Neste sábado, 21 de fevereiro de 2026, o Supercine da TV Globo aposta em uma comédia romântica que mistura paixão, insegurança e boas doses de humor ácido: Sobre Ontem à Noite. Lançado originalmente como About Last Night, o longa é dirigido por Steve Pink e revisita uma história que já havia ganhado as telas nos anos 80, inspirada na peça Sexual Perversity in Chicago, de David Mamet.
Mas esqueça a ideia de um romance açucarado e previsível. Aqui, o amor nasce de forma impulsiva, entre drinks, provocações e uma química quase imediata. A trama acompanha dois casais que se conhecem em um bar e, depois de uma noite intensa, decidem dar uma chance a algo que começou sem grandes promessas.
Danny (Michael Ealy) e Debbie (Joy Bryant) vivem o lado mais sensível da história. Eles se conectam rapidamente e tentam transformar o encanto inicial em um relacionamento estável. Existe ali uma vontade genuína de fazer dar certo, mas também há inseguranças, diferenças de personalidade e o medo de se machucar. O filme acompanha o casal nos altos e baixos típicos de quem está aprendendo a dividir espaço, rotina e expectativas.
Em contraste, Bernie (Kevin Hart) e Joan (Regina Hall) são pura faísca. Sarcásticos, diretos e sem filtro, eles protagonizam as cenas mais engraçadas — e também as mais honestas. A química entre Kevin Hart e Regina Hall é um dos grandes trunfos do filme. Os diálogos são rápidos, provocativos e muitas vezes desconcertantes, dando à narrativa um ritmo que foge do convencional das comédias românticas tradicionais.
O que torna Sobre Ontem à Noite interessante é justamente a forma como ele desmonta a fantasia do “felizes para sempre” instantâneo. O filme mostra que a parte fácil é se apaixonar em uma noite animada. O difícil começa no dia seguinte, quando entram em cena as manias, os traumas, as ambições profissionais e as expectativas sobre o futuro. Entre discussões sobre morar junto, carreira e fidelidade, os personagens percebem que o amor exige mais do que atração física.
A direção de Steve Pink mantém um tom contemporâneo, com diálogos naturais e situações que soam próximas da realidade. Não há grandes reviravoltas dramáticas, mas sim conflitos cotidianos que qualquer casal pode reconhecer. É aquela discussão que começa pequena e cresce sem perceber. É o orgulho que impede um pedido de desculpas. É o medo de admitir que está se envolvendo mais do que gostaria.
Além dos protagonistas, o elenco conta ainda com nomes como Christopher McDonald e Adam Rodriguez, que ajudam a compor o universo social e profissional dos personagens. Mas é mesmo o quarteto principal que sustenta o filme do início ao fim.
Nos cinemas, o longa teve uma estreia forte, arrecadando cerca de 25,7 milhões de dólares em seu primeiro fim de semana, ficando atrás apenas de The Lego Movie, que liderava as bilheterias na época. Ao final de sua trajetória, somou aproximadamente 50,5 milhões de dólares mundialmente — um resultado sólido para uma comédia romântica de orçamento moderado.
Mais do que números, porém, o que permanece é a identificação. Sobre Ontem à Noite fala sobre aquele momento em que a paixão deixa de ser só diversão e começa a exigir responsabilidade emocional. Fala sobre aprender a ouvir, ceder e, principalmente, crescer junto. Nem sempre os personagens acertam — e é justamente isso que os torna humanos.
Para quem gosta de histórias que misturam risadas com reflexões sinceras sobre relacionamentos, o filme é uma boa escolha para o sábado à noite. Ele diverte, provoca e, em alguns momentos, até incomoda um pouco — porque lembra que amar não é apenas sobre a noite perfeita, mas sobre tudo o que vem depois dela.
Em 2026, o streaming deixou de ser apenas passatempo de fim de semana para virar palco de histórias que cutucam feridas bem reais. Entre paixões que ultrapassam limites, disputas carregadas de tensão e tramas de ficção científica que conversam diretamente com a pressão estética e o culto à imagem, as plataformas estão investindo em narrativas que incomodam na medida certa — e continuam ecoando depois que os créditos sobem.
Para o mês de fevereiro, selecionamos cinco estreias que merecem atenção. São produções que passam por uma epidemia ligada à busca obsessiva pelo “corpo perfeito”, romances que nascem em cenários improváveis, jogos de poder marcados por desejo e histórias que colocam personagens diante de escolhas difíceis, daquelas que mudam tudo. Mais do que tendências do catálogo, são obras que refletem inseguranças, ambições e contradições do nosso tempo — e fazem a pergunta inevitável: até onde você iria para ter aquilo que mais deseja?
The Beauty transforma a obsessão pela perfeição em um pesadelo fashion sci-fi
Em um cenário onde filtros digitais, procedimentos estéticos e promessas milagrosas dominam o imaginário coletivo, The Beauty surge como uma das produções mais provocativas do ano. Criada por Ryan Murphy e Matthew Hodgson, a série adapta a HQ de Jeremy Haun e Jason A. Hurley para transformar o universo da alta-costura em palco de um thriller de ficção científica mergulhado no body horror. A produção estreou no FX e no FX on Hulu em 21 de janeiro de 2026, cercada de curiosidade — e polêmica.
A premissa é tão sedutora quanto assustadora: um vírus sexualmente transmissível começa a circular entre jovens adultos e figuras influentes da indústria da moda. Seus efeitos iniciais são “milagrosos”. Quem é infectado se transforma em uma versão fisicamente perfeita de si mesmo. Pele lisa, traços harmoniosos, corpos esculturais. A transformação acontece de forma rápida, quase mágica — como se a ciência tivesse finalmente encontrado o atalho definitivo para o ideal estético contemporâneo.
O problema é que o efeito colateral não demora a aparecer.
Supermodelos internacionais começam a morrer de maneiras brutais e inexplicáveis. O glamour das passarelas dá lugar a cenas de horror explícito, em que o corpo humano se torna território de colapso. É nesse contexto que entram os agentes do FBI Cooper Madsen e Jordan Bennett, enviados a Paris para investigar as mortes que já começam a chamar atenção global. Conforme a investigação avança, eles percebem que não estão diante de um assassino comum, mas de algo muito maior — uma conspiração corporativa que mistura biotecnologia, ambição e manipulação em escala mundial.
O elenco reforça o peso dramático da trama. Evan Peters entrega uma atuação intensa e ambígua, transitando entre o ceticismo profissional e o desconforto moral diante do que descobre. Anthony Ramos e Jeremy Pope ajudam a construir o clima de tensão crescente, enquanto Rebecca Hall adiciona sofisticação e mistério à narrativa. Já Ashton Kutcher assume um papel-chave ligado à engrenagem corporativa que sustenta o surto — uma figura poderosa que acredita estar revolucionando o mundo, mesmo que isso signifique destruí-lo.
A série não economiza na crítica social. Murphy já declarou que enxerga The Beauty como uma resposta direta à chamada “cultura do Ozempic” e à obsessão moderna por transformações físicas aceleradas por medicamentos. A produção questiona até que ponto a sociedade está disposta a arriscar saúde, identidade e até a própria vida para alcançar padrões irreais de aparência.
Esse debate não é novo na carreira de Murphy — basta lembrar de Nip/Tuck, que explorava os bastidores da cirurgia plástica e os limites da vaidade humana. A diferença é que, em The Beauty, o subtexto vira texto. O horror deixa de ser simbólico e se torna visceral. As cenas de transformação e deterioração corporal flertam com o grotesco, reforçando o gênero body horror e aproximando a série de produções que usam o desconforto físico como metáfora social.
Visualmente, a obra investe em contrastes marcantes. De um lado, desfiles luxuosos em Paris, festas exclusivas em Veneza e encontros secretos em Roma. Do outro, laboratórios escondidos, corpos em decomposição e corredores de hospitais lotados. A estética elegante intensifica o choque quando o horror explode em cena, criando um jogo constante entre sedução e repulsa.
À medida que o vírus se espalha e a droga apelidada de “A Beleza” se torna objeto de desejo global, a pergunta central da série ecoa: o que realmente significa ser belo? E mais importante — quem lucra com essa definição?
Rivalidade Ardente traz um amor proibido em um romance que desafia o esporte
Entre confrontos violentos no gelo e olhares que dizem mais do que qualquer coletiva de imprensa, Heated Rivalry transforma o universo do hóquei profissional em cenário para uma das histórias de amor mais intensas do streaming recente. A série canadense — conhecida no Brasil como Rivalidade Ardente — foi criada, escrita e dirigida por Jacob Tierney para a plataforma Crave, adaptando o segundo livro da série Game Changers, de Rachel Reid.
A trama acompanha Shane Hollander e Ilya Rozanov, interpretados por Hudson Williams e Connor Storrie. Eles são os maiores talentos da fictícia Major League Hockey (MLH), jogando em times rivais: o Boston Raiders e o Montreal Metros. A rivalidade remete diretamente ao histórico embate entre Boston Bruins e Montreal Canadiens na National Hockey League — uma das disputas mais tradicionais do esporte.
Mas o que começa como competição feroz dentro da arena ganha contornos muito mais complexos fora dela.
Shane e Ilya vivem um romance secreto que atravessa anos, temporadas e fases distintas de suas vidas. Enquanto o mundo os enxerga como inimigos naturais no gelo, longe das câmeras eles compartilham vulnerabilidades, desejos e medos que não podem ser expostos publicamente. Em um ambiente esportivo ainda marcado por conservadorismo e expectativas rígidas sobre masculinidade, assumir um relacionamento poderia significar arriscar contratos milionários, reputações e até suas trajetórias profissionais.
A série constrói essa tensão com sensibilidade e intensidade. Shane enfrenta o processo de compreender e aceitar a própria sexualidade em meio à pressão da mídia e da torcida. Ilya, por sua vez, carrega o peso de expectativas familiares e culturais que o empurram para uma vida pública cuidadosamente controlada. Entre viagens, campeonatos e encontros furtivos em hotéis, o relacionamento dos dois evolui de atração impulsiva para um vínculo profundo e duradouro.
O elenco de apoio reforça a densidade dramática, com nomes como François Arnaud, Christina Chang, Sophie Nélisse e Dylan Walsh, que ajudam a expandir o universo da liga, explorando bastidores, contratos, conflitos internos e as engrenagens que movem o esporte profissional.
Produzida pela Accent Aigu Entertainment em parceria com a Bell Media, a série teve pré-estreia no Image+Nation LGBTQ+ Film Festival, em Montreal, em novembro de 2025 — um indicativo claro de seu posicionamento como obra relevante dentro da representatividade LGBTQ+ no audiovisual esportivo. As filmagens aconteceram na província de Ontário, com Hamilton servindo como locação para recriar cidades como Nova Iorque e Moscou.
Após a estreia na Crave, em 28 de novembro de 2025, Heated Rivalry ganhou distribuição internacional pela HBO Max, além de chegar a outros territórios por meio da Neon e da Movistar Plus+. O resultado foi imediato: críticas positivas destacaram a química arrebatadora entre os protagonistas, o roteiro emocionalmente honesto e a direção segura de Tierney. A produção se tornou o maior sucesso original da Crave até hoje e registrou números expressivos também na HBO Max, consolidando-se como um fenômeno global.
Se Esse Amor Desaparecesse Hoje prova que o amor pode sobreviver até à perda da memória
Dirigido por Kim Hye-young, o romance sul-coreano Se Esse Amor Desaparecesse Hoje (título original em coreano) aposta em uma premissa delicada e emocionalmente devastadora: como construir um amor quando a memória simplesmente não acompanha o coração?
A história acompanha Han Seo-yun, interpretada por Shin Si-ah, uma estudante do ensino médio que vive sob uma condição rara e desafiadora: amnésia anterógrada. Isso significa que, ao acordar todas as manhãs, ela não consegue se lembrar do que viveu no dia anterior. Cada novo dia é, literalmente, uma página em branco. Amigos precisam reapresentar situações. Conversas precisam ser retomadas do zero. Emoções precisam ser reconstruídas com pistas deixadas em diários, bilhetes e gravações.
Enquanto colegas se preocupam com provas e paixões adolescentes, Seo-yun enfrenta algo muito maior: a impossibilidade de acumular memórias afetivas.
É nesse cenário que surge Kim Jae-won, vivido por Choo Young-woo. Quando os dois começam a namorar, a rotina da jovem ganha novos contornos. Mesmo sem lembrar do dia anterior, Seo-yun passa a descobrir, repetidamente, que está apaixonada. Todos os dias, ela precisa confiar nas anotações que escreveu, nas fotos no celular e nas palavras de Jae-won para acreditar que aquele sentimento é real — e que não é apenas uma ilusão construída por terceiros.
O filme constrói sua força justamente nessa repetição emocional. Há algo profundamente tocante em assistir uma personagem se apaixonar pela mesma pessoa várias vezes, como se fosse sempre a primeira. Ao mesmo tempo, essa dinâmica levanta questionamentos delicados: até que ponto confiar no outro é seguro quando sua própria memória não pode confirmar nada?
E é aí que a trama ganha uma camada extra de tensão. Sem que Seo-yun perceba, Jae-won esconde um segredo capaz de transformar completamente o futuro dos dois. A revelação — cuidadosamente conduzida ao longo da narrativa — coloca em xeque não apenas o relacionamento, mas também a noção de proteção e verdade. Ele age por amor? Por culpa? Ou por medo de perder alguém que talvez nunca consiga se lembrar dele da mesma forma?
O elenco se completa com Jo Yoo-jung, que contribui para ampliar o universo emocional da protagonista, mostrando como amigos e familiares também precisam se adaptar a essa realidade frágil e imprevisível.
Love Me, Love Me aposta em paixão e tensão adolescente na Itália
Mudar de país já é desafiador. Fazer isso enquanto ainda se tenta sobreviver à dor da perda é ainda mais. É assim que conhecemos June, protagonista de Love Me, Love Me. Depois da morte do irmão, ela deixa tudo para trás e se muda para a Itália em busca de um recomeço. A nova paisagem é deslumbrante, mas por dentro ela ainda carrega um vazio difícil de explicar.
Na escola de elite onde passa a estudar, tudo parece perfeito demais: uniformes impecáveis, festas sofisticadas, alunos que aparentam ter a vida sob controle. Só que não demora para June perceber que aquela perfeição é só fachada. Por trás dos sorrisos e das boas notas, há segredos, rivalidades e escolhas perigosas.
É nesse cenário que surge o conflito central da história.
De um lado está James — impulsivo, provocador, envolvido em lutas clandestinas de MMA. Ele tem fama de problemático, mas também carrega uma intensidade que mexe com June desde o primeiro encontro. James não promete estabilidade, mas oferece algo cru, verdadeiro, quase explosivo.
Do outro lado está Will, o melhor amigo de James. Educado, responsável, gentil. O tipo de garoto que faz qualquer mãe respirar aliviada. Com ele, June encontra acolhimento em meio ao caos emocional que ainda enfrenta. Começar um relacionamento com Will parece a escolha certa. A escolha segura.
Só que o coração raramente segue o caminho mais previsível.
Enquanto tenta entender seus próprios sentimentos, June descobre que as aparências naquela escola enganam — e muito. Pessoas confiáveis escondem mentiras. Relações aparentemente sólidas são frágeis. E o passado de alguns colegas pode ser mais sombrio do que ela imagina. Aos poucos, o romance adolescente ganha contornos de suspense emocional, em que cada revelação muda o rumo da história.
O longa é dirigido por Roger Kumble, conhecido por explorar relações intensas e personagens movidos por desejo e conflito. O roteiro, assinado por Veronica Galli e Serena Tateo, aposta em diálogos diretos e emoções à flor da pele, sem medo de mergulhar nas contradições dos protagonistas.
No elenco, Mia Jenkins constrói uma June vulnerável, mas longe de ser passiva — alguém que erra, hesita e aprende no processo. Pepe Barroso Silva dá a James uma mistura de arrogância e fragilidade que o torna mais complexo do que o rótulo de “valentão”. Já Luca Melucci interpreta Will com doçura e contenção, criando um contraste que sustenta a tensão do triângulo amoroso. Ao redor deles, nomes como Andrea Guo, Michelangelo Vizzini, Madior Fall e Vanessa Donghi ajudam a compor o universo competitivo e cheio de camadas da escola.
Baseado no primeiro livro da tetralogia escrita por Stefania S., o filme já nasce com potencial de continuidade. Caso conquiste o público no Prime Video, a história de June pode se expandir para novos capítulos, aprofundando as consequências das escolhas feitas aqui.
Uma Mente Excepcional mistura humor afiado e investigação policial com protagonista improvável
E se a pessoa mais brilhante da sala fosse justamente aquela que ninguém costuma notar? Essa é a provocação central de Uma Mente Excepcional, série criada por Drew Goddard para a ABC e inspirada na produção franco-belga HPI.
A trama acompanha Morgan Gillory, interpretada por Kaitlin Olson, uma mãe solteira de três filhos que trabalha como faxineira no Departamento de Polícia de Los Angeles. À primeira vista, ela parece apenas mais uma funcionária invisível nos corredores do prédio. Mas Morgan tem um QI de 160 e uma capacidade de observação fora do comum. Enquanto limpa mesas e organiza arquivos, ela absorve informações, identifica padrões e enxerga conexões que passam despercebidas até pelos investigadores mais experientes.
Tudo muda quando, quase por acaso, ela resolve um caso complexo apenas reorganizando provas que estavam fora de ordem. Seu raciocínio rápido e pouco convencional chama atenção da chefia, e Morgan é convidada a atuar como consultora civil na Divisão de Crimes Graves do Los Angeles Police Department (LAPD).
É aí que começa o verdadeiro conflito.
Morgan passa a trabalhar ao lado do detetive Adam Karadec, vivido por Daniel Sunjata. Metódico, disciplinado e adepto de protocolos rígidos, Karadec representa tudo o que Morgan não é. Enquanto ele confia em procedimentos e evidências formais, ela aposta na intuição, na leitura corporal e em associações aparentemente improváveis. O choque de estilos gera tensão constante — mas também resultados surpreendentes.
Completando o trio principal está Selena Soto, chefe da unidade interpretada por Judy Reyes, que precisa equilibrar os talentos extraordinários de Morgan com a necessidade de manter a credibilidade da divisão.
Apesar de seguir a estrutura clássica de casos semanais, Uma Mente Excepcional vai além do procedural tradicional. A série equilibra humor leve — muitas vezes puxado pelo jeito espontâneo e direto de Morgan — com drama familiar e mistério de longo prazo. Fora do trabalho, ela enfrenta os desafios reais de criar três filhos sozinha, lidar com contas atrasadas e com a sensação constante de não se encaixar em lugar nenhum.
Há ainda uma trama que atravessa os episódios e adiciona peso emocional à narrativa: o desaparecimento de Roman, pai de sua filha Ava, ocorrido 15 anos antes. Ao ganhar acesso aos recursos do LAPD, Morgan passa a investigar o caso por conta própria, determinada a descobrir o que realmente aconteceu. Essa busca pessoal humaniza a personagem e impede que a série se torne apenas mais uma história sobre “gênios excêntricos resolvendo crimes”.
O Cine Aventura deste sábado, 21 de fevereiro de 2026, aposta em uma animação que conquistou públicos de todas as idades ao redor do mundo. A Record TV exibe Kung Fu Panda 3, terceiro capítulo da franquia da DreamWorks Animation que transformou um panda desajeitado em símbolo de coragem, identidade e autoconhecimento.
Lançado originalmente em 2016, o longa dá continuidade à jornada de Po, novamente dublado por Jack Black na versão original. Ao seu lado, retornam nomes como Dustin Hoffman, Angelina Jolie, Seth Rogen, Lucy Liu e Jackie Chan, além da chegada de reforços como Bryan Cranston e J.K. Simmons. A mistura de vozes experientes ajuda a dar ainda mais personalidade aos personagens que o público já aprendeu a amar.
Desta vez, a história amplia o universo da franquia ao mergulhar no passado de Po. O herói finalmente reencontra seu pai biológico, Li Shan, e descobre que existe uma vila secreta de pandas escondida nas montanhas. O reencontro é tratado com humor, mas também com delicadeza. Há ali uma camada emocional que fala sobre pertencimento e sobre o que significa, de fato, saber de onde viemos.
Enquanto Po tenta equilibrar a convivência com o pai adotivo, Sr. Ping, e o recém-descoberto pai biológico, surge uma ameaça capaz de abalar todo o Reino Mortal. O General Kai, um antigo guerreiro que retorna do Reino Espiritual, começa a roubar o chi dos mestres de kung fu e a transformá-los em guerreiros de jade. A presença do vilão traz um tom mais épico à narrativa, sem abandonar o humor característico da série.
O filme também coloca Po diante de um desafio inesperado: assumir o posto de mestre. Quando Shifu decide se aposentar do ensino, é o panda quem precisa treinar os Cinco Furiosos. O problema é que ensinar não é tão simples quanto lutar. As tentativas frustradas revelam inseguranças e deixam claro que Po ainda precisa compreender melhor sua própria essência antes de guiar os outros.
É justamente nesse ponto que “Kung Fu Panda 3” se destaca. Mais do que cenas de ação coreografadas com capricho, o longa investe na ideia de que cada indivíduo tem algo único a oferecer. Ao decidir treinar os pandas da vila para enfrentar Kai, Po percebe que não faz sentido transformá-los em cópias de guerreiros tradicionais. Em vez disso, ele valoriza as habilidades naturais de cada um, transformando características simples em estratégias de combate. A mensagem é direta, mas funciona: ser diferente não é fraqueza, é força.
Visualmente, a animação mantém o padrão elevado da DreamWorks, com cenários vibrantes e sequências de ação que misturam leveza e impacto. O confronto final, ambientado entre o Reino Mortal e o Reino Espiritual, é ao mesmo tempo grandioso e emocional. Há espaço para sacrifício, redenção e, claro, para o humor que sempre acompanha Po, mesmo nos momentos mais tensos.
O sucesso do filme não ficou restrito à recepção do público. Com orçamento estimado em US$ 145 milhões, a produção arrecadou cerca de US$ 521 milhões mundialmente, consolidando a força da franquia. A crítica elogiou especialmente a qualidade da animação e o equilíbrio entre aventura e desenvolvimento emocional dos personagens.
A produtora Kromaki foi anunciada como responsável pela nova novela da TV Brasil. Intitulada “Vambora”, a trama será ambientada entre Brasil e Portugal e marca a estreia da empresa no formato de teledramaturgia. O projeto integra a lista de produções selecionadas pelo edital Seleção TV Brasil, promovido pela Empresa Brasil de Comunicação, que contemplou ao todo 38 iniciativas.
“Vambora” terá 30 episódios e aposta em uma narrativa contemporânea que combina drama, romance e elementos de suspense. A coprodução internacional será realizada em parceria com a produtora portuguesa SP, reforçando o caráter transatlântico da história. A proposta é refletir os fluxos migratórios atuais entre os dois países, explorando laços familiares, identidade e pertencimento.
A novela é assinada por Daniel Berlinsky, conhecido por trabalhos como “Dona Beja”, em colaboração com Fabricio Santiago, roteirista de “Vai na Fé”, e Chico Amorim, de “O Cangaceiro do Futuro”. A história original é de Pedro Lopes e Alexandre Castro. A direção ficará a cargo de Roberta Richard, profissional com ampla experiência no gênero e participação em produções de destaque, incluindo “Império”, novela vencedora do Emmy Internacional sob direção artística de Rogério Gomes.
A trama acompanha Aline, uma advogada baiana cuja vida sofre uma reviravolta quando sua mãe, já debilitada por uma doença, revela que seu verdadeiro pai pode estar em Portugal. Diante da revelação, mãe e filha embarcam para Cascais em busca de respostas. A jornada, que inicialmente parece ser apenas uma investigação familiar, transforma-se em um percurso emocional complexo, marcado por revelações, versões conflitantes e segredos do passado.
Ao longo dos episódios, a protagonista será confrontada por dilemas éticos e afetivos, enquanto descobre que a verdade pode ser mais desafiadora do que imaginava. A narrativa promete explorar não apenas o suspense em torno da identidade paterna, mas também as transformações pessoais que surgem quando antigas certezas são colocadas em xeque.
Segundo Daniel Berlinsky, “Vambora” nasce com a proposta de dialogar com públicos dos dois lados do Atlântico. Para o autor, o título representa movimento, tanto físico quanto interno. A história não se limita a retratar brasileiros em Portugal ou portugueses no Brasil, mas constrói personagens que transitam entre os dois países, refletindo dinâmicas migratórias contemporâneas e as conexões culturais que aproximam as nações.
A direção de Roberta Richard deverá imprimir ritmo ágil à produção, com ganchos narrativos marcantes entre os capítulos, sem abrir mão de momentos de pausa e introspecção. A proposta estética busca equilibrar intensidade dramática e sensibilidade emocional, valorizando silêncios e olhares tanto quanto grandes revelações.
Para a Kromaki, “Vambora” representa um novo desafio. A produtora consolidou sua trajetória com projetos como a série de ficção “Os Quatro da Candelária”, lançada pela Netflix, e o documentário “Romário: O Cara”, exibido pela HBO. Também prepara uma série documental sobre a cantora Marília Mendonça em parceria com a produtora Chatrone. A entrada no universo das novelas amplia o escopo da empresa e marca um passo estratégico na diversificação de formatos.
Rodrigo Letier, sócio fundador da Kromaki, destacou a responsabilidade de produzir uma novela para uma emissora pública. Segundo ele, desde a abertura do edital, a equipe buscou desenvolver um projeto que respeitasse a tradição do gênero, mas que também trouxesse inovação temática e formal. A intenção é oferecer uma narrativa que dialogue com questões contemporâneas sem perder o apelo popular característico das telenovelas.
Com enredo marcado por reviravoltas, impasses morais e conflitos afetivos, “Vambora” pretende atingir um público amplo, que acompanha melodramas tanto na televisão aberta quanto nas plataformas digitais. A combinação de drama familiar, suspense investigativo e romance reforça a proposta de criar uma novela que transite entre emoção e reflexão.
A produção ainda não teve data de estreia divulgada, mas já se posiciona como uma das apostas da TV Brasil para fortalecer sua programação de dramaturgia original. Ao apostar em uma narrativa internacionalizada e contemporânea, a emissora amplia seu repertório e reforça o compromisso com conteúdos que valorizam diversidade cultural e qualidade artística.
Há algo particularmente interessante quando atrizes consagradas alcançam um momento da carreira em que já não precisam reafirmar seu talento — apenas selecionar projetos que dialoguem com seus interesses artísticos. Em O Frio da Morte (The Dead of Winter), Emma Thompson demonstra estar exatamente nesse estágio: segura, experiente e visivelmente à vontade ao explorar um território menos habitual em sua filmografia.
Tradicionalmente associada a dramas de época e comédias sofisticadas, Thompson se aventura aqui pelo thriller de ação e imprime à narrativa uma energia que equilibra tensão, humor excêntrico e densidade emocional. Sua atuação sustenta o delicado híbrido de gêneros proposto pelo filme, conferindo credibilidade a uma trama que poderia facilmente resvalar no convencional. É sua presença que ancora o projeto e garante coesão mesmo nos momentos mais frágeis do roteiro.
O texto, por sua vez, apresenta algumas concessões típicas do gênero. Há soluções dramáticas convenientes — como a lesão da protagonista que perde relevância conforme a narrativa avança — e determinados clichês estruturais que não chegam a surpreender. Ainda assim, tais fragilidades tornam-se secundárias diante do carisma e da inteligência interpretativa que Thompson imprime à personagem, elevando material que, em outras mãos, poderia parecer apenas protocolar.
No campo antagônico, Judy Greer entrega uma performance consistente e inquietante. Sua personagem — assim como o parceiro em cena — transita por uma zona moral ambígua, equilibrando traços de frieza criminosa com nuances de humanidade. O filme ensaia, em determinados momentos, uma aproximação emocional com essas figuras, quase conduzindo o espectador à compaixão. Essa complexidade contribui para enriquecer o suspense e amplia a dimensão dramática do conflito central.
Outro mérito do longa reside em sua economia narrativa. Com estrutura enxuta, poucos personagens centrais, locações limitadas e cerca de 90 minutos de duração, a obra opta por uma condução direta e objetiva. Essa contenção favorece o ritmo e evita dispersões desnecessárias, permitindo que a tensão se construa de maneira progressiva e eficaz.
O desfecho adota um tom mais sombrio e ousado, intensificando a atmosfera de ameaça que permeia a narrativa. Mais uma vez, é Thompson quem assegura que as decisões finais da protagonista não descambem para o sentimentalismo simplista. Há firmeza e coerência na condução emocional, o que sustenta o impacto das escolhas dramáticas até os instantes derradeiros.
O Frio da Morte revela-se, portanto, um thriller eficiente, consciente de suas limitações e fortalecido por uma atuação central de alto nível. Mais do que uma simples incursão em um novo gênero, o filme se beneficia da maturidade artística de Emma Thompson, que transforma um projeto de estrutura simples em uma experiência sólida e bem-sucedida.
Quando a Netflix lançou O Agente Oculto em 2022, a expectativa era clara: criar uma nova franquia global de ação com potencial para atravessar anos — e temporadas. Com orçamento estimado em cerca de US$ 200 milhões, o longa se tornou, à época, o filme mais caro já produzido pela plataforma. A aposta reunia um elenco estrelado, diretores acostumados a blockbusters gigantescos e uma base literária sólida. Ainda assim, três anos depois, o projeto que prometia sequência e spin-off parece ter entrado em um território nebuloso.
Em entrevista ao ScreenRant, o diretor Anthony Russo (de Vingadores: Ultimato) foi direto: não há novidades no momento sobre a expansão do universo. A declaração soa como um balde de água fria para quem esperava anúncios mais concretos. Segundo ele, o interesse interno ainda existe, mas, na prática, nada avançou oficialmente.
Estrelado por Ryan Gosling (La La Land), o filme acompanha Court Gentry, também conhecido como Sierra Six, um agente altamente treinado da CIA que se torna alvo após descobrir segredos comprometedores da própria agência. A narrativa mistura espionagem internacional, perseguições explosivas e confrontos físicos intensos — ingredientes clássicos de grandes franquias de ação.
Do outro lado está Lloyd Hansen, interpretado por Chris Evans (Capitão América: O Primeiro Vingador), em um papel que foge completamente da imagem heroica que o consagrou. Aqui, ele encarna um antagonista cruel, sarcástico e instável, disposto a tudo para capturar Six. O contraste entre o herói silencioso de Gosling e o vilão provocador de Evans foi um dos pontos mais comentados na época do lançamento.
O elenco ainda contou com nomes de peso como Ana de Armas (Entre Facas e Segredos), Dhanush (Asuran), Jessica Henwick (Punho de Ferro), Regé-Jean Page (Bridgerton), Wagner Moura (Tropa de Elite), Alfre Woodard (12 Anos de Escravidão) e Billy Bob Thornton (Fargo). Era, sem dúvida, um time montado para chamar atenção mundial.
A direção ficou a cargo de Anthony e Joe Russo (ambos de Vingadores: Guerra Infinita), que também produziram o longa por meio da AGBO, empresa fundada pela dupla. O roteiro foi assinado por Joe Russo ao lado de Christopher Markus e Stephen McFeely, colaboradores frequentes dos irmãos em seus trabalhos anteriores no universo Marvel. A ideia sempre foi transformar a obra baseada no livro de Mark Greaney em uma franquia duradoura, aproveitando a extensa série literária protagonizada pelo mesmo personagem.
Mas o caminho até chegar às telas não foi simples. O projeto começou a ser desenvolvido ainda em 2011, na New Regency, com James Gray (Ad Astra) inicialmente cotado para dirigir e Adam Cozad (A Lenda de Tarzan) responsável pelo roteiro. Naquela fase, o nome de Brad Pitt (Clube da Luta) chegou a ser associado ao papel principal. Anos depois, houve até negociações com Charlize Theron (Mad Max: Estrada da Fúria) para uma possível versão alternativa na Sony Pictures. Só com a entrada definitiva dos irmãos Russo o projeto ganhou novo fôlego — e, posteriormente, migrou para a Netflix.
As filmagens aconteceram em 2021, passando por locações como Praga, na República Tcheca, e o Château de Chantilly, na França, reforçando o caráter internacional da trama. O lançamento ocorreu de forma híbrida, com exibição limitada nos cinemas antes de chegar oficialmente ao catálogo da Netflix em julho de 2022.
Naquele momento, o discurso da plataforma era ambicioso. O objetivo era claro: criar propriedades intelectuais próprias capazes de competir com franquias tradicionais do cinema. Pouco tempo após a estreia, foram anunciados planos para uma sequência direta e um spin-off, ampliando o universo narrativo.
O problema é que, desde então, o silêncio tem sido predominante.
E O Agente Oculto não é o único caso. Outras superproduções da Netflix também seguem em desenvolvimento indefinido. É o caso de Alerta Vermelho, que reuniu Ryan Reynolds (Deadpool), Gal Gadot (Mulher-Maravilha) e Dwayne Johnson (Velozes & Furiosos: Hobbs & Shaw), e também prometia continuações. Outro exemplo é Troco em Dobro, estrelado por Mark Wahlberg (Os Infiltrados), cujo segundo capítulo nunca saiu do papel.
O cenário sugere uma mudança de estratégia. Nos últimos anos, o mercado de streaming passou por ajustes financeiros importantes. Com concorrência acirrada e pressão por resultados sustentáveis, os investimentos bilionários em filmes únicos podem estar sendo reavaliados com mais cautela.
Isso não significa que a franquia esteja oficialmente cancelada. Mas o entusiasmo imediato que cercou o lançamento claramente esfriou. Para uma produção que nasceu com ambições de saga, a ausência de anúncios concretos pesa.
A Panini lançou oficialmente o Livro Ilustrado Oficial SUPER MARIO: It’s-a me, Mario!, reforçando o apelo atemporal de uma das franquias mais emblemáticas da indústria dos videogames. A novidade chega às bancas e lojas especializadas como um produto voltado tanto para colecionadores quanto para fãs que cresceram acompanhando as aventuras do personagem criado pela Nintendo.
Com 40 páginas e 224 cromos colecionáveis, o álbum aposta em variedade e acabamento diferenciado para atrair o público. Entre as figurinhas, 64 contam com efeito metalizado e 16 possuem acabamento que brilha no escuro, ampliando o valor estético e colecionável da publicação. A edição inclui ainda um pôster exclusivo que apresenta a evolução dos jogos da série ao longo dos anos, funcionando como uma linha do tempo ilustrada que evidencia a transformação tecnológica e artística da franquia.
A proposta editorial do álbum é revisitar diferentes fases do universo Mario, reunindo títulos clássicos e produções mais recentes que ajudaram a manter a marca relevante no mercado contemporâneo. Entre os destaques estão Super Mario Bros. Wonder, que marcou uma nova fase criativa da série principal; Luigi’s Mansion 2, focado nas aventuras do irmão de Mario; Princess Peach: Showtime!, que coloca a princesa em posição de protagonismo; e Super Mario Party Jamboree, representante do tradicional formato festivo da franquia.
A inclusão desses títulos reforça a estratégia de apresentar um panorama amplo do universo Mario, destacando não apenas o personagem principal, mas também figuras que ganharam espaço e identidade própria ao longo do tempo. Luigi, Peach, Bowser e diversos outros personagens compõem um elenco que se consolidou como parte essencial da cultura pop.
A trajetória da série começou oficialmente com Super Mario Bros., lançado para o Nintendo Entertainment System em 1985. O título estabeleceu bases fundamentais para o gênero de plataforma, com fases estruturadas em deslocamento lateral, obstáculos progressivos e inimigos que exigiam precisão nos movimentos. A ambientação no Reino Cogumelo e a missão de resgatar a Princesa Peach das investidas de Bowser tornaram-se elementos centrais da narrativa.
Ao longo das décadas, a série evoluiu em termos gráficos, técnicos e criativos, acompanhando a transição do 2D para o 3D e explorando novas possibilidades de design de fases. Mesmo com as transformações, manteve características marcantes, como o uso de power-ups que concedem habilidades especiais ao personagem, entre eles a capacidade de lançar projéteis ou alterar seu tamanho. Esses elementos ajudaram a consolidar a identidade visual e mecânica da franquia.
O impacto comercial de Super Mario também é expressivo. A série já ultrapassou a marca de 380 milhões de cópias vendidas globalmente, posicionando-se entre as mais bem-sucedidas da história dos videogames. No ranking de vendas, aparece atrás apenas de fenômenos como Tetris e Call of Duty, além da própria franquia ampliada de Mario, que inclui títulos derivados em diferentes gêneros.
A força da marca vai além dos consoles. Ao longo dos anos, Mario tornou-se presença constante em produtos licenciados, séries animadas, adaptações cinematográficas e itens de merchandising. Nesse contexto, o lançamento do álbum da Panini dialoga com uma tradição de colecionáveis que atravessa gerações. Para muitos fãs, completar um álbum representa não apenas uma atividade recreativa, mas também uma forma de conexão afetiva com personagens e histórias que marcaram a infância.
O Livro Ilustrado Oficial SUPER MARIO: It’s-a me, Mario! surge em um momento estratégico, aproveitando a visibilidade recente da franquia e a constante renovação de seu catálogo de jogos. Ao reunir nostalgia e atualidade em um único produto, a publicação atende tanto ao público que acompanhou os primeiros lançamentos nos anos 1980 quanto às novas gerações que conhecem o personagem por meio dos títulos mais recentes.
A terceira temporada de A Casa do Dragão já começou a movimentar os fãs antes mesmo de revelar imagens inéditas. A HBO confirmou que o primeiro trailer oficial do novo ano será divulgado nesta quinta-feira, dia 19, e a expectativa nas redes sociais é imediata. Para anunciar a novidade, a produção publicou um teaser conceitual que mostra flâmulas verdes sendo consumidas pelo fogo, uma referência direta à ala dos Verdes na guerra civil Targaryen. A mensagem é simples e poderosa: o conflito está longe de terminar.
O vídeo promocional não apresenta cenas da nova temporada nem antecipa momentos específicos da trama. Em vez disso, aposta em simbolismo e impacto visual. Com efeitos desenvolvidos pelo Busterwood Studio, os elementos da série aparecem inseridos em uma ponte contemporânea, criando um contraste curioso entre o universo medieval de Westeros e o mundo moderno. A escolha estética parece reforçar a ideia de que a história da Dança dos Dragões continua relevante e grandiosa, independentemente do tempo.
Criada por Ryan J. Condal e George R. R. Martin para a HBO, a série é baseada nos acontecimentos descritos na segunda metade do livro Fire & Blood. A produção funciona como prelúdio de Game of Thrones e mergulha na disputa pelo Trono de Ferro entre Rhaenyra Targaryen e Aegon II, dois herdeiros que arrastam o reino para uma guerra marcada por traições, alianças frágeis e batalhas envolvendo dragões.
Desde sua estreia em agosto de 2022, A Casa do Dragão consolidou-se como um fenômeno televisivo. O primeiro episódio registrou aproximadamente 10 milhões de espectadores em sua noite de estreia nos Estados Unidos, estabelecendo um recorde para a HBO. Em poucos dias, os números ultrapassaram a marca de 20 milhões, somando transmissões lineares, streaming e visualizações sob demanda. Após uma semana, a audiência já se aproximava dos 25 milhões de espectadores apenas no território americano, demonstrando a força da franquia.
O impacto foi tão expressivo que a plataforma de streaming enfrentou instabilidades para parte dos usuários na noite de estreia, especialmente em dispositivos Amazon Fire TV. Ainda assim, o sucesso foi consolidado tanto em audiência quanto em reconhecimento crítico. A produção venceu o Globo de Ouro de 2023 na categoria de Melhor Série Dramática, e Emma D’Arcy recebeu indicação como Melhor Atriz em Série Dramática. A série também acumulou nove indicações ao Primetime Emmy Award e conquistou três British Academy Television Craft Awards, reforçando sua relevância na indústria.
A segunda temporada, lançada em junho de 2024 na HBO e no streaming Max, apresentou números menores na estreia em comparação ao primeiro ano, mas manteve desempenho sólido. O episódio inicial reuniu 7,8 milhões de espectadores globalmente e cerca de 1,3 milhão na transmissão linear da HBO nos Estados Unidos. Apesar da queda inicial, capítulos posteriores demonstraram recuperação, culminando em um final de temporada que alcançou 8,9 milhões de espectadores no total e quase 1,5 milhão na exibição tradicional da HBO. Pouco antes da estreia da segunda temporada, a emissora já havia confirmado oficialmente a renovação para o terceiro ano, reforçando a confiança no projeto.
A terceira temporada está prevista para o terceiro trimestre de 2026 e será a penúltima da série. A expectativa é de que os novos episódios intensifiquem ainda mais a guerra aberta entre as facções Targaryen. Com o tabuleiro político completamente desestabilizado, alianças em risco e dragões prontos para o combate, o próximo capítulo promete aprofundar as consequências da Dança dos Dragões, um dos períodos mais sangrentos da história de Westeros.
Esqueça a aventura leve, os alívios cômicos e as perseguições mirabolantes. A nova aposta da Universal Pictures para um de seus monstros mais icônicos promete seguir por um caminho bem mais sombrio. Maldição da Múmia, dirigido e escrito por Lee Cronin, acaba de ganhar um novo trailer e deixa claro que esta versão não quer ser apenas mais uma releitura, mas sim uma experiência sufocante, emocional e perturbadora. Conhecido por comandar o brutal A Morte do Demônio: A Ascensão, Cronin agora mergulha em uma história que mistura desaparecimento, luto e forças ancestrais que talvez nunca devessem ter sido despertadas. A estreia está marcada para 16 de abril de 2026 nos cinemas, e o clima é de expectativa alta, especialmente entre os fãs de terror mais intenso.
A premissa já começa forte: a filha de um jornalista desaparece no deserto sem deixar qualquer vestígio. Nenhuma pista concreta, nenhum corpo, nenhuma explicação. Só areia, silêncio e uma família devastada. O tempo passa — oito anos, para ser exato — e a dor não desaparece, apenas muda de forma. Até que o impossível acontece: a garota reaparece, viva, sem grandes explicações e aparentemente intacta. O reencontro, que deveria ser emocionante, rapidamente ganha contornos estranhos. Há algo diferente nela. Pequenos gestos fora do lugar, um olhar distante demais, um comportamento que não combina com alguém que passou quase uma década desaparecida. É nesse ponto que o filme vira a chave: o que parecia um milagre começa a soar como maldição.
Quem cresceu assistindo à trilogia iniciada com A Múmia, estrelada por Brendan Fraser, lembra do tom divertido, cheio de ação e romance, uma mistura de aventura arqueológica com fantasia sobrenatural. Já a tentativa de reinício com A Múmia, protagonizada por Tom Cruise, buscou modernizar o conceito e criar um universo compartilhado de monstros, mas dividiu opiniões. Agora, Lee Cronin parece ter entendido algo essencial: talvez a múmia funcione melhor quando o foco não está na aventura, mas no medo. Em vez de batalhas grandiosas e cenas espalhafatosas, Maldição da Múmia aposta em um terror mais íntimo, em que a ameaça não está apenas nas sombras do deserto, mas dentro da própria casa da família, tornando tudo ainda mais desconfortável.
O elenco reforça esse peso dramático. Jack Reynor interpreta o pai jornalista, um homem consumido pela culpa e pela obsessão em entender o que realmente aconteceu no passado; ele não quer apenas a filha de volta, ele precisa de respostas. Laia Costa vive a mãe dividida entre confiar no instinto materno ou admitir que há algo errado diante de seus olhos. Já Veronica Falcon surge como uma figura misteriosa ligada ao deserto e possivelmente às origens da maldição, carregando uma presença enigmática que sugere segredos atravessando gerações. O trio promete sustentar o lado emocional da trama, algo que Cronin já mostrou saber explorar com intensidade.
Tudo indica que esta nova versão do monstro clássico quer resgatar o terror das origens, quando a Universal consolidou suas criaturas como símbolos de maldição, obsessão e eternidade distorcida. Aqui, a proposta parece dialogar com essa tradição ao brincar com a ideia de que mexer com o passado pode trazer consequências devastadoras. E talvez o aspecto mais inquietante da história seja a dúvida constante que ecoa na mente dos pais: essa é realmente nossa filha? Quando o horror nasce da incerteza, ele se torna ainda mais perturbador.
Jaafar Jackson as Michael Jackson in Maven. Photo Credit: Glen Wilson
A história de Michael Jackson está prestes a ganhar um dos retratos mais ambiciosos já produzidos sobre sua vida. A cinebiografia Michael teve um novo teaser divulgado neste domingo (15), reforçando a dimensão épica do projeto e reacendendo o debate sobre como o cinema irá retratar um dos artistas mais influentes e controversos da cultura pop mundial.
Dirigido por Antoine Fuqua e com roteiro assinado por John Logan, o longa traz no papel principal Jaafar Jackson, sobrinho do astro, marcando sua estreia no cinema. A escolha não é apenas simbólica, mas estratégica: além da semelhança física e vocal, Jaafar carrega uma conexão familiar direta com o legado do tio, algo que adiciona uma camada extra de autenticidade ao projeto.
Com estreia prevista para 23 de abril de 2026 no Brasil e distribuição da Universal Pictures, o filme já é apontado como um dos grandes lançamentos musicais do calendário.
Da infância sob pressão ao estrelato global
A proposta da produção é acompanhar a trajetória de Michael Jackson desde os primeiros anos como líder do Jackson 5 até sua consolidação como o maior nome do entretenimento global. O roteiro promete explorar o talento extraordinário revelado ainda na infância, a disciplina rígida imposta nos bastidores familiares e o surgimento de uma estrela que mudaria para sempre a indústria musical.
O filme deve recriar momentos decisivos da carreira solo, incluindo performances que redefiniram o conceito de espetáculo ao vivo e videoclipes que transformaram a MTV em vitrine artística. A obsessão por perfeição, a inovação constante e a busca por grandeza são apresentadas como forças motrizes de sua trajetória.
Mais do que narrar sucessos, a produção busca mergulhar na construção do mito, mostrando como Michael se reinventava a cada álbum, a cada turnê e a cada aparição pública.
Um elenco de peso para sustentar o drama
Além de Jaafar Jackson, o elenco reúne nomes experientes da indústria. Colman Domingo, Nia Long, Miles Teller, Laura Harrier, Kat Graham, Larenz Tate e Derek Luke integram o projeto, fortalecendo o aspecto dramático da narrativa.
A presença de atores reconhecidos sugere que o filme não se limitará ao espetáculo musical, mas investirá em conflitos pessoais, relações familiares e decisões que moldaram o destino do artista.
Entre o mito e a controvérsia
Um dos pontos mais delicados da cinebiografia é a inclusão das acusações de abuso sexual infantil que marcaram diferentes momentos da vida de Michael Jackson. O produtor Graham King já declarou que a intenção é humanizar o artista sem suavizar os acontecimentos, buscando uma abordagem que apresente os fatos dentro do contexto de sua trajetória.
Esse equilíbrio será determinante para a recepção do filme. Michael Jackson permanece como uma figura polarizadora. Para muitos, é um gênio musical incomparável; para outros, sua história está inseparavelmente ligada às polêmicas judiciais e ao escrutínio público.
A decisão de abordar esses episódios indica que a produção pretende enfrentar os aspectos mais complexos da narrativa, em vez de optar por um retrato puramente celebratório.
Uma superprodução de grande escala
O orçamento estimado gira em torno de 120 milhões de dólares, valor que evidencia a dimensão da aposta. As filmagens estavam inicialmente programadas para 2023, mas foram adiadas devido à greve da SAG-AFTRA. A produção começou oficialmente em 22 de janeiro de 2024 e foi concluída em 30 de maio do mesmo ano.
A equipe técnica reúne profissionais experientes. A direção de fotografia ficou a cargo de Dion Beebe, enquanto Barbara Ling assumiu a direção de arte e Marci Rodgers foi responsável pelo figurino. Esses elementos são fundamentais para recriar décadas distintas da vida do cantor, desde os anos 1960 até o auge dos anos 1980 e 1990.
Recriar figurinos icônicos, coreografias históricas e cenários de turnês internacionais exige um nível de detalhamento que pode se tornar um dos grandes diferenciais do longa.
O peso de um legado global
Poucos artistas tiveram impacto comparável ao de Michael Jackson. Álbuns que quebraram recordes, coreografias replicadas em todo o mundo e uma estética visual revolucionária ajudaram a moldar a cultura pop contemporânea. Seu alcance ultrapassou barreiras linguísticas, raciais e geográficas.
Contar essa história no cinema envolve responsabilidade artística e histórica. A expectativa é que o filme dialogue tanto com fãs apaixonados quanto com uma nova geração que conhece o artista apenas por registros históricos e reproduções digitais.
O novo teaser sugere uma narrativa grandiosa, emocional e visualmente impactante. Ao mesmo tempo, reforça que a produção buscará equilíbrio entre o espetáculo e a introspecção.
