O terror contemporâneo frequentemente busca inovação em fórmulas já consolidadas: casas assombradas, entidades malignas e sustos repentinos são elementos recorrentes no gênero. Entretanto, o filme Bom Menino, dirigido por Ben Leonberg e coescrito com Alex Cannon, se destaca justamente por subverter essa lógica, oferecendo uma perspectiva inédita: a narrativa é conduzida pelos olhos de um cachorro, Indy, o Nova Scotia Duck Tolling Retriever que acompanha seu tutor Todd na antiga casa da família. Essa escolha narrativa não é apenas curiosa; é transformadora, redefinindo a experiência do terror e o modo como o espectador se conecta emocionalmente com a trama.

A história começa com um acontecimento familiar traumático — a morte de um parente — que leva Todd e Indy a se mudarem para um imóvel isolado no campo. O que deveria representar um recomeço tranquilo rapidamente se transforma em um pesadelo sobrenatural. Forças invisíveis aos olhos humanos começam a se manifestar, e o filme explora de forma brilhante a diferença entre a percepção humana e animal. Enquanto Todd é retratado como vulnerável, muitas vezes impotente diante das manifestações sombrias, Indy assume o papel de protagonista, o herói improvável que enxerga o perigo antes de qualquer outra pessoa.

O grande mérito de Bom Menino está na construção do suspense a partir dessa perspectiva não convencional. Filmado quase inteiramente do ponto de vista do cachorro, o longa evita diálogos excessivos e se apoia em expressões, sons sutis e silêncios estratégicos para criar tensão. Cada sombra, cada canto vazio e cada som aparentemente inócuo ganha significado na ótica de Indy, transformando o familiar em assustador. Essa abordagem cria uma imersão intensa, que aproxima o público do instinto e da sensibilidade do animal, tornando a experiência do medo mais visceral e emocionalmente carregada.

Visualmente, o filme remete a uma estética próxima ao found footage, reforçando a sensação de imediatismo e presença. Essa escolha estilística potencializa a conexão do espectador com o ponto de vista de Indy, enquanto a narrativa cuidadosamente modulada alterna momentos de calma e tensão crescente, mantendo a atenção sem recorrer a sustos previsíveis ou clichês do gênero. A câmera muitas vezes registra o mundo de baixo para cima, os objetos deslocados ou os reflexos distorcidos, ampliando a sensação de vulnerabilidade humana em contraste com a sagacidade animal.

Além da inovação técnica, Bom Menino aborda temas universais com profundidade inesperada. Lealdade, proteção, medo do desconhecido e coragem assumem novas dimensões quando vistos através de um olhar canino. Indy não é apenas um coadjuvante ou um elemento fofo da trama; ele é a consciência alerta, o guardião silencioso que encara o sobrenatural com determinação. Essa inversão de papéis — o humano frágil e o animal heroico — provoca reflexão sobre a relação entre homens e animais e sobre como percebemos segurança, confiança e amor incondicional.

O desempenho da direção de Leonberg se mostra seguro e criativo. Ele equilibra a tensão com momentos de afeto genuíno, evitando transformar o filme em uma experiência meramente assustadora. O roteiro, coescrito por Cannon, complementa essa visão, construindo personagens humanos críveis e um cão que, mesmo sem palavras, transmite emoções complexas. A narrativa é cuidadosamente dosada, evitando exageros visuais e permitindo que o espectador absorva a história de forma gradual, quase como se estivesse explorando a casa assombrada ao lado de Indy.

No campo do terror contemporâneo, Bom Menino se firma como uma obra original e necessária. Ele prova que o gênero ainda pode inovar sem abandonar seus elementos clássicos — medo do desconhecido, presença sobrenatural e suspense crescente —, simplesmente mudando o ponto de vista e convidando o público a enxergar o mundo por uma perspectiva completamente nova. Ao mesmo tempo, o filme cumpre seu papel emocional, lembrando que a coragem nem sempre se apresenta da forma esperada e que os verdadeiros heróis podem vir em formas inesperadas.

A atuação de Angelina Jolie como Maria Callas é um verdadeiro espetáculo de interpretação. Jolie traz à vida a célebre diva operística com uma presença arrebatadora, unindo graça, intensidade e uma profundidade emocional que transcende as limitações do roteiro. Sua performance não apenas captura a essência de Callas, mas a transforma no eixo magnético do filme, reafirmando sua posição como uma das maiores atrizes de sua geração.

No entanto, o brilho de Jolie não consegue iluminar completamente as falhas estruturais da narrativa. O filme promete explorar o complexo dilema de identidade de Maria Callas – uma mulher dividida entre a figura pública imponente e os anseios íntimos de sua vida privada. Embora essa dualidade ofereça um terreno fértil para uma história envolvente, a execução carece de sutileza e profundidade, entregando uma protagonista que, ao invés de multifacetada, parece fragmentada e incoerente. O roteiro aborda as tensões internas de Callas de forma superficial, deixando de explorar com força emocional a humanidade por trás da lenda.

A estrutura narrativa do filme agrava esses problemas. O ritmo é inconsistente, os saltos temporais muitas vezes confundem mais do que esclarecem, e a falta de uma direção clara prejudica a coesão da trama. Embora alguns diálogos sejam bem elaborados e existam momentos que sugerem um potencial maior – como interações marcantes entre personagens secundários – essas faíscas não são suficientes para sustentar o enredo como um todo. A atmosfera, que deveria ser rica em nuances, oscila entre o exagero e a frieza, afastando o espectador da imersão emocional.

Apesar de sua ambição artística, o filme falha em atingir o impacto que claramente almeja. Há uma desconexão evidente entre a grandiosidade temática que o projeto busca e a execução final. Enquanto Angelina Jolie brilha intensamente, o restante da produção parece incapaz de acompanhar seu nível, resultando em uma obra que, embora visualmente bela e tecnicamente competente, carece da alma necessária para honrar sua protagonista.

No fim, Maria Callas se revela uma oportunidade perdida. A poderosa atuação de Jolie merecia um filme que fosse tão ousado e profundo quanto sua interpretação. Em vez disso, o longa entrega uma narrativa que tenta ser grandiosa, mas aterrissa no terreno seguro da mediocridade, frustrando as altas expectativas que seu elenco e proposta inicial inspiravam.