“Domingo Legal” deste domingo (20/07): Giana Althaus e Lidi Lisboa participam do “Passa ou Repassa” em duelo contra Castanhari, Christian Figueiredo e Rezende ao lado de Negra Li

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O domingo vai ser de pura adrenalina, risadas e emoção na tela do SBT. Sob o comando inconfundível de Celso Portiolli, o Domingo Legal deste dia 20 de julho de 2025 promete agitar o público de casa com uma programação recheada de atrações para toda a família. Em um Brasil onde o domingo ainda é um dos últimos refúgios de encontros ao redor da TV, o programa mantém viva a tradição dos formatos de auditório, misturando competição, emoção e boas histórias com a leveza que só um clássico sabe oferecer.

Com um elenco de convidados que mistura carisma, talento e muitos milhões de seguidores nas redes sociais, o quadro mais icônico do programa, Passa ou Repassa, retorna com um duelo que promete marcar época: de um lado, o time azul, formado pela cantora Negra Li, pela atriz Lidi Lisboa e pela revelação pop Giana Althaus. Do outro, o time amarelo chega em peso com os influenciadores Felipe Castanhari, Christian Figueiredo e Rezende, nomes que representam a voz de uma geração digital, agora testando seus conhecimentos e agilidade em um formato tradicional da televisão brasileira.

Mas a emoção do Domingo Legal não para nas tortadas na cara. O programa vai além da competição e entrega ao público histórias de superação, humanidade e generosidade — marca registrada do programa nas manhãs do SBT.

Celebridades no ringue do “Passa ou Repassa”

Em um estúdio colorido e barulhento como manda a cartilha dos auditórios brasileiros, o quadro “Passa ou Repassa” segue sendo o coração pulsante do programa. E neste domingo, o que já era esperado se confirma: a competição entre celebridades da música, do teatro e da internet transforma o palco em um verdadeiro ringue do bem.

Negra Li, artista consagrada com quase três décadas de carreira e uma das vozes mais potentes da música nacional, lidera o time azul com seu carisma e espírito competitivo. Ao seu lado, a atriz Lidi Lisboa — que ganhou notoriedade por suas atuações intensas e pela participação em realities — traz toda sua garra, enquanto Giana Althaus, cantora em ascensão no pop brasileiro, entra com energia jovem e muita disposição.

Do lado amarelo, a força das redes sociais se faz presente. Felipe Castanhari, conhecido por seus vídeos educativos e seu estilo ácido, se une a Christian Figueiredo, que conquistou uma geração com seus vlogs e livros, e ao gamer e youtuber Rezende, ícone entre os adolescentes com seu canal de mais de 30 milhões de inscritos. O trio aposta na inteligência rápida e na sintonia virtual para enfrentar o desafio.

A grande questão que paira no ar: será que a experiência televisiva das meninas vai superar a velocidade mental dos reis da internet?

Barbeiro viral emociona o Brasil no “Dia de Sorte”

O momento mais tocante do Domingo Legal será protagonizado por Renan Santana, um barbeiro da Grande São Paulo que viralizou nas redes ao mostrar seu trabalho com crianças atípicas. Em vídeos que ganharam o coração de milhares, Renan aparece cortando cabelos com uma delicadeza incomum, tratando os pequenos com carinho, paciência e respeito. Ele criou um espaço seguro onde crianças com autismo e outras condições neurodiversas podem se sentir acolhidas — algo que, para muitas famílias, é raridade.

Renan é o destaque do quadro “Dia de Sorte”, onde participará de desafios no palco e poderá ganhar prêmios importantes para impulsionar ainda mais sua missão social. Com olhos marejados, ele já adiantou que pretende usar qualquer valor que ganhar para ampliar seu salão e adaptá-lo ainda mais às necessidades de seus pequenos clientes.

“É sobre dignidade, não só cabelo”, disse o barbeiro em vídeo divulgado nas redes do SBT. Sua presença no programa representa um sopro de humanidade em meio ao entretenimento, provando que a televisão ainda pode transformar vidas — e emocionar milhões.

100 mil em jogo no “Quem Arrisca Ganha Mais”

A emoção não para por aí. No quadro “Quem Arrisca Ganha Mais”, duas duplas anônimas enfrentam uma verdadeira maratona de perguntas, apostas e decisões que colocam nervos à flor da pele. O prêmio: até 100 mil reais em prêmios.

Mais do que um teste de conhecimentos gerais, o jogo é também um exercício de estratégia, coragem e cumplicidade. O público vibra a cada rodada, torcendo como se estivesse lá no palco. A cada resposta certa, a tensão aumenta. A cada passo em falso, o risco de sair de mãos vazias também.

Neste domingo, os participantes prometem histórias que tocam fundo — uma das duplas traz a luta contra o desemprego e a esperança de abrir um pequeno negócio, enquanto a outra batalha para pagar tratamentos médicos de um ente querido. Em comum, o desejo de mudar de vida. E é essa esperança que transforma o quadro em um verdadeiro termômetro da alma brasileira.

“Até Onde Você Chega?”

Um dos quadros mais recentes e já entre os mais comentados do programa é o “Até Onde Você Chega?”, formato que mistura conhecimento, desafio psicológico e sorte. Nele, participantes enfrentam perguntas de diferentes níveis de dificuldade, tendo que decidir até onde vale a pena continuar — ou se é hora de parar e levar o prêmio acumulado.

A cada rodada, os desafios se intensificam e o dilema se torna mais difícil: arriscar tudo ou recuar? O jogo, inspirado em formatos internacionais de sucesso, ganhou adaptação brasileira pelas mãos criativas da equipe do SBT, com linguagem acessível, clima de torcida coletiva e aquele toque de emoção que só os programas dominicais sabem dosar tão bem.

Este domingo, inclusive, promete tensão máxima: segundo informações de bastidores, um dos participantes chega à última etapa do jogo com possibilidade de se tornar o novo milionário do programa. Será que ele vai ter coragem de arriscar tudo?

O mestre de cerimônias que virou ícone

Nenhuma matéria sobre o Domingo Legal estaria completa sem falar de Celso Portiolli, o apresentador que assumiu o programa em 2009 após a saída de Gugu Liberato e, desde então, imprimiu sua marca de forma definitiva na história do SBT. Celso é o tipo de comunicador raro: engraçado sem ser forçado, empático sem ser piegas, espontâneo sem ser desorganizado. Comanda o palco com a segurança de quem conhece seu público e sabe como entretê-lo, sem perder o fio emocional que costura toda a programação.

Jason retorna às origens em novo “Sexta-Feira 13”, revelado na San Diego Comic-Con 2025

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A neblina sobre o Lago Crystal nunca se dissipou totalmente. Décadas após o primeiro grito ecoar na floresta, Jason Voorhees volta à cena, não em um reboot ou uma série milionária, mas num curta-metragem violento, direto e brutal, como o personagem exige. Intitulado “Sweet Revenge”, o novo capítulo da franquia Sexta-Feira 13 foi revelado durante o aguardado painel na San Diego Comic-Con 2025 e levou os fãs à loucura — tanto os veteranos que viram o original em VHS quanto os jovens que descobriram o assassino mascarado nas plataformas de streaming.

Dirigido por Mike P. Nelson, conhecido por seu olhar cru e sem concessões no reboot de O Massacre da Serra Elétrica, Sweet Revenge chega como um lembrete de que o terror pode ser curto, mas impactante — e que Jason nunca dorme por muito tempo.

Jason não precisa de muito para assustar

Diferente de grandes produções que se perdem em explicações ou backstories desnecessários, Sweet Revenge opta pela simplicidade e pelo instinto, entregando 15 minutos de tensão crescente, violência gráfica e homenagens diretas ao filme que deu origem a tudo, em 1980.

O trailer exibido na Comic-Con já deixa claro que não há tempo a perder: um grupo de jovens se isola em uma cabana na floresta. É o tipo de premissa que qualquer fã de slasher reconhece à primeira vista — e é exatamente isso que o curta quer. A ação começa com uma garota remando sozinha em um pequeno barco, quando ouve um som estranho vindo debaixo d’água. Um segundo depois, ela desaparece, puxada por algo invisível. O que se segue é um colapso emocional, uma tensão crescente entre os amigos e, claro, o surgimento do assassino que transforma o lugar em um matadouro a céu aberto.

O que surpreende não é o “quê”, mas o “como”. Jason não aparece como uma sombra mítica ou uma figura em CGI — ele é palpável, bruto, humano e monstruoso ao mesmo tempo. Interpretado por um ator ainda não revelado, o vilão ressurge com sua clássica máscara de hóquei, sua postura ameaçadora e suas mortes criativas, rápidas e dolorosas.

Um projeto nascido da paixão e da espera

Sweet Revenge não foi feito para lucrar, nem para iniciar uma nova cronologia. Ele nasceu de uma vontade genuína de homenagear o original. Com a série Crystal Lake adiada indefinidamente por problemas nos bastidores e disputas criativas, o diretor Mike P. Nelson viu uma brecha e propôs à equipe detentora dos direitos da franquia algo menor — mas cheio de alma.

Durante o painel, Nelson explicou: “Queríamos mostrar que Jason ainda funciona. Sem precisar de um filme de duas horas, sem tentar ser moderno demais. Voltar ao básico. Floresta, escuridão, juventude e sangue. Jason é isso.”

E ele não está errado. Em tempos onde o terror caminha entre o elevado e o autoral, ver uma produção que abraça o slasher puro como forma de entretenimento é quase um ato de rebeldia — e de saudade.

O terror que não morre

Lançado originalmente em 1980, o primeiro Sexta-Feira 13 não nasceu com a intenção de se tornar o império de máscaras, facões e gritos que conhecemos hoje. Dirigido por Sean S. Cunningham e escrito por Victor Miller, o longa foi claramente inspirado pelo sucesso de Halloween (1978), mas com mais sangue e uma reviravolta inesperada: o assassino era a mãe de Jason, Pamela Voorhees.

O filme fez história: arrecadou quase 60 milhões de dólares com um orçamento de 500 mil e inaugurou uma franquia que, mesmo com altos e baixos, definiu o gênero slasher ao lado de Freddy Krueger e Michael Myers. Jason, que sequer era o assassino no original, assumiu o manto a partir do segundo filme e tornou-se um dos vilões mais reconhecíveis do cinema de horror.

Ao longo de doze filmes, um crossover com A Hora do Pesadelo e um reboot em 2009, a franquia se reinventou, flertou com o sci-fi (Jason X, alguém?), foi ao inferno, voltou e até viajou no tempo. Mas uma coisa permaneceu constante: Jason sempre volta. Como um pesadelo coletivo que atravessa gerações.

O retorno aos efeitos práticos

Um dos elementos mais celebrados do curta Sweet Revenge é seu uso exclusivo de efeitos práticos. Nada de sangue digital, mortes em CGI ou ambientações sintéticas. Tudo foi feito como nos velhos tempos: maquiagem, próteses, litros de sangue cenográfico e muito trabalho artesanal.

Essa escolha não é apenas estética, mas simbólica. É um sinal de respeito aos filmes originais, que conquistaram o público pelo choque físico e não por ilusões digitais. Os fãs, sempre atentos aos detalhes, já classificam o curta como “um verdadeiro respiro” num mercado saturado por efeitos artificiais.

E onde está a série Crystal Lake?

A grande expectativa dos últimos anos era a chegada da série Crystal Lake, planejada como uma prequel focada em Pamela e o jovem Jason. Produzida pelo Peacock com envolvimento de Bryan Fuller (Hannibal), o projeto teve diversas reviravoltas, incluindo a saída de Fuller, e segue sem previsão de estreia.

A indecisão em torno da série abriu espaço para que Sweet Revenge surgisse como um interlúdio violento e bem-vindo, capaz de manter o nome da franquia pulsando enquanto o futuro não se decide. Ao que tudo indica, o curta não faz parte de nenhuma cronologia específica, mas também não contradiz nada que já foi feito — o que permite que ele funcione tanto como tributo quanto como peça isolada.

A importância cultural de Jason Voorhees

Jason é mais do que um vilão de cinema. Ele é uma entidade cultural, uma espécie de símbolo do medo coletivo. A máscara de hóquei, o facão, os passos lentos e silenciosos, o ambiente do acampamento — tudo isso ultrapassou o cinema e se tornou ícone do imaginário pop.

Durante a Comic-Con, os corredores estavam repletos de fãs usando camisetas com estampa da Camp Crystal Lake, máscaras de papelão e até bonecos personalizados. O curta Sweet Revenge foi recebido com aplausos de pé por boa parte do público presente, que parecia ver ali um renascimento do que o slasher tem de melhor: tensão, criatividade, e a doce (ou amarga) expectativa de que ninguém está seguro.

O que o futuro reserva?

Com o sucesso do curta e a reação positiva dos fãs, é possível que Sweet Revenge funcione como um termômetro para novos projetos. Mike P. Nelson já declarou interesse em dirigir algo maior no universo da franquia. Mas, por enquanto, o curta cumpre seu papel: reacender o nome de Jason com o peso que ele merece.

Saiba a duração de Invocação do Mal 4: O Último Ritual, o filme mais longo da franquia

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O universo de Invocação do Mal está prestes a ganhar um novo capítulo — e não é qualquer capítulo. Com estreia marcada para o dia 5 de setembro de 2025, Invocação do Mal 4: O Último Ritual chega prometendo ser o mais intenso e profundo filme da série até hoje. E não é só pela trama que isso acontece: o longa terá nada menos que 135 minutos de duração, ou seja, 2 horas e 15 minutos de terror e emoção. As informações são do Digital Spy.

Para quem acompanha a franquia desde o começo, sabe que cada filme é uma experiência tensa e cheia de sustos, mas este novo tempo de tela é um sinal claro de que os realizadores querem ir além do simples susto: querem contar uma história mais completa, mais humana, mais complexa. É como se, dessa vez, o espectador fosse convidado a se sentar e acompanhar, passo a passo, uma jornada que vai misturar medo, fé e os laços familiares que unem os Warrens.

A espera por um desfecho com mais profundidade

O casal Ed e Lorraine Warren, interpretado mais uma vez por Patrick Wilson e Vera Farmiga, é a alma da franquia. Eles não são apenas caçadores de fantasmas: são pessoas reais, com medos, dúvidas, esperança e, acima de tudo, um amor que sustenta tudo o que fazem. Neste quarto filme, a presença deles se torna ainda mais humana e visceral.

Ao lado deles, personagens como Judy Warren, a filha do casal, interpretada por Mia Tomlinson, trazem uma nova camada emocional à trama. A jovem Judy está inserida em um universo que vai além do medo: é sobre proteger a família e enfrentar os horrores que ameaçam não só a casa, mas a própria alma.

Essa duração maior dá espaço para esse desenvolvimento, permitindo que o público realmente sinta o peso da missão que esses personagens carregam — algo que vai muito além das cenas de ação sobrenatural.

O que a duração diz sobre o filme

No cinema de terror, tempo é quase tudo. Um filme muito longo pode perder o ritmo, enquanto um muito curto pode deixar pontas soltas e personagens rasos. Aqui, o desafio foi usar essas 2 horas e 15 minutos para construir um ambiente onde o suspense cresce com calma, quase como um sussurro que vai ficando cada vez mais alto — até o grito final.

Essa escolha indica que a direção de Michael Chaves, que retorna depois de ter comandado o terceiro filme da franquia, está focada em uma narrativa mais cuidadosa, em que o terror não vem apenas dos sustos repentinos, mas da construção do medo dentro da história e dos próprios personagens.

Os roteiristas, entre eles David Leslie Johnson-McGoldrick, Ian Goldberg e Richard Naing, aproveitaram para desenvolver uma trama que respira. Eles se inspiraram nos relatos reais dos Warrens, o que dá ao filme uma autenticidade que ultrapassa o gênero e toca questões mais profundas sobre fé, dúvida e o mal em si.

O legado dos Warrens e a força da verdade

Invocação do Mal sempre foi mais do que filmes de terror: é uma homenagem ao trabalho do casal Warren, que dedicou a vida a investigar fenômenos que desafiam a lógica. E é essa verdade, ainda que cercada de mistério, que torna a franquia tão cativante.

Neste filme, o casal não está sozinho. Ao lado deles, novas faces entram em cena para dar vida a uma das histórias mais marcantes do arquivo Warren — o caso da família Smurl, famosa por alegações de possessão demoníaca nos anos 80. A escolha desse enredo dá ao filme uma carga dramática pesada, porque o público sabe que não se trata só de ficção, mas de relatos que causaram sofrimento real.

Essa responsabilidade também é sentida no elenco que acompanha os protagonistas. Ben Hardy, como Tony Spera, e o grupo que interpreta os membros da família Smurl ajudam a dar humanidade e realismo às situações extremas vividas no filme.

Por dentro da produção: dedicação e paixão

Um filme desse porte não nasce do acaso. Foram meses de preparação, desde o desenvolvimento do roteiro até as filmagens que aconteceram em Londres, entre setembro e novembro de 2024. A escolha da cidade não foi apenas prática, mas estratégica: o clima, a arquitetura e a atmosfera da capital inglesa contribuem para criar o ambiente sombrio e opressor que o filme pede.

Michael Chaves teve a missão de guiar essa produção com delicadeza e firmeza, equilibrando a pressão de atender às expectativas dos fãs e a vontade de entregar algo novo. E um dos grandes acertos foi a trilha sonora, composta por Benjamin Wallfisch, que assume o lugar de Joseph Bishara. A música em filmes de terror é quase um personagem — e Wallfisch promete dar ao filme uma assinatura sonora que prende o espectador na cadeira.

O impacto emocional além do susto

Se existe algo que diferencia Invocação do Mal 4 dos demais filmes da franquia é a maneira como ele abraça o lado humano da história. Não é só sobre fantasmas e demônios: é sobre como uma família lida com o desconhecido, o perigo e o medo.

Essa sensibilidade ajuda a construir um terror que não está apenas no que é visto na tela, mas naquilo que o público sente no peito. O medo de perder quem amamos, a dúvida sobre o que é real e o que não é, a luta para manter a fé mesmo diante do inexplicável — tudo isso transforma o filme em uma experiência emocional profunda.

O que esperar da estreia

Com a data de estreia chegando, a ansiedade cresce entre os fãs e também entre os amantes do cinema de terror que ainda não conhecem o universo dos Warrens. O filme promete não só sustos e cenas de arrepiar, mas também um roteiro que respeita o espectador, dando espaço para a reflexão e a empatia.

No Brasil, embora a data oficial de lançamento ainda não esteja confirmada, é esperado que o longa chegue aos cinemas pouco tempo depois da estreia americana, permitindo que o público nacional também mergulhe nesse último ritual.

Barbara Gancia fala de recomeços e memórias no The Noite com Danilo Gentili

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Na noite desta terça-feira, 12 de agosto, o sofá do The Noite com Danilo Gentili recebe uma convidada que é sinônimo de autenticidade: Barbara Gancia. Jornalista de verbo afiado, cronista premiada e escritora que não teme se despir emocionalmente diante do público, ela retorna à TV para falar sobre a nova edição de A Saideira — um relato intenso e profundamente pessoal sobre sua luta contra o alcoolismo e sobre os 18 anos de sobriedade que já coleciona.

O encontro, exibido pelo SBT, mistura os dois elementos que definem a trajetória de Barbara: uma franqueza desarmante e o humor inteligente que tempera suas palavras. No bate-papo, ela revisita lembranças de infância, revive momentos de vulnerabilidade e reflete sobre o que significa viver sem álcool — tudo com a mesma intensidade que sempre imprimiu em suas crônicas.

O início precoce de uma relação perigosa

Barbara fala sem rodeios sobre quando começou a beber de verdade. “Com uns 13 ou 14 anos, comecei a beber de forma mais contundente. Percebi cedo que iria gostar de beber”, recorda. Mas a história não começa aí. Ela conta que, segundo sua mãe, aos três anos já havia experimentado o resto de bebidas de uma festa e, para surpresa de todos, achado “gostoso”.

Essa relação tão cedo com o álcool tem raízes no ambiente familiar. “Meu pai veio da Itália para o Brasil para montar uma fábrica de vinho. Minha família, há muitos anos, mexe com bebida; somos italianos, e meu tataravô inventou um vinho doce de sobremesa”, explica.

O contexto, recheado de taças e garrafas, fez com que o álcool fosse parte natural da vida doméstica. Mas, para Barbara, o efeito ia além do social: logo percebeu que aquela sensação prazerosa era algo a que se apegaria com facilidade.

O fundo do poço e a virada de chave

O momento decisivo veio anos depois. Ela lembra com precisão a última vez que bebeu: um almoço com um amigo, meia garrafa de Fernet, e um programa ao vivo no Band Sports marcado para poucas horas depois. “Quando terminei o programa, minha mãe me ligou e disse: ‘Você bebeu hoje’. Nunca tinha dado problema no meu trabalho, mas, naquele dia, senti que transpareceu.”

A frase foi como um alerta final. Barbara desligou o telefone, procurou seu editor e pediu internação. “Falei que aquela tinha sido a última vez. E foi. Nunca mais bebi.”

Desde então, ela defende que a sobriedade não é sinônimo de vida monótona: “Dá para parar de beber e continuar a rir, sair, dançar, transar, encontrar os amigos. Dá para fazer tudo.”

36 anos de jornalismo e histórias de sobra

Se a batalha contra o álcool foi marcada por coragem, a carreira no jornalismo também não foi diferente. Barbara entrou “de paraquedas” na profissão, mas permaneceu por 36 anos na Folha de S. Paulo, onde se firmou como uma das cronistas mais conhecidas do país.

Com um estilo direto e muitas vezes provocador, acumulou admiradores e detratores na mesma medida — e isso nunca a intimidou. No programa, ela compartilha lembranças divertidas de redação e fala sobre a amizade com Silvio Luiz, narrador esportivo com quem mantém uma relação de afeto e trocas bem-humoradas.

Outra parte curiosa de sua trajetória é a ligação da família com o automobilismo, que influenciou seu interesse por esportes e pautas ligadas ao setor.

“A Saideira”: um livro-confissão que inspira

O fio condutor da entrevista é a nova edição de A Saideira. Mais do que uma autobiografia, o livro é um convite a uma conversa honesta sobre dependência, recaídas, medos e vitórias.

A obra ganhou capítulos inéditos que revelam o que mudou na vida de Barbara desde a publicação original — e como ela construiu uma rotina sólida sem álcool, encontrando novos jeitos de se divertir e criar.

Sem tom moralista, a autora deixa claro que sua intenção é inspirar: “Quero mostrar que há vida depois do álcool. Não é uma vida menor, não é uma vida triste. É mais rica, mais verdadeira.”

Resumo da novela A Escrava Isaura de quinta (4/9) – Tomásia denuncia Leôncio no altar e jura vingança após humilhação

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No capítulo de A Escrava Isaura que vai ao ar nesta quinta-feira, 4 de setembro, o dia do casamento de Malvina se transforma em um escândalo. No meio da cerimônia, Tomásia tem coragem de revelar publicamente que Leôncio tentou matá-la. A revelação causa espanto entre os presentes, mas, em vez de apoio, ela é expulsa da igreja, lançada na lama diante de todos. Humilhada, Tomásia jura vingança contra o fazendeiro e promete não descansar até vê-lo destruído.

Enquanto isso, Malvina hesita diante do altar, abalada pelo escândalo, mas, pressionada, acaba aceitando o casamento. O Conde Campos, sensibilizado pela cena, encontra Tomásia e a convida a subir em sua carruagem, oferecendo-lhe proteção.

Na fazenda, Rosa ouve uma conversa comprometedora entre André e Isaura e promete revelar tudo a Leôncio, o que pode colocar os dois em risco. Ao mesmo tempo, Henrique declara seu amor a Isaura e, tomado pela paixão, tenta beijá-la.

No núcleo familiar, Gabriel confessa à mãe que gosta de Helena, mas encontra resistência. Já Gioconda teme que as atitudes da filha resultem em um escândalo social.

Durante a festa do casamento, Gertrudes passa mal, deixando os convidados alarmados. Nesse mesmo período, Miguel retorna à fazenda determinado a comprar a liberdade de sua filha, Isaura. Porém, os planos são ameaçados quando Leôncio, cada vez mais implacável, manda prender André, elevando ainda mais a tensão.

O que vai rolar nos próximos capítulos de A Escrava Isaura?

Gioconda ameaça o Coronel Sebastião após descobrir sua violência contra Gabriel. Isaura, temendo cair novamente nas mãos de Leôncio, prefere que o pai, Miguel, tente comprá-la legalmente. Nesse ínterim, Henrique socorre Gabriel, que desmaia, carregando-o nos ombros. Logo depois, André é solto, mas os conflitos continuam.

Helena se encontra com Gabriel e revela que o pai é contra o namoro deles. Ao flagrar os dois juntos, o Coronel Sebastião atira contra Gabriel, que acaba baleado, e castiga a filha severamente. Mesmo assim, o rapaz reúne forças e decide pedir a mão de Helena em casamento, desafiando a oposição paterna.

Enquanto isso, Tomásia encontra consolo nos braços do Conde Campos e se casa com ele. Durante a festa, ambos trocam elogios, embora Tomásia não consiga esconder sua tristeza ao saber do retorno de Leôncio. A lembrança da violência sofrida — quando ele a empurrou — ainda a atormenta.

Na fazenda, Isaura revela a Gertrudes a crueldade de Leôncio contra Tomásia. A revelação abala profundamente a senhora, que sofre um ataque cardíaco no mesmo dia da chegada do sobrinho. Cansada de adiar a justiça, Gertrudes confidencia a Isaura que se arrepende de não ter lhe dado a liberdade antes e pede que chamem o tabelião para oficializar o documento de alforria.

Cine Espetacular 20/05/2025: SBT exibe o filme Keanu

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Prepare o sofá, o balde de pipoca e o coração para explodir de fofura: nesta terça-feira, 20 de maio de 2025, o Cine Espetacular do SBT vai exibir uma das comédias mais inusitadas e carismáticas da década: “Keanu” — também conhecido no mundo alternativo da zoeira como Cat Boys. E sim, esse nome faz total sentido quando você descobre que o enredo todo gira em torno de um… gatinho!

Quando gângsteres durões se rendem ao poder de um filhote

Dirigido por Peter Atencio e estrelado pela dupla explosiva do humor norte-americano, Jordan Peele e Keegan-Michael Key, o filme marca a estreia dos dois como protagonistas no cinema após o sucesso da série “Key & Peele”. E o melhor? Eles já chegam com tudo: piadas afiadas, tiroteios cinematográficos e uma missão de resgate pra lá de incomum — recuperar Keanu, o gatinho mais adorável (e desejado) de todo o submundo do crime.

A história que ninguém esperava — e todo mundo vai adorar

A trama começa no maior estilo filme de ação: assassinos brutais, conhecidos como “Irmãos Allentown”, invadem um laboratório de drogas de um cartel mexicano e deixam um rastro de destruição. Mas entre tiros e explosões, um pequeno sobrevivente escapa: o gatinho do chefão do tráfico, batizado (com muito amor) de Iglesias.

Esse bichano, sem saber, acaba mudando a vida de Rell, um cara depressivo largado pela namorada. Quando encontra o gato na porta de casa, seu mundo ganha um novo brilho. Batizado agora como Keanu, o gato se torna seu melhor amigo. Mas o que seria de uma boa história sem uma reviravolta? Keanu é sequestrado, e Rell parte numa jornada de resgate junto ao primo Clarence — um sujeito certinho que, para entrar no mundo das gangues, vai ter que soltar o verbo e aprender a ser “gangsta” da noite pro dia.

Gatinhos, tiroteios e… Keanu Reeves?

Além de Tiffany Haddish, Method Man, Nia Long e Will Forte no elenco, o filme ainda traz uma participação pra lá de inusitada: a voz de Keanu Reeves (sim, o Keanu) dá vida ao gato numa das cenas mais hilárias e existenciais do longa. A combinação de humor inteligente, ação estilizada e muito carisma felino conquistou a crítica e o público, rendendo elogios no South by Southwest Festival e arrecadando US$ 20 milhões nas bilheterias — nada mal para um filme que gira em torno de um gato sequestrado.

Por que assistir?

Porque é impossível resistir a um roteiro que mistura traficantes, drogas com nomes escatológicos (Holy Shit, sim, isso mesmo), tiroteios coreografados e… um bichano que parece ter saído de um comercial de ração. Tudo isso embalado com o humor sagaz de Key & Peele, que transforma cada cena em uma surpresa.

Se você curte comédias fora do comum, ama gatinhos ou está só querendo fugir do tédio da terça-feira, “Keanu” é a pedida perfeita. A risada é garantida, o absurdo é proposital e a mensagem é clara: nunca subestime o poder de um gato fofo.

📺 Não perca!
Cine Espetacular – Terça-feira, 20 de maio, às 23h15 no SBT.

Vidas Efêmeras marca a estreia literária de Luiz Gustavo Oliveira com fantasia intensa e reflexiva

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O que é que faz a vida valer a pena quando tudo ao redor parece ruir? É essa a pergunta que paira como névoa sobre as páginas de Vidas Efêmeras: Parte I, romance de estreia do escritor Luiz Gustavo Oliveira da Cunha, que chega ao cenário literário com uma proposta ousada: cruzar o épico e o íntimo, a brutalidade da guerra e a delicadeza da memória.

Ambientado em Proélia — um país fictício devastado por pragas, guerras e segredos enterrados — o livro acompanha a trajetória de Elena, uma comandante mercenária que herda a liderança da Irmandade dos Corvos após a morte do pai. Mas o que começa como uma missão pragmática para conter o avanço da chamada “praga vermelha” logo se transforma em um mergulho existencial nos limites da alma humana.

“Não é só uma história de vingança”, diz o autor Luiz Gustavo em entrevista. “É também sobre entender o que fazer com o que herdamos — da nossa família, do nosso povo, da nossa dor.”

Um mundo corroído pela doença… e pelas memórias

A tal praga, longe de ser apenas um elemento típico da fantasia medieval, ganha contornos quase filosóficos: transforma suas vítimas em criaturas desfiguradas, sedentas de sangue, mas sobretudo, despidas de memória — uma metáfora clara sobre o apagamento histórico e espiritual. O que está em jogo, afinal, não é apenas a vida dos corpos, mas a continuidade de um povo e suas crenças.

Nesse cenário apocalíptico, Elena se vê diante de um dilema que ecoa os clássicos dilemas morais de Dostoiévski: matar o Duque Consumido de Aveiro — homem que supostamente matou seu pai — resolverá o passado, ou a devorará por dentro? É a partir dessa tensão que o enredo se expande: a vingança é motor, mas o que move a obra é a busca por sentido.

Ecos de Lovecraft e Dostoiévski num épico visceral

Luiz Gustavo não esconde suas influências: há ecos evidentes do horror cósmico de Lovecraft — com seres antigos, mistérios celestes e terrores indizíveis — mas também uma estrutura narrativa mais densa, repleta de introspecção, dilemas morais e devaneios metafísicos à Dostoiévski. Essa fusão dá ao livro um ritmo incomum: ao invés da fantasia baseada em combates e glória, o que vemos são dúvidas, silêncios, confrontos internos.

Elena não é uma heroína tradicional. Ela é fraturada, violenta, reflexiva e muitas vezes perdida dentro de si. A cada avanço físico no território corrompido pela praga, há um retrocesso mental, uma volta à infância, às crenças do pai, às profecias do misterioso “profeta sem-nome” que fundou a estaca sagrada de Proélia.

Um tratado poético sobre a efemeridade

Apesar de suas criaturas sombrias, assassinatos e conspirações palacianas, Vidas Efêmeras é, no fundo, uma meditação sobre o tempo. “Temos pouco tempo”, diz uma das personagens enigmáticas do livro, “mas ainda assim, desejamos eternidade.”

A prosa de Luiz Gustavo acompanha esse espírito. Em meio a sequências de ação, surgem parágrafos quase líricos, repletos de imagens poéticas, onde a narrativa se desdobra em lembranças, visões e sonhos. A ancestralidade — tanto mística quanto biográfica — é o fio que costura tudo. O leitor se vê confrontado com um universo onde a fé é tanto uma arma quanto um consolo, e onde cada escolha reverbera através das gerações.

Do papel para as rodas de leitores

Desde seu lançamento independente, Vidas Efêmeras: Parte I vem chamando atenção em clubes de leitura, fóruns de fantasia sombria e redes sociais. Parte do sucesso vem justamente dessa complexidade rara em obras do gênero: o livro não entrega respostas fáceis. Ele convida o leitor a habitar um mundo quebrado — e, como Elena, tentar compreendê-lo aos pedaços.

A Parte II já está sendo escrita, e promete expandir o universo de Proélia, explorar novas camadas de mitologia e mergulhar ainda mais fundo na alma de seus personagens. Mas, por ora, o que fica é a lembrança de um mundo onde tudo é efêmero — exceto o impacto que certas histórias deixam.

Saiba qual filme vai passar no Cine Record Especial desta terça (12/08)

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Na próxima terça-feira, dia 12 de agosto, o Cine Record Especial da Record TV promete uma programação que vai prender a atenção do público do começo ao fim com a exibição do longa-metragem Panamá, uma produção que mescla ação e suspense em um contexto político marcado por intrigas, traições e jogos de poder. Dirigido por Mark Neveldine, conhecido por seu estilo ágil e enérgico, e roteirizado por Daniel Adams, o longa mergulha no turbulento cenário da América Central de 1989, trazendo uma história ficcional que dialoga de forma realista com fatos históricos da época.

Para entender a importância e o impacto de Panamá, é essencial conhecer o contexto em que a trama está inserida. No final dos anos 80, em plena Guerra Fria, a América Central era palco de intensos conflitos políticos e militares, impulsionados por ideologias divergentes, interesses estratégicos globais e uma forte presença dos Estados Unidos na região. O confronto entre forças de esquerda, como os sandinistas da Nicarágua, e grupos de oposição financiados e treinados pelos americanos, como os Contras, alimentava uma guerra por procuração que consumia vidas e recursos, gerando um ambiente de medo, desconfiança e violência. O Panamá, país crucial pela sua localização geopolítica, era governado por Manuel Noriega, uma figura complexa que transitava entre a aliança com a CIA e o envolvimento com o narcotráfico e potências rivais. Noriega simbolizava a ambiguidade da política externa americana, que por vezes apoiava regimes controversos desde que seus interesses fossem atendidos.

É justamente neste cenário tenso que o filme apresenta sua narrativa, trazendo à tona operações clandestinas e a face obscura do jogo político na América Latina. No centro da história está James Becker, personagem vivido por Cole Hauser, um ex-fuzileiro naval que carrega o peso de um passado marcado por tragédias pessoais. A perda da esposa mergulhou Becker em um ciclo de isolamento e autodestruição, consumido pelo álcool e pela dor. A vida que ele levava parecia não ter mais propósito, até que surge uma oferta que pode mudar seu destino. Stark, interpretado por Mel Gibson, é um antigo comandante de Becker que agora atua como agente da CIA. É ele quem traz a proposta que desafia Becker a sair do seu exílio emocional: uma missão secreta no Panamá, onde ele deve negociar a compra de um helicóptero russo que poderá ser decisivo na luta dos Contras contra os sandinistas.

A missão não é apenas perigosa por si só; envolve uma teia complexa de interesses e traições que Becker terá que desvendar e enfrentar. O longa acompanha seu mergulho neste universo de espionagem, mentiras e violência, onde confiança é uma moeda rara. O que torna Panamá especialmente interessante é o cuidado dado à construção dos personagens, que não se resumem a estereótipos simplistas. Becker é o anti-herói clássico: durão, marcado pela dor, mas ainda humano em suas falhas e contradições. Seu passado militar dá profundidade à sua figura, revelando um homem que carrega o peso de suas escolhas e busca um caminho para se redimir. Stark, o mentor da CIA, representa o lado pragmático e, por vezes, implacável da política americana, mas também tem momentos que mostram seu lado humano e os dilemas morais que enfrenta. Já Enrique Rodriguez, personagem vivido por Mauricio Hénao, é o traficante e intermediário cuja ambição e astúcia o colocam em uma posição ambígua, navegando entre os vários poderes em jogo.

A introdução de Camilla (Kiara Liz), uma prostituta que vive os altos e baixos do contexto perigoso do Panamá, adiciona uma camada emocional ao filme. Ela simboliza as pessoas comuns que, em meio às grandes decisões políticas e militares, acabam sendo as maiores vítimas, tentando sobreviver e manter a esperança. Panamá não decepciona quem busca um filme com ritmo acelerado e cenas de ação bem executadas. A narrativa é pontuada por momentos de suspense intenso, perseguições e confrontos que mantêm a tensão no auge. Um dos episódios que mais chama a atenção é a corrida de motocross pela selva entre Becker e Enrique, que vai muito além da competição física: é um duelo simbólico pelo controle da missão e pela confiança dos envolvidos. A natureza selvagem do cenário reforça a sensação de perigo constante.

À medida que Becker se aprofunda em sua missão, traições e assassinatos complicam ainda mais sua trajetória. Sua relação com Camilla é marcada por um misto de afeto e desconfiança, especialmente quando ele descobre que ela foi forçada a participar de uma trama que coloca sua vida em risco. A morte de Camilla representa um ponto de ruptura na história, impulsionando Becker a uma busca feroz por justiça e vingança, que o leva a confrontar os poderes que operam nas sombras do Panamá.

Reflexões sobre poder, lealdade e consequências

Mais do que um mero filme de ação, Panamá provoca reflexões importantes sobre os efeitos das decisões políticas e militares em pessoas reais. A trama escancara como a manipulação dos interesses internacionais pode desencadear ciclos de violência, desconfiança e tragédias humanas. O percurso de Becker evidencia o dilema do homem comum tentando preservar sua humanidade em um cenário dominado por jogos sujos e interesses ocultos. O filme levanta questões sobre o preço da lealdade, os limites da sobrevivência e as consequências das alianças políticas. Ao mesmo tempo, há uma crítica velada à atuação da CIA na América Latina, mostrando como sua intervenção, mesmo sob o pretexto de proteger a democracia, muitas vezes se pautava por interesses econômicos e estratégicos, ignorando o impacto social dessas ações.

Direção, produção e qualidade técnica

A direção de Mark Neveldine, conhecido por filmes como Crank, imprime ao longa um ritmo dinâmico e envolvente que prende o espectador do início ao fim. A direção aposta em sequências intensas e coreografadas com precisão, evitando exageros que poderiam tirar a veracidade da história. A cinematografia se destaca por aproveitar ao máximo os ambientes urbanos e naturais do Panamá, criando uma atmosfera que mistura tensão, perigo e beleza. A trilha sonora complementa a narrativa, alternando entre momentos de silêncio tenso e explosões dramáticas. O roteiro de Daniel Adams é enxuto, privilegiando diálogos objetivos e cenas de impacto emocional que desenvolvem os personagens sem comprometer o andamento ágil da trama.

Elenco e atuações

O sucesso do filme também passa pela força de seu elenco. Cole Hauser entrega uma atuação convincente, mostrando um homem complexo que transita entre a vulnerabilidade e a determinação, conferindo humanidade a Becker e tornando-o uma figura memorável. Mel Gibson traz sua experiência e carisma para o papel de Stark, equilibrando a rigidez da espionagem com momentos de humanidade, o que torna seu personagem mais tridimensional. Mauricio Hénao encarna Enrique Rodriguez com um misto de ambição, astúcia e vulnerabilidade, um antagonista que foge do maniqueísmo tradicional. Kiara Liz, no papel de Camilla, e Néstor Rodulfo como o coronel Marcos Justines complementam o elenco, enriquecendo a trama com suas presenças intensas.

Vale a pena assistir?

Se você é fã de filmes que vão além do entretenimento superficial e trazem uma narrativa carregada de significado, Panamá é uma excelente escolha. Ele mistura ação, drama e uma análise crítica dos conflitos políticos que marcaram a América Latina no fim do século XX. Além disso, o filme abre uma janela para um capítulo pouco explorado da história, permitindo que o público reflita sobre as consequências das decisões globais para as vidas individuais, muitas vezes esquecidas nas grandes manchetes. A combinação de personagens complexos, reviravoltas inesperadas e um cenário realista faz de Panamá um filme que desafia sua atenção e oferece uma experiência cinematográfica rica e emocionante.

Onde posso assistir?

Você pode assistir ao filme em diversas plataformas de streaming e vídeo sob demanda (VOD). Está disponível para assinantes no Telecine, onde é possível assistir com qualidade e comodidade. Outra opção por assinatura é a plataforma Adrenalina Pura, que também oferece o filme para seu público. Para quem prefere o serviço de compra digital, o longa está disponível no Prime Video em HD, podendo ser adquirido a partir de R$ 29,90.

Filmes que estreiam nos cinemas nesta quinta (9): Tron – Ares, Depois da Caçada, Ruídos, Perrengue Fashion e mais novidades

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As salas de cinema de todo o país recebem, nesta quinta-feira, 9 de outubro, uma programação repleta de novidades e experiências para todos os gostos. Dos universos futuristas e tecnológicos às aventuras cheias de fantasia, passando por comédias leves e dramas intensos, as estreias desta semana prometem emocionar, divertir e surpreender o público. Entre os destaques, estão Tron: Ares, o aguardado retorno da franquia de ficção científica da Disney; A Casa Mágica da Gabby, uma animação encantadora que mistura imaginação e afeto; e Perrengue Fashion, comédia nacional dirigida por Flávia Lacerda que aborda de forma divertida os dilemas do mundo digital, da fama e das relações familiares.

Mas as novidades não param por aí. Os fãs de suspense e terror ganham uma estreia vinda da Coreia do Sul: Ruídos (Noise), um filme que promete deixar o público sem fôlego ao acompanhar a jornada de uma jovem com deficiência auditiva em busca da irmã desaparecida — um verdadeiro mergulho no medo e no mistério, com forte influência do terror asiático. Já quem prefere histórias densas e provocativas pode se interessar por Depois da Caçada, novo drama de Luca Guadagnino, diretor de Me Chame Pelo Seu Nome, que explora segredos, ética e as consequências das escolhas pessoais e profissionais em um ambiente universitário.

Em um mundo onde a imaginação é a ponte entre gerações, “A Casa Mágica da Gabby” surge como um daqueles filmes que encantam tanto crianças quanto adultos, oferecendo uma viagem colorida, divertida e repleta de significados. Dirigido por Ryan Crego, o longa é inspirado na popular série animada infantil A Casa Mágica da Gabby (Gabby’s Dollhouse), sucesso da DreamWorks em parceria com a Netflix. Desta vez, a história ganha vida nas telonas em um formato inédito, com uma aventura que mistura fantasia e emoção, mantendo o coração acolhedor da série original.

A trama acompanha Gabby, uma menina criativa e sonhadora que parte em uma viagem de carro com sua avó Gigi rumo à metrópole encantada de Cat Francisco — um lugar onde o mundo humano e o universo dos gatos mágicos se cruzam. A viagem, que inicialmente seria apenas um passeio entre avó e neta, logo se transforma em uma jornada de autodescoberta.

No caminho, algo inesperado acontece: a casa de bonecas da Gabby, seu objeto mais querido e símbolo de sua infância, acaba indo parar nas mãos de Vera, uma excêntrica senhora dos gatos que vive cercada de mistérios e miados. Determinada a recuperar seu tesouro, Gabby embarca em uma aventura que desafia as fronteiras entre a fantasia e o mundo real, levando-a a redescobrir o verdadeiro valor das memórias, da amizade e da conexão familiar.

Sob a direção sensível de Ryan Crego, conhecido por seu trabalho em Arlo, o Menino Jacaré, o filme aposta em um tom poético e visualmente vibrante. A animação mescla sequências em 3D com trechos em live action, criando uma estética híbrida que reforça a sensação de transitar entre dimensões — o real e o imaginário, o tangível e o afetivo.

Crego, que já demonstrou domínio em histórias com mensagens emocionais, aposta aqui em uma narrativa que celebra a infância, mas não ignora o crescimento. Ele conduz o público por um caminho de cores suaves, texturas aconchegantes e uma trilha sonora envolvente que acompanha o amadurecimento da protagonista.

Em meio a filtros, hashtags e campanhas publicitárias, Perrengue Fashion surge como uma das comédias nacionais mais carismáticas e espirituosas do ano. Dirigido por Flávia Lacerda, o filme combina humor e emoção em doses equilibradas, convidando o público a rir, refletir e se identificar com as confusões de uma mulher que precisa reencontrar a si mesma quando o mundo perfeito das redes sociais começa a ruir.

Com 94 minutos de duração, o longa aposta em um ritmo leve, diálogos ágeis e um elenco afinado para discutir temas muito atuais: a pressão por aparência, o distanciamento entre gerações e a importância de se reconectar com o que realmente importa — sem deixar o estilo de lado, é claro.

A protagonista Paula, interpretada de forma envolvente por uma atriz que entrega carisma e autenticidade, é uma influenciadora de moda e lifestyle que parece ter a vida perfeita. Entre campanhas publicitárias, viagens e parcerias com marcas de luxo, ela construiu uma imagem pública impecável — até o dia em que tudo começa a sair do controle.

A trama se desenrola quando Paula é convidada para estrelar uma campanha de Dia das Mães ao lado do filho Cadu, um jovem inteligente e sensível que estuda em uma conceituada universidade dos Estados Unidos. O projeto parece a oportunidade ideal para fortalecer a imagem da família nas redes, mas o plano desanda quando Cadu decide abandonar a faculdade e se mudar para o interior do Amazonas, em busca de propósito e conexão com a natureza.

Determinada a convencê-lo a voltar, Paula embarca em uma viagem até a floresta amazônica — um cenário completamente oposto ao seu cotidiano glamouroso. O que era para ser uma rápida visita se transforma em uma jornada de autodescoberta, amor e amadurecimento, onde ela terá de lidar com a falta de sinal de internet, roupas sujas de barro e, principalmente, com as próprias emoções.

O diretor Luca Guadagnino, conhecido por obras intensas e sensoriais como Me Chame Pelo Seu Nome e Suspiria, retorna aos cinemas com Depois da Caçada, um drama psicológico que desafia o público a refletir sobre ética, poder e memória. Com 139 minutos de duração, o longa combina a estética refinada do cineasta com um roteiro repleto de camadas morais e dilemas humanos, transformando uma simples acusação acadêmica em uma complexa teia de segredos e consequências.

A história gira em torno de Anne, uma respeitada professora universitária que vive um momento estável da carreira e da vida pessoal — até que um de seus alunos mais talentosos e conhecidos faz uma grave acusação contra um colega professor. O caso rapidamente se transforma em um escândalo que divide a instituição, coloca reputações em jogo e ameaça desmoronar a fachada de excelência acadêmica.

No entanto, o verdadeiro conflito surge quando um segredo sombrio do passado de Anne ameaça vir à tona. À medida que o escândalo cresce, ela precisa enfrentar não apenas as pressões externas, mas também suas próprias culpas, contradições e a linha tênue entre lealdade e cumplicidade.

O roteiro explora com maestria o efeito dominó das decisões morais — mostrando como o desejo de proteger uma carreira ou uma imagem pode corroer lentamente o que resta de integridade. “Depois da Caçada” é menos sobre quem está certo ou errado, e mais sobre o peso insuportável de viver com o que foi varrido para debaixo do tapete.

Entre os lançamentos desta quinta, Ruídos é uma das produções que promete arrepiar até os espectadores mais acostumados ao terror asiático. Vindo direto da Coreia do Sul, o longa-metragem apresenta uma narrativa densa, atmosférica e emocionalmente intensa, que mistura elementos de suspense psicológico com o terror sobrenatural. A trama acompanha Ju-young, uma jovem com deficiência auditiva que se vê mergulhada em um mistério angustiante quando sua irmã desaparece sem deixar vestígios. O desaparecimento acontece dentro do próprio apartamento da família, um local que logo se torna palco de experiências assustadoras e ruídos inexplicáveis.

Determinada a descobrir o que aconteceu, Ju-young inicia uma investigação solitária, mas logo percebe que o silêncio ao seu redor é tão ameaçador quanto o barulho. Sons sutis, vozes distantes e ecos misteriosos a perseguem em uma espiral de paranoia e medo crescente. A jovem, interpretada com uma entrega impressionante pela atriz principal, traduz na tela o terror invisível que surge quando a realidade começa a se distorcer — e o público é arrastado junto para dentro dessa atmosfera de inquietação.

Com a ajuda do namorado da irmã desaparecida, Ju-young começa a desvendar segredos que vão muito além do que poderia imaginar. Cada novo indício revela algo mais perturbador, construindo uma sensação de desespero crescente e conduzindo o espectador a questionar o que é real e o que é fruto de uma mente abalada pelo trauma.

O longa é dirigido por Kim Soo-jin, que demonstra um domínio notável sobre o gênero. A direção é precisa e sensorial — cada movimento de câmera e cada ruído têm uma função narrativa, potencializando o medo sem recorrer a sustos fáceis. A escolha de acompanhar uma protagonista surda adiciona uma camada extra de tensão e originalidade, explorando o som não apenas como elemento técnico, mas como parte da própria identidade da história. O silêncio, aqui, é tão poderoso quanto o barulho.

Inspirado nas tradições do J-horror e do K-horror, Ruídos aposta em uma atmosfera de terror psicológico e sobrenatural mais sutil, focada na sugestão e na tensão constante. O espectador não é apenas convidado a assistir — ele é envolvido, colocado no mesmo estado de alerta que a protagonista sente ao tentar compreender o que está acontecendo ao seu redor.

Entre as grandes estreias da semana, Tron: Ares é, sem dúvida, uma das mais aguardadas pelos fãs de ficção científica e tecnologia. O novo capítulo da icônica franquia da Disney chega aos cinemas nesta quinta-feira (9) prometendo expandir o universo digital que conquistou gerações desde o lançamento do primeiro Tron, em 1982. Dirigido por Joachim Rønning, o longa é uma aventura visualmente ambiciosa que mistura ação, filosofia e questionamentos éticos sobre o papel da Inteligência Artificial no mundo contemporâneo.

A trama acompanha Ares, um sofisticado programa criado dentro do universo digital que, inesperadamente, é enviado ao mundo real para cumprir uma missão de extrema importância — e perigo. É a primeira vez que a humanidade entra em contato direto com uma forma de vida artificial consciente, o que transforma o enredo em uma reflexão sobre os limites da criação tecnológica e a definição do que é “real”.

Enquanto o primeiro Tron explorava o fascínio pelos primeiros sistemas de computador e Tron: O Legado (2010) expandia o visual e a mitologia da “Grade”, Tron: Ares dá um passo além: ele traz o universo digital para dentro do nosso mundo físico. O resultado é um choque de realidades, onde humanos e programas coexistem — e onde a linha entre criador e criatura se torna perigosamente tênue.

O protagonista, interpretado com carisma e intensidade, é apresentado como uma entidade complexa, que precisa aprender a lidar com sentimentos humanos, moralidade e livre-arbítrio. Ao mesmo tempo, os personagens humanos da história representam a busca por controle sobre aquilo que criaram — um tema que dialoga diretamente com as discussões atuais sobre IA, ética e consciência artificial.

Visualmente, o filme é um espetáculo. O diretor Joachim Rønning — conhecido por seu trabalho em Piratas do Caribe: A Vingança de Salazar — aposta em uma estética futurista refinada, com uso criativo de luzes de néon, cores vibrantes e efeitos visuais de ponta. Cada cena parece cuidadosamente desenhada para imergir o espectador em uma experiência sensorial, misturando o real e o virtual de forma quase hipnótica.

A trilha sonora, com fortes influências eletrônicas e batidas sintetizadas, presta homenagem à icônica trilha de Tron: O Legado, assinada pelo Daft Punk, enquanto adiciona novas camadas sonoras que reforçam o clima de tensão e descoberta. O resultado é uma ambientação sonora que complementa a narrativa e dá ritmo às cenas de ação e contemplação.

Crítica – Lobisomem apresenta uma visão minimalista ambiciosa

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Foto: Reprodução/ Internet

O filme Lobisomem busca se destacar ao adotar uma abordagem minimalista semelhante à de O Homem Invisível, trazendo reflexões sobre violência herdada e raiva masculina. Apesar da ambição, o longa enfrenta dificuldades em desenvolver plenamente suas temáticas centrais, o que limita seu impacto emocional e narrativo.

A história apresenta uma introdução interessante ao explorar a dinâmica familiar do protagonista, mas os diálogos e situações soam um pouco artificiais, prejudicando a imersão do público. Há momentos em que o roteiro poderia aprofundar mais os conflitos e conexões entre os personagens, mas sua execução apressada acaba comprometendo esse potencial.

O elenco conta com o talento de Julia Garner, que tenta imprimir autenticidade à sua personagem, embora esta não receba a profundidade esperada. O filme oferece alguns vislumbres de tensão e mistério, mas o ritmo acelerado, especialmente nos primeiros 30 minutos, prejudica a construção de um vínculo mais forte com a narrativa.

Visualmente, a iluminação escura é usada para criar uma atmosfera sombria, mas, em certos momentos, dificulta a experiência do espectador. No entanto, o esforço para evocar um clima minimalista e intimista é notável. Já no campo do terror, as cenas de gore poderiam ter sido mais ousadas e criativas, mas ainda conseguem entregar alguns momentos intrigantes.

Apesar de suas falhas, Lobisomem é uma obra com ideias interessantes e uma tentativa válida de explorar o gênero de forma diferente. Com ajustes no roteiro e maior cuidado na execução visual, poderia se tornar uma experiência mais impactante e memorável. Para os fãs do gênero, vale a pena conferir, especialmente para apreciar a proposta de um terror mais reflexivo e intimista.

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