Crítica – Antártida é soterrado por um roteiro raso e uma direção sem impacto

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Louam Leone
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Antártida é o mais novo filme nacional a apostar na tecnologia das telas de LED para construir sua ambientação. A proposta poderia render um thriller claustrofóbico interessante, especialmente ao combinar uma estação de pesquisa isolada, um grupo de personagens confinados e um crime de violência sexual. O problema é que o longa não consegue sustentar nenhuma dessas ideias. Soterrado por um roteiro superficial e por uma direção pouco inspirada, o filme transforma uma temática urgente em um conflito simplista, sem a profundidade necessária para provocar reflexão ou envolvimento.

Dirigido por Bruno Safadi, o longa parte de uma premissa que, no papel, possui potencial. Um grupo de pesquisadores mantém uma instalação na Antártida e, durante uma festa realizada à noite, ocorre uma queda de energia. Nesse momento, Inês, interpretada por Marina Ruy Barbosa, é estuprada.

A partir daí, surge o principal mistério da história: quem estuprou Inês?

O problema está justamente na maneira como o filme conduz essa investigação. Uma discussão extremamente delicada sobre violência sexual é reduzida a uma espécie de jogo de suspeitas, baseado em perguntas como “foi você?” ou “você seria capaz de fazer isso?”. Em vez de explorar as consequências do crime, as relações de poder, o impacto psicológico da violência ou a dinâmica daquele ambiente isolado, o roteiro se prende a uma estrutura superficial de investigação.

A consequência é um filme que parece querer discutir uma questão social importante, mas raramente consegue transformar essa intenção em dramaturgia.

Quando as subtramas não encontram espaço para existir?

Ao longo da narrativa, outras questões são introduzidas. O filme apresenta outra mulher vítima de violência, acompanha a relação de um casal homossexual e mostra uma mulher negra ocupando, dentro da base, uma função historicamente associada aos homens.

São elementos que poderiam ampliar a discussão proposta pelo longa. O problema é que praticamente nenhum deles recebe desenvolvimento suficiente. As ideias entram e saem da narrativa sem que suas implicações sejam exploradas de maneira significativa.

Isso cria a sensação de que Antártida está constantemente apresentando assuntos que poderiam render boas histórias, mas abandonando todos antes de desenvolvê-los. Em consequência, as subtramas parecem mais recursos inseridos para reforçar determinados temas do que partes orgânicas de uma narrativa.

Inês existe para além do trauma?

A personagem de Marina Ruy Barbosa é outro ponto especialmente problemático. Inês acaba sendo construída quase exclusivamente a partir da violência que sofreu, tornando-se uma personagem definida pelo trauma.

É evidente que um estupro pode provocar consequências profundas e devastadoras. O problema não está em mostrar esse impacto, mas em fazer com que ele seja praticamente a única dimensão da personagem.

O roteiro parece esquecer que Inês existia antes daquela noite. Quem ela era? Quais eram suas relações? O que a motivava? Como ela se comportava antes do acontecimento? Quais características faziam dela uma pessoa específica, e não apenas uma vítima?

Sem essas respostas, o espectador não consegue estabelecer uma conexão verdadeiramente humana com a personagem. O sofrimento está presente, mas falta construção dramática para que ele seja sentido para além da informação narrativa.

E o que a Antártida acrescenta à história?

A escolha da Antártida como cenário também acaba desperdiçada.

A princípio, o isolamento poderia ser um dos principais elementos do filme. Uma estação científica cercada por gelo, distante da civilização e ocupada por pessoas que precisam conviver umas com as outras após um crime poderia criar uma atmosfera de paranoia e claustrofobia bastante eficiente, remetendo, em alguma medida, ao isolamento de obras como O Enigma de Outro Mundo.

Mas o filme raramente utiliza esse potencial.

Na prática, a história poderia acontecer em praticamente qualquer lugar. Japão, Brasil, Grécia ou Antártida: o cenário pouco interfere na dinâmica dos acontecimentos. A localização não possui peso dramático suficiente e tampouco é incorporada à narrativa de maneira significativa.

Até mesmo a tecnologia de telas de LED, que poderia ajudar a construir uma ambientação convincente, não resolve esse problema. A sensação é de que o cenário existe mais como pano de fundo do que como parte efetiva da história.

A montagem também não ajuda

A edição contribui para tornar a experiência ainda mais irregular. Em diversos momentos, o filme recorre a planos distantes das paisagens congeladas e a montagens que parecem funcionar mais como preenchimento do que como elementos narrativos.

Essas inserções interrompem o fluxo das cenas e tornam perceptível uma certa falta de ritmo e organização. Em uma história que deveria trabalhar constantemente a tensão do confinamento, a montagem frequentemente faz o contrário: dispersa a atenção e diminui o impacto dos acontecimentos.

O elenco é melhor do que o filme permite demonstrar?

Talvez uma das maiores frustrações esteja justamente aí.

O elenco reúne nomes capazes de entregar performances muito mais intensas, mas a direção não parece encontrar a melhor maneira de conduzi-los. As atuações frequentemente soam rígidas, e parte dessa limitação parece estar diretamente relacionada à construção dos personagens e aos diálogos.

Não basta reunir bons intérpretes se o roteiro não oferece material consistente e se a direção não consegue extrair deles diferentes camadas. Em Antártida, existe pouco espaço para que os personagens ultrapassem suas funções dentro da trama.

Isso também afeta Marina Ruy Barbosa, que recebe uma personagem com potencial dramático considerável, mas limitada por uma escrita que não consegue enxergar Inês para além do acontecimento que movimenta o filme.

Afinal, o que sobra de Antártida?

Antártida parte de uma ideia que poderia resultar em um thriller nacional interessante, especialmente por combinar isolamento, investigação e uma discussão urgente sobre violência contra a mulher.

O resultado, porém, fica muito aquém desse potencial.

O roteiro trata questões complexas de maneira superficial, as subtramas são pouco desenvolvidas, a ambientação antártica quase não interfere na narrativa, a montagem compromete o ritmo e a direção não consegue extrair do elenco a intensidade que a história exigia.

O maior problema, portanto, não é simplesmente o filme ser lento ou não funcionar como suspense. É a distância entre aquilo que Antártida parece querer discutir e aquilo que efetivamente consegue colocar em cena.

Uma temática tão delicada exigia personagens mais bem construídos, conflitos mais complexos e, principalmente, uma abordagem capaz de compreender a violência sexual para além de um mistério sobre a identidade do agressor.

A Odisseia ultrapassa US$ 1 bilhão e pode transformar Christopher Nolan em recordista da própria carreira

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Christopher Nolan está perto de estabelecer um novo recorde dentro da própria filmografia. A Odisseia ultrapassou US$ 1 bilhão em bilheteria mundial e agora precisa de aproximadamente mais US$ 85 milhões para superar O Cavaleiro das Trevas Ressurge, que arrecadou cerca de US$ 1,085 bilhão em 2012.

A marca coloca a adaptação da obra de Homero entre os maiores sucessos comerciais da carreira do diretor. O detalhe mais curioso está na origem da história: em vez de uma franquia contemporânea, Nolan escolheu levar ao cinema um poema atribuído a Homero e escrito há cerca de três mil anos.

Como A Odisseia chegou ao bilhão?

A largada foi forte. A Odisseia arrecadou aproximadamente US$ 264 milhões no primeiro fim de semana mundial, incluindo US$ 124,5 milhões nos Estados Unidos e Canadá. Foi a maior abertura da carreira de Nolan.

Na segunda semana, o filme manteve um ritmo consistente e levou o acumulado mundial para cerca de US$ 640 milhões. A procura por sessões em formatos premium, principalmente IMAX, também contribuiu para a arrecadação, já que os ingressos dessas salas costumam ter preços superiores aos das sessões convencionais.

O desempenho coloca o longa em uma situação favorável para alcançar o recorde de O Cavaleiro das Trevas Ressurge. A diferença ainda é considerável, mas o filme já percorreu a maior parte do caminho necessário para chegar ao topo da lista.

Por que Nolan escolheu filmar o longa inteiro em IMAX?

O IMAX faz parte da identidade visual dos filmes de Nolan há anos. O diretor já utilizou câmeras do formato em produções como O Cavaleiro das Trevas, Interestelar, Dunkirk, Tenet e Oppenheimer. Em A Odisseia, a decisão foi levada mais longe: toda a produção foi filmada com câmeras IMAX de 70 mm.

A escolha combina com a escala da história. Odisseu atravessa mares, ilhas e diferentes territórios durante anos, passando por batalhas e encontros com criaturas da mitologia grega. As câmeras de grande formato permitem aproveitar melhor paisagens abertas e telas gigantes, especialmente nas salas equipadas para projeções em 70 mm.

O projeto também exigiu um orçamento estimado em US$ 250 milhões. As filmagens aconteceram entre fevereiro e agosto de 2025, passando por locais na Grécia, Itália, Marrocos, Escócia e Islândia. A equipe utilizou diferentes ambientes reais para construir os cenários da história, seguindo uma preferência de Nolan por filmar fora dos estúdios sempre que a produção permite.

Quem Matt Damon interpreta?

Matt Damon assume o papel de Odisseu, rei de Ítaca que tenta retornar para casa depois da Guerra de Troia. Na história de Homero, a viagem se prolonga por anos e coloca o personagem diante de criaturas e figuras da mitologia grega, como o Ciclope Polifemo, as Sereias e Circe.

Anne Hathaway interpreta Penélope, esposa de Odisseu, enquanto Tom Holland vive Telêmaco, filho do casal. O elenco ainda conta com Zendaya, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Charlize Theron e Jon Bernthal.

A narrativa também acompanha o que acontece em Ítaca durante a ausência do rei. Penélope precisa lidar com homens que tentam ocupar o espaço deixado por Odisseu, enquanto Telêmaco cresce sem a presença do pai. Esse núcleo familiar é uma parte importante do poema e divide espaço com os acontecimentos da viagem.

Por que a Odisseia veio depois de Oppenheimer?

O projeto é o primeiro filme de Nolan depois de Oppenheimer, lançado em 2023. A produção sobre o físico J. Robert Oppenheimer arrecadou aproximadamente US$ 975 milhões e recebeu sete Oscars, incluindo Melhor Filme e Melhor Direção.

A mudança de assunto foi grande. Nolan saiu de uma história baseada em acontecimentos reais do século XX para uma narrativa criada na Grécia Antiga. A produção, no entanto, mantém uma característica comum aos trabalhos recentes do diretor: o uso de grandes formatos de imagem e a construção de filmes pensados para a sala de cinema.

A Odisseia também mantém Nolan na Universal Pictures, estúdio responsável por Oppenheimer. O novo projeto foi anunciado em 2024, e a escala da produção começou a ficar clara com a formação do elenco e as primeiras informações sobre as filmagens.

O filme pode superar O Cavaleiro das Trevas Ressurge?

A diferença entre os dois filmes está atualmente em aproximadamente US$ 85 milhões. O Cavaleiro das Trevas Ressurge tinha uma vantagem comercial evidente em 2012: era o encerramento da trilogia do Batman e chegava aos cinemas como parte de uma franquia estabelecida mundialmente.

A Odisseia seguiu um caminho diferente. O público está acompanhando uma história que não depende de uma sequência anterior e que foi construída a partir de um texto clássico. O nome de Nolan, o elenco e a proposta visual são os principais elementos que sustentaram o interesse pelo projeto.

Evil Dead Wrath conclui suas gravações e aproxima A Morte do Demônio de seu retorno aos cinemas

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A produção de Evil Dead Wrath, novo capítulo da franquia A Morte do Demônio, concluiu oficialmente suas filmagens. Com isso, o longa-metragem entra na fase de pós-produção e mantém sua estreia prevista para 6 de abril de 2028 nos cinemas brasileiros.

O projeto será dirigido e escrito por Francis Galluppi, que assume pela primeira vez um filme da série. Nos bastidores, a produção continua sob a supervisão de Sam Raimi e Robert Tapert, responsáveis por ajudar a construir a franquia desde seus primeiros anos.

Até o momento, os detalhes da história permanecem em sigilo. A produção ainda não divulgou uma sinopse oficial nem revelou quais personagens estarão no centro da narrativa. A estratégia segue a linha adotada pelos filmes mais recentes da franquia, que preservaram os principais detalhes da trama até a divulgação dos primeiros trailers.

O elenco confirmado reúne Charlotte Hope, Jessica McNamee, Zach Gilford, Josh Helman, Ella Newton, Ella Oliphant e Elizabeth Cullen. Os papéis interpretados pelos atores ainda não foram anunciados.

Uma informação importante é que Evil Dead Wrath não foi apresentado como uma continuação direta de A Morte do Demônio: A Ascensão, lançado em 2023. Tudo indica que o filme contará uma nova história ambientada no mesmo universo da franquia, modelo que tem permitido aos produtores explorar personagens e situações diferentes sem depender dos acontecimentos dos longas anteriores.

Também não há confirmação sobre uma participação de Ash Williams, personagem interpretado por Bruce Campbell e protagonista da trilogia original. O ator segue ligado à marca nos bastidores, mas seu retorno diante das câmeras não foi anunciado.

Embora a trama continue cercada de mistério, a franquia possui alguns elementos recorrentes que costumam servir como base para suas histórias. Desde o longa de 1981, os filmes exploram confrontos entre seres humanos e entidades demoníacas libertadas por antigos textos amaldiçoados, especialmente o Necronomicon, objeto que se tornou uma das marcas registradas da série.

O próprio título do novo filme chama atenção. A palavra “Wrath”, traduzida como “ira”, sugere uma narrativa marcada por conflitos mais violentos e pela presença de ameaças ainda mais perigosas. No entanto, os produtores não explicaram oficialmente o significado do nome nem sua relação com os acontecimentos da história.

Com as gravações encerradas, os próximos passos da produção incluem a finalização dos efeitos visuais, edição e desenho de som. As primeiras imagens oficiais, a sinopse completa e o trailer devem ser divulgados futuramente, oferecendo uma visão mais clara sobre a proposta do novo capítulo.

Sem Salvação na Netflix vai ter 2ª temporada? Entenda o futuro da série e se o drama é baseado em fatos reais

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A série Sem Salvação, disponível na Netflix, vem ganhando espaço entre os dramas mais comentados da plataforma ao apostar em uma história mais intimista e psicológica. Em vez de recorrer a grandes reviravoltas, a produção constrói sua tensão a partir do cotidiano controlado de uma comunidade religiosa isolada e da forma como isso impacta a vida de uma família.

No centro da narrativa está Rosie, que vive com o marido Adam e o filho pequeno em uma comunidade cristã nos arredores de Londres. O ambiente é fechado e rigidamente regulado por regras religiosas que influenciam desde comportamentos simples até a forma como os moradores enxergam o mundo externo.

Para Rosie, aquele espaço sempre representou segurança. A fé, dentro daquela estrutura, funciona como guia absoluto. Porém essa percepção começa a ser colocada em dúvida quando Sam surge na comunidade. Ele tem um passado criminoso e sua presença acaba funcionando como um elemento de ruptura dentro de uma realidade que parecia totalmente controlada.

Quem está no elenco da série?

A protagonista Rosie é interpretada por Molly Windsor, que entrega uma atuação baseada em sutilezas, com foco nas mudanças emocionais da personagem ao longo da trama. Em vez de exageros dramáticos, a construção do papel aposta em desconforto crescente e questionamentos internos.

O personagem Adam representa o lado mais fiel ao sistema da comunidade. Ele segue as regras sem questionar e acredita que aquele estilo de vida é o correto, o que cria um conflito direto com a trajetória de Rosie.

Já Sam surge como uma presença externa que não se encaixa na lógica da comunidade. Ele não precisa ser definido como herói ou vilão de forma direta, mas sua chegada altera a dinâmica do grupo e acelera o processo de ruptura dentro da história.

O elenco de apoio reforça o clima de isolamento da comunidade e ajuda a construir a sensação de que tudo ali funciona sob vigilância constante e regras que não podem ser facilmente questionadas.

Sem Salvação vai ter 2ª temporada na Netflix?

Até o momento, a Netflix não confirmou a produção de uma segunda temporada de Sem Salvação. A série ainda não teve seu futuro oficialmente definido pela plataforma, o que mantém a possibilidade em aberto.

O encerramento da primeira temporada, no entanto, sugere que a história principal de Rosie foi concluída. Ela consegue deixar a comunidade ao lado da filha Grace, rompendo com o sistema religioso que determinava toda a sua vida até então.

Esse desfecho funciona como um fechamento de arco, o que indica que uma continuação direta da mesma história não é obrigatória. Ainda assim, o universo da série deixa espaço para novas abordagens, especialmente se a produção decidir explorar outros personagens ou os desdobramentos da comunidade após a saída de Rosie.

A história é baseada em fatos reais?

Apesar de trabalhar com elementos que parecem muito próximos da realidade, a trama não é baseada em uma história real específica. Não há registros de que a trama seja inspirada em eventos documentados ou em casos individuais.

O que a série faz é utilizar uma estrutura ficcional para abordar temas como controle religioso, isolamento social e manipulação emocional. Esses elementos existem no mundo real em diferentes contextos, mas são reorganizados na narrativa de forma dramatizada.

Isso ajuda a série a manter um tom mais realista sem depender de uma história verdadeira como base direta.

Como é o estilo da série?

A proposta de Sem Salvação não está em ação constante ou grandes acontecimentos, mas em uma construção lenta de tensão. A narrativa foca no impacto psicológico das situações e no processo gradual de percepção da protagonista.

A sensação de desconforto cresce à medida que Rosie começa a questionar aquilo que sempre considerou normal. O ritmo mais contido permite que o público acompanhe esse processo de forma mais próxima, quase como uma observação do colapso de certezas pessoais.

Esse tipo de abordagem divide opiniões, mas também é um dos fatores que faz a série se destacar dentro do catálogo da Netflix.

O que esperar do futuro da série?

Sem confirmação oficial de renovação, o futuro de Sem Salvação ainda depende da decisão da Netflix. Caso uma nova temporada aconteça, o caminho mais provável é uma mudança de foco narrativo, já que a história principal da protagonista foi encerrada.

Justin Hartley quer retornar como Arqueiro Verde: “Seria uma história totalmente diferente”

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Justin Hartley, conhecido por papéis icônicos como Kevin Pearson em This Is Us e Oliver Queen/Arqueiro Verde em Smallville, revelou em entrevista ao The Jennifer Hudson Show que gostaria de revisitar o universo dos super-heróis. O ator, que deu vida ao jovem Oliver Queen no início dos anos 2000, afirmou que uma nova abordagem do personagem permitiria explorar facetas inéditas do vigilante de Star City. As informações são do site OVicio.

“Eu adoraria interpretar um super-herói de novo. Agora que estou mais velho, com mais experiências de vida, eu abordaria isso de forma diferente. Seria uma história totalmente nova”, disse Hartley. Ele destacou que o retorno permitiria mostrar Oliver em um momento da vida mais maduro, com novos desafios e dilemas, sem perder a essência heroica que marcou sua trajetória.

O Arqueiro Verde, personagem criado em 1941 para os quadrinhos da DC, começou inspirado em Robin Hood, como um bilionário que usava flechas especiais para combater o crime em Star City, contando com a ajuda do jovem assistente Ricardito (Speedy). Nos anos 60, após perder sua fortuna, o personagem ganhou um tom mais urbano e socialmente engajado, lutando pelos menos favorecidos e abandonando parte de suas flechas especiais.

A trajetória do herói continuou a se aprofundar nos anos 70, quando formou parceria com o Lanterna Verde Hal Jordan e abordou temas mais complexos, incluindo a dependência química de Ricardito e conflitos sociais, consolidando Oliver como um herói com consciência social. Sua relação com Dinah Lance, a Canário Negro, também se tornou central, reforçando seu papel como defensor da justiça e aliado da Liga da Justiça.

Nos anos 80, sob a direção criativa de Mike Grell, Arqueiro Verde mudou-se para Seattle, adotou um tom mais sombrio e urbano, e manteve sua luta pelas causas sociais. Participações em minisséries como Elseworlds: O Cavaleiro das Trevas e sagas como “O Espírito da Flecha” mostraram o herói enfrentando desafios extremos, incluindo a perda de um braço, consolidando sua complexidade emocional e física dentro do Universo DC.

Hartley, nascido em Knoxville e formado em História e Teatro pela Southern Illinois University Carbondale e University of Illinois em Chicago, afirmou que sua própria maturidade pessoal poderia acrescentar novas camadas à interpretação de Oliver. “Você encontraria ele em outro lugar da vida dele. Ele passou por experiências que não mostramos antes, e isso poderia tornar a história mais interessante”, explicou.

O ator também reflete sobre como experiências de vida e relacionamentos contribuíram para sua evolução como artista. Hartley foi casado com Lindsay Korman e Chrishell Stause, e atualmente é casado com Sofia Pernas. Ele acredita que essas vivências ajudariam a trazer autenticidade e profundidade à personalidade do herói, que sempre equilibrou vida pessoal e dever como vigilante.

A possibilidade de Hartley retornar ao papel ocorre em um momento de grande interesse por adaptações mais maduras de personagens clássicos da DC. Analistas e fãs especulam que sua volta poderia explorar temas inéditos do herói, incluindo dilemas éticos, conflitos pessoais e o impacto de sua ação como vigilante urbano. Uma nova abordagem poderia conectar a nostalgia de Smallville com uma narrativa contemporânea, ampliando o alcance do personagem para novas gerações.

A Dona da Bola é renovada para 3ª temporada após crescimento da comédia esportiva da Netflix

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A Netflix confirmou oficialmente a terceira temporada de A Dona da Bola, comédia esportiva estrelada por Kate Hudson que vem ganhando força dentro do catálogo da plataforma desde sua estreia, em fevereiro de 2025. O anúncio aconteceu nesta quarta-feira (13), poucas semanas após a chegada da segunda temporada, lançada em 23 de abril.

A renovação mostra que a série conseguiu encontrar um público fiel ao misturar humor corporativo, rivalidade familiar e os bastidores de uma franquia profissional de basquete. Em vez de concentrar a narrativa apenas dentro das quadras, a produção transforma reuniões desastrosas, crises de imagem e disputas pelo controle do time em parte central da história.

Grande parte do sucesso também passa pelo desempenho de Kate Hudson, que conduz a série como Isla Gordon, uma herdeira desacreditada pela própria família que acaba assumindo a presidência do Los Angeles Waves após um escândalo afastar seu irmão do comando da equipe.

Sobre o que fala A Dona da Bola?

A trama acompanha Isla tentando sobreviver ao ambiente caótico criado ao redor do império esportivo da família Gordon. Acostumada a ser tratada como irresponsável e impulsiva, ela recebe a oportunidade de comandar uma das franquias mais valiosas do basquete profissional justamente quando a organização enfrenta uma crise pública.

Sem experiência administrativa e cercada por executivos que não levam sua liderança a sério, Isla precisa administrar conflitos internos, atletas problemáticos, contratos milionários e a pressão constante da imprensa esportiva. Ao mesmo tempo, ela tenta provar que consegue ocupar um espaço historicamente controlado pelos homens da família.

A série utiliza esse cenário para construir situações absurdas envolvendo ego, dinheiro e fama, mas também trabalha o desgaste emocional causado pela necessidade constante de validação dentro da própria casa. Boa parte dos conflitos da personagem nasce justamente da maneira como seus irmãos e outros dirigentes enxergam sua presença na presidência do time.

Quem está no elenco da série?

Além de Kate Hudson, o elenco principal reúne Drew Tarver como Sandy Gordon e Scott MacArthur interpretando Ness Gordon, dois dos personagens mais envolvidos nas disputas familiares pelo controle da franquia.

A produção ainda conta com Brenda Song no papel de Ali Lee, Fabrizio Guido como Jackie Moreno e Chet Hanks vivendo Travis Bugg. Já Toby Sandeman interpreta Marcus Winfield, um dos principais jogadores do Los Angeles Waves e figura constante nos problemas internos do time.

O conjunto funciona justamente porque a série trata seus personagens como pessoas emocionalmente instáveis tentando administrar um negócio bilionário enquanto lidam com vaidade, rivalidade e exposição pública.

Como nasceu a produção da Netflix?

O projeto começou a ser desenvolvido em 2021 como uma comédia inspirada nos bastidores do basquete profissional norte-americano. A participação de Jeanie Buss, presidente do Los Angeles Lakers, ajudou a construir situações próximas da realidade vivida por dirigentes de grandes equipes esportivas.

Inicialmente criada por Elaine Ko, a série passou por mudanças importantes nos bastidores até assumir sua versão definitiva sob comando de Mindy Kaling, Ike Barinholtz e David Stassen.

Foi durante essa reformulação criativa que o projeto recebeu o nome original Running Point. A ideia da equipe sempre foi mostrar o esporte profissional a partir da perspectiva administrativa, explorando não apenas os jogos, mas principalmente as negociações, os escândalos e o comportamento explosivo das pessoas envolvidas nesse universo.

O que esperar da terceira temporada?

Embora a Netflix ainda não tenha divulgado detalhes da nova leva de episódios, a segunda temporada deixou vários conflitos internos em aberto dentro da diretoria do Los Angeles Waves. O crescimento da influência de Isla na organização deve aumentar ainda mais as tensões com membros da própria família, especialmente porque sua gestão começa a chamar atenção fora do ambiente esportivo.

Saiba tudo sobre os filmes de hoje (21/03) na TV Globo: Sessão de Sábado e Corujão

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A Sessão de Sábado deste sábado, 21 de março de 2026, exibe um dos maiores clássicos da história do cinema: Jurassic Park. Dirigido por Steven Spielberg, o longa marcou época ao unir aventura, ficção científica e inovação tecnológica, tornando-se referência no uso de efeitos especiais e na construção de narrativas de grande escala.

A história se passa em uma ilha remota, onde um ambicioso projeto científico promete revolucionar o entretenimento. Dinossauros extintos há milhões de anos são recriados a partir de DNA pré-histórico e passam a habitar um parque temático idealizado pelo bilionário John Hammond. Para atestar a segurança do local, especialistas são convidados a conhecer as instalações antes da abertura oficial ao público.

Entre eles estão o paleontólogo Alan Grant, a paleobotânica Ellie Sattler e o matemático Ian Malcolm. O que começa como uma visita científica rapidamente se transforma em uma experiência de sobrevivência quando uma falha no sistema de segurança permite que os animais escapem de seus cercados.

A partir desse momento, o filme ganha ritmo acelerado e tensão crescente. Predadores como o Tiranossauro rex e os velociraptores passam a circular livremente pela ilha, colocando em risco a vida dos visitantes e funcionários. O enredo equilibra ação e suspense ao mesmo tempo em que levanta reflexões sobre os limites da ciência e as consequências da intervenção humana na natureza.

O elenco reúne nomes de destaque como Sam Neill, Laura Dern, Jeff Goldblum e Richard Attenborough, que ajudam a construir personagens marcantes e conduzir a narrativa com consistência. A trilha sonora composta por John Williams também desempenha papel fundamental, reforçando a atmosfera épica e emocional do filme.

Baseado na obra do escritor Michael Crichton, o longa foi um sucesso imediato de público e crítica. À época de seu lançamento, alcançou números expressivos de bilheteria e se tornou o filme mais lucrativo da história até então. Com relançamentos posteriores, ultrapassou a marca de 1 bilhão de dólares, consolidando sua relevância no cenário cinematográfico mundial.

Além do desempenho comercial, Jurassic Park também foi reconhecido pela indústria, conquistando três estatuetas no Oscar nas categorias de Melhor Som, Melhor Edição de Som e Melhores Efeitos Visuais. O trabalho inovador da Industrial Light & Magic, aliado aos efeitos práticos, elevou o padrão técnico das produções da época e influenciou gerações de cineastas.

O Corujão deste sábado, 21 de março, exibe o drama brasileiro Aos Nossos Filhos, uma produção que aposta em relações familiares complexas e nas transformações das estruturas afetivas ao longo das gerações.

Dirigido por Maria de Medeiros, o longa acompanha a história de Vera, interpretada por Marieta Severo, uma mulher marcada por uma trajetória intensa e cheia de experiências. Divorciada após três casamentos, ela construiu uma família extensa, reunindo filhos e enteados, e carrega no passado a vivência de ter enfrentado o período da ditadura militar, além de ter morado em diferentes países.

No centro da narrativa também está Tânia, vivida por Laura de Castro, filha de Vera, que representa uma geração com novos desafios e perspectivas. Em um relacionamento estável há 15 anos com sua companheira, ela enfrenta as mudanças provocadas pela chegada do primeiro filho do casal, um momento que coloca em evidência questões sobre maternidade, identidade e pertencimento.

O filme constrói um retrato sensível das relações contemporâneas, explorando conflitos entre passado e presente, além de destacar diferentes formas de amar e de constituir família. Ao colocar lado a lado experiências tão distintas, a narrativa evidencia como valores e visões de mundo podem se transformar ao longo do tempo, sem romper os laços afetivos.

O elenco ainda conta com nomes como José de Abreu, Marta Nóbrega e Cláudio Lins, que ajudam a dar profundidade às dinâmicas familiares apresentadas na história.

Com uma abordagem intimista, Aos Nossos Filhos propõe reflexões sobre legado, escolhas pessoais e a construção de vínculos em um cenário social em constante mudança. A produção se destaca por tratar temas delicados com naturalidade, valorizando o diálogo entre gerações e diferentes modelos de família.

Tom Cruise interpreta o homem que causou uma catástrofe global em Digger, novo filme de Alejandro G. Iñárritu

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A Warner Bros. Pictures divulgou o primeiro trailer de Digger, novo longa dirigido por Alejandro G. Iñárritu e estrelado por Tom Cruise. O filme estreia nos cinemas em 1º de outubro de 2026 e marca o retorno do diretor mexicano a uma produção em língua inglesa desde O Regresso (2015).

Na trama, Cruise interpreta Digger Rockwell, um homem que ocupa uma posição de grande influência no mundo, mas vê sua reputação ser destruída após provocar uma catástrofe global. A missão do personagem é impedir que o desastre avance, enquanto tenta convencer governos e a população de que ainda pode resolver a situação.

A história muda a dinâmica dos papéis recentes de Cruise. Em filmes como Missão: Impossível e Top Gun: Maverick, o ator interpreta personagens conhecidos pela capacidade de agir diante de crises. Em Digger, o conflito começa justamente pela falha do protagonista e pelas consequências de suas decisões.

O longa representa uma nova fase na carreira de Alejandro G. Iñárritu, conhecido por dirigir filmes como Amores Perros, Babel, Birdman e O Regresso. O diretor venceu dois Oscars de Melhor Direção, por Birdman e O Regresso, e também recebeu reconhecimento pelo roteiro de seus trabalhos anteriores.

Desde O Regresso, lançado em 2015, Iñárritu não dirigia um filme falado em inglês. Seu trabalho mais recente foi Bardo, Falsa Crônica de Algumas Verdades (2022), produção em espanhol que acompanhava um jornalista mexicano revisitando memórias e conflitos pessoais.

O roteiro de Digger foi escrito por Iñárritu em parceria com Sabina Berman, Alexander Dinelaris Jr. e Nicolás Giacobone. Dinelaris e Giacobone participaram do desenvolvimento de Birdman, filme que venceu o Oscar de Melhor Filme em 2015.

O elenco conta com Sandra Hüller, Jesse Plemons, Riz Ahmed, Emma D’Arcy, Sophie Wilde, Michael Stuhlbarg, Robert John Burke, Burn Gorman e Pip Torrens. John Goodman interpreta o presidente dos Estados Unidos.

A colaboração entre Cruise e Iñárritu começou a ser discutida antes do anúncio oficial do projeto. Os dois conversavam sobre a possibilidade de trabalhar juntos desde 2019, período em que Cruise estava envolvido nas filmagens de Top Gun: Maverick. O ator já havia demonstrado interesse pelo trabalho do diretor mexicano após assistir a Amores Perros, lançado em 2000.

A produção foi anunciada oficialmente em fevereiro de 2024, com a participação da Legendary Pictures. Durante aquele ano e o início de 2025, novos nomes foram adicionados ao elenco até a formação do grupo final de atores.

Tainá Müller assume o comando do Café Filosófico e marca nova fase do clássico da TV Cultura

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Um dos programas mais emblemáticos da TV Cultura inicia um novo capítulo de sua trajetória. A partir da segunda quinzena de abril, o Café Filosófico passa a ser apresentado por Tainá Müller, marcando uma renovação importante na atração que há mais de duas décadas ocupa as noites de domingo da emissora, sempre em parceria com o Instituto CPFL. O programa segue no ar às 20h, agora com um formato mais próximo, atual e dialogado.

Reconhecida por sua carreira sólida na televisão, no cinema e no streaming, Tainá ficou nacionalmente conhecida por trabalhos como a série Bom Dia, Verônica, além de participações em novelas e projetos autorais. Recentemente, ela também ampliou sua atuação artística ao estrear como diretora no documentário Apolo. Agora, a artista retorna às origens no jornalismo para conduzir conversas que transitam entre filosofia, cultura e sociedade.

Antes de se firmar como atriz, Tainá iniciou sua trajetória como jornalista. Com o tempo, a atuação ganhou protagonismo em sua carreira, mas o interesse pela reflexão e pelo pensamento crítico nunca ficou em segundo plano. Formada com pós-graduação em Filosofia Contemporânea pela PUC-RJ, ela sempre manteve uma relação próxima com o universo intelectual — inclusive como espectadora assídua do próprio Café Filosófico.

O convite para assumir a apresentação do programa surge como um reencontro profissional e pessoal. Para Tainá, o projeto representa a oportunidade de voltar ao espaço da entrevista e da escuta atenta, algo que ela considera essencial em um momento de tantas transformações sociais e culturais.

A chegada da nova apresentadora acompanha um processo de atualização do Café Filosófico. O programa estreia novo cenário, identidade visual repaginada e uma dinâmica mais interativa, que inclui a participação da plateia e uma relação mais próxima entre convidados e público. A proposta é tornar as conversas ainda mais acessíveis, sem abrir mão da profundidade que consagrou a atração ao longo de seus 23 anos no ar.

Para a TV Cultura, essa renovação dialoga com a necessidade de pensar o presente e o futuro. A emissora aposta na sensibilidade e na bagagem intelectual de Tainá Müller para conduzir debates relevantes, conectando temas filosóficos às questões práticas do cotidiano.

Desde sua criação, o Café Filosófico se destacou por levar reflexões complexas à televisão aberta de forma clara e envolvente. O programa construiu uma identidade própria ao abordar assuntos contemporâneos com rigor, mas também com abertura para diferentes perspectivas.

Com o novo formato, a ideia é ampliar esse alcance, aproximando ainda mais o conteúdo do público e estimulando o diálogo. A parceria com o Instituto CPFL continua sendo um dos pilares do projeto, garantindo a curadoria de temas e convidados alinhados aos desafios do mundo atual.

“Acumuladores” de quinta (24/07) mostra histórias impactantes de pessoas que perderam o controle e agora lutam por uma nova chance

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Toda casa guarda histórias. Em cada canto, um vestígio de quem somos, de onde viemos, do que amamos. Mas o que acontece quando os objetos tomam conta do espaço, da rotina e da própria identidade? Quando o medo de perder se transforma numa prisão feita de caixas, sacolas, bonecos, papéis velhos e memórias embaladas em poeira?

É esse mergulho profundo e doloroso que a série “Acumuladores”, exibida pela Record TV, propõe a cada novo episódio. Nesta quinta-feira (24 de julho de 2025), às 22h45, o público vai acompanhar três histórias reais, marcadas por perdas, traumas e a difícil jornada de desapego emocional.

Com apresentação de Rachel Sheherazade, o programa mostra que, por trás de pilhas de entulho, há sempre uma dor que se calou, um amor que ficou preso no tempo ou um medo que cresceu demais para ser ignorado.

Jackie: a menina que nunca deixou as bonecas

Entre tantos casos tocantes, o de Jackie chama atenção pela delicadeza de sua compulsão. Ela não acumula qualquer coisa — seu apego é direcionado a bonecas e bichos de pelúcia. A princípio, parece uma coleção como tantas outras. Mas, com o tempo, ficou claro que aquilo não era apenas nostalgia: era uma tentativa desesperada de reconstruir, em objetos, o afeto e a segurança que faltaram em algum momento da vida.

Hoje, sua casa mal tem espaço para caminhar. São milhares de bonecas empilhadas em corredores, quartos e até no banheiro. Jackie admite que perdeu o controle e que já gastou cerca de R$ 6 milhões em pelúcias ao longo dos anos. Para ela, cada boneca tem um nome, uma história, uma função emocional. Descartá-las seria como abandonar um pedaço de si mesma.

Quando aceita a ajuda da equipe de limpeza e psicólogos do programa, começa uma batalha silenciosa e cheia de resistência. Porque não é o lixo que se joga fora. É o medo. A saudade. A solidão.

Richard: o luto que não coube no coração, então ocupou a casa

Richard vive uma dor que muitos evitam nomear: a perda de um filho. Sua filha morreu ainda bebê, com apenas três meses de vida. A morte, inesperada e brutal, deixou nele uma ferida aberta que nunca cicatrizou. Sem conseguir elaborar o luto, ele encontrou no acúmulo de objetos uma forma de anestesiar a dor. Era como se, ao guardar, ele pudesse manter algo vivo. Um fio de conexão com aquilo que já não estava mais ali.

Com o tempo, o que começou como uma distração virou um estilo de vida. Sua casa se transformou em um amontoado de tralhas e lixo, onde mal se enxerga o chão. O local foi declarado inabitável. Os filhos, crescidos, tentaram ajudar, mas se viram derrotados por um pai preso ao passado, incapaz de se libertar daquilo que o sufoca.

A equipe de “Acumuladores” tenta, com sensibilidade, mostrar que o amor por um filho não se mede em objetos — e que, talvez, seja possível manter viva a lembrança sem manter o sofrimento.

Barbara: a mãe que construiu um muro de coisas para proteger os filhos

O terceiro caso da noite é, sem dúvida, um dos mais impactantes da temporada. Barbara, mãe de dez filhos, passou a vida tentando proteger a família do mundo — mas acabou protegendo demais. O trauma veio cedo: quando um de seus filhos tinha apenas cinco anos, um acidente doméstico provocou um incêndio que destruiu a casa inteira.

Desde então, Barbara passou a recolher compulsivamente qualquer objeto que encontrava pelas ruas. Caixas, sofás quebrados, brinquedos abandonados, garrafas, eletrodomésticos sem uso. Tudo era guardado. Tudo parecia ter uma utilidade futura, um valor emocional, uma missão.

Mas o que era tentativa de reconstrução virou uma armadilha. A casa, hoje, está à beira do colapso estrutural. O entulho acumulado ameaça desmoronar. E Barbara, soterrada emocionalmente, finalmente admite: precisa de ajuda. E precisa agora.

A câmera do programa capta um momento raro de vulnerabilidade — aquele instante em que a ficha cai, e a dor reprimida há décadas transborda. É nesse ponto que recomeçar se torna possível.

Muito mais do que bagunça: um retrato íntimo da dor humana

“Acumuladores” não é uma série sobre sujeira ou desordem. É uma série sobre o que acontece com as pessoas quando a dor se acumula mais rápido do que elas conseguem lidar. E, por isso, é tão relevante. Porque escancara, com coragem e sensibilidade, o lado invisível da saúde mental. Aquele que não aparece em diagnósticos rápidos, mas que se revela no cotidiano silencioso.

A cada episódio, a condução de Rachel Sheherazade dá o tom certo entre o acolhimento e a urgência. Ela não aponta dedos. Ela escuta. Ela traduz, para o telespectador, a complexidade desses casos. É uma mediadora entre o drama pessoal e a sociedade que ainda não sabe como lidar com esse tipo de sofrimento.

E a série acerta também ao trazer profissionais especializados — psicólogos, terapeutas, organizadores, engenheiros civis — que oferecem mais do que faxinas: oferecem escuta, estratégia e suporte.

Ajudar é mais difícil do que parece

O que impressiona em cada episódio é como o processo de intervenção não é linear. As pessoas resistem, hesitam, recuam. Muitas vezes, é preciso pedir licença para tocar em um objeto. Em outras, a equipe precisa negociar emocionalmente a saída de uma simples caixa.

Porque para quem acumula, aquilo que parece inútil para os olhos do outro tem um valor simbólico imenso. Pode ser o último presente de alguém amado, uma lembrança de tempos melhores ou o símbolo de uma promessa não cumprida. É preciso delicadeza, paciência e, acima de tudo, respeito.

Acúmulo é doença — e merece cuidado

É importante lembrar que o transtorno de acumulação é uma condição reconhecida pela medicina. Está ligada a distúrbios de ansiedade, depressão, traumas e até ao transtorno obsessivo-compulsivo (TOC). No entanto, ainda é pouco discutido. E, muitas vezes, visto com deboche ou julgamento.

A série “Acumuladores” rompe esse silêncio. Expõe as feridas, mas também aponta os caminhos. Mostra que sim, é possível recomeçar. E que cada objeto descartado pode ser um passo rumo à liberdade interior.

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