie, Marie, recebe o cozinheiro com naturalidade, mas a presença dele representa para a menina um lembrete de que algo grave está acontecendo. Marie foi diagnosticada com câncer de mama em estágio avançado e tem poucos meses de vida. O cozinheiro foi contratado, sem que Charlie soubesse, pelo antigo namorado da mãe, um homem casado que deixou dinheiro em testamento para que ela tivesse algum conforto em seus últimos dias. Mr. Church tem como função preparar refeições, mas acaba assumindo uma missão muito maior.

A partir desse ponto, o filme constrói sua força ao mostrar como pessoas desconhecidas podem se tornar fundamentais nas nossas vivências. Charlie não aceita facilmente a presença do cozinheiro. Ela o evita, o observa à distância e resiste à ideia de dividir o mesmo espaço com alguém por quem não sente confiança. No entanto, dia após dia, Mr. Church mantém a mesma postura discreta e acolhedora, sempre atento ao bem-estar da mãe e da filha.

O fato mais surpreendente é que os meses previstos para a doença de Marie se estendem. Ela vive anos além da estimativa médica, e enquanto a vida segue, a figura de Mr. Church se torna uma presença sólida e constante. A família ampliada que se forma ali era algo que nenhuma das três esperava, mas que transforma completamente o futuro de Charlie.

Anos passando, vínculos crescendo e uma história que se aprofunda

Quando Charlie atinge a adolescência, a relação com Mr. Church já está marcada por uma série de pequenos rituais silenciosos que só quem convive de perto consegue compreender. O cozinheiro, antes um intruso desconfortável, passa a ocupar um lugar de acolhimento. Ele cozinha, ajuda com tarefas escolares, sugere leituras, ensina sobre responsabilidade e oferece apoio emocional nos momentos em que mãe e filha enfrentam crises.

Marie, mesmo adoecida, tenta preparar a filha para o futuro e trabalha para que Charlie continue estudando, criando expectativas para além da dor que atravessa a casa. Mr. Church, mesmo sem verbalizar, passa a ser parte fundamental desse futuro. Quando Marie falece, a ausência é profunda, mas a casa não se esvazia por completo, porque o cozinheiro permanece ali, zelando para que Charlie continue em frente.

O filme então avança no tempo com suavidade. Charlie se forma no ensino médio, ingressa na Universidade de Boston e vê sua vida tomar novos rumos. O apoio financeiro e emocional de Mr. Church é decisivo para que ela consiga enfrentar a realidade fora de casa. Os dois constroem um vínculo que dispensa definições formais. Não são pai e filha, tampouco amigos comuns. São duas pessoas que se escolheram pela vivência, pelo respeito e pela maneira como aprenderam a cuidar uma da outra.

Quando Charlie retorna anos depois, grávida e fragilizada, é Mr. Church quem oferece abrigo mais uma vez. A convivência entre eles é marcada por segredos, limites e, ocasionalmente, conflitos. O cozinheiro mantém seu mundo interior protegido, e a necessidade de privacidade é quase uma regra sagrada. Ainda assim, ele permite que a filha de Charlie, Izzy, cresça sob seu apoio e receba parte da educação silenciosa que ele oferece.

A vida que Mr. Church escondia e o legado que ele deixa

Uma das grandes potências do filme está na revelação tardia da vida privada do cozinheiro. Ao longo de toda a narrativa, o personagem mantém distância de perguntas pessoais e evita qualquer abertura emocional que o exponha. Essa postura provoca curiosidade tanto na protagonista quanto no público.

Somente após a morte do cozinheiro, Charlie descobre que ele não era apenas um homem dedicado à cozinha. Mr. Church tocava piano em um clube de jazz havia décadas. Levava uma vida dupla, aparentemente simples, mas cheia de camadas e segredos. Pessoas que conviveram com ele em outro contexto desconheciam completamente suas habilidades culinárias ou sua relação com Charlie e Izzy. A descoberta reforça a ideia de que todos carregam universos internos que muitas vezes não são compartilhados com ninguém.

Essa revelação aprofunda o impacto da despedida final. Charlie compreende que, apesar da proximidade, nunca conheceu Mr. Church por completo. Ainda assim, ele foi uma das pessoas mais importantes em sua vida. A presença dele moldou seu caráter, seu senso de responsabilidade e seu modo de amar. É nesse ponto que o filme constrói uma mensagem de valorização do cotidiano. A verdadeira herança deixada pelo cozinheiro não está em bens materiais, mas nos gestos, rituais, livros compartilhados e refeições preparadas com cuidado.

A cena final, com Izzy preparando o café da manhã, simboliza a continuidade desse legado. A criança reproduz os gestos que aprendeu observando Mr. Church na cozinha, um ato simples que carrega a essência de tudo o que ele representou para aquela família.

A força da atuação de Eddie Murphy e o mérito do filme

Embora Mr. Church tenha recebido críticas divididas na época de seu lançamento, existe um consenso sobre o desempenho de Eddie Murphy. O ator entrega uma interpretação intimista, marcada por sutilezas, olhares silenciosos e expressões que revelam emoções reprimidas. Essa combinação cria um personagem que se impõe pela delicadeza, e não pelo excesso.

A direção de Bruce Beresford reforça esse estilo ao investir em uma narrativa que valoriza ambientes domésticos, luz natural, ritmo suave e personagens que crescem em silêncio. A fotografia acompanha as transformações da vida de Charlie e espelha o amadurecimento emocional da trama.

O filme funciona como um lembrete de que nem todas as histórias precisam ser grandiosas para serem significativas. Muitas vezes, as relações mais profundas são aquelas construídas em ambientes simples, por meio de gestos repetidos e afetos que não pedem reconhecimento.

Globo leva diversão intergeracional à Sessão da Tarde com Minions 2: A Origem de Gru nesta sexta (12)

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A Globo preparou uma tarde leve e divertida para esta sexta, 12 de dezembro, com a exibição de Minions 2: A Origem de Gru na Sessão da Tarde. A animação, lançada originalmente em 2022, retorna à TV aberta como um convite irresistível para adultos, jovens e crianças que desejam revisitar — ou descobrir pela primeira vez — as origens do vilão mais carismático do cinema de animação.

Situado nos anos 1970, o filme apresenta um Gru ainda criança, com apenas 12 anos, mas já sonhando alto. Morando nos subúrbios, o garoto é fascinado pelo Sexteto Sinistro, um grupo famoso de supervilões que domina as manchetes e desperta sua imaginação. Determinado a seguir carreira no mundo do crime, ele tenta integrar o grupo, acreditando que pode se tornar o mais jovem vilão profissional da história. O entusiasmo, no entanto, não é suficiente para convencer a equipe, e a entrevista vai por água abaixo de forma desastrosa. Rejeitado, Gru toma uma decisão impulsiva e rouba uma joia importante do Sexteto Sinistro, transformando-se imediatamente no novo alvo dos criminosos. As informações são do AdoroCinema.

A partir desse momento, o longa assume ritmo acelerado e irresistivelmente caótico, conduzido pelas criaturas amarelas que já se tornaram ícones da cultura pop. Os Minions seguem Gru em tudo, desde os planos mais ambiciosos até as trapalhadas mais inusitadas. Eles são ao mesmo tempo fonte de confusão e aliados leais, movidos por uma devoção quase ingênua. O humor físico, a linguagem inventada e a energia incansável deles garantem algumas das melhores cenas do filme, especialmente para o público infantil.

O enredo se torna ainda mais interessante quando o lendário vilão Willy Kobra, recém-demitido do Sexteto, cruza o caminho de Gru. Em vez de rivalidade, nasce uma parceria improvável. Willy, dublado por Alan Arkin, se apresenta como um guia relutante, mas sábio, que ajuda Gru a compreender que até os vilões precisam de aliados. A dinâmica entre os dois cria momentos emocionantes e bem-humorados, oferecendo uma camada humana que equilibra as sequências de ação exageradas típicas da franquia.

A dublagem original reúne um elenco impressionante. Steve Carell retorna como a voz icônica de Gru, enquanto Pierre Coffin mais uma vez dá vida aos Minions com seus sons peculiares. A produção também conta com as vozes de Michelle Yeoh, Julie Andrews, Jean-Claude Van Damme, Taraji P. Henson, Danny Trejo, Lucy Lawless, RZA e Dolph Lundgren, compondo uma celebração coletiva do absurdo e do charme que marcam o filme. A direção é assinada por Kyle Balda, com codireção de Brad Ableson e Jonathan Del Val, garantindo uma estética vibrante e totalmente alinhada ao padrão visual da Illumination Entertainment.

O visual do filme é um espetáculo à parte. A ambientação nos anos 1970 cria uma atmosfera estilizada que mistura cores saturadas, cenários psicodélicos e referências musicais icônicas da era disco. A trilha sonora, por sua vez, resgata clássicos que ajudam a compor o ritmo acelerado e divertido da narrativa, tornando tudo ainda mais envolvente. Essa combinação de estética retrô com a linguagem moderna da animação torna Minions 2 uma experiência visualmente irresistível tanto para novos espectadores quanto para os nostálgicos.

Apesar dos adiamentos causados pela pandemia de COVID-19, Minions 2: A Origem de Gru alcançou enorme sucesso quando finalmente chegou aos cinemas em 2022. A produção arrecadou mais de 939 milhões de dólares no mundo, tornando-se a animação de maior bilheteria do ano. Seu desempenho ficou acima de títulos tradicionais da indústria, reforçando o poder da franquia Despicable Me como uma das mais queridas do público global. A recepção calorosa também foi impulsionada por fenômenos virais nas redes sociais, como o movimento #Gentleminions, no qual grupos de adolescentes passaram a ir às sessões vestidos com ternos para homenagear Gru, transformando a estreia em um evento cultural à parte.

A força comercial da marca se expandiu para além das telas. Parcerias com empresas como Mattel e LEGO resultaram em linhas de brinquedos e conjuntos temáticos que exploram ao máximo o impacto visual dos personagens. A divulgação também foi ampla, com trailers exibidos em grandes eventos como o Super Bowl e teasers que antecederam lançamentos da própria Illumination, o que reforçou a presença do filme no imaginário popular mesmo antes de sua estreia definitiva.

Quilos Mortais acompanha a luta de Maja, jovem de 313 kg, em busca de uma nova chance de vida

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Quilos Mortais desta sexta-feira (2) apresenta uma história marcada por dor, abandono e a difícil luta por recomeço. A partir das 22h45, o público acompanha o drama de Maja, uma jovem que chegou aos 313 quilos e se encontra em um dos momentos mais críticos de sua vida, tanto física quanto emocionalmente.

Filha de imigrantes sérvios que se estabeleceram nos Estados Unidos, Maja cresceu em um ambiente onde a comida sempre foi abundante, mas o afeto, escasso. Desde a infância, ela conviveu com a sensação constante de rejeição, especialmente por parte da mãe. Mais tarde, o abandono do pai aprofundou feridas emocionais que nunca chegaram a cicatrizar. Sem suporte emocional, a comida acabou se tornando um refúgio, uma forma de aliviar dores que ela não conseguia expressar de outra maneira.

Com o passar dos anos, a compulsão alimentar se intensificou e o ganho de peso saiu completamente do controle. Agora, pesando 313 quilos, Maja enfrenta limitações severas. Atividades simples se tornaram quase impossíveis, e o medo de não conseguir mais sair da cama passou a fazer parte da sua rotina. A saúde está seriamente comprometida, e cada dia representa um risco maior.

Diante desse cenário, Maja percebe que chegou ao limite. Entre crises emocionais, inseguranças e traumas mal resolvidos, ela toma uma decisão difícil, mas necessária: buscar ajuda médica e psicológica. A jornada, no entanto, está longe de ser simples. Além de enfrentar mudanças radicais na alimentação e na rotina, ela precisa encarar o passado e lidar com questões emocionais profundas que sempre influenciaram suas escolhas.

O episódio mostra que, em Quilos Mortais, a luta vai muito além da balança. Trata-se de reconstruir a autoestima, reaprender a viver e encontrar forças para romper com padrões destrutivos que se formaram ao longo de uma vida inteira. A caminhada de Maja é marcada por recaídas, conflitos familiares e momentos de desespero, mas também pela esperança de recuperar algo que parece distante: a independência.

Stranger Things 5 faz história! Episódio final arrecada US$ 25 milhões em exibição nos cinemas

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O fenômeno Stranger Things provou mais uma vez que vai muito além do streaming. O episódio final da 5ª e última temporada, exibido de forma especial nos cinemas dos Estados Unidos, arrecadou US$ 25 milhões em bilheteria, segundo dados confirmados pelo Deadline. O resultado surpreende e reforça a força cultural da série da Netflix, que conseguiu transformar seu desfecho em um verdadeiro evento cinematográfico.

Com cerca de duas horas de duração, o capítulo final foi exibido em sessões limitadas, atraindo fãs que queriam viver o encerramento da história de Hawkins em uma tela grande, com som potente e clima de despedida coletiva. A estratégia se mostrou certeira: mesmo sendo um conteúdo originalmente pensado para a televisão, o episódio teve desempenho comparável ao de estreias de filmes de médio porte no mercado norte-americano.

A quinta temporada de Stranger Things, oficialmente intitulada Stranger Things 5, foi lançada de forma inédita em três partes, algo que ajudou a manter a série em evidência por mais tempo. O Volume 1 estreou na Netflix em 26 de novembro de 2025, o Volume 2 chegou em 25 de dezembro, e o episódio final foi disponibilizado na noite de 31 de dezembro, encerrando o ano e a série de forma simbólica. No Brasil, todos os lançamentos aconteceram às 22h (horário de Brasília).

Produzida pelos criadores Matt e Ross Duffer, ao lado de Shawn Levy e Dan Cohen, a temporada final apostou alto em escala, emoção e nostalgia. O elenco principal retornou praticamente completo, incluindo Winona Ryder, David Harbour, Millie Bobby Brown, Finn Wolfhard, Gaten Matarazzo, Caleb McLaughlin, Noah Schnapp, Sadie Sink, Natalia Dyer, Charlie Heaton, Joe Keery, Maya Hawke, entre outros nomes que ajudaram a construir o sucesso da série ao longo dos anos. A grande novidade foi a entrada de Linda Hamilton, ícone do cinema de ação e ficção científica, que se juntou ao elenco principal e teve papel importante no arco final.

A recepção do público e da crítica foi majoritariamente positiva. A temporada foi elogiada pelo tom mais sombrio, pelo aprofundamento emocional dos personagens e pela sensação constante de urgência. O sucesso também se refletiu nos números do streaming. De acordo com dados do instituto Nielsen, Stranger Things 5 alcançou 8,46 bilhões de minutos assistidos entre os dias 24 e 30 de novembro, tornando-se a produção mais vista da Netflix naquele período.

Na trama, a história se passa no outono de 1987, com a cidade de Hawkins profundamente marcada pela abertura das Fendas. O grupo de protagonistas se reúne com um único objetivo: encontrar e destruir Vecna, o grande vilão da série. No entanto, ele desaparece sem deixar rastros, tornando a missão ainda mais perigosa. Para agravar a situação, o governo dos Estados Unidos coloca Hawkins sob quarentena militar, intensificando a perseguição a Onze, que precisa se esconder mais uma vez.

À medida que o aniversário do desaparecimento de Will se aproxima, o clima de tensão cresce. O medo que sempre rondou o grupo retorna com força total, deixando claro que a batalha final será a mais difícil de todas. O episódio final reforça essa ideia ao reunir todos os personagens para um último confronto, apostando na união como única forma de enfrentar uma escuridão maior e mais mortal do que qualquer outra já apresentada na série.

O desempenho do episódio nos cinemas mostra como Stranger Things ultrapassou os limites da televisão e se consolidou como um fenômeno da cultura pop global. A arrecadação de US$ 25 milhões não apenas comprova o apelo da série, mas também indica um novo caminho para produções de streaming, que passam a explorar cada vez mais o cinema como extensão de suas narrativas.

Crepúsculo | Kristen Stewart avalia dirigir um reboot e reacende debate sobre o legado da saga

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Quase vinte anos após Crepúsculo transformar um romance adolescente em um fenômeno global, a saga voltou ao centro das atenções por um motivo inesperado. Em entrevista à Entertainment Weekly, Kristen Stewart — eternamente associada à personagem Bella Swan — revelou que adoraria dirigir um reboot da história que marcou sua carreira e definiu uma geração inteira de espectadores. A declaração, espontânea e carregada de afeto, rapidamente ganhou repercussão e levantou uma questão inevitável: como revisitar Crepúsculo em um mundo e em uma indústria cinematográfica tão diferentes daqueles de 2008?

Mais do que uma simples ideia hipotética, a fala de Stewart simboliza um encontro entre passado e maturidade artística. Hoje reconhecida como uma das atrizes mais versáteis de sua geração e cada vez mais respeitada como cineasta, ela olha para a saga não com ironia ou distanciamento, mas com curiosidade, respeito e vontade de ressignificação.

Uma reflexão que nasceu da nostalgia

Segundo Kristen Stewart, a possibilidade surgiu durante uma conversa casual com uma amiga, motivada pelo hábito recorrente de assistir a Crepúsculo na televisão durante as festas de fim de ano. Para muitas famílias e fãs, o longa se tornou parte de uma tradição afetiva, exibido ano após ano como um símbolo de conforto e nostalgia.

“Eu fiquei pensando em como esse filme envelheceu”, comentou a atriz. A observação vai além da estética ou dos efeitos visuais e toca em algo mais profundo: como aquela história, seus personagens e seus conflitos dialogam com o público atual, que cresceu, amadureceu e passou a enxergar a obra sob novas lentes.

Foi nesse momento que Stewart admitiu que adoraria assumir a direção de um remake, caso tivesse liberdade criativa, apoio e um grande investimento. “Imagine se tivéssemos um orçamento enorme, amor e suporte de verdade. Eu adoraria fazer. Sim, eu faria. Estou comprometida”, afirmou, de forma direta e empolgada.

Respeito aos filmes originais e aos seus criadores

Apesar do entusiasmo, Kristen Stewart fez questão de destacar que sua vontade de revisitar Crepúsculo não nasce de uma rejeição às produções originais. Pelo contrário: ela elogiou abertamente o trabalho de Catherine Hardwicke, diretora do primeiro filme, e de Chris Weitz, responsável pelo segundo capítulo da saga.

Segundo Stewart, os filmes carregam uma autenticidade difícil de reproduzir, justamente por terem sido feitos em um momento em que elenco e realizadores ainda estavam descobrindo quem eram. “Eles eram excêntricos, peculiares e muito presentes naquele momento específico. Antes de tudo explodir”, afirmou.

Esse reconhecimento reforça a ideia de que um possível reboot não seria uma tentativa de apagar o passado, mas de dialogar com ele. Stewart demonstra compreender que Crepúsculo é fruto de um contexto cultural, emocional e industrial muito específico — e que parte de seu charme reside exatamente nisso.

O nascimento de um fenômeno cultural

Lançado em 2008 e dirigido por Catherine Hardwicke, Crepúsculo foi adaptado do primeiro livro da série homônima de Stephenie Meyer, com roteiro de Melissa Rosenberg. O filme apresentou ao mundo a história de Isabella Swan, uma adolescente introspectiva e deslocada que se muda da ensolarada Phoenix para a chuvosa cidade de Forks, no estado de Washington, para viver com o pai, Charlie, chefe da polícia local.

A mudança, motivada pela preocupação com a mãe, marca o início de uma jornada emocional profunda. Em Forks, Bella se depara com um ambiente estranho, silencioso e quase melancólico — cenário ideal para a chegada de personagens que parecem não pertencer inteiramente ao mundo humano.

Entre eles está Edward Cullen, interpretado por Robert Pattinson, um jovem misterioso que desperta imediatamente a atenção de Bella. Seu comportamento contraditório — ora distante, ora protetor — alimenta a curiosidade da protagonista e do público. O primeiro encontro entre os dois estabelece uma tensão que se tornaria a base de toda a saga.

Vampiros sob uma nova perspectiva

A grande virada narrativa acontece quando Bella descobre que Edward e sua família são vampiros. No entanto, Crepúsculo subverte a mitologia clássica ao apresentar os Cullen como vampiros “vegetarianos”, que se alimentam apenas de sangue animal e buscam coexistir com os humanos sem causar danos.

Essa abordagem foi um dos principais diferenciais da saga e ajudou a redefinir a imagem dos vampiros para o público jovem. Edward Cullen não é apenas um predador sobrenatural, mas um personagem profundamente dividido entre seus instintos e sua moral. O romance com Bella, portanto, não é apenas proibido — é perigoso.

A relação entre os dois passa a ser marcada por escolhas difíceis, autocontrole e sacrifício, temas que ressoaram fortemente entre adolescentes e jovens adultos da época.

O perigo que transforma o romance em suspense

O tom romântico da história ganha contornos mais sombrios com a chegada de vampiros nômades, entre eles James, um rastreador implacável que se alimenta de sangue humano. Ao perceber o vínculo entre Edward e Bella, James transforma a jovem em alvo de uma caçada cruel, motivada tanto pelo desafio quanto pelo prazer do perigo.

A perseguição culmina em um dos momentos mais tensos do filme, quando Bella é atraída para um antigo estúdio de balé sob a falsa promessa de que sua mãe foi capturada. O ataque de James deixa Bella gravemente ferida e à beira da transformação em vampira.

A intervenção de Edward e de sua família impede o pior, mas não sem consequências. O momento em que Edward suga o veneno do corpo de Bella simboliza, ao mesmo tempo, amor, controle e o risco constante que define a relação dos dois.

Amor eterno ou perda da humanidade?

Após se recuperar, Bella retorna à rotina escolar e participa do baile de primavera, onde compartilha um momento de aparente normalidade com Edward. No entanto, a tranquilidade é ilusória. Bella expressa seu desejo de se tornar vampira, para que possam permanecer juntos para sempre.

Esse pedido, longe de ser apenas romântico, levanta questões centrais da saga: até que ponto vale a pena abrir mão da própria humanidade por amor? Quem toma essa decisão — e com quais consequências?

Esses dilemas, vistos hoje, ganham novas camadas de interpretação, especialmente quando considerados sob a ótica de uma Kristen Stewart adulta, consciente e criativamente inquieta.

O que um reboot dirigido por Kristen Stewart poderia representar

Imaginar Crepúsculo sob a direção de Kristen Stewart é imaginar uma obra mais introspectiva, talvez menos idealizada e mais ancorada em conflitos internos. Como cineasta, Stewart tem demonstrado interesse por narrativas autorais, personagens complexos e atmosferas menos convencionais.

Um reboot poderia aprofundar a subjetividade de Bella, explorar com mais densidade suas escolhas e dar maior protagonismo à sua voz. Em vez de apenas repetir fórmulas, a nova versão poderia dialogar com temas contemporâneos como identidade, consentimento, amadurecimento emocional e relações de poder.

Não se trata de corrigir o passado, mas de reinterpretá-lo com a bagagem de quem viveu o impacto da saga por dentro — e agora enxerga suas nuances com distanciamento crítico e sensibilidade artística.

Cinema brasileiro em destaque! “O Agente Secreto” ganha força no circuito internacional com pré-indicações ao BAFTA

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“O Agente Secreto” segue construindo uma trajetória rara para o cinema brasileiro contemporâneo. O novo longa de Kleber Mendonça Filho acaba de conquistar duas pré-indicações ao BAFTA, uma das premiações mais prestigiadas do audiovisual mundial, considerada o “Oscar britânico”. O filme está na disputa por uma vaga entre os finalistas nas categorias de Melhor Filme Internacional e Melhor Roteiro Original, consolidando sua força criativa e narrativa fora do país. Os indicados oficiais do BAFTA 2026 serão revelados no dia 27 de janeiro, mas o simples avanço já representa um feito expressivo.

Esse reconhecimento chega em um momento especialmente simbólico. Neste domingo, dia 11, “O Agente Secreto” coloca o Brasil em destaque no Globo de Ouro, concorrendo a três categorias em uma façanha inédita para o cinema nacional: Melhor Filme de Drama, Melhor Filme Internacional e Melhor Ator em Filme de Drama, com Wagner Moura. A cerimônia contará com a presença de Kleber Mendonça Filho, da produtora Emilie Lesclaux, e dos atores Wagner Moura, Alice Carvalho e Gabriel Leone, reforçando a visibilidade internacional da obra.

A caminhada do filme pela temporada de premiações não é fruto do acaso. Desde sua estreia mundial no Festival de Cannes 2025, “O Agente Secreto” vem sendo celebrado como uma das obras mais potentes do cinema político recente. Em Cannes, o longa competiu pela Palma de Ouro e saiu consagrado com os prêmios de Melhor Ator para Wagner Moura e Melhor Direção para Kleber Mendonça Filho, além do Prêmio FIPRESCI da crítica internacional e do Prix des Cinémas d’Art et Essai, concedido pela Associação Francesa de Cinemas de Arte.

Ao longo dos últimos meses, o filme acumulou mais de 50 prêmios e reconhecimentos ao redor do mundo, transitando com naturalidade entre festivais, associações de críticos e grandes cerimônias da indústria. Um dos momentos mais curiosos dessa trajetória veio do Festival de Nova York, que concedeu o prêmio The Golden Beast à gata Carminha, responsável por interpretar as personagens Liza e Elis no filme. O gesto, embora inusitado, reflete o carinho e a atenção aos detalhes que marcam a obra.

Wagner Moura, por sua vez, vive um dos momentos mais celebrados de sua carreira. Além das indicações ao Globo de Ouro, o ator recebeu o Acting Achievement Award no Astra Awards, prêmio que reconhece não apenas sua atuação em “O Agente Secreto”, mas sua trajetória artística e o impacto recente de seu trabalho no cenário internacional. Sua interpretação de Marcelo é frequentemente descrita pela crítica como contida, intensa e profundamente humana.

A força do longa também se reflete em outras premiações importantes. “O Agente Secreto” concorre ao Spirit Awards, principal prêmio do cinema independente norte-americano, na categoria de Melhor Filme Internacional, e aparece entre os indicados ao Lumières, da crítica francesa, como Melhor Coprodução Internacional. Além disso, o filme integra a shortlist do Oscar, figurando entre os pré-indicados a Melhor Filme Internacional e Elenco, com destaque para Gabriel Domingues. As indicações finais ao Oscar serão anunciadas no dia 22 de janeiro, mantendo o Brasil atento à possibilidade de mais um capítulo histórico.

No circuito comercial, o desempenho acompanha o prestígio artístico. Em sua décima semana em cartaz, o filme já foi assistido por mais de 1,1 milhão de espectadores no Brasil, um número expressivo para um filme de perfil autoral e político. O longa segue em exibição no país, sustentado pelo boca a boca positivo e pela curiosidade despertada pelas premiações.

Internacionalmente, a recepção também impressiona. Na França, o filme se aproxima dos 300 mil espectadores, consolidando-se como um sucesso de público para um longa falado em português. As estreias na Itália e na Espanha estão marcadas para o dia 29, enquanto o lançamento no Reino Unido e na Irlanda acontece em 20 de fevereiro, ampliando ainda mais seu alcance.

Produzido pela CinemaScópio, o longa-metragem é uma coprodução internacional com a francesa MK2 Films, a alemã One Two Films e a holandesa Lemming, refletindo a dimensão global do projeto. No Brasil, a distribuição é da Vitrine Filmes, com patrocínio da Petrobras. A combinação entre produção nacional e parcerias internacionais ajudou a levar o filme a públicos diversos, sem perder sua identidade brasileira.

Ambientado no Recife de 1977, em pleno período da ditadura militar, o longa acompanha Marcelo, personagem interpretado por Wagner Moura. Professor universitário e especialista em tecnologia, ele retorna à cidade natal após anos afastado, tentando reencontrar alguma estabilidade enquanto é perseguido por assassinos de aluguel em São Paulo. As ameaças parecem ligadas a um conflito com um poderoso industrial e a uma patente associada à sua pesquisa acadêmica.

Com a vida em risco, Marcelo tenta proteger o filho pequeno, que vive com os avós maternos, e planeja deixar o país. Ele encontra abrigo em uma casa segura que reúne dissidentes e figuras marginalizadas pelo regime, incluindo um casal de refugiados angolanos e a figura maternal de Dona Sebastiana, vivida por Tânia Maria. Ao mesmo tempo, tenta se reaproximar da família e do cotidiano da cidade, apenas para perceber que Recife está tomada pela vigilância, pela corrupção e pelo medo.

À medida que a narrativa avança, Marcelo se vê envolvido em uma rede de espionagem, segredos e conspirações, enfrentando dilemas morais profundos. O filme constrói um retrato denso de um país marcado pela repressão, mas também pela resistência silenciosa. Temas como memória, trauma, identidade, manipulação da verdade e vigilância estatal atravessam a trama, dialogando com o presente sem perder o rigor histórico.

Trailer de “Todo Mundo em Pânico 6” é exibido com exclusividade nas sessões de “Pânico 7” nos cinemas

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Quem entrou recentemente em uma sessão de Pânico 7 pode ter sido surpreendido por algo além dos sustos e da tensão: gargalhadas inesperadas ecoando pela sala. Isso porque a família Wayans decidiu lançar o primeiro trailer de Todo Mundo em Pânico 6 de forma nada convencional — exclusivamente nas exibições do novo capítulo da franquia de terror. Ainda não há versão oficial disponível na internet, o que transformou a prévia em uma espécie de “experiência secreta” para quem está no cinema.

E, ao que tudo indica, a estratégia deu certo.

Vídeos gravados discretamente dentro das salas começaram a circular nas redes sociais, mostrando plateias reagindo com risadas altas e espontâneas. O clima lembra o início dos anos 2000, quando ir ao cinema para assistir a uma comédia significava compartilhar a experiência coletiva do riso — algo que se tornou cada vez mais raro na era do streaming.

Entre as principais referências vistas no teaser estão momentos inspirados no impactante Pecadores, na boneca tecnológica e perturbadora de M3GAN, além de piscadelas para produções como A Hora do Mal e o angustiante Um Lugar Silencioso. A proposta parece clara: atualizar o repertório da franquia, mirando no terror contemporâneo que domina as bilheterias e as conversas nas redes.

Marlon Wayans, que estrela e coescreve o novo filme, entrou na brincadeira. Em um vídeo publicado recentemente, ele aparece acompanhando a exibição do trailer no cinema e ironiza: diz estar “filmando ilegalmente” o próprio teaser enquanto observa as reações do público. A cena é divertida, mas também simbólica. Mostra que o retorno da família Wayans não é apenas comercial — existe ali um envolvimento pessoal, quase afetivo, com a franquia que eles ajudaram a transformar em fenômeno cultural.

A trama de Todo Mundo em Pânico 6 ainda está sendo mantida em sigilo. Mas, historicamente, a essência da saga nunca foi exatamente a complexidade narrativa — e sim a capacidade de transformar os maiores sucessos do terror em piadas exageradas, cenas absurdas e situações constrangedoras que desafiam qualquer lógica.

O fenômeno que nasceu da paródia

Para entender a expectativa em torno do novo capítulo, é impossível não revisitar o impacto do primeiro filme. Todo Mundo em Pânico estreou em 2000 como uma resposta direta ao sucesso de Pânico e Eu Sei o que Vocês Fizeram no Verão Passado. O terror adolescente estava em alta, e os Wayans enxergaram ali uma oportunidade perfeita para brincar com os clichês do gênero.

Dirigido por Keenen Ivory Wayans e escrito por Marlon Wayans e Shawn Wayans, o longa misturava humor físico, referências diretas e um roteiro que não tinha medo de ser exagerado. A história acompanhava um grupo de adolescentes que, após um acidente fatal, passa a ser perseguido por uma figura mascarada — uma versão escancaradamente caricata do assassino Ghostface.

O elenco também marcou época, com nomes como Anna Faris e Regina Hall, que se tornaram rostos emblemáticos da franquia. O sucesso foi estrondoso: produzido com orçamento modesto, o filme arrecadou cerca de US$ 278 milhões no mundo todo, consolidando-se como uma das comédias mais lucrativas daquele ano.

Mas o que realmente fez diferença foi o timing. O longa não apenas zombava do terror, mas também dialogava com a cultura pop dos anos 1990. Referências a Halloween, O Iluminado, Sexta-Feira 13, O Sexto Sentido, A Bruxa de Blair e até Matrix mostravam que a proposta era abraçar o exagero sem pedir desculpas.

A franquia seguiu com mais quatro sequências, mas, com o tempo, perdeu parte da identidade original — especialmente após o afastamento criativo dos Wayans. O último filme, lançado em 2013, teve recepção morna e deixou no ar a sensação de que talvez o ciclo tivesse se encerrado.

Nostalgia ou reinvenção?

É justamente por isso que Todo Mundo em Pânico 6 desperta tanto interesse. O retorno da família Wayans representa, para muitos fãs, uma tentativa de resgatar a essência que fez o primeiro filme funcionar. Mas o desafio é grande: o humor mudou, o público mudou, e o próprio terror se reinventou.

Hoje, o gênero vive uma fase marcada por produções mais densas, simbólicas e tecnológicas. A paródia precisa acompanhar essa evolução sem perder o frescor. Transformar fenômenos recentes em sátira exige não apenas criatividade, mas também sensibilidade para entender o que realmente marcou o público.

Saiba qual filme vai passar no Cine Aventura deste sábado, 28 de fevereiro, na Record TV

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Esdras Ribeiro
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Neste sábado, 28 de fevereiro de 2026, a Record TV leva ao ar, na faixa Cine Aventura, o filme Nerve: Um Jogo Sem Regras, um suspense tecnológico que combina romance, adrenalina e uma crítica direta à cultura da superexposição nas redes sociais. Lançado em 2016, o longa conquistou o público jovem ao transformar um simples jogo online em um verdadeiro teste de coragem — e de limites.

Dirigido por Henry Joost e Ariel Schulman, com roteiro assinado por Jessica Sharzer, o filme é inspirado no livro homônimo da escritora Jeanne Ryan. No elenco principal estão Emma Roberts, Dave Franco e Juliette Lewis, que entregam atuações marcadas pela intensidade e pela química em cena.

A história acompanha Venus “Vee” Delmonico (Emma Roberts), uma adolescente inteligente e talentosa que vive em Staten Island e sonha em estudar arte fora da cidade. No entanto, o luto pela morte recente do irmão mais velho torna o ambiente familiar delicado, fazendo com que ela adie seus próprios planos para não ferir ainda mais a mãe.

Enquanto Vee hesita em dar o próximo passo em sua vida, sua melhor amiga, Sydney, vive mergulhada no Nerve, um jogo de desafios transmitido ao vivo pela internet. A dinâmica é simples: usuários se inscrevem como “jogadores” ou “observadores”. Os jogadores cumprem tarefas enviadas pelos espectadores e, quanto mais ousadas e arriscadas forem as missões, maior a recompensa em dinheiro e popularidade.

Provocada por Sydney por ser “certinha” demais, Vee decide se inscrever no jogo quase como um ato impulsivo. Seu primeiro desafio é beijar um estranho. É assim que ela conhece Ian (Dave Franco), que também está participando do Nerve. O encontro, inicialmente despretensioso, rapidamente ganha a atenção do público online, que passa a acompanhar cada passo da dupla.

Da empolgação ao perigo real

O que começa como uma brincadeira ousada evolui para desafios cada vez mais extremos. Incentivados pelos espectadores, Vee e Ian atravessam Manhattan cumprindo tarefas que envolvem experimentar roupas de luxo sem pagar, fazer tatuagens inesperadas e até pilotar uma motocicleta em alta velocidade com os olhos vendados.

A adrenalina, a estética vibrante da cidade à noite e a crescente conexão entre os dois transformam o casal nos favoritos do público. O número de visualizações sobe, o dinheiro aumenta e a sensação de invencibilidade toma conta.

Mas o jogo cobra seu preço.

Sydney, incomodada com a ascensão meteórica da amiga, aceita um desafio arriscado durante uma festa: atravessar uma escada posicionada entre dois prédios. O medo fala mais alto, ela desiste e acaba eliminada da competição. O episódio marca o início de uma ruptura na amizade das duas.

Ao mesmo tempo, Vee descobre que Ian havia recebido a missão secreta de levá-la até aquela festa e provocar um conflito entre as amigas — tudo para gerar mais audiência. A revelação expõe o lado manipulador do Nerve, que transforma relações pessoais em espetáculo.

Um sistema que não aceita desistências

À medida que os desafios se tornam mais perigosos, Vee percebe que está presa em algo muito maior do que imaginava. Quando tenta procurar ajuda e denunciar o jogo, não é levada a sério. Como punição, todo o dinheiro da conta bancária que divide com a mãe desaparece.

Ela descobre então a existência de uma terceira categoria dentro do Nerve: os “prisioneiros”. São jogadores que tentaram abandonar o jogo ou denunciá-lo e acabaram sendo chantageados digitalmente. Ian revela que ele e outro participante, Ty, já perderam um amigo durante um desafio e tiveram suas vidas destruídas ao tentar expor o esquema.

Enquanto isso, o amigo hacker de Vee, Tommy, tenta desativar o sistema com a ajuda de outros jovens especialistas em tecnologia. Porém, o Nerve opera como uma rede descentralizada: cada celular conectado funciona como parte do servidor. Derrubar o jogo significa convencer as próprias pessoas a saírem dele.

A final que choca o público

A competição chega ao clímax em uma rodada final tensa e perturbadora. Vee e Ian são colocados frente a frente e recebem a ordem de atirar um no outro. A decisão depende do voto dos espectadores, que acompanham tudo em tempo real.

Quando a maioria vota a favor do disparo, o filme escancara sua principal crítica: a facilidade com que o anonimato e a distância da tela podem transformar pessoas comuns em cúmplices de atos extremos.

O tiro é disparado e Vee aparentemente morre, deixando Ian devastado. Mas a cena é parte de um plano arriscado. Com a ajuda de Ty, ela encena a própria morte para chocar o público e forçar o colapso do sistema.

Simultaneamente, Tommy e os hackers conseguem revelar as identidades reais dos espectadores que votaram pelo assassinato, enviando uma mensagem direta: “Você é cúmplice.” O choque faz com que milhares de usuários abandonem o jogo ao mesmo tempo, derrubando os servidores e encerrando o Nerve.

“Força, Nakamura” ganha data de estreia e chega em abril com transmissão simultânea no Brasil

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Esdras Ribeiro
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Boas notícias para os fãs de romance colegial e histórias cheias de delicadeza: o anime Força, Nakamura! finalmente teve sua data de estreia confirmada para 1º de abril — e, apesar da proximidade com o Dia da Mentira, não se trata de nenhuma pegadinha. A aguardada adaptação do mangá de Syundei chega oficialmente à temporada de primavera japonesa e contará com transmissão simultânea no Brasil pela Crunchyroll, conforme já havia sido anunciado anteriormente pela plataforma.

A expectativa em torno da série só cresceu desde o anúncio da adaptação, feito em agosto de 2024. Inicialmente prevista para 2025, a produção acabou sendo adiada devido a circunstâncias de produção, aumentando ainda mais a ansiedade do público. Agora, com data confirmada e trailer divulgado, a história do tímido Nakamura está pronta para conquistar uma nova audiência — desta vez em movimento e com trilha sonora.

Um romance tímido, doce e cheio de situações constrangedoras

A trama acompanha Okuto Nakamura, um estudante do ensino médio de 16 anos que guarda um segredo: ele esconde sua homossexualidade enquanto nutre uma paixão intensa e silenciosa por seu colega de classe, Aiki Hirose. O detalhe é que os dois praticamente não se conhecem.

Extremamente introvertido e desajeitado, Nakamura se apaixona por Hirose à primeira vista. Desde então, passa a fantasiar diálogos perfeitos e encontros ideais que raramente saem do campo da imaginação. Na prática, cada tentativa de aproximação resulta em situações embaraçosas e fracassos cômicos — o que dá à obra um charme especial, equilibrando humor leve e sensibilidade emocional.

Ao longo da história, o público acompanha o crescimento pessoal de Nakamura. Entre tropeços, mal-entendidos e momentos de coragem inesperada, ele começa lentamente a ganhar confiança. O desenvolvimento do relacionamento não acontece de forma explosiva ou dramática, mas sim com delicadeza: primeiro surge a amizade, depois a cumplicidade. É uma narrativa sobre amadurecimento, vulnerabilidade e os pequenos passos que constroem grandes mudanças.

Do mangá independente ao sucesso editorial

Antes de ganhar as telas, “Go For It, Nakamura!” teve uma trajetória curiosa no universo dos quadrinhos. O personagem surgiu inicialmente em ilustrações e pequenas histórias publicadas online por Syundei. O tom bem-humorado e a personalidade cativante de Nakamura chamaram atenção, abrindo portas para algo maior.

Em 2014, Syundei foi convidado pelo editor-chefe da revista Opera para criar uma história curta que ocupasse páginas em branco de uma edição da publicação. O one-shot lançado em dezembro daquele ano acabou se tornando o primeiro capítulo oficial da série. A recepção positiva levou à serialização regular a partir de 2015.

A obra foi concluída com onze capítulos, posteriormente compilados em um volume único lançado em 2017 pela editora Akane Shinsha. O sucesso ultrapassou as fronteiras japonesas quando a Seven Seas Entertainment licenciou a versão em inglês, marcando a entrada da editora no segmento boys’ love com o título.

O êxito foi suficiente para render uma sequência, intitulada “Go For It Again, Nakamura!”, que expandiu ainda mais o universo dos personagens e consolidou a série como uma queridinha entre leitores que buscam romances LGBTQIA+ leves e representativos.

No Brasil, o mangá é publicado pela Editora NewPOP, permitindo que leitores brasileiros acompanhem oficialmente a história em português.

Produção do anime e equipe criativa

A adaptação para anime será produzida pelo estúdio Studio Drive, com direção de Aoi Umeki. O roteiro fica por conta de Umeki em parceria com Yasuko Aoki, enquanto o design de personagens também leva a assinatura de Umeki — o que indica um cuidado especial em preservar o traço expressivo e delicado do mangá original.

A trilha sonora será composta por Ayana Tsujita, prometendo reforçar o clima sensível e juvenil da narrativa. Já as músicas-tema adicionam uma camada nostálgica e energética à produção: a abertura “Glory Days” será interpretada por Senri Oe, enquanto o encerramento trará “Sekai de Ichiban Atsui Natsu”, clássico do grupo Princess Princess.

Outro detalhe interessante é que os dois primeiros episódios serão disponibilizados juntos online no Japão, estratégia que pode ajudar a envolver rapidamente o público na jornada emocional de Nakamura.

Representatividade e leveza

Embora esteja inserido no gênero boys’ love, “Go For It, Nakamura!” se destaca por adotar uma abordagem leve, quase inocente. A narrativa foca mais nas inseguranças adolescentes e na dificuldade de comunicação do que em conflitos dramáticos intensos.

O anime tem potencial para dialogar não apenas com fãs do gênero BL, mas também com qualquer espectador que já tenha vivido um amor platônico no ambiente escolar. A timidez extrema de Nakamura, suas fantasias exageradas e o medo constante de fazer tudo dar errado tornam o personagem universalmente identificável.

Em um cenário em que produções LGBTQIA+ ganham cada vez mais espaço na animação japonesa, a estreia da série representa mais um passo importante na ampliação de narrativas diversas — especialmente aquelas que apostam na ternura como força principal.

Onde assistir no Brasil

Os fãs brasileiros poderão acompanhar a estreia simultaneamente com o Japão pela Crunchyroll, que já confirmou a exibição da série em seu catálogo. A plataforma tem investido fortemente em títulos da temporada e mantém o compromisso de disponibilizar episódios com rapidez e qualidade.

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