Capítulo 209 de Quando Me Apaixono – Sexta, 02 de maio
A tensão toma conta de uma cena dramática, quando a caminhonete onde Renata está é interceptada por um grupo de homens armados. O cenário, de pura violência, se desenrola rapidamente. Aníbal, que acompanha Renata, é brutalmente agredido pelos criminosos, enquanto a jovem, em choque e sem ter tempo para reagir, é raptada. A angústia se apodera do momento, e o medo é visível em cada movimento.
Do lado de fora, Jerônimo, que está próximo, ouve os gritos de desespero que ecoam no ar. Porém, ele, sem saber o que realmente está acontecendo, permanece alheio à gravidade da situação. A impotência toma conta dele enquanto tenta entender os sons que chegam aos seus ouvidos, sem poder agir ou fazer algo para impedir o que está ocorrendo. O que parecia ser uma noite tranquila, agora se transforma em um pesadelo, deixando todos os envolvidos no limite da preocupação e da incerteza.
A vida de Renata, que já passava por momentos difíceis, acaba de ganhar um novo e temível capítulo, e o que se seguirá, ninguém sabe. O rastro de violência deixa todos em alerta, e as consequências desse rapto serão mais profundas do que qualquer um imagina.
Com 30 anos de carreira e uma trajetória que começou ainda na infância, Luiz Bacci é hoje um dos nomes mais reconhecidos do jornalismo policial brasileiro. Aos 41 anos, o apresentador do Cidade Alerta relembrou, em entrevista emocionante à Daniela Albuquerque, momentos marcantes da sua vida profissional e pessoal no programa Sensacional, exibido nesta segunda-feira (12) na RedeTV!.
Do rádio em Mogi das Cruzes à televisão nacional
Nascido em Mogi das Cruzes (SP), Bacci iniciou sua carreira com apenas 12 anos, como apresentador de um programa de rádio local. Desde cedo, já demonstrava carisma e talento para a comunicação. Com o tempo, sua determinação o levou a conquistar espaço na televisão, onde consolidou sua imagem como repórter e âncora de programas populares voltados à cobertura policial.
“Eu sempre soube que queria fazer isso. Desde criança, minha paixão era comunicar, contar histórias reais, dar voz às pessoas”, contou Bacci, emocionado ao lembrar das origens.
Homenagem a Silvio Santos e um último encontro marcante
Durante a conversa, Bacci também relembrou sua admiração por Silvio Santos, com quem trabalhou entre 2007 e 2010, em sua primeira passagem pelo SBT. Um dos momentos mais comoventes foi o relato do último encontro com o apresentador, pouco antes de seu afastamento definitivo da televisão.
“Quando ele gravou o último programa, eu ia participar, mas a Record não liberou. Depois, consegui encontrá-lo no Jassa, e algo muito simbólico aconteceu: ele pediu para tirar uma foto comigo. Foi como uma despedida. Quatro meses depois, ele faleceu. Aquilo ficou marcado para sempre.”
O pai como guia e uma coincidência que mudou sua vida
Em outro momento tocante, o jornalista falou sobre a importância do pai em sua jornada. Ele revelou uma coincidência que o emociona até hoje: pouco antes de falecer, seu pai teve uma espécie de premonição sobre o futuro profissional do filho.
“Ele disse: ‘Seu tempo em Mogi acabou. Algo maior vai acontecer em São Paulo’. No dia seguinte, ele morreu. E, no sétimo dia da missa, o SBT me ligou com uma proposta de trabalho. Foi algo muito forte, muito simbólico pra mim.”
Apesar do apoio do pai, Bacci contou que sua mãe tinha medo da exposição e dos riscos envolvidos na carreira artística, como o uso de drogas e a pressão psicológica.
“Ela sempre teve medo, mas eu sabia que esse era meu caminho. Foi um chamado que eu nunca consegui ignorar.”
Vida amorosa: “Casamento? Tô fora!”
No fim da entrevista, com bom humor e sinceridade, Luiz Bacci também abriu o jogo sobre sua vida amorosa. Questionado sobre relacionamentos, ele respondeu com a irreverência que já virou sua marca registrada:
“Namorando? Não, não sou besta. E casar então? Deus que me livre, tô fora. Não acredito mais no casamento. Prefiro focar em mim, no meu trabalho e na minha paz.”
O “Menino de Ouro” da televisão
Apelidado de “Menino de Ouro” por Marcelo Rezende, seu grande mentor na Record, Bacci honra o legado com ética, dedicação e coragem. Ao longo da entrevista, ficou claro que por trás do apresentador firme dos noticiários, existe um homem sensível, grato à família, e apaixonado pelo que faz.
A contagem regressiva para o próximo capítulo da saga Jogos Vorazes acaba de ganhar um novo elemento de tensão. O ator Jhaleil Swaby foi confirmado no elenco de Jogos Vorazes: Amanhecer como Panache Barker, tributo do Distrito 1 na 50ª edição dos jogos, também conhecida como o temido Massacre Quaternário — edição em que o dobro de jovens é enviado à arena. A informação foi publicada pelo site Deadline e rapidamente movimentou as redes sociais entre fãs atentos e curiosos.
Um novo rosto para um papel com peso
Ainda pouco conhecido do grande público, Swaby é um rosto em ascensão que já acumula participações pontuais em produções como Supergirl, Shazam! e o musical Zombies, da Disney. Sua trajetória até aqui pode ser discreta, mas o novo papel tem potencial para redefinir sua carreira e inseri-lo definitivamente no radar de Hollywood.
Panache Barker, seu personagem, vem do glamouroso e competitivo Distrito 1, conhecido por enviar tributos treinados desde a infância. O nome “Panache” já carrega uma dose de teatralidade — e isso pode indicar um tributo carismático, talvez arrogante, mas certamente estratégico.
Retorno ao passado e feridas abertas
Jogos Vorazes: Amanhecer será ambientado vinte e quatro anos antes dos eventos com Katniss Everdeen, focando no Massacre Quaternário — uma edição especial dos jogos em que 48 tributos são forçados a lutar até a morte, em vez dos 24 habituais.
É nesse cenário brutal que o público será reintroduzido a um jovem Haymitch Abernathy, ainda muito antes de se tornar o mentor cínico e amargurado que conhecemos. Segundo a sinopse inicial, Haymitch está dividido entre a luta por sobrevivência e um sentimento que insiste em florescer: o amor por uma garota de seu distrito.
“Tudo com o que ele se importa é passar o dia e estar com a garota que ama”, diz o texto oficial. Em um universo onde o afeto é constantemente sufocado pela violência, essa dimensão íntima promete humanizar o horror da arena — e nos lembrar que até no caos existe espaço para laços profundos.
Bastidores, direção e expectativas
A direção continua nas mãos de Francis Lawrence, que comandou todos os filmes da franquia — exceto o primeiro — e já demonstrou domínio absoluto do universo visual e emocional criado por Suzanne Collins. O roteiro será assinado por Billy Ray, que retorna ao projeto após colaborar em Em Chamas e A Esperança.
As filmagens começam em julho de 2025, mas a produção ainda mantém a data de estreia em sigilo. O mistério, claro, só aumenta o burburinho e faz crescer as expectativas sobre a abordagem desse capítulo que mistura tragédia e origem.
Muito além da arena
Mais do que um novo espetáculo de ação, o filme deve explorar os bastidores políticos de Panem e a transformação silenciosa de seus personagens centrais. A juventude de Haymitch, o peso do trauma coletivo, a opressão da Capital e os rostos que emergem da multidão para se tornar lenda — tudo isso se entrelaça no enredo de Amanhecer.
A escolha de atores como Jhaleil Swaby reforça uma tendência de renovação na franquia, apostando em talentos ainda não cristalizados pela fama, mas capazes de oferecer novas camadas de interpretação. Em um universo em que cada olhar pode ser um desafio e cada palavra pode custar a vida, carisma e intensidade contam mais do que currículo extenso.
O que esperar do futuro?
Com a confirmação do elenco em andamento e a trama centrada em uma das edições mais simbólicas dos jogos, Jogos Vorazes: Amanhecer promete entregar mais do que entretenimento. A nova produção tem tudo para aprofundar os dilemas morais e humanos que sempre estiveram no cerne da franquia — dessa vez com novos rostos, novas feridas e talvez novos heróis.
Enquanto os fãs especulam teorias e aguardam ansiosamente qualquer imagem oficial, uma certeza se firma: Panem ainda tem muito a contar.
Quase 20 anos depois de dominar as telonas e virar um ícone cultural, “O Diabo Veste Prada” finalmente vai ganhar uma sequência. A confirmação veio da 20th Century Studios, que divulgou um teaser nas redes oficiais nesta segunda-feira (30), colocando fim a anos de especulações, desejos dos fãs e rumores sobre um possível reencontro entre Miranda Priestly e suas antigas assistentes.
A nova produção já tem até data marcada para chegar aos cinemas: 1º de maio de 2026. Ainda sem elenco oficialmente confirmado, fontes de bastidores indicam que Meryl Streep, Emily Blunt e Anne Hathaway devem sim reprisar seus papéis — o que seria um verdadeiro desfile de nostalgia (e poder).
A trama do novo filme promete inverter os papeis do jogo. De acordo com as primeiras informações divulgadas, Miranda Priestly, a poderosa editora da Runway Magazine que transformou até os suéteres cerúleo em símbolo de opressão fashion, não está mais no topo. Sua carreira começa a entrar em declínio no atual cenário editorial.
Desesperada por manter sua relevância, Miranda precisa buscar ajuda de Emily Charlton (Emily Blunt), agora uma executiva influente em um conglomerado de luxo — uma verdadeira força da nova era do marketing e dos investimentos publicitários. Sim, a antiga assistente de olhar cortante e frases afiadas é quem agora segura as rédeas do mercado que Miranda um dia dominou com um levantar de sobrancelha.
A dinâmica entre elas promete não só reviravoltas, mas também discussões atuais sobre poder feminino, reinvenção profissional, rivalidade e sororidade no mundo corporativo. E, claro, muitos figurinos para deixar qualquer fashionista sem fôlego.
Reencontro à vista?
A expectativa é de que Anne Hathaway também volte ao papel de Andy Sachs, a jornalista que trocou a moda pela integridade — ou será que os anos a fizeram repensar suas escolhas? O que aconteceu com Andy duas décadas depois? Voltará para o universo editorial? Se reconciliará com Miranda ou Emily? São perguntas que alimentam a ansiedade dos fãs desde o anúncio.
Vale lembrar que, mesmo após tanto tempo, as atrizes mantiveram forte ligação com o filme. Em diversas entrevistas recentes, Hathaway e Blunt demonstraram carinho pelos personagens e até reencenaram falas icônicas em premiações e talk shows. Agora, esse revival parece estar mais próximo do que nunca.
Um clássico moderno da cultura pop
Lançado em 2006 sob direção de David Frankel, O Diabo Veste Prada foi um sucesso estrondoso, arrecadando mais de US$ 326 milhões nas bilheteiras mundiais, a partir de um orçamento modesto de US$ 35 milhões. Além de Meryl Streep (que recebeu indicação ao Oscar pelo papel), o elenco incluiu nomes como Stanley Tucci, Adrian Grenier, Tracie Thoms e Rich Sommer.
O longa não apenas encantou o público com seus bastidores da alta moda, mas também provocou debates sobre ética no ambiente de trabalho, machismo disfarçado de perfeccionismo, e o custo da ambição.
Expectativas nas alturas
Ainda que o roteiro completo da sequência esteja em sigilo, a simples promessa de ver Miranda, Emily e Andy novamente no mesmo universo é o suficiente para causar burburinho nas redes sociais. O teaser divulgado já acumula milhões de visualizações e comentários entusiasmados de fãs de todas as idades.
A moda mudou. O mundo editorial mudou. Mas Miranda Priestly? Essa provavelmente não mudou nada — ou será que sim? A resposta começa a ser revelada em 1º de maio de 2026, quando “O Diabo Veste Prada 2” estreia nos cinemas.
O longa-metragemJurassic World: Recomeço chega aos cinemas nesta quinta-feira, 3 de julho, com tudo para fazer barulho — ou melhor, um rugido — nas bilheteiras do mundo todo. E não é só por nostalgia ou visual impressionante: a data da estreia, colada no feriado de 4 de julho nos EUA, deve ajudar (e muito) no desempenho inicial.
As previsões mais otimistas? Que o filme abocanhe até US$ 115 milhões apenas no fim de semana de estreia nos Estados Unidos. Nada mal para uma franquia que já tem 30 anos nas costas — ou melhor, nas escamas.
A fórmula (quase) infalível: dinossauros, nostalgia e feriado
Quem acompanha o universo dos blockbusters sabe que datas comemorativas são terreno fértil para grandes estreias. E com um nome de peso como Jurassic World, o resultado tende a ser explosivo.
Segundo o portal Deadline, as expectativas globais também são altas: o filme pode arrecadar US$ 260 milhões ao redor do mundo em seus primeiros dias em cartaz — o suficiente para deixar no chinelo o desempenho de Jurassic Park 3, que arrecadou cerca de US$ 85 milhões ao estrear no mesmo feriado, em 2001.
Mas nem tudo são flores (ou fósseis): o ritmo pode cair nas semanas seguintes
Apesar do impulso inicial, especialistas alertam que o ritmo de bilheteria pode sofrer uma queda brusca após o primeiro fim de semana. O site Box Office Theory estima uma abertura entre US$ 70 e US$ 80 milhões nos EUA, caso o desempenho fique mais conservador. Ainda assim, números bem sólidos.
O risco? Que o pico de estreia, alimentado pelo feriado, acabe não se sustentando nas semanas seguintes. É o típico “fôlego de maratonista na largada”, algo comum em lançamentos que surfam o apelo inicial sem garantir consistência no boca a boca.
E o que isso tudo significa pra quem vai ao cinema?
Se você é fã da franquia, do universo jurássico ou simplesmente curte um bom blockbuster pipoca, Jurassic World: Recomeço promete entregar tudo aquilo que se espera: 💥 ação de tirar o fôlego 🦖 dinossauros mais realistas do que nunca 🌍 uma trama que tenta equilibrar espetáculo visual com drama humano
E claro, a experiência de ver tudo isso na telona, cercado de gente vibrando a cada cena, é algo que nenhuma prévia no celular consegue imitar.
Resumo pra quem chegou agora: Jurassic World: Recomeço estreia nesta quinta (3) e pode bater US$ 115 milhões só nos EUA no primeiro fim de semana, graças ao feriado de 4 de julho. No mundo todo, a expectativa é de US$ 260 milhões. Um começo promissor — desde que o público continue voltando na semana seguinte.
A partir desta sexta-feira, 11 de julho, a MUBI — plataforma de streaming, distribuidora e produtora reconhecida por sua curadoria ousada e autoral — disponibiliza com exclusividade o aguardado Magic Farm, novo longa da artista visual e cineasta Amalia Ulman, que explora com humor ácido, estética experimental e um olhar provocativo os bastidores da construção de narrativas na era das mídias performativas.
Mais do que um filme, Magic Farm é uma desconstrução — do olhar branco, da indústria de conteúdo, da fronteira entre ficção e realidade. Inspirado pelo jornalismo “semi-gonzo” popularizado pela Vice News na década de 2010, o filme propõe uma reflexão sobre como o suposto olhar alternativo sobre o “terceiro mundo” muitas vezes perpetua estereótipos sob uma nova roupagem, cool e desencanada.
Satirizando a sede por narrativas exóticas
Na trama, acompanhamos uma equipe de documentaristas outsiders em busca da próxima grande “história estranha” em um país latino-americano não especificado. O grupo, formado por personalidades que flertam com o narcisismo, a ignorância cultural e a falsa empatia, embarca numa jornada que começa como cobertura jornalística e rapidamente se transforma em espetáculo grotesco — uma crítica clara à exploração midiática travestida de engajamento.
O roteiro, escrito pela própria Ulman, é afiado ao expor os mecanismos contemporâneos de criação de conteúdo e de produção de personagens. Magic Farm desmonta o fetiche ocidental por experiências “autênticas” em territórios que são vistos mais como cenário do que como realidade. É um retrato inquietante — e muitas vezes cômico — do privilégio de quem pode entrar, gravar e sair, sem se comprometer com as consequências.
Elenco potente, ironia visual e camadas de desconforto
O filme conta com um elenco de destaque, reunindo Chloë Sevigny (ícone do cinema indie norte-americano), Alex Wolff (Oppenheimer, Um Lugar Silencioso: Dia Um), Simon Rex (Red Rocket), Joe Apollonio, Camila del Campo e a própria Amalia Ulman, que também assume papel central na narrativa. Juntos, eles habitam um universo onde o real e o encenado se misturam em um jogo cínico e escancaradamente desconfortável.
Visualmente, Magic Farm é vibrante, fragmentado e instável — como um feed de rede social em colapso. A montagem brinca com texturas documentais, vídeos de bastidores, cenas encenadas e imagens de arquivo manipuladas. Tudo se costura como num pesadelo digital, onde nada é confiável e tudo pode ser conteúdo.
De “El Planeta” à crítica da indústria cultural
Ulman, que já havia se destacado com El Planeta (2021), filme sobre sobrevivência feminina na Espanha pós-crise, mostra aqui uma maturidade autoral ainda mais afiada. Enquanto El Planeta era introspectivo e delicado, Magic Farm é expansivo, debochado e profundamente incômodo — um ataque direto à estética do “cool consciente”, ao jornalismo superficial e à fome ocidental por histórias que misturem tragédia e pitadas de exotismo.
Para a diretora, a lógica do “Fake it ‘til you make it” (finja até conseguir) é mais do que uma crítica — é uma lente para compreender como subjetividades são criadas e comercializadas hoje, tanto na arte quanto no jornalismo, na política ou nas redes sociais.
Mais de 50 anos depois de lançar seu primeiro álbum solo, Rita Lee volta aos holofotes em grande estilo na série original do Curta!, “Os Ímpares”. A produção celebra o disco “Build Up” (1970), obra pouco reconhecida na época, mas fundamental para consolidar a artista como a rainha do rock brasileiro.
Um álbum à frente do seu tempo
Quando Rita Lee lançou “Build Up”, tinha apenas 22 anos e muita coragem. O disco, inicialmente pensado como musical, trazia uma sonoridade experimental que misturava gêneros e letras carregadas de ironia, política e sensibilidade. O público e a crítica, no entanto, não estavam preparados para essa ousadia — e o álbum acabou ignorado comercialmente.
Mas, como toda obra de arte verdadeira, “Build Up” envelheceu como um vinho raro, ganhando status de cult e influência para gerações futuras.
“Viagem ao fundo de mim” e “Tempo Nublado” ganham nova vida
No episódio dedicado à Rita Lee, duas faixas do álbum são regravadas por nomes da nova geração musical. Juliana Linhares, cantora potiguar, empresta sua voz a “Viagem ao fundo de mim”, trazendo uma interpretação que dialoga com a originalidade e rebeldia de Rita.
“Rita Lee é uma referência essencial para minha trajetória artística. A forma como ela constrói imagens e usa o deboche para tratar de temas políticos me inspira profundamente”, afirma Juliana.
Já Nina Becker, fã declarada desde criança, revisita “Tempo Nublado” com uma emoção especial. Ela guarda até hoje um molde do vinil original de “Build Up” que nunca foi prensado — uma relíquia que simboliza seu amor pelo disco.
“O álbum é quase uma peça teatral, com personagens e narrativas que cativam desde a infância”, lembra Nina.
O legado tropicalista de Rita Lee em foco
O episódio também conta com a participação do jornalista e escritor Guilherme Samora, que reforça a importância histórica do álbum:
“‘Build Up’ revela o quanto Rita Lee é tropicalista em essência. O disco era rebelde demais para a época, e talvez por isso não tenha sido compreendido à primeira vista. Mas essa mistura de delicadeza e provocação é o que torna a obra tão poderosa até hoje.”
“Os Ímpares”: um resgate cultural de álbuns esquecidos
Produzida pela Das Minas Produções e financiada pelo Fundo Setorial do Audiovisual (FSA), a série “Os Ímpares” tem uma proposta original e relevante: revisitar discos brasileiros que não receberam o reconhecimento merecido na época de seus lançamentos, mas que hoje são pilares da música nacional.
Com direção musical de Felipe Pinaud e participação de artistas como Clara Buarque, Roberta Sá e BNegão, a série é um encontro entre passado e presente, mostrando os bastidores das releituras e contando histórias pouco conhecidas desses álbuns.
Quando e onde assistir
O episódio sobre Rita Lee estreia no dia 14 de julho, às 21h, no CurtaOn – Clube de Documentários, disponível no Prime Video Channels, Claro tv+ e no site oficial CurtaOn.com.br.
Para quem gosta de música, história e arte, é uma oportunidade imperdível de revisitar um clássico e entender a força de uma artista que mudou para sempre a cara da música brasileira.
A premiada série F.B.I., criada por Dick Wolf, retorna às telas americanas em 12 de outubro de 2025 com sua aguardada oitava temporada. Reconhecida por retratar com intensidade o cotidiano dos agentes especiais do FBI em Nova York, a produção segue conquistando público ao mesclar investigação rigorosa com nuances humanas, consolidando-se como um dos principais dramas policiais da atualidade.
Nesta nova fase, a trama se aprofunda a partir de um ataque a bomba que abala a cidade, desencadeando uma complexa teia de conspirações. O caso não só desafia a capacidade técnica e estratégica dos agentes liderados por Maggie Bell (Missy Peregrym) e Omar Adom “OA” Zidan (Zeeko Zaki), mas também expõe seus limites emocionais e éticos. A série acerta ao humanizar seus protagonistas, mostrando que, por trás do uniforme, existem pessoas sujeitas a dúvidas, falhas e conflitos.
Contudo, apesar do sucesso contínuo e da fórmula eficiente, F.B.I. precisa enfrentar o desafio de evitar a repetição de clichês típicos do gênero policial, oferecendo frescor em roteiros e personagens. A expectativa é que essa temporada traga uma narrativa mais robusta e crítica, capaz de ir além da adrenalina das operações para discutir questões institucionais e sociais pertinentes à realidade contemporânea.
No Brasil, ainda sem data oficial para a estreia, a série mantém uma base sólida de fãs, ávidos por acompanhar o desenrolar das investigações que já viraram referência em entretenimento televisivo. Se a oitava temporada conseguir manter o equilíbrio entre ação e profundidade emocional, F.B.I. reafirmará sua posição no concorrido universo dos dramas policiais.
Enquanto a família Cooper se despede oficialmente de Young Sheldon, uma nova fase ganha fôlego com o spin-off focado em Georgie e Mandy. A série, que se propõe a explorar os dilemas reais da vida adulta — longe das salas de aula e da infância retratada na série original —, retorna para seu segundo ano no dia 15 de outubro nos Estados Unidos. No Brasil, os episódios devem chegar à HBO Max, mas a plataforma ainda não anunciou a data exata.
Um novo começo com muitas contas para acertar
Na série, Georgie Cooper Jr. (Montana Jordan) e Mandy McAllister (Emily Osment) assumem o protagonismo narrativo em uma jornada que mistura afeto, tropeços e amadurecimento. Depois do impacto emocional causado pela morte de George Sr., pai de Georgie, o casal decide recomeçar a vida com o bebê recém-nascido — e esse recomeço não é nada romântico.
O cenário? O Texas. O pano de fundo? Uma vida que exige decisões grandes demais para pessoas ainda tentando entender quem são. A série mergulha nesse turbilhão sem perder o senso de humor característico do universo Cooper, mas aposta em um tom mais maduro, com foco em relacionamentos frágeis, responsabilidades inesperadas e a difícil arte de crescer quando não há mais ninguém para guiar o caminho.
Nem tudo é piada — e isso é um acerto
Ao contrário do que muitos spin-offs fazem, Georgie e Mandy: Seu Primeiro Casamento não tenta repetir fórmulas. A série entende que seu público cresceu — e os personagens também. Aqui, as piadas dividem espaço com incertezas emocionais, erros reais e conversas sérias sobre dinheiro, futuro e frustração. Ainda há leveza, mas com outra densidade.
Sob a supervisão criativa de Chuck Lorre, Steven Molaro e Steve Holland, a série assume um olhar mais empático sobre seus protagonistas. Mandy, por exemplo, está longe de ser apenas a “mãe jovem” — ela é complexa, direta, engraçada e ambiciosa. Georgie, que em Young Sheldon era retratado como impulsivo e meio perdido, agora precisa se provar como pai, marido e adulto.
Nesta segunda-feira (14), o Conversa com Bial recebe uma das vozes mais marcantes da música brasileira: Marina Lima. A artista, que completou 70 anos em junho, fala com franqueza e emoção sobre sua trajetória de mais de quatro décadas na música, suas transformações ao longo do tempo e, pela primeira vez na televisão, sobre a despedida do irmão e parceiro artístico Antonio Cícero, falecido em 2024, por meio de suicídio assistido na Suíça, após o avanço do Alzheimer.
Ao lado do cantor e compositor Arthur Nogueira, com quem mantém forte parceria nos palcos, Marina se emociona ao revisitar capítulos marcantes da carreira e da vida pessoal — da explosão nos anos 80 com sucessos como Charme do Mundo, até os dias atuais, em que segue ativa, fazendo shows e provocando reflexões com sua arte.
A perda e o legado de Antonio Cícero
A conversa ganha contornos ainda mais íntimos quando Marina fala sobre Antonio, poeta, filósofo e responsável por algumas das letras mais emblemáticas de sua carreira. Ela revela, com serenidade e afeto, como acompanhou de perto a decisão do irmão de recorrer ao suicídio assistido na Suíça — onde a prática é legal — após o diagnóstico de Alzheimer e o rápido comprometimento de suas faculdades cognitivas.
“Foi uma despedida com amor, dignidade e muito silêncio. Ele foi meu maior parceiro, e isso vai além da música”, disse Marina, comovendo a plateia e o próprio Pedro Bial. A cantora destacou que a escolha de Antonio foi profundamente pensada e respeitada pela família. “Ele era lúcido até o fim. Quis partir como viveu: com autonomia.”
Uma trajetória feita de rupturas, reinvenções e liberdade
Nascida no final dos anos 1950, Marina surgiu na música no final da década de 1970 e ajudou a moldar a identidade sonora das rádios FM dos anos 80, com um estilo inovador que fundia pop, poesia, sensualidade e crítica social. Compositoras ainda eram raras no mainstream quando Charme do Mundo a projetou para o grande público. De lá para cá, ela nunca saiu de cena.
A cantora também foi pioneira em quebrar tabus na vida pública. Sempre se mostrou aberta sobre sua sexualidade, sua independência e sua visão crítica do mercado fonográfico. Nas últimas décadas, mesmo com menos espaço na grande mídia, manteve uma base fiel de fãs e uma presença constante nos palcos e nos streamings.
Diálogo entre gerações
Durante a entrevista, a presença de Arthur Nogueira, com quem Marina divide o palco em sua atual turnê, reforça a conexão da artista com novas gerações. Juntos, eles interpretam canções marcantes e falam sobre o poder de renovação que a música oferece — mesmo diante da dor.
