Larissa Lair volta ao cenário literário com a envolvente fantasia “Me Acalenta”

0

Depois de conquistar leitoras com narrativas sensíveis e personagens que vivem dilemas tão reais quanto encantados, a jornalista e escritora Larissa Lair retorna com um romance que promete mexer com o coração de quem ama histórias de época, fantasia e amor entre príncipes.

Seu novo livro, “Me Acalenta”, recém-lançado pela editora Violeta, é uma fantasia romântica que transita entre o drama político e o conto de fadas queer, tudo isso com uma prosa envolvente que lembra os melhores momentos de Jane Austen – mas com um toque de magia e representatividade que faltava nesse gênero. A obra estará disponível na Bienal do Livro do Rio, e já chega cercada de expectativa entre fãs de “Boys’ Love” e leitores de fantasia com alma.

Dois reinos, um casamento e um plano que não sai como o esperado

A história se passa na fictícia Terra de Helikon, onde o pequeno e delicado reino Vesnat luta para sobreviver diante das ameaças de seu vizinho mais poderoso, o vasto e militarizado reino de Kwon. É nesse contexto que surge o protagonista Aurean Vesnat, jovem herdeiro forçado a aceitar um casamento por conveniência para evitar a ruína de seu povo.

O problema? Seus pretendentes oficiais são tudo menos desejáveis: de um lado, o primogênito de Kwon, arrogante e repulsivo; do outro, um duque ríspido e quarentão que parece mais interessado em controle do que em parceria. Em uma última cartada, Aurean volta seus olhos para um terceiro nome improvável: Yunjae Kwon, o segundo príncipe de Kwon, ainda adolescente, sonhador e completamente desinteressado em política.

Existe um encanto nos romances de época – na linguagem, nas entrelinhas, no jogo de olhares”, explica Larissa. “Quis trazer essa estética cortês para um universo com guerras, magia e dilemas de poder. E mostrar que o amor pode surgir onde menos se espera – mesmo em meio ao caos.

Um pedido, um tropeço, um novo destino

Yunjae é tudo o que Aurean não estava preparado para encontrar: jovem demais, romântico demais, puro demais. Mas é justamente essa doçura que desarma o príncipe de Vesnat. Quando, em um gesto impensado, Aurean pede a mão de Yunjae em casamento, não imagina que está abrindo não só uma nova rota diplomática, mas também as portas para sentimentos que nem ele sabia que poderia sentir.

“Aurean busca uma saída pragmática. Mas Yunjae não é alguém que se encaixa em jogos de poder – ele é idealista, gentil, e isso desestabiliza tudo”, conta Larissa. “A relação deles se constrói com dúvidas, tropeços, ternura – e muito crescimento.”

Entre espadas, magias e afetos: o charme de um “Boys’ Love” épico

Mais do que um romance, Me Acalenta é uma jornada. Larissa Lair constrói uma narrativa que respeita o tempo do afeto, os medos dos personagens, os silêncios entre uma decisão e outra. E faz isso com um ritmo que mistura o lirismo da fantasia com o drama dos palácios, tudo embalado em uma escrita que cativa.

É um livro que fala de amor, mas também de heranças, pressões familiares, sacrifícios políticos e escolhas difíceis. Não por acaso, a autora já é conhecida no universo Boys’ Love brasileiro por dar profundidade emocional aos seus casais e oferecer ao leitor bem mais do que “romance fofo”.

Em Me Acalenta, você não torce apenas para que os príncipes fiquem juntos. Você torce para que eles sobrevivam, amadureçam, quebrem os ciclos de opressão que herdaram, e possam amar com liberdade em um mundo que insiste em colocar coroas acima do coração.

Magia, realeza e representatividade: Larissa Lair no auge

“Me Acalenta” representa um marco na carreira de Larissa. É seu projeto mais ambicioso até agora, combinando representatividade LGBTQIA+ com fantasia política e atmosfera de conto de fadas. O universo é rico, cheio de códigos, pequenas magias, florestas que sussurram e castelos cheios de intrigas. Tudo isso serve como pano de fundo para uma história que é, antes de tudo, sobre conexão humana.

A obra não tem medo de ser delicada – e é justamente isso que a torna forte. O amor entre príncipes, que em outras mãos poderia parecer idealizado ou superficial, aqui ganha camadas, conflitos, inseguranças, vulnerabilidade verdadeira.

Blue Lock | Mangá de sucesso será adaptado para filme live-action e nova série de anime

0
Foto: Reprodução/ Internet

O fenômeno Blue Lock continua sua trajetória de sucesso com o anúncio de duas grandes novidades: uma nova série de animação e uma aguardada adaptação para filme live-action. O longa está previsto para estrear no inverno de 2026, coincidindo com a realização da Copa do Mundo FIFA, prometendo ampliar ainda mais o alcance internacional da franquia. A produção ficará a cargo do estúdio CREDEUS, reconhecido por seu compromisso com projetos de alto impacto visual e narrativo.

Blue Lock é um mangá shōnen que combina esportes, estratégia e drama psicológico, escrito por Muneyuki Kaneshiro e ilustrado por Yusuke Nomura. Desde sua estreia em agosto de 2018 na Weekly Shōnen Magazine, publicada pela Kodansha, a obra conquistou milhões de fãs em todo o mundo e já ultrapassou a marca de 15 milhões de cópias em circulação.

A popularidade da trama se deve à sua abordagem única: em vez de focar apenas em partidas de futebol, a série explora a mente dos jogadores, suas ambições, medos e rivalidades. Essa combinação de ação esportiva com elementos psicológicos faz da obra um destaque dentro do gênero shōnen e uma referência para histórias de superação e competição. A adaptação para anime, lançada em outubro de 2022 pelo estúdio 8-bit, ajudou a consolidar ainda mais a base de fãs da franquia, traduzindo a intensidade do mangá em animação de alta qualidade.

O enredo que conquistou fãs

O ponto de partida da história é a dolorosa eliminação da seleção japonesa na Copa do Mundo de 2018, que provoca frustração e inquietação entre jogadores e torcedores. Entre eles, Anri Teiri, jovem estrategista e observadora do esporte, decide que é hora de transformar o futebol japonês. Para isso, contrata o enigmático treinador Jinpachi Ego, cuja filosofia ousada e excêntrica visa criar o atacante perfeito: egoísta, determinado e faminto por gols.

O projeto que dá nome à obra, Blue Lock, consiste em isolar 300 jovens atacantes sub-18 em um centro de treinamento de última geração. Ali, eles serão submetidos a testes rigorosos e batalhas psicológicas, competindo uns contra os outros para descobrir quem tem o potencial de se tornar o maior artilheiro do Japão. É nesse ambiente de intensa rivalidade que a narrativa acompanha Isagi Yoichi, um jovem promissor que precisa lidar com suas próprias convicções e decidir até que ponto está disposto a ir para alcançar o topo.

Isagi chega ao programa após uma derrota significativa: em uma partida decisiva de seu time, ele opta por passar a bola a um colega menos habilidoso, que acaba desperdiçando a oportunidade de marcar. Esse momento é crucial, pois coloca Isagi diante de um dilema moral que definirá seu desenvolvimento dentro de Blue Lock. A série acompanha não apenas sua evolução como atleta, mas também o embate interno entre ética, ambição e sobrevivência em um ambiente competitivo extremo.

Reconhecimento crítico e premiações

O anime já recebeu diversos prêmios e reconhecimentos. Em 2021, o mangá ganhou o 45º Prêmio de Mangá Kodansha na categoria Melhor Mangá Shōnen, consolidando sua relevância dentro da indústria. No ano seguinte, a obra foi indicada aos Harvey Awards, na categoria Melhor Mangá, destacando-se entre produções internacionais e reforçando seu alcance global.

Além disso, pesquisas entre livrarias japonesas apontaram Blue Lock como uma das três séries de mangá mais recomendadas em 2020, demonstrando a força do título entre leitores e especialistas do mercado editorial. Críticos como Rebecca Silverman, da Anime News Network, elogiaram a arte de Yusuke Nomura, que remete à influência de grandes mangakás como Tite Kubo, e classificaram o conceito de “distopia esportiva” como inovador, embora reconheçam que a obra pode parecer exagerada ou absurda em alguns momentos.

O que esperar do filme live-action

A adaptação live-action promete levar a narrativa de Blue Lock a um público ainda maior, trazendo os conflitos, a tensão e a emoção das partidas para o cinema. A estreia durante o inverno de 2026 foi estrategicamente planejada para coincidir com a Copa do Mundo, o que deve gerar ainda mais atenção da mídia e dos fãs de futebol. O longa buscará capturar a essência do mangá, explorando tanto as partidas intensas quanto os dilemas internos dos personagens, mantendo a tensão psicológica que caracteriza a série.

O estúdio CREDEUS, responsável pela produção, é conhecido por projetos ambiciosos que combinam narrativa intensa com recursos visuais de impacto. Essa abordagem aumenta a expectativa de que o filme seja uma experiência imersiva, capaz de agradar tanto fãs da obra original quanto novos espectadores.

Crítica | Caramelo transforma um vira-lata em símbolo de redenção e humanidade

0

O mais recente sucesso nacional da Netflix, Caramelo, dirigido por Diego Freitas, chega com a aura de um “filme que emociona” — e, de fato, emociona. Mas por trás da superfície acolhedora e das belas paisagens praianas, há uma obra que tenta equilibrar ambição estética, crítica social e um apelo popular que beira o previsível. O resultado é um longa sensível e tecnicamente competente, ainda que, por vezes, excessivamente dependente do afeto fácil.

O enredo gira em torno de Pedro (Rafael Vitti), um chef de cozinha que, ao receber um diagnóstico de saúde inesperado, se vê obrigado a rever suas prioridades. Sua jornada — que parte do concreto sufocante de São Paulo rumo ao litoral — é construída como um espelho emocional: o cinza urbano traduz o colapso interior, enquanto o mar se torna símbolo de renascimento. Essa estrutura visual funciona bem, mas também evidencia certa obviedade simbólica.

Freitas faz da geografia um componente narrativo, e nisso demonstra domínio visual. No entanto, a transição entre os dois mundos — o da culpa e o da cura — é menos orgânica do que o filme gostaria. Em muitos momentos, Caramelo parece mais interessado em “parecer profundo” do que em deixar que suas camadas existenciais se revelem de forma natural.

A força da contenção — e o risco da melancolia excessiva

A direção acerta ao adotar uma estética intimista, com câmera próxima, luz natural e silêncios que sugerem mais do que dizem. Essa escolha confere autenticidade ao drama, especialmente nas cenas que evitam o melodrama explícito. Contudo, a busca por sutileza às vezes resvala no contrário: um ritmo contemplativo que enfraquece a progressão dramática.

Freitas parece admirar o cinema de observação — e, de fato, há ecos de Cuarón e Dolan em suas escolhas formais —, mas o resultado é irregular. O filme brilha quando se contém, mas tropeça quando tenta sublinhar o óbvio: a fragilidade humana e o poder do afeto não precisam ser reiterados em cada gesto ou olhar.

Amendoim: mais símbolo do que personagem

O título e o cão Amendoim, um típico vira-lata caramelo, são o coração e a metáfora do longa. Ele representa o afeto puro, a segunda chance, a simplicidade que salva o homem moderno de si mesmo. É uma leitura válida e emocionalmente eficaz, mas também previsível. O filme trata o animal quase como uma entidade redentora, sem lhe conceder uma verdadeira presença narrativa.

Ainda assim, a relação entre Pedro e Amendoim é o ponto mais genuíno da obra. Há ternura sem pieguice e uma química natural que evita o sentimentalismo barato. O cão, mesmo simbólico, ancora o protagonista em algo real — e é justamente essa troca silenciosa que salva o filme de mergulhar de vez na autoindulgência.

Atuações sólidas, mas roteiro hesitante

Rafael Vitti entrega talvez sua atuação mais madura até aqui, fugindo de gestos fáceis e encontrando no silêncio o peso da transformação. Arianne Botelho e Kelzy Ecard complementam o elenco com presença discreta, mas eficiente. O problema está menos nas performances e mais na condução do texto: há um esforço nítido em criar um cinema “universal”, que fale de amor, perda e reconciliação, mas em alguns trechos o roteiro perde o foco entre o íntimo e o simbólico.

“Caramelo” quer ser poesia visual, mas em certos momentos se aproxima de um manual de autoajuda ilustrado — uma armadilha comum a dramas existenciais recentes. Falta-lhe a coragem de abraçar o desconforto, de explorar com mais contundência o que há de feio e contraditório no processo de cura.

Entre o doce e o amargo

É inegável, contudo, que o filme encontra ressonância no público. Ao alcançar o Top 10 global da Netflix, Caramelo comprova que há espaço para produções brasileiras sensíveis e autorais, ainda que feitas sob o olhar de um streaming que exige apelo universal. É um produto bem acabado, com fotografia belíssima e um discurso emocional acessível — qualidades que explicam sua popularidade, mas que também limitam sua ousadia artística.

Um passo adiante, mas ainda seguro demais

No fim, Caramelo é um filme que fala de humanidade com sinceridade, embora sem arriscar o desconforto que o tema mereceria. É doce, visualmente encantador e conduzido com competência, mas falta-lhe o amargor que tornaria sua reflexão realmente inesquecível.

Diego Freitas demonstra domínio técnico e sensibilidade narrativa — o que já é muito. Mas ao tentar equilibrar arte e apelo popular, o longa acaba preso entre duas intenções: ser um drama universal ou um retrato verdadeiramente humano.

Scarlet, o novo épico de Mamoru Hosoda, ganha trailer ao som de Mana Ashida

0

O premiado diretor japonês Mamoru Hosoda, responsável por algumas das obras mais sensíveis e inventivas da animação contemporânea, está de volta com um novo projeto que promete emocionar o público. Seu próximo filme, Scarlet, ganhou um trailer inédito ao som de “Hateshi naki”, canção-tema interpretada pela atriz e cantora Mana Ashida, que também dá voz à protagonista. Abaixo, confira o vídeo:

Produzido pelo Studio Chizu, o longa tem estreia marcada para 21 de novembro de 2025 no Japão e já vem sendo apontado como um dos títulos mais aguardados do ano. No Brasil, a previsão é que o filme chegue aos cinemas apenas em 2026, ainda sem data definida. As informações são do site O Vício.

Uma fábula sobre vingança, tempo e redenção

Descrito como uma mistura de fantasia medieval e ficção temporal, a trama acompanha a jornada de uma princesa espadachim que viaja através do tempo e do espaço em busca de vingança pelo assassinato do pai. No entanto, o destino a conduz a um confronto mais profundo — não apenas com o inimigo, mas com os próprios sentimentos que a movem.

Após uma batalha que a deixa gravemente ferida, Scarlet desperta em um mundo moderno e surreal, onde conhece um jovem idealista que a ajuda a reencontrar seu propósito. É nesse encontro improvável entre eras e ideais que a protagonista começa a questionar o peso da vingança e o verdadeiro significado de liberdade.

Combinando ação, emoção e filosofia, Hosoda constrói um conto épico sobre a dor e a cura — temas recorrentes em sua filmografia, mas agora revisitados sob uma perspectiva mais sombria e madura.

O mestre da emoção

Para quem acompanha o cinema japonês, o nome Mamoru dispensa apresentações. O diretor já foi aclamado por produções como Guerras de Verão (2009), Crianças Lobo (2012) e o visualmente deslumbrante BELLE (2021), que foi indicado ao Oscar e consolidou Hosoda como um dos grandes contadores de histórias da atualidade.

Em Scarlet, ele assina tanto o roteiro quanto a direção, mergulhando novamente em suas obsessões criativas: o choque entre mundos, o amadurecimento emocional e as relações humanas diante do impossível. “Quis explorar o que resta de nós quando tiramos tudo — a glória, o poder e o tempo. Scarlet é sobre o que sobra: a alma”, declarou o diretor em entrevista recente à imprensa japonesa.

Recepção antecipada e trilha sonora poderosa

Apresentado fora de competição no 82º Festival de Veneza, o longa arrancou aplausos de pé e elogios por sua direção artística e pela performance vocal de Mana Ashida, que já havia trabalhado com Hosoda em O Menino e o Mundo dos Demônios. A canção “Hateshi naki”, composta especialmente para o filme, tem sido descrita como um hino de esperança após a dor, e promete marcar presença entre as trilhas mais memoráveis do cinema japonês recente.

Lançamento internacional e planos futuros

A distribuição japonesa ficará por conta da Toho, enquanto a Sony Pictures Classics será responsável pelo lançamento internacional, com uma exibição especial de qualificação a prêmios prevista para o fim de 2025. O lançamento comercial fora do Japão deve ocorrer em fevereiro de 2026, com forte aposta em festivais e indicações.

Cinesystem lança combo exclusivo de Um Filme Minecraft com balde e copo temáticos

0

A aventura saiu dos blocos e invadiu as telonas! Já está em cartaz em todo o Brasil Um Filme Minecraft, a aguardada adaptação live-action do jogo que conquistou gerações. Para deixar a experiência ainda mais completa, a rede Cinesystem preparou uma surpresa especial para os fãs: um combo temático recheado de sabor e nostalgia.

O combo exclusivo conta com uma bebida de 750ml, um copo personalizado e muita pipoca servida em um balde épico decorado com elementos do universo pixelado de Minecraft. É a pedida perfeita para quem quer mergulhar de cabeça na jornada cinematográfica e ainda levar uma lembrança pra casa. A oferta é por tempo limitado e válida enquanto durarem os estoques — então é bom correr!

Com produção da Warner Bros. Pictures e Legendary Pictures, e direção de Jared Hess (Nacho Libre), o longa traz Jason Momoa, Jack Black e um elenco de peso em uma missão cheia de ação e bom humor. Na trama, um grupo de humanos é misteriosamente transportado para o mundo do jogo. Para sobreviver e encontrar o caminho de volta, eles se unem a Steve (interpretado por Jack Black), um construtor experiente que lidera a equipe em uma jornada repleta de criaturas pixeladas, desafios criativos e lições sobre trabalho em equipe.

Fenômeno mundial com milhões de cópias vendidas e uma base fiel de jogadores, Minecraft ganha vida nos cinemas com uma produção que promete emocionar tanto os veteranos quanto as novas gerações.

Seja para curtir em família, com os amigos ou reviver boas memórias de jogo, Um Filme Minecraft é uma experiência imperdível — ainda mais com o combo especial da Cinesystem para completar a diversão.

🎬 Um Filme Minecraft – já em cartaz nos cinemas
🍿 Combo temático exclusivo com bebida de 700ml, copo personalizado e balde de pipoca
📍 Disponível nas unidades da Cinesystem – por tempo limitado!

Sombras no Deserto traz Nicolas Cage em uma visão ousada e sombria sobre a juventude de Jesus

0

Estreia em 13 de novembro nos cinemas brasileiros o longa-metragem “Sombras no Deserto”, uma das produções mais ousadas e debatidas do ano. Distribuído pela Imagem Filmes, o título marca uma nova fase na carreira de Nicolas Cage, que assume um papel intenso e carregado de simbolismo ao lado de FKA Twigs e Noah Jupe. A direção é de Lotfy Nathan, cineasta que imprime ao projeto uma visão autoral e inquietante sobre fé, destino e a natureza do poder.

Ambientado no Egito Antigo, o filme apresenta uma leitura radicalmente inédita sobre um tema raramente explorado: a adolescência de Jesus Cristo. A trama é inspirada no Evangelho apócrifo de Pseudo-Tomé, um texto que descreve os chamados “anos perdidos” da vida do messias, ausentes nos evangelhos oficiais. Nessa versão, o jovem Jesus manifesta dons sobrenaturais que ainda não compreende, tornando-se um ser dividido entre o sagrado e o humano, entre o milagre e o medo.

Para Lotfy Nathan, o projeto nunca teve como propósito provocar a fé, mas sim investigar o mistério da formação de um mito. “Eu não pretendia fazer um filme religioso”, afirma o diretor. “Mas conforme mergulhei nessa história, percebi que ela fala sobre o que é ser parte de uma família — sobre amor, temor e sobrecarregar alguém com expectativas impossíveis.” Essa perspectiva íntima e emocional transforma o longa em um drama sobrenatural de forte impacto psicológico, em que a tensão cresce à medida que o poder do garoto ameaça desestabilizar todos ao seu redor.

No papel do pai, chamado apenas de O Carpinteiro, Nicolas Cage entrega uma das atuações mais vigorosas de sua carreira recente. Seu personagem é um homem simples que vê sua fé e sua sanidade abaladas diante do inexplicável. Ao seu lado, FKA Twigs vive a mãe do menino, uma mulher que tenta proteger o filho e preservar a unidade da família mesmo quando a presença dele passa a ser vista como uma maldição. O jovem Noah Jupe completa o trio principal com uma performance densa e misteriosa, capturando a inocência e a perturbação de um ser que carrega o divino sem compreender o que isso significa.

A direção de Nathan aposta em uma estética austera e hipnótica. As paisagens áridas, o silêncio opressivo e a fotografia em tons terrosos evocam um clima de solidão e reverência, enquanto a câmera acompanha de perto os gestos e olhares dos personagens, ampliando o desconforto e a sensação de isolamento. Essa atmosfera reforça a dualidade do filme: o deserto físico reflete o deserto interior de seus protagonistas — um lugar onde fé e medo coexistem.

O resultado é uma obra que desafia classificações fáceis. Nem uma cinebiografia religiosa, nem um terror convencional, “Sombras no Deserto” é uma meditação cinematográfica sobre a origem da fé e o preço da diferença. Cada cena parece construída para provocar desconforto e reflexão, conduzindo o espectador a um terreno onde o sagrado se confunde com o humano e onde a inocência pode se transformar em poder destrutivo.

Em festivais internacionais, o longa já vem sendo descrito como “uma experiência espiritual perturbadora”, elogiado pela coragem estética e pela profundidade de suas interpretações. Críticos destacam a performance contida e magnética de Nicolas Cage, a entrega emocional de FKA Twigs e a sensibilidade de Nathan ao tratar temas teológicos sob um olhar humano e contemporâneo.

Crítica – Anora é uma poderosa releitura sobre amor e identidade

0

“Eu amo meu marido e vou ficar com ele para sempre.” Com essa frase enigmática, Anora abre caminho para um mergulho profundo nas complexidades da vida e da identidade. Sob a direção brilhante de Sean Baker, conhecido por capturar com maestria a essência humana, o filme transcende o comum, entregando uma experiência repleta de performances emocionantes e um roteiro que equilibra humor e tragédia com precisão quase cirúrgica.

O enredo é uma releitura contemporânea e nada convencional da história da Cinderela. No entanto, em vez de sapatinhos de cristal e bailes luxuosos, encontramos uma narrativa moldada pelas nuances do cotidiano e das emoções humanas. Baker troca os estereótipos e cria um mundo autêntico, habitado por personagens peculiares e multidimensionais que desafiam expectativas.

No centro da história está Ani (interpretada de forma magnética por Mikey Madison), uma jovem que vive subjugada pelas expectativas alheias. Resignada a uma vida de conformismo, ela encontra em um gesto inesperado de carinho a centelha para sonhar com algo maior. Mas o filme não oferece respostas fáceis: enquanto Ani anseia por uma conexão genuína, sua experiência de vida a condicionou a desconfiar de toda bondade desinteressada.

A chegada de Igor, um personagem que personifica gentileza autêntica, intensifica o conflito interno de Ani. Em um mundo onde cada gesto parece ter um preço, ela luta para discernir entre sinceridade e manipulação. É um comentário poderoso sobre a maneira como traumas moldam percepções e sobre como a sociedade pode sufocar a pureza de um gesto altruísta.

No clímax emocional do filme, Ani desaparece, dando lugar à nova identidade de Anora. A transformação simboliza não apenas um renascimento, mas também a luta constante para acreditar que a felicidade é algo que ela pode, sim, merecer. É um momento silencioso, mas avassalador, em que Anora começa a sonhar com um futuro diferente — não como um reflexo das expectativas dos outros, mas como a arquiteta de sua própria vida.

Mikey Madison entrega uma atuação extraordinária. Sua interpretação é crua, vulnerável e absolutamente cativante, evocando comparações com grandes performances do cinema contemporâneo. Madison dá vida a Ani/Anora de uma forma que nos faz sentir cada dor, dúvida e esperança da personagem. É uma atuação que certamente será lembrada por anos.

Sean Baker, por sua vez, demonstra mais uma vez por que é um dos diretores mais talentosos de sua geração. Ele constrói um universo que respira autenticidade e que continua a nos intrigar mesmo após os créditos finais. Com Anora, Baker entrega uma obra que é sensual, engraçada, devastadora e profundamente humana.

Anora não é apenas um filme; é uma experiência. Ele nos desafia a refletir sobre nossas próprias vidas, nossos preconceitos e a maneira como enxergamos os outros. É um lembrete poderoso de que, mesmo nas circunstâncias mais difíceis, a capacidade de sonhar e de se reinventar permanece viva.

Um brinde a Sean Baker por nos oferecer uma obra-prima que ficará gravada na memória e no coração.

Dica na Netflix: Te Espero no Fim da Jornada — Um filme sobre encontros improváveis, feridas abertas e o poder transformador da conexão

0
Foto: Reprodução/ Internet

Algumas histórias não precisam de grandes reviravoltas para emocionar. Elas só precisam ser honestas. Te Espero no Fim da Jornada é assim: um filme que fala baixinho, mas que vai fundo. Não grita, não pressiona, não tenta ser o que não é — e talvez por isso mesmo, acabe tocando de um jeito inesperado.

Na trama, conhecemos Tian Yu, um escritor de Hong Kong que já teve seus dias de brilho, mas hoje caminha à beira do próprio abismo. Assombrado por uma acusação de plágio e por lembranças que ainda doem, ele carrega um vazio difícil de explicar. Em meio ao caos interno, decide embarcar numa viagem até Taipei — uma fuga, talvez. Ou um último suspiro antes de desistir de tudo.

É lá que ele conhece Xiang, um jovem que vive à margem, entre becos e riscos, mas que tem no olhar uma certa inquietude bonita de se ver. Xiang não pergunta muito, não invade. Apenas oferece companhia, abrigo e uma promessa: levar Tian Yu até a tal Baía das Baleias, um lugar escondido no mapa, que dizem ser passagem para algo maior — um tipo de paraíso, quem sabe.

O que começa como uma jornada geográfica logo se transforma numa viagem interna. E o que parecia apenas um roteiro improvável entre um escritor melancólico e um quase-gângster, vai revelando um vínculo que não se encaixa em definições fáceis. Há silêncio, mas também afeto. Há mágoa, mas também esperança. E, acima de tudo, há o reconhecimento de que, às vezes, tudo o que a gente precisa é encontrar alguém que nos veja de verdade.

Dirigido por Angel Ihan Teng, o longa taiwanês é puro lirismo. A câmera passeia com calma, permitindo que a relação entre os protagonistas floresça com tempo, com verdade, com espaço para respirar. Nada é forçado — nem o drama, nem a emoção. O filme entende que as grandes mudanças acontecem no detalhe: num toque, num desabafo tímido, num gesto de cuidado que salva sem alarde.

🎬 Ficha Técnica
Título: Te Espero no Fim da Jornada
Direção: Angel Ihan Teng
Elenco: Terrance Lau Chun-him, Fandy Fan, Chan Tzu-hsuan
Duração: 1h43min
Gênero: Drama romântico / Taiwanês
Na Netflix
Classificação indicativa: 16 anos

Trailer de Burnout Syndrome promete um dos dramas BL mais intensos do ano com Off Jumpol, Gun Atthaphan e Dew Jirawat

0
Foto: Reprodução/ Internet

O universo dos dramas BL (Boys’ Love) acaba de ganhar um novo e promissor título que promete emocionar, provocar e discutir temas profundos: Burnout Syndrome. Estrelado por dois dos nomes mais queridos e carismáticos da GMMTV — Gun Atthaphan Phunsawat (Leap Day, The Trainee e Cooking Crush: Uncut Version), Off Jumpol Adulkittiporn (Break Up Service, Midnight Motel e Astrophile) e Dew Jirawat Sutivanichsak (MuTeLuv, Leap Day e A Love So Beautiful) — o projeto acaba de ganhar um trailer intenso, melancólico e visualmente arrebatador, que já está mexendo com os fãs nas redes sociais. A estreia está marcada para o dia 26 de novembro. Abaixo, confira o trailer:

A trama acompanha Jira (Off Atthaphan), um jovem artista recém-formado que, apesar do talento, não consegue encontrar seu lugar no mundo. A sorte parece finalmente sorrir quando ele conhece Pheem (Dew Jirawat Sutivanichsak), um técnico de informática gentil e pragmático, com quem forma uma conexão imediata e intensa. No entanto, o encontro com Ko (Gun Jumpol) — um homem misterioso e manipulador — muda completamente o rumo da história.

Ao aceitar um emprego proposto por Ko, Jira se vê mergulhado em um ambiente caótico, onde arte, obsessão e poder se misturam. Dividido entre o conforto emocional que encontra em Pheem e a inspiração destrutiva provocada por Ko, ele entra em um ciclo de desejo e autodescoberta, confrontando seus próprios limites emocionais e criativos.

Direção sensível e nomes de peso nos bastidores

O drama é dirigido e roteirizado por Nuchy Anucha Boonyawatana, conhecida por seu olhar poético e pela habilidade em retratar dilemas existenciais com sutileza — algo que promete dar a Burnout Syndrome um tom mais maduro e introspectivo. O roteiro conta ainda com a colaboração de JittiRain, autora de sucessos como Theory of Love e 2gether: The Series, o que reforça as expectativas de que o novo BL trará diálogos afiados, personagens complexos e uma carga emocional intensa. As informações são do My Drama List.

Na produção executiva, estão nomes experientes como Tha Sataporn Panichraksapong, Da Darapa Choeysanguan e Ben Sethinun Jariyavilaskul, que garantem o padrão de qualidade já característico das produções tailandesas da GMMTV. Além do trio principal — Off, Gun e Dew — o elenco de apoio inclui Emi Thasorn Klinnium (Ing), AJ Chayapol Jutamas (Mawin) e Thor Thinnaphan Tantui (Ben). Cada um deles deve contribuir para a complexa rede de relações que o roteiro promete explorar.

Um retrato cru da síndrome de burnout

Como o próprio título indica, a série vai além do romance e mergulha nas consequências da exaustão emocional e criativa — um tema ainda pouco explorado nos dramas BL. Burnout Syndrome promete discutir o preço do sucesso, a pressão social e o impacto psicológico do perfeccionismo, temas especialmente relevantes para as novas gerações.

Prêmio aCena anuncia indicados da 1ª edição e celebra a força da música e da noite pernambucana

0
Foto: Reprodução/ Internet

O cenário cultural de Pernambuco ganha mais um marco histórico: foram anunciados os indicados à primeira edição do Prêmio aCena, uma celebração inédita que reconhece o talento, a resistência e a pluralidade da música e da vida noturna do estado. A iniciativa, idealizada pelo coletivo aCena Recifense, surge com o propósito de fortalecer o ecossistema artístico local e consagrar nomes que, em 2025, movimentaram pistas, palcos e corações por todo o território pernambucano.

A premiação, que acontecerá no dia 7 de dezembro, na Casa Bacurau, promete ser uma noite de homenagens, diversidade e reconhecimento, reafirmando o Recife — e Pernambuco como um todo — como um dos polos culturais mais criativos do país. As votações populares já estão abertas e podem ser realizadas até 30 de novembro, por meio de um formulário disponível neste link oficial.

Com 20 categorias que contemplam desde artistas e bandas até produtores culturais, fotógrafos, DJs, drags, estilistas e jornalistas, a seleção dos indicados foi feita por uma bancada de 26 jurados com diferentes áreas de atuação — um reflexo do caráter plural da iniciativa.

Além das categorias principais, o evento contará com dois reconhecimentos especiais:

  • Ícone d’aCena, homenagem a um artista cuja trajetória se tornou símbolo da cultura pernambucana.
  • Prêmio Tá com a Cena, voltado a figuras políticas que contribuíram significativamente para o fortalecimento das artes locais.

A força da noite e da música pernambucana

Quem conhece o Recife sabe: a cidade pulsa em ritmo de festa, resistência e criatividade. Dos palcos do Rec-Beat e do Coquetel Molotov às pistas da Club Metrópole e do Terra Café Bar, a capital e o interior do estado formam um caldeirão cultural único — onde o frevo, o brega, o forró e o pop se misturam em uma sonoridade inconfundível.

O Prêmio aCena surge justamente como um reconhecimento da importância dessa diversidade musical e da força das produções independentes. Ele não apenas celebra artistas consagrados, mas também dá espaço a novos nomes, produtores e espaços que fazem a engrenagem da cultura girar, muitas vezes de forma autônoma e colaborativa.

Os indicados que dão o tom da festa

A lista de indicados à primeira edição do prêmio reflete um retrato vibrante da produção cultural pernambucana em 2025.

Na categoria Espaço do Ano, nomes como Casa Bacurau, Club Metrópole, Concha Acústica e Alma Arte Café disputam o título de ponto de encontro mais marcante da noite recifense. Já entre os festivais, o destaque vai para eventos de peso como No Ar Coquetel Molotov 2024, Rec’N’Play 2025 e Rec-Beat 2025, que consolidam o estado como palco de inovação musical e cultural.

Quando o assunto é festa, a disputa esquenta ainda mais. Na categoria Festa do Ano, estão indicadas produções que dominaram as pistas e o imaginário do público, como Baile da Brota, Club Vittar, NBOMB, Pilhada, Tarantina e Soda.

Entre os produtores culturais, destaque para nomes como Allana Marques, Ana Garcia, Nadejda, TaraCrew e Victor Hugo Bione, que movimentaram bastidores e palcos com criatividade e ousadia.

Vozes e sons que definem uma geração

Na categoria Cantor do Ano, o leque é diverso e potente: Almério, Gomes, Isadora Melo, Joyce Alane, João Gomes, Relikia, Natascha Falcão e UANA representam diferentes vertentes e gerações da música pernambucana.

Já o Banda do Ano celebra coletivos musicais que mantêm vivo o espírito experimental e popular da cena, como Amigas do Brega, Bregadelic, Forró na Caixa, Mombojó e Orquestra Malassombro.

O brega, gênero que há décadas embala o coração e o cotidiano do povo pernambucano, também tem sua própria categoria. Entre os indicados a Artista Brega do Ano, nomes como Priscila Senna, Anderson Neiff, Rayssa Dias, Carina Lins e Raphaela Santos provam que o ritmo continua se reinventando e conquistando o país.

A arte em todas as formas

O Prêmio aCena vai além da música — ele também celebra a performance, a imagem, o estilo e o olhar artístico por trás da cena.

Na categoria Drag do Ano, brilham nomes que transformam o palco em resistência e espetáculo, como Safira Blue, Ruby Nox, Poseidon Drag, Mia J, Sayuri Heiwa e Violet Smalls. Já os estilistas como Allura Nox, Camila Ferza e Leopoldo Nóbrega mostram que a moda pernambucana está em plena efervescência, com criações que traduzem identidade e pertencimento.

A fotografia também tem seu espaço, com indicados como Alan Rodrigues, Aysha Diablo, Jezz Maia e Luara Guerra, responsáveis por eternizar momentos da cultura local com sensibilidade e potência.

E, é claro, não poderia faltar o reconhecimento aos DJs, verdadeiros maestros da noite. Nomes como Nadejda, Makeda, Vands, Lala K e IDLibra disputam o prêmio de DJ do Ano, representando o vigor das pistas pernambucanas, onde o som é ferramenta de expressão e liberdade.

Trilhas, produções e histórias em movimento

A categoria de Produtor Musical do Ano celebra quem trabalha nos bastidores para dar forma e textura ao som da cena. Entre os indicados, nomes como Filipe Guerra, Sofia Freire, Luccas Maia, Marley no Beat e Zoe Beats reforçam a importância da produção autoral e experimental no cenário atual.

Os álbuns e EPs que marcaram o ano também estão em disputa. Destaque para “Puro Transe” de Gomes, “Casa Coração” de Joyce Alane, “Universo de Paixão” de Natascha Falcão e “Virando Noite” de Guma, além do projeto colaborativo “Dominguinho” com João Gomes, Mestrinho e jota.pê, que homenageia o mestre sanfoneiro e mantém viva a tradição nordestina em novas roupagens.

Cultura popular e resistência

Nenhum panorama da arte pernambucana estaria completo sem a presença da cultura popular. Por isso, o prêmio dedica uma categoria especial a esses mestres e guardiões da tradição. Entre os indicados, nomes como Lia de Itamaracá, Maciel Salú, Mestre Anderson Miguel, Mãe Beth de Oxum e Afoxé Oyá Alaxé reafirmam o valor das expressões que formam a base da identidade cultural do estado.

O olhar da mídia e da influência cultural

O Prêmio aCena também reconhece o papel fundamental da comunicação e da divulgação cultural. Entre os influencers culturais indicados estão Caio Braz, Camy Moury, Carol Maloca, Ester D SAN e o perfil Guia Boêmio, que ajudaram a expandir o alcance da cultura local nas redes.

Na categoria Jornalista Cultural do Ano, nomes como Emannuel Bento, Maya Santos, Samantha Oliveira e Wanessa Lins representam uma geração de comunicadores que constroem pontes entre artistas e público, registrando a história viva da arte pernambucana.

almanaque recomenda