Estrelado por Margot Robbie e Colin Farrell, A Grande Viagem da Sua Vida já está disponível nas plataformas digitais

Publicado por

-

6 de Novembro de 2025 | 13:38

A Grande Viagem da Sua Vida — Foto: Reprodução/ Internet

Já imaginou se fosse possível revisitar momentos do passado e, de quebra, mudar o rumo do seu futuro? É exatamente essa a proposta de A Grande Viagem da Sua Vida, novo filme estrelado por Margot Robbie (O Lobo de Wall Street, Barbie, Esquadrão Suicida e Aves de Rapina: Arlequina e Sua Emancipação Fantabulosa) e Colin Farrell (Pinguim, Os Banshees de Inisherin, The Batman e Minority Report – A Nova Lei). A produção, que encantou o público nos cinemas, agora está disponível nas principais plataformas digitais — como Apple TV, Prime Video, Claro TV+, Google Play, Microsoft Films & TV (Xbox) e Vivo Play — com preços a partir de R$ 29,90 para compra ou aluguel.

A produção também traz um elenco de peso, com Kevin Kline (Um Peixe Chamado Wanda, Um Amigo Extraordinário), Phoebe Waller-Bridge (Fleabag, Indiana Jones e a Relíquia do Destino), Lily Rabe (American Horror Story, Love & Death), Jodie Turner-Smith (Queen & Slim, The Acolyte), Billy Magnussen (007 – Sem Tempo para Morrer, Into the Woods), Sarah Gadon (Alias Grace, Cosmópolis), Brandon Perea (Nope, The OA), Chloe East (Os Fabelmans, Kevin (Probably) Saves the World) e Hamish Linklater (Missão de Sobrevivência, Missa da Meia-Noite).

Dirigido pelo sul-coreano Kogonada (After Yang e Hands of Bresson), o longa mistura romance, fantasia e autodescoberta de um jeito delicado e surpreendente. A história gira em torno de Sarah (Robbie) e David (Farrell), dois desconhecidos que se conhecem no casamento de um amigo. O que deveria ser só uma noite comum se transforma em uma jornada inesperada através de portas misteriosas, que os levam a reviver lembranças importantes — e, quem sabe, consertar erros do passado. As informações são do AdoroCinema.

Tudo começa quando David aluga um carro um tanto quanto… peculiar. O veículo vem equipado com um GPS falante e nada convencional, que o convence a embarcar em uma “grande, ousada e linda jornada”. No caminho, ele reencontra Sarah, e os dois acabam viajando juntos sem saber que essa aventura mudará suas vidas para sempre.

As paradas que o casal faz são verdadeiros mergulhos emocionais: um farol no Canadá que desperta memórias esquecidas, um museu de arte que carrega lembranças da mãe de Sarah, e até uma escola onde David revive um momento marcante da adolescência. Cada porta que eles atravessam revela uma parte do que ficou inacabado — amores perdidos, arrependimentos e dores que ainda pedem cura.

Mais do que uma simples viagem física, o filme é uma metáfora sobre o tempo e o poder das segundas chances. Sarah, cética em relação ao amor, vai se abrindo pouco a pouco à vulnerabilidade. Já David, sonhador e romântico, precisa encarar os fantasmas de um passado que o impede de seguir em frente.

Com distribuição da Sony Pictures, o longa-metragem americano estreou oficialmente no Brasil e em Portugal em 18 de setembro de 2025, e agora chega às plataformas digitais para quem quer se emocionar em casa.

CarnaUOL 2026 anuncia line-up de peso com Pabllo Vittar e João Gomes no Allianz Parque

Publicado por

Esdras Ribeiro

-

6 de Novembro de 2025 | 12:14

0

São Paulo se prepara para receber, em 24 de janeiro de 2026, a 11ª edição do CarnaUOL, festival que promete ser o grande pontapé inicial da temporada de Carnaval na cidade. O evento, que acontece no Allianz Parque, combina música, diversidade e experiências imersivas, reunindo artistas nacionais e internacionais em uma celebração única. As informações são do UOL.

O line-up deste ano traz nomes de destaque: Pabllo Vittar lidera as atrações nacionais com shows cheios de energia e coreografias marcantes; a estrela internacional Kesha retorna ao Brasil após uma década para apresentar seus maiores sucessos; e o fenômeno do forró e piseiro João Gomes anima o público com suas canções românticas e contagiantes. Completam o elenco Marina Sena, Dilsinho, Dubdogz, Deekapz, Charanga do França e Cores de Aidê, garantindo diversidade de ritmos e estilos.

O CarnaUOL se consolidou como um dos eventos mais aguardados do calendário paulistano. Organizado em parceria com a 30e, uma das principais produtoras de entretenimento ao vivo do país, o festival aposta em shows impactantes, experiências imersivas e uma estrutura pensada para conforto e segurança do público. Mais do que apresentações musicais, o evento busca criar momentos de interação e celebração, conectando artistas, marcas e público em um espaço vibrante.

Os ingressos terão descontos exclusivos: clientes PagBank, patrocinador máster e meio de pagamento oficial do festival, podem aproveitar 10% de desconto e parcelamento em até três vezes sem juros. Assinantes do UOL também têm direito a 10% de desconto, válido para até seis ingressos por CPF. A venda geral começa em 7 de novembro, às 12h, pelo site da Eventim.

No palco, Pabllo Vittar promete hits como “Amor de Que”, “Bandida” e “K.O.”, embalados por coreografias eletrizantes. Kesha traz seu repertório icônico, incluindo “Tik Tok” e “Praying”, em performances que misturam música, dança e elementos visuais impactantes. Já João Gomes combina romantismo e energia com sucessos como “Dengo”, “Eu Tenho a Senha” e “Meu Pedaço de Pecado”. Marina Sena e Dilsinho completam a programação nacional com pop e pagode romântico, enquanto os irmãos Dubdogz transformam o espaço em uma grande pista de dança com suas batidas eletrônicas. Deekapz, Charanga do França e Cores de Aidê garantem ainda mais diversidade sonora, mantendo a festa animada do início ao fim.

Com uma proposta que vai além da música, o festival se consolida como um dos maiores festivais de Carnaval fora do Rio de Janeiro. A festa aposta em diversidade, criatividade e experiências memoráveis, mostrando que São Paulo também sabe celebrar com intensidade, ritmo e cultura, oferecendo ao público momentos que ficarão guardados na memória.

Universal Pictures lança primeiro teaser de Michael, a biografia do Rei do Pop estrelada por Jaafar Jackson

Publicado por

Esdras Ribeiro

-

6 de Novembro de 2025 | 11:43

0

Universal Pictures lança primeiro teaser de Michael, a biografia do Rei do Pop estrelada por Jaafar Jackson — Foto: Reprodução/ Internet

A Universal Pictures liberou nesta semana o primeiro teaser e o cartaz de Michael, o tão aguardado filme que promete mostrar ao público a vida e o legado de Michael Jackson, um dos artistas mais influentes da história da música. O longa chega aos cinemas em 23 de abril de 2026 e já gera grande expectativa entre fãs e cinéfilos. A produção é assinada por Graham King, vencedor do Oscar por Bohemian Rhapsody, enquanto a direção fica a cargo de Antoine Fuqua, conhecido por sucessos como Dia de Treinamento e Invasão à Casa Branca. Abaixo, confira o vídeo:

O grande destaque do filme é Jaafar Jackson, sobrinho de Michael, que faz sua estreia no cinema interpretando o tio. Com o desafio de retratar um ícone mundial, Jaafar promete entregar não apenas a performance física e vocal que lembramos do Rei do Pop, mas também o lado mais humano do artista, cheio de sonhos, dúvidas e emoções complexas.

A trama de Michael percorre a vida do cantor desde a infância, quando descobriu seu talento como líder do Jackson 5, passando pelo surgimento de sua carreira solo até suas últimas semanas antes de sua morte em 2009. O roteiro, assinado por John Logan, mergulha na jornada de um artista que não apenas transformou a música pop, mas também redefiniu padrões de performance e entretenimento mundial. A narrativa não se limita aos palcos e apresentações icônicas, mas se aprofunda em bastidores, desafios pessoais e familiares, revelando um Michael Jackson mais próximo e humano.

O elenco do filme é de peso e inclui Colman Domingo, duas vezes indicado ao Oscar, no papel de Joe Jackson; Nia Long como Katherine Jackson; Miles Teller como John Branca, o advogado e amigo de longa data de Michael; Laura Harrier como Suzanne de Passe; Kat Graham como Diana Ross; Larenz Tate como Berry Gordy; e Derek Luke interpretando Johnnie Cochran.

Além disso, o longa traz jovens atores para interpretar versões infantis e adolescentes de Michael e dos membros do Jackson 5, garantindo que toda a trajetória da família seja retratada de maneira detalhada e emocionante. Entre eles estão Juliano Krue Valdi como Michael jovem, Jayden Harville como Jermaine jovem, Tre Horton como Marlon jovem, Jaylen Lyndon Hunter como Marlon adolescente, Rhyan Hill como Tito jovem e Judah Edwards como Tito adolescente.

O filme ainda mostra a relação intensa de Michael com sua família, a pressão do sucesso precoce e a busca incessante pela perfeição, que muitas vezes trouxe desafios emocionais e profissionais. Ao mesmo tempo, destaca momentos de triunfo, criatividade e inovação que definiram a carreira do artista e o tornaram um verdadeiro fenômeno global. A produção promete equilibrar emoção e espetáculo, trazendo uma experiência cinematográfica completa, que combina narrativa envolvente, performances poderosas e recriações de shows memoráveis.

Com Michael, o público terá a oportunidade de vivenciar o cantor em sua dimensão mais humana e artística. As cenas prometem trazer de volta performances icônicas, bastidores de estúdios e momentos que moldaram a carreira de um dos maiores artistas do planeta. Mais do que uma simples homenagem, o filme pretende mergulhar na complexidade de Michael Jackson, explorando suas ambições, conflitos e paixões de uma forma que poucos conhecem.

Dollhouse | Shinobu Yaguchi estreia no terror japonês com suspense psicológico intenso

Publicado por

Esdras Ribeiro

-

6 de Novembro de 2025 | 11:37

0

unnamed (7) — Foto: Reprodução/ Internet

Nesta quinta-feira, 6 de novembro, o público brasileiro poderá conhecer Dollhouse, o primeiro filme de terror do diretor Shinobu Yaguchi. Conhecido por comédias como Waterboys e Swing Girls, Yaguchi se aventura no universo do J-Horror com uma história que mistura suspense, perda e obsessão, oferecendo uma experiência intensa e perturbadora para os fãs do gênero.

O filme acompanha Kae Suzuki, uma mãe que ainda carrega a dor pela morte da filha de cinco anos, Mei. Durante uma visita a um mercado de antiguidades, ela encontra uma boneca assustadoramente parecida com a menina e, em sua solidão, começa a tratá-la como se fosse um membro da família. A princípio, o objeto parece trazer conforto, mas o que seria um refúgio emocional rapidamente se transforma em fonte de tensão.

Com o nascimento da segunda filha de Kae, Mai, a boneca começa a ser esquecida, mas estranhos acontecimentos passam a assombrar a casa. Aya, como a boneca é chamada, mostra-se resistente a qualquer tentativa de ser afastada, transformando o cotidiano da família em uma experiência de terror psicológico. Entre sustos e acontecimentos inexplicáveis, o longa-metragem explora os limites entre memória, culpa e o medo do desconhecido.

O diretor Shinobu Yaguchi comenta que sempre foi fascinado por histórias de medo e queria criar um filme que prendesse a atenção do público do começo ao fim. “Quis transformar a experiência do cinema em um verdadeiro parque de diversões de terror. Meu objetivo é que, ao sair da sessão, o público sinta aquele arrepio e diga: ‘Ainda bem que foi só um filme’”, declarou.

Além do suspense, o filme se destaca pela produção cuidadosa: a trilha sonora de Yaffle, combinada com a música tema “Katachi” da banda Zutomayo, intensifica a atmosfera perturbadora, enquanto o elenco — liderado por Masami Nagasawa, Koji Seto e Aoi Ikemura — entrega performances que equilibram emoção e tensão de forma impressionante.

Dollhouse estreia em várias cidades do Brasil, incluindo São Paulo, Campinas, Rio de Janeiro, Salvador, Brasília, Goiânia, Curitiba e Boa Vista, e será exibido em japonês com legendas em português. A duração de 110 minutos garante tempo suficiente para que o público mergulhe na história sem alívio, vivenciando cada momento de suspense e ansiedade.

Netflix libera trailer de Os Sete Relógios de Agatha Christie com mistério e glamour nos anos 1920

Publicado por

Esdras Ribeiro

-

5 de Novembro de 2025 | 22:17

0

A Netflix acabou de soltar o primeiro trailer de sua nova série de suspense, Os Sete Relógios de Agatha Christie (Seven Dials), e já dá para sentir que vem mistério e glamour por aí. A história se passa numa luxuosa casa de campo nos anos 1920 e traz Mia McKenna-Bruce (How to Have Sex, The Witcher) no papel da investigadora Lady Eileen “Bundle” Brent. Para completar o elenco de peso, temos Helena Bonham Carter (Clube da Luta) e Martin Freeman (O Hobbit). A produção é comandada por Chris Chibnall, ex-showrunner de Doctor Who, e dirigida por Christopher Sweeney. As informações são do Omelete.

O trailer já dá o clima: uma festa elegante vira uma verdadeira confusão depois de uma pegadinha que sai do controle. Enquanto todo mundo acha que foi só um acidente, Bundle percebe que tem algo muito mais suspeito acontecendo. E é aí que começa a investigação que promete mudar a vida dela — e prender a atenção do público do começo ao fim. Abaixo, confira o vídeo:

Ambientada em 1925, a série mistura o charme da alta sociedade britânica com uma boa dose de suspense. O trailer mostra cenários luxuosos, figurinos impecáveis e aquela atmosfera sofisticada típica de uma casa de campo da época, mas sempre com uma pontinha de perigo no ar. É aquele tipo de série que faz você querer vestir chapéu e luvas só para mergulhar na história.

A trama é livremente inspirada no romance homônimo de Agatha Christie, publicado em 1929. Quem já conhece a “Rainha do Mistério” sabe que não vai faltar intriga, reviravolta e aquele suspense clássico que faz a gente ficar grudado na tela. Mas a série também dá uma repaginada moderna, deixando tudo mais dinâmico e envolvente para o público de hoje.

Além de Mia, Helena e Martin, o elenco conta com Edward Bluemel como Jimmy Thesiger, completando o time de personagens que prometem equilibrar charme, mistério e tensão dramática. A equipe de produção também é de primeira, com Chibnall atuando como roteirista e produtor executivo, ao lado de Joanna Crow, Suzanne Mackie, Chris Sussman, Andy Stebbing e James Prichard. Ou seja, cuidado e capricho não vão faltar. As informações são do AdoroCinema.

O trailer dá pistas de que a série não vai explorar só o mistério central, mas também as relações entre os personagens, os segredos e as intrigas que se escondem sob a fachada elegante da alta sociedade. Entre diálogos espirituosos, surpresas inesperadas e muito suspense, a produção promete prender a atenção do público do início ao fim.

Para os fãs de Agatha Christie, a série é uma chance de revisitar o universo da autora com uma roupagem nova e cheia de estilo. Para quem ainda não conhece, é uma boa oportunidade de se deixar levar pelo suspense, pelo drama de época e pelo charme de uma boa investigação clássica.

Crítica | Predador: Terras Selvagens reinventa a saga ao colocar o monstro no centro da história

Publicado por

Esdras Ribeiro

-

0

Predador Terras Selvagens 2 — Foto: Reprodução/ Internet

Três anos atrás, ao revisitar toda a saga Predador antes de assistir ao mais recente filme dirigido por Dan Trachtenberg, percebi o quanto nutria uma afeição genuína pela franquia. Curiosamente, apesar de composta quase inteiramente por produções medianas, há algo de cativante em cada capítulo — seja pela ambientação, pelo gênero ou pelos personagens. A fórmula nunca mudou de forma radical, mas cada obra conseguia renovar o universo de maneira sutil, evitando a sensação de repetição.

Com Predador: Terras Selvagens, Trachtenberg realiza, finalmente, um desvio significativo. O diretor assume o risco ousado de transformar o próprio Yautja — o Predador — no protagonista da história. Essa escolha redefine a essência da franquia, oferecendo não apenas uma nova narrativa, mas também um olhar inédito sobre o que tradicionalmente era visto como o “monstro” da trama.

Transformar o Predador em personagem central exige mais do que destacá-lo em cena: é necessário explorar seu ponto de vista, desenvolver um arco emocional, conferir propósito e trajetória. O resultado técnico é notável. Embora a criatura continue sendo interpretada por um ator em traje físico, a adição de CGI e captura de movimento ao rosto do Yautja cria expressividade e naturalidade inéditas. Mandíbulas que vibram com a respiração, músculos faciais que reagem sutilmente — pela primeira vez, o espectador sente estar diante de uma criatura viva, dotada de sentimentos e conflitos internos. Essa dimensão expressiva é essencial para a eficácia do conceito, e o filme acerta plenamente ao torná-lo tangível.

O prólogo exemplifica essa harmonia entre forma e conteúdo. O tema central — a natureza da caça e a reflexão sobre o código de honra dos Yautjas — é apresentado de maneira clara, enquanto o roteiro, coerente com o princípio de “escrever sempre com base no tema”, conduz a narrativa com firmeza. Desde as primeiras cenas, é possível antever o percurso do protagonista, mas isso não compromete o impacto da história. Ao contrário, a previsibilidade estrutural é equilibrada pela força simbólica e pela consistência dramática. O filme constrói uma base sólida, que guia o espectador do início ao fim sem perder o rumo.

Em diversos momentos, Terras Selvagens flerta com o gênero de sobrevivência, lembrando uma versão sombria de Avatar, em que fauna e flora se tornam antagonistas constantes. Ainda assim, Trachtenberg evita que o espetáculo visual se sobreponha à narrativa. Ele mantém o foco na essência do enredo, questionando o significado de ser um caçador, o valor da empatia e a possibilidade de transformação.

Essa relação entre instinto e consciência forma o núcleo do filme. Os personagens — cada um à sua maneira — desafiam suas funções e descobrem um propósito além do que foram programados para cumprir. Essa construção narrativa não é mero artifício, mas se conecta diretamente à proposta de Trachtenberg de repensar o mito do Predador.

Do ponto de vista técnico, Terras Selvagens é um filme competente e inventivo. As estratégias e armamentos do clímax são engenhosos, coerentes com o tema e repletos de referências sutis ao filme original. Mesmo os momentos de fan service, quando presentes, soam justificados — nada parece gratuito. Trachtenberg demonstra que homenagear não significa repetir, mas evoluir. Cada escolha estética revela cuidado, propósito e paixão.

Contra todas as expectativas, Predador: Terras Selvagens mostra que ainda há espaço para inovação em uma franquia que parecia esgotada. Ao colocar o monstro no centro da história e tratá-lo com humanidade, o filme amplia o universo e a complexidade da saga. É uma obra audaciosa, coerente e surpreendentemente emocionante, que entrega não apenas ação, mas também uma reflexão sobre moral, instinto e transformação.

Netflix anuncia sequência de Guerreiras do K-Pop em parceria com a Sony para 2029

Publicado por

Esdras Ribeiro

-

5 de Novembro de 2025 | 17:49

0

Os fãs de K-pop e animação podem comemorar: a Netflix confirmou oficialmente a sequência de Guerreiras do K-Pop, fenômeno musical e visual lançado em 2025. O anúncio, feito em parceria com a Sony Pictures Animation, trouxe a promessa de que Guerreiras do K-Pop 2 chegará às telas em 2029, um intervalo longo, mas esperado para projetos de animação tão ambiciosos. As informações são da revista Variety.

O primeiro filme conquistou público e crítica com uma combinação única de fantasia, ação e música, e a expectativa para a sequência é enorme. A demora de quatro anos entre os filmes não é surpresa: animar uma produção musical de grande escala demanda tempo, dedicação e atenção a cada detalhe, desde o design dos personagens até a coreografia das cenas de dança e a produção da trilha sonora.

Uma história que mistura K-pop e fantasia

O filme original foi dirigido por Maggie Kang e Chris Appelhans, que também participaram do roteiro ao lado das roteiristas Danya Jimenez e Hannah McMechan. A história acompanha o grupo feminino de K-pop Huntr/x, que leva uma vida dupla como caçadoras de demônios. A trama se complica quando elas enfrentam a boy band rival Saja Boys, cujos integrantes escondem segredos sombrios. Entre performances de palco impecáveis e batalhas sobrenaturais, o filme conseguiu equilibrar ação, humor e emoção, conquistando um público diverso.

A ideia do longa nasceu da própria Maggie Kang, que queria criar uma narrativa inspirada em sua herança coreana. Ela misturou elementos de mitologia, demonologia e a cultura K-pop para desenvolver um universo que fosse ao mesmo tempo visualmente impressionante e culturalmente rico. O resultado foi um filme que não apenas entretém, mas também celebra a música, a dança e a identidade coreana em cada cena.

Produzido pela Sony Pictures Animation desde março de 2021, o filme contou com a animação da Sony Pictures Imageworks. A estética visual de Guerreiras do K-Pop chamou atenção por ser uma fusão de videoclipes, iluminação de shows, fotografia editorial e referências a animes e dramas coreanos, criando um estilo próprio e inconfundível. Cada cena parecia um espetáculo em si, e a atenção aos detalhes tornou a experiência ainda mais imersiva para os espectadores.

O design de personagens, coreografias e cenários foi pensado para que a ação e a música se complementassem perfeitamente. A ideia era que cada batalha, cada performance, cada momento de tensão tivesse ritmo, estilo e emoção, garantindo que o público se conectasse com os personagens tanto visual quanto emocionalmente.

Outro ponto alto do filme foi, sem dúvida, a trilha sonora original, composta por Marcelo Zarvos. As músicas, além de servirem como pano de fundo para as cenas, se tornaram verdadeiras protagonistas, ajudando a contar a história e a aprofundar a conexão emocional com os personagens. A trilha alcançou as dez primeiras posições em várias paradas musicais e plataformas de streaming, o que prova a força do projeto tanto no audiovisual quanto no universo musical.

Sucesso e aclamação

Quando foi lançado em 20 de junho de 2025, o longa-metragem foi recebido com aclamação quase unânime. A crítica destacou a animação de alta qualidade, estilo visual inovador, elenco de vozes carismático, humor, carga emocional e, claro, a música, que se tornou parte essencial da narrativa. O público, por sua vez, se encantou com a combinação de fantasia, ação e cultura pop, consolidando o filme como um verdadeiro fenômeno.

Expectativas para a sequência

Com a sequência já confirmada, os fãs podem esperar que Guerreiras do K-Pop 2 continue explorando o universo de Huntr/x de maneira ainda mais ousada. Embora os detalhes da trama ainda não tenham sido divulgados, é provável que a narrativa mantenha o equilíbrio entre música, ação e drama, explorando novas batalhas, performances épicas e aprofundando o desenvolvimento dos personagens.

Freddy Fazbear está de volta! Five Nights at Freddy’s 2 ganha trailer aterrorizante

Publicado por

Esdras Ribeiro

-

5 de Novembro de 2025 | 17:24

0

O terror está de volta à Freddy Fazbear’s Pizza, e os fãs já podem preparar os nervos. Five Nights at Freddy’s 2, sequência do filme de 2023 baseado na famosa franquia de jogos de Scott Cawthon, acaba de ganhar um trailer que promete deixar qualquer um arrepiado. Sob a direção de Emma Tammi (O Último Portal, Sombras do Passado), o longa mantém a atmosfera sombria e os animatrônicos que já se tornaram ícones do terror moderno.

Quem faz parte do elenco?

O elenco principal retorna para continuar a saga e promete repetir o sucesso do primeiro filme. Josh Hutcherson (Jogos Vorazes, Besouro Azul) volta como Mike Schmidt, o ex-guarda de segurança que precisa encarar novamente os mistérios e perigos da pizzaria. Elizabeth Lail (Você, Once Upon a Time) interpreta Vanessa Shelly, a policial local e filha de William Afton, envolvida em situações cada vez mais perigosas. Piper Rubio (The Summer I Turned Pretty, Contos de Verão) retorna como Abby Schmidt, irmã mais nova de Mike, trazendo inocência e emoção em meio ao caos. E Matthew Lillard (Pânico, Scooby-Doo) reprisa o papel de William Afton, o assustador assassino em série que continua aterrorizando a cidade e a família Schmidt.

Quando o filme estreia?

Nos Estados Unidos, Five Nights at Freddy’s 2 chega aos cinemas em 5 de dezembro de 2025, enquanto no Brasil e em Portugal, a estreia será antecipada para 4 de dezembro. O novo trailer já mostra que a tensão vai estar presente do início ao fim, misturando sustos, mistérios e aquela sensação de que os animatrônicos estão sempre à espreita.

Por que a sequência é tão esperada?

A ideia de um segundo filme surgiu ainda em 2018, quando Scott Cawthon comentou que poderia haver continuação caso o primeiro longa fosse bem-sucedido. O projeto ganhou força em janeiro de 2024, quando Josh Hutcherson revelou detalhes sobre a produção, e a Blumhouse Productions, famosa por sucessos como Atividade Paranormal e Um Lugar Silencioso, confirmou oficialmente o filme três meses depois.

As filmagens começaram em novembro de 2024, com a Jim Henson’s Creature Shop retornando para dar vida aos animatrônicos de forma ainda mais realista e assustadora. Além disso, já está confirmado que a franquia terá um terceiro filme, mantendo os fãs na expectativa sobre o futuro dos personagens e das criaturas mais aterrorizantes dos videogames.

Como começou o terror da Freddy Fazbear’s Pizza

Antes de nos prepararmos para a sequência, é hora de revisitar o primeiro filme que trouxe o terror da famosa pizzaria para as telas. Lançado em 2023, Five Nights at Freddy’s é um filme de terror norte-americano dirigido por Emma Tammi (O Último Portal, Sombras do Passado), que coescreveu o roteiro com Scott Cawthon (criador da franquia de jogos) e Seth Cuddeback. Produzido pela Blumhouse Productions e Striker Entertainment, o longa adapta a série de jogos de mesmo nome, com Cawthon e Jason Blum como produtores executivos.

A saga da produção

A história do filme começou em 2015, quando a Warner Bros. Pictures anunciou os direitos da franquia e designou produtores e o diretor Gil Kenan. O projeto, no entanto, enfrentou inúmeros atrasos e mudanças: Kenan deixou a direção, Chris Columbus foi escalado em 2018 para escrever e dirigir, mas também acabou saindo do projeto. Somente em 2022 Emma Tammi assumiu como diretora e corroteirista, garantindo a visão final que chegou às telas.

Durante todo esse processo, Scott Cawthon permaneceu envolvido, garantindo que o filme permanecesse fiel ao espírito dos jogos, equilibrando terror e suspense com a história dos personagens. A Jim Henson’s Creature Shop foi chamada para criar os animatrônicos, dando vida às criaturas icônicas da franquia de forma realista e assustadora.

Quem está no elenco?

O filme reuniu um elenco que combinou experiência em cinema e televisão com novas caras do entretenimento. Josh Hutcherson (Jogos Vorazes, Besouro Azul) interpreta Mike Schmidt, o jovem vigilante noturno da pizzaria. Ele precisa cuidar da irmã mais nova, Abby (Piper Rubio – The Summer I Turned Pretty, Contos de Verão), enquanto lida com o trauma do desaparecimento de outro irmão.

Elizabeth Lail (Você, Once Upon a Time) vive Vanessa Shelly, a policial local que auxilia Mike nas noites aterrorizantes. Matthew Lillard (Pânico, Scooby-Doo) interpreta Steve Raglan, o conselheiro de carreira arrogante que complica ainda mais a vida de Mike, enquanto Mary Stuart Masterson (Fome de Viver, Bastardos Inglórios) dá vida a Jane, a tia fria de Mike. Kat Conner Sterling (Sem Limites, Contos de Verão) interpreta Max, a babá carinhosa da pequena Abby. O Youtuber CoryxKenshin também faz uma participação especial como motorista de táxi.

A trama do primeiro filme

O longa segue Mike Schmidt, um jovem angustiado que precisa cuidar da irmã Abby. Desempregado e desesperado por um emprego para manter a custódia da irmã, Mike aceita trabalhar como segurança noturno na abandonada Pizzaria Freddy Fazbear. Porém, ele logo descobre que nada na pizzaria é o que parece. Com a ajuda de Vanessa, Mike enfrenta fenômenos sobrenaturais e criaturas animatrônicas que transformam suas noites em verdadeiros pesadelos.

Netflix anuncia Kaguya: A Princesa Espacial, novo anime com estreia marcada para janeiro de 2026

Publicado por

Esdras Ribeiro

-

5 de Novembro de 2025 | 16:56

0

Kaguya Princesa Espacial — Foto: Reprodução/ Internet

A Netflix acaba de surpreender os fãs de anime ao anunciar Kaguya: A Princesa Espacial, um novo filme ambientado no universo da popular franquia Kaguya-sama: Love is War. O longa chega ao catálogo do streaming no dia 22 de janeiro de 2026, e já ganhou um trailer que destaca seu visual arrebatador e uma trilha sonora estrelada por grandes nomes da música japonesa. As informações são do Crunchyroll.

A direção fica por conta de Shingo Yamashita, conhecido por seu trabalho em Pokémon: Twilight Wings. Esse será o primeiro longa-metragem do diretor, que promete unir o melhor da sensibilidade emocional japonesa com o impacto visual das produções modernas. A animação é uma parceria dos estúdios Chromato e Colorido, dois nomes bastante respeitados no cenário atual por seus projetos criativos e tecnicamente refinados.

O design dos personagens foi desenvolvido por Hechima (Gakuen iDOLM@STER) e Akihiro Nagae (Uma Casa à Deriva), e a trilha sonora chega como um espetáculo à parte. Entre os nomes confirmados estão Ryo (supercell), kz (livetune), 40mP, HoneyWorks, Aqu3ra e yuigot — artistas renomados por suas produções com VOCALOIDs, que mesclam emoção, tecnologia e melodia de um jeito inconfundível.

A história de Kaguya: A Princesa Espacial acompanha duas garotas que se conectam por meio da música em um universo onírico chamado Tsukuyomi. Nesse espaço virtual, repleto de brilho e mistério, elas embarcam em uma jornada sobre amizade, identidade e destino — tudo isso embalado por uma atmosfera poética e visualmente deslumbrante.

A produção marca uma expansão criativa do universo de Kaguya-sama: Love is War, mangá escrito por Aka Akasaka e publicado pela Shueisha desde 2015. A obra original conquistou o público com seu humor inteligente e a dinâmica entre Kaguya Shinomiya e Miyuki Shirogane, dois estudantes de elite que transformam o amor em um verdadeiro jogo de estratégia. O sucesso do mangá deu origem a animes, filmes live-action e, agora, uma nova interpretação cinematográfica com ares de ficção científica.

Crítica | Caramelo transforma um vira-lata em símbolo de redenção e humanidade

Publicado por

Felipe Dantas

-

0

O mais recente sucesso nacional da Netflix, Caramelo, dirigido por Diego Freitas, chega com a aura de um “filme que emociona” — e, de fato, emociona. Mas por trás da superfície acolhedora e das belas paisagens praianas, há uma obra que tenta equilibrar ambição estética, crítica social e um apelo popular que beira o previsível. O resultado é um longa sensível e tecnicamente competente, ainda que, por vezes, excessivamente dependente do afeto fácil.

O enredo gira em torno de Pedro (Rafael Vitti), um chef de cozinha que, ao receber um diagnóstico de saúde inesperado, se vê obrigado a rever suas prioridades. Sua jornada — que parte do concreto sufocante de São Paulo rumo ao litoral — é construída como um espelho emocional: o cinza urbano traduz o colapso interior, enquanto o mar se torna símbolo de renascimento. Essa estrutura visual funciona bem, mas também evidencia certa obviedade simbólica.

Freitas faz da geografia um componente narrativo, e nisso demonstra domínio visual. No entanto, a transição entre os dois mundos — o da culpa e o da cura — é menos orgânica do que o filme gostaria. Em muitos momentos, Caramelo parece mais interessado em “parecer profundo” do que em deixar que suas camadas existenciais se revelem de forma natural.

A força da contenção — e o risco da melancolia excessiva

A direção acerta ao adotar uma estética intimista, com câmera próxima, luz natural e silêncios que sugerem mais do que dizem. Essa escolha confere autenticidade ao drama, especialmente nas cenas que evitam o melodrama explícito. Contudo, a busca por sutileza às vezes resvala no contrário: um ritmo contemplativo que enfraquece a progressão dramática.

Freitas parece admirar o cinema de observação — e, de fato, há ecos de Cuarón e Dolan em suas escolhas formais —, mas o resultado é irregular. O filme brilha quando se contém, mas tropeça quando tenta sublinhar o óbvio: a fragilidade humana e o poder do afeto não precisam ser reiterados em cada gesto ou olhar.

Amendoim: mais símbolo do que personagem

O título e o cão Amendoim, um típico vira-lata caramelo, são o coração e a metáfora do longa. Ele representa o afeto puro, a segunda chance, a simplicidade que salva o homem moderno de si mesmo. É uma leitura válida e emocionalmente eficaz, mas também previsível. O filme trata o animal quase como uma entidade redentora, sem lhe conceder uma verdadeira presença narrativa.

Ainda assim, a relação entre Pedro e Amendoim é o ponto mais genuíno da obra. Há ternura sem pieguice e uma química natural que evita o sentimentalismo barato. O cão, mesmo simbólico, ancora o protagonista em algo real — e é justamente essa troca silenciosa que salva o filme de mergulhar de vez na autoindulgência.

Atuações sólidas, mas roteiro hesitante

Rafael Vitti entrega talvez sua atuação mais madura até aqui, fugindo de gestos fáceis e encontrando no silêncio o peso da transformação. Arianne Botelho e Kelzy Ecard complementam o elenco com presença discreta, mas eficiente. O problema está menos nas performances e mais na condução do texto: há um esforço nítido em criar um cinema “universal”, que fale de amor, perda e reconciliação, mas em alguns trechos o roteiro perde o foco entre o íntimo e o simbólico.

“Caramelo” quer ser poesia visual, mas em certos momentos se aproxima de um manual de autoajuda ilustrado — uma armadilha comum a dramas existenciais recentes. Falta-lhe a coragem de abraçar o desconforto, de explorar com mais contundência o que há de feio e contraditório no processo de cura.

Entre o doce e o amargo

É inegável, contudo, que o filme encontra ressonância no público. Ao alcançar o Top 10 global da Netflix, Caramelo comprova que há espaço para produções brasileiras sensíveis e autorais, ainda que feitas sob o olhar de um streaming que exige apelo universal. É um produto bem acabado, com fotografia belíssima e um discurso emocional acessível — qualidades que explicam sua popularidade, mas que também limitam sua ousadia artística.

Um passo adiante, mas ainda seguro demais

No fim, Caramelo é um filme que fala de humanidade com sinceridade, embora sem arriscar o desconforto que o tema mereceria. É doce, visualmente encantador e conduzido com competência, mas falta-lhe o amargor que tornaria sua reflexão realmente inesquecível.

Diego Freitas demonstra domínio técnico e sensibilidade narrativa — o que já é muito. Mas ao tentar equilibrar arte e apelo popular, o longa acaba preso entre duas intenções: ser um drama universal ou um retrato verdadeiramente humano.

Todas as notícias

Uma história que mistura K-pop e fantasia

Sucesso e aclamação

Expectativas para a sequência

Quem faz parte do elenco?

Quando o filme estreia?

Por que a sequência é tão esperada?

Como começou o terror da Freddy Fazbear’s Pizza

A saga da produção

Quem está no elenco?

A trama do primeiro filme

A força da contenção — e o risco da melancolia excessiva

Amendoim: mais símbolo do que personagem

Atuações sólidas, mas roteiro hesitante

Entre o doce e o amargo

Um passo adiante, mas ainda seguro demais

almanaque recomenda

NOVIDADES

POPULARES

ASSUNTOS