Resenha – “Ayrton Senna: Uma Lenda a Toda Velocidade” é a história de um homem que acelerou além das pistas

Ayrton Senna: Uma Lenda a Toda Velocidade” vai muito além de uma biografia tradicional ou de uma coleção de memorabilia para fãs de automobilismo. Publicado em 2009 por Christopher Hilton, o livro se apresenta como uma experiência sensorial, capaz de transportar o leitor não apenas para os triunfos de Senna nas pistas, mas também para a intensidade de sua vida, suas paixões e a força do legado que deixou. Com 194 páginas e 13 envelopes especiais recheados de cartas manuscritas, agendas de corridas, adesivos autografados e outros itens de colecionador, a obra transforma-se em uma verdadeira cápsula do tempo, mergulhando o leitor no coração do automobilismo dos anos 80 e 90.

O diferencial mais marcante da obra é a humanização do mito. Hilton não se limita a relatar vitórias, pódios ou recordes. Ele revela o Ayrton Senna que se preocupava com o próximo, que sonhava criar oportunidades para crianças e jovens brasileiros e que via o universo da Fórmula 1 como um espaço de aprendizado constante, além da competição. A leitura deixa claro que a disciplina inabalável e a intensidade emocional do piloto moviam cada curva e cada decisão nas pistas. Mais do que um atleta, Senna surge como uma figura capaz de inspirar pela coragem e pelo exemplo, alguém que compreendia o valor da persistência e do esforço diário.

Folhear os envelopes que acompanham a obra é como abrir pequenas janelas para a intimidade do tricampeão mundial. Réplicas de cartas manuscritas, anotações de corridas e itens de colecionador permitem ao leitor sentir-se próximo de Senna de uma maneira rara. É quase como se estivéssemos conversando com ele, compreendendo suas dúvidas, seus sonhos e a maneira como encarava cada desafio. Essa experiência tátil e emocional transforma o livro em mais do que uma leitura: é uma imersão direta na vida de um dos maiores ícones do esporte mundial.

A narrativa de Hilton equilibra habilmente detalhes técnicos e emoção. Ao descrever corridas memoráveis — do GP de Mônaco às disputas históricas no GP do Brasil — o autor consegue transmitir a tensão das largadas, o cálculo de cada ultrapassagem e o nervosismo que permeava cada segundo dentro da pista. Ao mesmo tempo, dedica espaço para os momentos mais íntimos da vida de Senna: sua relação com a família, o carinho pelos amigos e a reflexão constante sobre seu papel na sociedade. Esse equilíbrio entre emoção e técnica faz com que a obra seja interessante tanto para fãs de automobilismo quanto para leitores que buscam histórias de superação e inspiração.

Porém, é preciso reconhecer que a obra mantém um tom reverencial quase constante, que, em alguns momentos, aproxima-se do hagiográfico. Aspectos mais complexos ou controversos da personalidade de Senna recebem menos destaque, dando prioridade à imagem de mito e herói. Ainda assim, essa escolha editorial cumpre seu papel: transformar o livro em uma celebração da memória do piloto e um tributo à sua capacidade de inspirar gerações. Mais do que apontar falhas, a obra enfatiza a essência de um homem que, décadas após sua morte, continua a fascinar o mundo.

Além da dimensão pessoal, o livro oferece um panorama histórico detalhado da Fórmula 1, contextualizando as regras, as escuderias e as rivalidades que moldaram a carreira de Senna. Hilton não apenas relata os feitos do piloto, mas situa o leitor dentro do cenário competitivo e tecnológico da época. Ao revisitar corridas lendárias, o leitor revive a tensão, a pressão e a intensidade que definiram os momentos mais emblemáticos da trajetória do brasileiro, compreendendo também como cada vitória ou derrota influenciava a percepção global sobre o automobilismo nacional.

O legado de Ayrton Senna, porém, vai muito além das vitórias. A obra também enfatiza o compromisso social do piloto, que culminou na criação do Instituto Ayrton Senna, responsável por promover educação e oportunidades para milhares de crianças e jovens no Brasil. Esse aspecto torna a leitura ainda mais inspiradora, mostrando que a grandeza de Senna não está apenas nas pistas, mas na maneira como se preocupou em deixar um impacto positivo no mundo. A mensagem que o livro transmite é clara: talento, disciplina e generosidade podem coexistir e gerar um legado que transcende gerações.

Mais do que uma leitura sobre velocidade, Ayrton Senna: Uma Lenda a Toda Velocidade é uma verdadeira aula sobre dedicação, foco e propósito. Cada página, cada envelope, cada detalhe revela não apenas um piloto extraordinário, mas um homem que se dedicou a viver sua paixão plenamente e a transformar sua influência em algo maior. A obra é indicada não apenas para colecionadores ou fãs de automobilismo, mas para qualquer leitor que busque inspiração, motivação e compreensão de como a disciplina e a determinação podem moldar uma vida memorável.

A obra é uma experiência única, que combina narrativa detalhada e profundidade emocional. Christopher Hilton consegue capturar tanto a grandeza de Ayrton Senna nas pistas quanto sua humanidade fora delas, resultando em um registro completo de um dos maiores ícones do esporte mundial. Ayrton Senna: Uma Lenda a Toda Velocidade é mais do que um livro: é uma homenagem, um aprendizado e, acima de tudo, uma lembrança eterna de que a verdadeira velocidade se mede também pelo impacto que deixamos nas vidas ao nosso redor.

O livro está disponível para aquisição no site oficial da Global Editora. Os leitores interessados podem garantir sua edição especial diretamente no portal da editora, garantindo acesso aos 13 envelopes exclusivos e ao conteúdo completo que celebra a trajetória e o legado do tricampeão mundial de Fórmula 1.

Resenha – Um Cadáver Ouve Rádio transforma um mistério simples em uma aventura envolvente para jovens leitores

Poucos autores brasileiros conseguiram conversar tão bem com o público jovem quanto Marcos Rey. Em Um Cadáver Ouve Rádio, o escritor mostra mais uma vez sua habilidade de criar histórias que prendem a atenção desde as primeiras páginas, misturando mistério, humor e aventura em uma narrativa acessível e extremamente fluida.

A trama começa de forma curiosa e intrigante. Durante uma forte chuva, o garoto Muriçoca procura abrigo em um prédio aparentemente abandonado. O que parecia ser apenas uma tentativa de escapar do temporal logo se transforma em algo muito mais sério. Ao ouvir um frevo tocando em um dos andares, ele decide subir para descobrir de onde vem a música. É então que encontra uma cena chocante: o corpo de Alexandre, um sanfoneiro querido por todos, caído no chão e cercado por sangue.

A partir desse momento, o livro assume o ritmo de uma investigação policial clássica, mas adaptada para um público jovem. O assassinato levanta inúmeras perguntas. Quem matou Alexandre? Qual foi a motivação do crime? E por que havia um rádio ligado ao lado do corpo?

Esses mistérios colocam em ação Leo, Gino e Ângela, o trio de detetives que conduz boa parte da narrativa. Diferentemente de muitos personagens juvenis que dependem da sorte para resolver problemas, os três utilizam observação, raciocínio e trabalho em equipe para seguir as pistas deixadas pelo criminoso. Isso torna a investigação mais interessante e permite que o leitor participe mentalmente da busca pelas respostas.

Um dos grandes acertos de Marcos Rey está justamente na construção do suspense. A cada nova descoberta, surgem novos suspeitos e novas dúvidas. Quando os jovens encontram a arma do crime — um elegante sabre chinês ornamentado com desenhos orientais — a investigação ganha novas possibilidades. O objeto chama atenção não apenas por sua aparência incomum, mas porque parece conectar diferentes personagens ao assassinato, ampliando o número de possíveis culpados.

Mesmo sendo uma obra voltada para leitores mais jovens, o autor evita simplificar excessivamente o mistério. O leitor é constantemente incentivado a formular teorias, desconfiar de determinados personagens e reconsiderar suas conclusões à medida que a história avança. Essa participação ativa é um dos fatores que tornam a leitura tão divertida.

Outro ponto que merece destaque é a linguagem. Marcos Rey escreve de maneira leve, direta e próxima do cotidiano dos adolescentes. Não há descrições excessivamente longas nem diálogos artificiais. Tudo acontece com naturalidade, fazendo com que a leitura flua rapidamente. É o tipo de livro que consegue capturar a atenção logo no início e manter o interesse até a revelação final.

Além do suspense, a obra também apresenta momentos de humor que ajudam a equilibrar a tensão da investigação. Os personagens possuem personalidades distintas e carismáticas, o que contribui para criar uma dinâmica agradável entre eles. Essa combinação entre mistério e leveza faz com que o livro seja acessível até mesmo para leitores que não têm o hábito de ler com frequência.

Outro mérito da obra é sua capacidade de despertar a curiosidade. O autor entende que um bom mistério não depende apenas da descoberta do culpado, mas também do caminho percorrido até essa revelação. Cada pista encontrada pelos protagonistas acrescenta uma nova camada à investigação, mantendo o leitor constantemente interessado nos próximos acontecimentos.

Embora a história tenha sido publicada há décadas, muitos de seus elementos continuam funcionando muito bem. A busca por respostas, a amizade entre os protagonistas e a sensação de aventura permanecem universais, permitindo que novas gerações continuem se identificando com a narrativa.

No fim das contas, Um Cadáver Ouve Rádio é muito mais do que um simples livro policial juvenil. Trata-se de uma leitura envolvente, inteligente e divertida, capaz de apresentar o gênero investigativo a jovens leitores sem abrir mão de uma boa história. Marcos Rey demonstra mais uma vez por que é considerado um dos grandes nomes da literatura juvenil brasileira, entregando uma obra que combina suspense, carisma e entretenimento na medida certa.

Resenha – O Mistério do Cinco Estrelas revela o lado oculto de um hotel de luxo marcado por poder e decisões que ignoram a verdade

Marcos Rey constrói em O Mistério do Cinco Estrelas uma daquelas histórias que começam simples, quase cotidianas, mas que rapidamente escapam do controle do protagonista e também do leitor. O ponto de partida é direto: Léo, um adolescente que trabalha como mensageiro em um hotel de luxo, encontra um cadáver escondido em um quarto. Só que, em vez de reconhecimento por ter descoberto um crime, ele recebe desconfiança, silêncio e, principalmente, a decisão das autoridades de ignorarem sua versão.

Esse detalhe muda tudo. O livro não é apenas sobre descobrir quem matou alguém. É sobre o quanto a verdade pode ser descartada quando ela vem da pessoa “errada”.

Léo é um protagonista interessante justamente por não ser um “detetive pronto”. Ele não tem ferramentas sofisticadas, não tem autoridade e nem mesmo crédito social dentro daquele ambiente cheio de pessoas influentes. O que ele tem é insistência. E isso sustenta a narrativa com força, porque o leitor acompanha alguém que precisa provar o óbvio enquanto todo mundo prefere acreditar na versão mais confortável, a do suspeito elegante, caridoso e socialmente bem visto.

O contraste entre aparência e realidade é o motor da história. O hotel cinco estrelas não é só cenário. Ele funciona quase como um personagem. Um lugar impecável na superfície, mas cheio de corredores onde informação circula mais rápido do que a verdade. É nesse ambiente que o Barão, figura respeitada e aparentemente intocável, se encaixa como o tipo de suspeito que ninguém quer enxergar como culpado.

E aqui Marcos Rey acerta em cheio. Ele não constrói o mistério apenas em cima de pistas, mas em cima de percepção social. Quem pode ser acusado? Quem tem credibilidade? Quem é automaticamente descartado como suspeito? O livro joga com essas perguntas o tempo todo.

Quando Léo perde o emprego e decide investigar por conta própria, a história muda de ritmo. Ela deixa de ser apenas uma denúncia ignorada e vira uma corrida contra o tempo, mas sem aquela pressa artificial. O suspense nasce mais da insegurança do protagonista do que de grandes cenas de ação. Isso dá um tom mais humano à narrativa, porque o medo não está só no perigo físico, mas na sensação constante de estar sozinho contra uma estrutura inteira.

A entrada de Gino e Guima na investigação ajuda a quebrar essa solidão. Não são personagens perfeitos ou estrategistas brilhantes o tempo todo. Eles funcionam mais como apoio realista do que como solução mágica. O trio avança errando, desconfiando, voltando atrás, tentando encaixar peças que nem sempre fazem sentido imediato. Isso deixa a investigação mais próxima de algo possível, menos idealizada.

O ponto mais interessante do livro, no entanto, não é apenas o crime em si, mas a forma como a verdade vai sendo empurrada para fora de cena. A acusação contra Léo, por exemplo, mostra como rapidamente alguém sem poder pode ser colocado como culpado sem muita resistência do sistema. O Barão, por outro lado, representa exatamente o oposto. Alguém protegido por sua imagem pública, quase blindado pela reputação.

Essa tensão social dá ao livro uma camada que vai além do mistério juvenil. Não é só “quem matou”, mas “quem tem permissão para ser inocente”.

A escrita de Marcos Rey ajuda muito nesse efeito. Ele não alonga cenas nem tenta criar uma complexidade artificial. O texto é direto, mas não simplista. Isso faz a leitura fluir rápido, o que combina com a energia de investigação constante que move a história.

Ainda assim, não é uma obra que depende só de ritmo. O suspense funciona porque o leitor entende que cada personagem tem algo a esconder ou algo que prefere não dizer. E isso mantém a sensação de que a qualquer momento a história pode mudar de direção.

No fim, O Mistério do Cinco Estrelas funciona menos como um quebra-cabeça perfeito e mais como uma história sobre percepção, injustiça e insistência. Léo não resolve o caso porque é o mais inteligente, mas porque se recusa a aceitar que sua versão não importa.

É uma leitura que envelheceu bem justamente porque fala de algo que continua atual: a dificuldade de ser levado a sério quando você não tem status, influência ou “cara de credível”.

Crítica – Pecadores surpreende com vampiros, trilha sonora marcante e Michael B. Jordan em dose dupla

O cinema de terror está sempre à procura de algo novo — e Pecadores entrega exatamente isso. Com uma mistura ousada de drama psicológico, horror sobrenatural e uma inesperada integração da música como fio narrativo, o longa não só surpreende, como também firma sua identidade própria dentro do gênero.

A trama gira em torno de dois irmãos gêmeos, interpretados com maestria por Michael B. Jordan, que decidem retornar à sua cidade natal em busca de redenção e um recomeço. No entanto, ao invés da paz, são confrontados por forças malignas que os arrastam para um verdadeiro pesadelo. A atuação de Jordan é um espetáculo à parte — ele entrega performances tão distintas para cada irmão que, por momentos, esquecemos que se trata do mesmo ator. É uma transformação completa, nos trejeitos, na voz, nas expressões. Um trabalho digno de premiação.

O roteiro, ainda que comece em ritmo mais lento, se revela uma escolha acertada. Esse tempo inicial serve para estabelecer uma forte conexão emocional com os personagens, tornando os momentos de horror ainda mais intensos e significativos. Quando o caos se instala, o espectador já está totalmente imerso.

Outro destaque surpreendente é a forma como o filme incorpora o humor. Leve, pontual e jamais deslocado, ele serve como respiro entre as cenas mais densas, equilibrando o tom sem comprometer a tensão. Mas o verdadeiro diferencial de Pecadores está em seu uso criativo da música. As sequências musicais não apenas embalam a narrativa, mas ditam o ritmo das cenas de terror, criando uma atmosfera única que beira o hipnótico. É raro ver o terror dialogar com a trilha sonora de forma tão orgânica e inovadora.

A direção é ousada e visualmente deslumbrante. Cada cena parece cuidadosamente pensada para causar impacto — seja emocional ou visual. A escolha pelo formato IMAX é certeira: a tela gigante amplifica os momentos mais intensos, tornando a experiência ainda mais imersiva e visceral.

Embora elementos da história possam remeter a outros clássicos do gênero, o longa-metragem encontra seu próprio caminho. A abordagem diferente sobre vampiros — aqui tratados de forma simbólica e quase poética — traz frescor a um tema já bastante explorado.

Com um elenco afiado, direção marcante, roteiro sólido e um toque criativo que envolve música e horror como poucos fizeram antes, Pecadores tem tudo para entrar na lista de destaques do ano. E, quem sabe, nas premiações também.

Crítica – Lilo & Stitch ganha live-action emocionante que honra o original e emociona com novas camadas

A versão live-action de Lilo & Stitch surpreende ao conseguir capturar — com sensibilidade e criatividade — a essência do clássico animado, sem abrir mão de inovações bem-vindas. O filme preserva aquela atmosfera acolhedora e divertida que marcou gerações, ao mesmo tempo em que oferece atualizações pontuais que enriquecem a narrativa.

O roteiro é coeso e respeita o material original, mesmo com algumas alterações de falas e cenas. Em vez de descaracterizar a história, essas mudanças ajudam a ampliar a profundidade emocional dos personagens. A trama, que já era comovente, ganha aqui novos detalhes que reforçam o vínculo entre os protagonistas e criam momentos ainda mais tocantes.

Um dos grandes acertos está na direção, que conduz a história com ritmo envolvente e olhar atento às emoções. A relação entre Lilo e Nani ganha protagonismo, tornando-se o verdadeiro coração do filme. A conexão entre as irmãs é retratada com delicadeza e realismo, o que torna a experiência ainda mais íntima e comovente.

Já Stitch — que continua carismático como sempre — assume um papel um pouco mais coadjuvante, mas ainda essencial. Ele continua sendo o agente do caos afetuoso que conhecemos, mas agora inserido em um contexto que dá mais espaço para o drama familiar das irmãs, sem perder o equilíbrio com os momentos de humor e aventura.

No geral, o live-action de Lilo & Stitch supera expectativas ao entregar um filme bonito, emocionante e fiel ao espírito da animação. É uma produção que respeita a memória afetiva do público, mas que também não tem medo de ousar com novas abordagens. Um raro caso em que a Disney acerta em cheio ao adaptar um clássico para as telas contemporâneas.

Crítica – Elio é uma aventura intergaláctica de tirar o fôlego e de tocar o coração

Na vastidão do universo, a Pixar volta a provar que as maiores viagens são, na verdade, internas. Elio, nova animação do estúdio, estreia com ares de simplicidade, mas se revela uma obra emocionalmente poderosa, construída com a delicadeza típica de quem compreende a alma infantil — e o peso que ela pode carregar.

Um protagonista fora do eixo — e fora da Terra

A trama gira em torno de Elio, um garoto de 11 anos com imaginação borbulhante e um coração marcado pela perda. Vivendo com a tia, Olga, uma oficial militar dura e pragmática, ele encontra no espaço uma metáfora viva para o seu isolamento emocional. Enquanto ela lida com estratégias e protocolos, Elio busca abrigo nas estrelas — não apenas como fuga, mas como forma de sobreviver ao luto e à rejeição cotidiana.

Uma aventura intergaláctica com alma profundamente humana

É nessa chave sensível que o filme brilha: Elio não tem pressa em construir o vínculo com o espectador. Ele nos convida, quase em silêncio, a ocupar os sapatos do menino e ver o mundo com os olhos de quem não encontra lugar — nem na escola, nem na própria casa. Mas então, a mágica acontece: por um erro cósmico (ou talvez por destino), Elio é transportado a um conselho intergaláctico e confundido com o porta-voz da humanidade. É o início de uma jornada fantástica que parece saída de um conto, mas que guarda camadas profundas sobre identidade, empatia e escolha.

Aqui, a Pixar não aposta em vilões caricatos ou reviravoltas grandiosas. O “conflito” do filme é mais interno do que externo. Mesmo envolto em cenários interplanetários de tirar o fôlego — com um design de produção riquíssimo, repleto de criaturas únicas e arquitetura futurista —, o que move a narrativa é o coração de Elio: um menino ferido que aprende, aos poucos, que coragem não é ausência de medo, mas a capacidade de se manter aberto mesmo quando tudo convida ao fechamento.

Domee Shi (Red: Crescer é uma Fera), Adrian Molina (Viva – A Vida é uma Festa) e Madeline Sharafian (roteirista de Luca) formam uma trindade criativa que conhece profundamente os dilemas da infância e os transforma em arte sensível, sem subestimar a inteligência emocional do público. A direção conjunta aposta em um ritmo contemplativo, mas recompensador — com pausas que fazem sentido, diálogos afiados e momentos de puro encantamento visual.

Uma lição doce sobre empatia e pertencimento

A frase que atravessa o filme — “Nos conflitos, não há vencedores” — não é apenas uma lição didática, mas um grito suave diante de um mundo que insiste em dividir para controlar. Elio fala sobre pertencimento, mas também sobre reconciliação. Sobre como, às vezes, os monstros que enfrentamos não estão lá fora, mas aqui dentro — e como só o afeto pode desarmá-los.

É, no fim das contas, um filme para adultos cansados e crianças esperançosas. Uma fábula moderna que nos convida a relembrar a força da imaginação, o valor da empatia e a beleza de se sentir aceito — mesmo (e principalmente) quando nos sentimos de outro planeta.

Para quem ainda carrega uma criança dentro do peito

Elio estreia nesta quarta-feira, 19 de junho, e é daqueles filmes que te pegam de surpresa: começa como um desenho espacial e termina como um abraço. E que bom que ainda existam filmes assim.

Resenha – Feitos Um Para o Outro é um romance sobre as dores e contradições do crescer juntos

Foto: Reprodução/ Almanaque Geek

Feitos Um Para o Outro, da autora italiana Biondi, é um romance que se apresenta inicialmente como uma delicada narrativa sobre um casal jovem tentando se encontrar na turbulência dos primeiros anos da vida adulta. A trama, situada em Bolonha, acompanha Manuel e Mia, dois jovens que dividem um pequeno quarto num alojamento estudantil, imersos em uma realidade marcada por sonhos, inseguranças e as pressões da independência.

A escrita de Biondi revela sensibilidade e sutileza ao retratar as nuances emocionais de um relacionamento em sua fase inicial — sem recorrer ao melodrama exagerado ou a clichês desgastados. O texto navega habilmente entre as esperanças e as dúvidas típicas de quem encara o futuro com certa ansiedade, traduzindo em diálogos naturais e cenas cotidianas as tensões entre afeto e conflito.

No entanto, apesar de suas qualidades narrativas, o livro carrega uma controvérsia que polariza opiniões: o tratamento dado à traição cometida por Mia.

Aqui reside o principal desafio da obra. A autora escolhe abordar a traição de forma relativamente superficial, sem aprofundar as complexas implicações emocionais e éticas do ato. A decisão unilateral de Mia — que pede demissão sem diálogo prévio, abalando a estabilidade financeira que ambos buscavam — e, sobretudo, a traição, são fatos que poderiam render uma análise profunda sobre maturidade, confiança e consequências. Contudo, Biondi opta por minimizá-los na narrativa.

Além disso, Mia é retratada com uma ambiguidade problemática: sua postura parece simbolizar uma resistência ao amadurecimento. Ela valoriza o lazer e a liberdade ao lado dos amigos e rejeita a cobrança legítima de Manuel por responsabilidade e compromisso. Por sua vez, Manuel, que sonha em ser escritor e trabalha numa pizzaria para se sustentar, é caracterizado como alguém quase obsessivo e desequilibrado, numa inversão que gera desconforto, pois coloca a vítima da traição como antagonista da história.

Essa dinâmica – que transforma Manuel em um “vilão” na percepção da própria parceira e do círculo social dela – levanta questões importantes sobre representação de gênero, responsabilidade afetiva e o que se considera “culpa” num relacionamento. A narrativa, ao promover uma reconciliação rápida e quase sem consequências reais, perde a oportunidade de explorar os dilemas e as dores que acompanham uma traição, assim como a reconstrução (ou não) da confiança.

Para leitores que valorizam a profundidade emocional e a coerência psicológica, o livro pode parecer simplista ou até ingênuo na resolução dos conflitos. O perdão, no romance, não exige tempo, nem reflexão profunda, nem crescimento genuíno — e isso pode soar como uma romantização perigosa de uma falha grave.

Contudo, é justamente essa ambivalência que torna Feitos Um Para o Outro um texto instigante. A obra não oferece respostas definitivas nem pretende julgar seus personagens com rigidez moral. Em vez disso, convida o leitor a refletir sobre as complexidades do amor jovem, as contradições do amadurecimento e os limites da tolerância nas relações afetivas.

Manuel e Mia são personagens imperfeitos, com sonhos conflituosos e inseguranças típicas da idade. Talvez eles nunca tenham sido, na realidade, “feitos um para o outro” no sentido romântico idealizado, mas são, sim, retratos verossímeis da confusão que é crescer amando.

Em síntese, Feitos Um Para o Outro é uma obra recomendada para leitores que buscam mais do que um romance açucarado, que estejam dispostos a enfrentar as sombras e os incômodos do amor real. É um convite a entender que a vida adulta, com suas responsabilidades e escolhas, nem sempre permite finais lineares ou simples — e que o amor, por mais lindo que seja, também é um terreno de complexidade e desafio.

Crítica – M3GAN 2.0 é insana, hilária e melhor do que o original — um terror que sabe rir de si mesmo

Foto: Reprodução/ Internet

No segundo capítulo da franquia, M3GAN 2.0 mostra que não foi só a androide assassina que precisou evoluir — o próprio terror aqui passa por uma reinvenção. O filme abandona o susto fácil dos jump scares para investir em algo mais instigante: o medo moderno, existencial, profundamente humano diante do avanço descontrolado da tecnologia.

Mas que fique claro: M3GAN 2.0 não tenta ser um tratado sério sobre inteligência artificial. Pelo contrário. Ele se diverte com o próprio exagero, assume sua veia cômica e entrega uma comédia de terror deliciosamente absurda, que ri de si mesma e do mundo ao redor.

Um espetáculo de horror, risos e absurdo

Fazia tempo que o cinema de terror não se permitia rir tanto — e com tanto estilo. M3GAN 2.0 é hilário, levemente surreal, assumidamente tolo e, por isso mesmo, surpreendentemente inteligente. É raro ver uma continuação que supera seu original em praticamente todos os aspectos, mas aqui o feito é alcançado com coragem e muita personalidade.

A sequência de maior destaque talvez seja a mais improvável: um grupo de M3GANs executando uma performance sincera de “This Woman’s Work”, de Kate Bush. O choque entre a música e o contexto é tão inusitado, tão incrivelmente bem coreografado, que o momento beira o sublime. É cinema trash em sua forma mais sofisticada e autoconsciente — um delírio audiovisual que arranca risos pela ousadia, não pela paródia.

Elenco afiado, roteiro esperto e comentários sociais pontuais

O elenco brilha, com atuações precisas que equilibram bem o tom entre o nonsense e o drama. Alison Williams, em especial, entrega uma performance fria, quase robótica, que encaixa perfeitamente com o clima do filme. Sua personagem é o eixo de tensão e equilíbrio entre o absurdo e a crítica — e ela domina a tela com segurança do começo ao fim.

Apesar de o roteiro apoiar-se em clichês previsíveis, isso não compromete a experiência. Pelo contrário: os lugares-comuns são usados com ironia e timing cômico impecável. E os comentários sobre regulamentação de inteligência artificial surgem aqui e ali de forma inesperadamente pertinente — quase como provocações sutis em meio ao caos cênico. É um filme que ri, mas também pensa.

Crítica | Meu Bolo Favorito apresenta delicadeza e coragem no retrato do amor maduro em pleno Teerã

Foto: Reprodução/ Internet

Há filmes que não gritam, mas sussurram verdades tão íntimas que permanecem com a gente muito depois da última cena. Meu Bolo Favorito, dirigido com sutileza por Maryam Moghadam e Behtash Sanaeeha, é um desses encontros raros entre delicadeza e profundidade. Mais do que uma história de amor, é um retrato generoso de uma mulher que redescobre a própria vida quando já parecia não haver mais tempo para surpresas.

Mahin, interpretada com alma pela extraordinária Lili Farhadpour, tem 70 anos e mora sozinha em Teerã. A filha mora longe, na Europa. O marido já não está mais. O cotidiano é silencioso, previsível, quase invisível — como tantas mulheres maduras que passam despercebidas no turbilhão da vida urbana. Mas, num chá da tarde com amigas, algo muda. Um gesto simples, uma conversa banal, e Mahin, quase sem perceber, permite que uma nova possibilidade se aproxime.

E assim, sem grandes arcos ou viradas espetaculosas, o filme nos envolve com a poesia da intimidade. Um novo romance entra em cena — ou talvez seja apenas um encontro, um instante de conexão humana — e Mahin se vê diante do impensável: o direito de sentir desejo de novo, de abrir a porta não apenas da casa, mas do corpo, da memória, da alma.

O que começa como um evento rotineiro logo se transforma numa noite de descobertas — nem sempre suaves, nem sempre fáceis, mas incrivelmente humanas. Porque o amor, quando chega tarde, não chega com ingenuidade: chega carregado de passado, de medo, de delicadezas que só a maturidade entende.

Meu Bolo Favorito se passa em um Irã real, onde as mulheres vivem entre limites e brechas, onde os silêncios dizem mais que mil palavras. Mas o que torna o filme universal é justamente sua capacidade de tocar o que é comum a todas as mulheres: a solidão, o desejo, o medo de envelhecer invisível, a esperança que insiste em resistir mesmo quando tudo parece já definido.

A câmera é íntima, respeitosa, quase cúmplice. Os diretores sabem que o tempo de Mahin é outro — e o ritmo do filme acompanha esse compasso interior. Não há pressa. Há respiro. Há espaço para hesitar diante do espelho, para sorrir sozinha, para lembrar do toque de um amor antigo e se permitir desejar um novo.

E que beleza é ver uma atriz como Farhadpour em um papel tão inteiro, tão digno, tão vivo. Mahin não é uma caricatura de avó fofa, nem uma heroína em luta. É apenas uma mulher — com medo, com desejo, com dignidade — em busca de algo que talvez ela mesma tenha esquecido como é: se sentir viva.

O bolo favorito do título vai além da metáfora óbvia. Não se trata só de sabor, mas de memória afetiva, de pequenos prazeres, de escolhas que fazem sentido para nós e ninguém mais. É sobre retomar o controle da própria narrativa — mesmo quando o mundo já parece ter escrito o final da história.

Crítica | Apocalipse nos Trópicos é um retrato do Brasil atual

Petra Costa nunca foi uma diretora que se escondeu atrás da neutralidade. Com Democracia em Vertigem (2019), ela já havia exposto seu olhar sensível e politicamente engajado sobre o colapso da democracia brasileira. Em Apocalipse nos Trópicos, sua nova investida documental que estreou nesta segunda (14) na Netflix, a cineasta vai ainda mais fundo — e mais fundo aqui também significa mais escuro, mais perturbador, mais corajoso.

Desta vez, Petra não foca apenas nos bastidores da política institucional. O que está em jogo agora é o casamento entre fé e poder, mais especificamente a ascensão das igrejas neopentecostais como uma força política organizada e decisiva no Brasil contemporâneo. O epicentro desse terremoto ideológico é Silas Malafaia, figura central no documentário — e símbolo vivo da mistura explosiva entre autoritarismo religioso, populismo e um projeto de dominação cultural.

Um protagonista sem máscara

Petra não precisa desmascarar Malafaia — ele faz isso sozinho, com uma desenvoltura perturbadora. Dentro do próprio jato particular, pilotando uma BMW, vociferando ofensas contra um motociclista, ou discursando ao lado de Jair Bolsonaro, o pastor é filmado com acesso surpreendente, quase íntimo. E talvez seja isso o mais assustador: sua tranquilidade diante da câmera, sua certeza absoluta, a crença inabalável de que está certo — mesmo quando seu discurso transborda intolerância, arrogância e desprezo pela diversidade humana.

Há algo de perverso no carisma de Malafaia, e Petra registra isso sem histeria, mas com um incômodo crescente. Ele grita, zomba, ataca minorias, debocha da imprensa, e ainda assim se apresenta como “homem de Deus”. O que Apocalipse nos Trópicos revela, com precisão dolorosa, é o quanto essa retórica violenta encontrou eco num país onde milhões de pessoas sentem-se abandonadas, desorientadas, e carentes de líderes com respostas prontas — mesmo que essas respostas venham cheias de ódio.

Uma nação em transe

Petra conecta, com lucidez e indignação contida, o crescimento da bancada evangélica, a campanha de desinformação nas redes sociais, a figura de Bolsonaro como “ungido”, e o desfecho trágico do 8 de janeiro de 2023 — quando extremistas invadiram as sedes dos Três Poderes, sob a bênção simbólica de um discurso antidemocrático alimentado há anos.

É impossível assistir ao documentário e sair ileso. A sensação que fica é de um Brasil à deriva, tomado por um messianismo fabricado, onde o nome de Deus serve de escudo para práticas que nada têm de espirituais. A câmera de Petra, mesmo sem grandes recursos visuais, constrói um mosaico de ruínas emocionais e morais. E não há vilões caricatos — há seres humanos que escolheram, conscientemente, o caminho do autoritarismo.

A ousadia de continuar

Apocalipse nos Trópicos é um filme incômodo, provocador e profundamente humano. Petra não se coloca como juíza — ela se posiciona como cidadã, como filha, como artista que não aceita calar diante do retrocesso. Sua narração continua melancólica, mas agora com um tom de exaustão. Como se dissesse: “nós avisamos”. A esperança existe, mas está fraturada. E talvez seja esse o sentimento mais honesto que o filme nos deixa.

Em tempos de normalização do absurdo, Petra Costa tem a ousadia de continuar documentando a barbárie. E faz isso com a serenidade de quem entende que o cinema é mais do que entretenimento — é também memória, denúncia e resistência.

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