Início Todas as notícias Página 76

Todas as notícias

Aleatório

O Telefone Preto 2 | Trailer revela terror intenso e mistérios sobrenaturais com Mason Thames

Publicado por
Esdras Ribeiro
-
0
Foto: Reprodução/ Internet

A Universal Pictures acaba de liberar o trailer oficial de O Telefone Preto 2, sequência do sucesso de terror que conquistou o mundo em 2022. O vídeo já mostra por que a franquia se tornou um fenômeno: cenas intensas, suspense crescente e uma atmosfera de puro horror que promete deixar o público à beira do assento.

O vídeo divulgado enfatiza o crescimento do terror psicológico. As primeiras cenas mostram Gwen, interpretada por Madeleine McGraw, recebendo ligações misteriosas em sonhos, enquanto Finn (Mason Thames) ainda lida com os traumas do sequestro sofrido quatro anos antes.

O primeiro longa arrecadou mais de 160 milhões de dólares globalmente, consolidando a história de Joe Hill como um dos grandes sucessos recentes do gênero. Agora, com estreia marcada para 16 de outubro nos cinemas brasileiros, o segundo filme traz de volta Ethan Hawke no papel do aterrorizante Sequestrador, conhecido também como O Agarrador, ampliando o universo sombrio criado na primeira produção.

Retorno do elenco e novos reforços

Além de Ethan Hawke (Antes do Amanhecer, A Bruxa de Blair 2, Uma Vida Melhor), Mason Thames (O Telefone Preto, Old), e Madeleine McGraw (O Telefone Preto, The Black Phone: Curta-metragem), Jeremy Davies (O Patriota, Lost, O Telefone Preto), e Miguel Cazarez Mora (O Telefone Preto, Resgate Implacável) reprisam seus papéis, enquanto novas adições como Demián Bichir (Uma Vida Melhor, A Freira), Arianna Rivas (Resgate Implacável), Maev Beaty (Beau Tem Medo), e Graham Abbey (Em Nome do Céu) prometem elevar a intensidade da narrativa.

A química entre os irmãos Finn e Gwen continua sendo um ponto central, enquanto Hawke mantém sua interpretação perturbadora e ameaçadora, consolidando O Agarrador como uma das figuras mais icônicas do terror contemporâneo.

Um olhar sobre a produção

O longa é dirigido por Scott Derrickson, que também assina o roteiro ao lado de C. Robert Cargill, ambos com experiência consolidada em histórias de suspense e horror. A produção executiva de Jason Blum e Joe Hill garante que a sequência mantenha o tom sombrio e a essência da obra original.

Antecedentes da sequência

A ideia para este segundo filme surgiu logo após o sucesso do primeiro. Joe Hill compartilhou com Derrickson conceitos que expandiam o universo do Agarrador, e o sucesso de bilheteria do original impulsionou a produção da sequência. As filmagens ocorreram em Toronto entre novembro de 2024 e janeiro de 2025, sob o título provisório Mysterium.

Segundo Derrickson, o trailer reflete não apenas o crescimento do terror, mas também o aprofundamento dos personagens, mostrando que o medo pode deixar marcas duradouras e transformá-los de maneiras inesperadas.

Expectativas com o lançamento

Com estreia marcada para 16 de outubro no Brasil e em Portugal, O Telefone Preto 2 se prepara para se tornar um dos filmes de terror mais aguardados do ano. O trailer, com sua atmosfera tensa e visuais arrepiantes, já cria expectativas de sustos, reviravoltas e momentos de pura adrenalina.

Pennywise retorna aos cinemas! IT: A Coisa ganha reexibição especial e revive o terror de uma geração

Publicado por
Esdras Ribeiro
-
0

No próximo dia 24 de setembro, o público terá a chance de reencontrar nas telonas um dos filmes mais icônicos da última década. A Warner Bros. Pictures confirmou a reexibição especial de IT: A Cois, longa que redefiniu o terror moderno e colocou novamente Stephen King no centro das conversas culturais. Mais do que revisitar o palhaço Pennywise, trata-se de uma celebração de um fenômeno que marcou gerações e que, desta vez, ainda chega com um bônus irresistível: uma prévia exclusiva da série “It: Bem-vindos a Derry”, da HBO, que estreia em 26 de outubro.

Quando estreou em 2017, o filme não foi apenas mais uma adaptação literária. Sob a direção de Andy Muschietti, o longa ganhou vida própria, equilibrando fidelidade ao espírito da obra de Stephen King com uma linguagem cinematográfica voltada para novas gerações. O resultado foi um estrondo: mais de US$ 700 milhões em bilheteria mundial, números que superaram clássicos como “O Sexto Sentido” e “O Exorcista”.

O segredo do sucesso estava no equilíbrio. De um lado, havia o terror bruto e visceral, encarnado em Bill Skarsgård como Pennywise, um palhaço dançarino que aterrorizava não apenas pelo visual grotesco, mas também pela imprevisibilidade de seus gestos e pela psicologia sombria que emanava de cada aparição. De outro, havia a delicadeza do Clube dos Perdedores, formado por crianças comuns que enfrentavam não só o monstro, mas também os dramas típicos da infância e da adolescência: a solidão, o bullying, o luto, o medo de crescer. Essa combinação transformou o filme em um clássico instantâneo.

Pennywise: de monstro a ícone contemporâneo

A figura de Pennywise já fazia parte do imaginário coletivo desde a minissérie de 1990, mas foi em 2017 que o personagem se consolidou como ícone cultural. A interpretação de Bill Skarsgård trouxe camadas de estranheza que o distanciaram da caricatura e o aproximaram do terror psicológico. Sua risada cortante, a capacidade de alternar entre ingenuidade e brutalidade em segundos e o olhar hipnótico se tornaram marcas registradas.

Não demorou para que o personagem ultrapassasse o cinema: estampou fantasias de Halloween, virou tema de discussões acadêmicas sobre medo e até se transformou em memes que circulam até hoje. Rever o longa-metragem de terror nos cinemas é revisitar o nascimento dessa nova faceta do palhaço dançarino, que se prepara para ganhar ainda mais profundidade na série derivada.

O poder do medo coletivo

Um dos maiores trunfos do filme é a forma como traduz o medo em algo universal. Pennywise não se limita a ser um vilão sobrenatural; ele é uma metáfora para as inseguranças e traumas que todos enfrentam. O desaparecimento de crianças em Derry e a apatia dos adultos diante do terror revelam um subtexto sobre violência estrutural, abandono e cumplicidade silenciosa.

Ao lado disso, a narrativa sobre amizade e coragem transforma o filme em algo além do terror puro. O espectador se identifica com o Clube dos Perdedores porque, em algum momento da vida, também já se sentiu pequeno diante de algo grande demais. Revisitar a obra no cinema, em meio a uma plateia igualmente tensa, é relembrar que o medo se torna ainda mais poderoso quando é compartilhado.

A experiência única de ver no cinema

Embora o streaming tenha levado o terror para dentro de casa, há experiências que só a sala de cinema consegue oferecer. Em “IT: A Coisa”, cada detalhe ganha uma nova dimensão na tela grande: o balão vermelho que surge em silêncio, o esgoto escuro que parece engolir a plateia, o som metálico que ecoa e arrepia.

Assistir coletivamente potencializa a sensação de vulnerabilidade. As reações sincronizadas – os gritos, as risadas nervosas, os silêncios sufocantes – criam uma atmosfera impossível de reproduzir sozinho no sofá. A reexibição de setembro, portanto, é menos um simples relançamento e mais um convite a experimentar novamente o ritual de sentir medo em comunidade.

Um elenco jovem que cresceu junto com o público

Outro motivo que torna essa reexibição especial é a chance de rever o elenco mirim no início de suas trajetórias. Sophia Lillis, Jaeden Martell, Finn Wolfhard e Jeremy Ray Taylor, entre outros, conquistaram o público em 2017 e, desde então, seguiram em projetos de destaque. Para quem acompanhou suas carreiras, voltar a vê-los como os integrantes do Clube dos Perdedores é uma viagem no tempo, uma forma de relembrar a juventude deles – e a do próprio espectador.

Muitos que tinham a mesma idade dos personagens em 2017 hoje já são adultos ou jovens adultos. Rever o filme agora permite olhar para trás e perceber como os medos, inseguranças e amizades daquela fase ainda ressoam, mesmo anos depois.

O legado de Stephen King

Por trás de todo o sucesso, está a genialidade de Stephen King. Mestre em transformar o sobrenatural em reflexo dos medos cotidianos, ele escreveu “It” em 1986 como uma síntese de tudo o que o assusta: a infância perdida, os ciclos de violência, os monstros internos e externos.

King sempre foi amplamente adaptado, mas o filme mostrou que ainda havia novas formas de dialogar com suas histórias. O filme reacendeu o interesse por outras obras suas, abriu espaço para novas adaptações e consolidou de vez seu papel como um dos autores mais influentes do cinema de terror.

Bem-vindos a Derry: o futuro da franquia

Se a reexibição de A Coisa é um convite à nostalgia, a prévia de Bem-vindos a Derry promete ser uma janela para o futuro. A série, que estreia em 26 de outubro na HBO, vai explorar a origem do mal que assola a cidade e aprofundar o mito de Pennywise. Ao invés de se limitar ao que já conhecemos, deve mergulhar em eventos anteriores ao filme, revelando como o terror se enraizou em Derry ao longo das décadas.

Essa expansão do universo amplia o alcance da franquia e garante que o público continue envolvido com a história. Para os fãs, a experiência será dupla: revisitar a batalha do Clube dos Perdedores e, logo depois, mergulhar nas sombras do passado que moldaram a criatura.

Jotavê, a nova aposta do forró, chega à Sony Music com projeto inovador

Publicado por
Esdras Ribeiro
-
0

O forró, ritmo que pulsa no coração do Nordeste brasileiro, vive um momento de efervescência e transformação. Novos artistas surgem, trazendo frescor e identidade própria para um gênero que carrega décadas de história, festa e emoção. Em meio a esse cenário vibrante, um nome tem ganhado cada vez mais destaque e admiradores: Jotavê, jovem cantor e compositor natural de Parnaíba, no Piauí, que em poucos anos já conquistou milhões de fãs e se prepara para dar um salto nacional com o apoio da Sony Music.

De Parnaíba para o Mundo: A Ascensão Rápida de Jotavê

Com apenas 26 anos, Jotavê tem uma trajetória que impressiona pelo ritmo acelerado de conquistas. Ele iniciou sua carreira musical há menos de cinco anos, tempo curto para quem já acumula mais de 20 milhões de execuções em plataformas digitais de áudio e vídeo. Seu talento não passou despercebido, e logo o artista passou a colaborar com nomes importantes da música nordestina e brasileira, como Nattan, Os Barões da Pisadinha, Henry Freitas, Márcia Felipe, Jerry Smith e Vitor Fernandes.

Essa rápida ascensão revela não apenas o carisma natural de Jotavê, mas também sua capacidade de se conectar com as novas gerações, combinando elementos tradicionais do forró com influências urbanas, como o funk e as batidas eletrônicas. Essa mistura contemporânea tem feito com que seu som seja reconhecido e abraçado tanto pelo público jovem quanto por aqueles que cresceram ouvindo o forró clássico.

A Sony Music e o Projeto “Jotavê In Cena”

A entrada de Jotavê na Sony Music marca um importante capítulo em sua carreira. Como nova aposta da gravadora no forró, ele lança o projeto “Jotavê In Cena”, um trabalho pensado para mostrar diferentes facetas do artista. O álbum contém 12 faixas, que serão divulgadas em blocos ao longo dos próximos meses, e conta com participações especiais de Kadu Martins e da dupla Felipe & Matheus.

O projeto se destaca pela sua versatilidade: há espaço para canções animadas, que fazem o corpo se mexer, e para músicas românticas, que convidam a um abraço colado na pista de dança. Essa diversidade evidencia a habilidade de Jotavê em transitar por emoções e estilos sem perder a essência do forró.

Na última quinta-feira (17), foi lançado o primeiro volume do trabalho, com as músicas “Disneylândia”, “Ela Tem o Molho” e “Passaporte”. O grande destaque é “Disneylândia”, uma faixa que mistura o forró com uma pegada urbana, flertando com o funk e trazendo batidas eletrônicas. A música já ganhou um videoclipe oficial, reforçando a proposta moderna e vibrante do artista.

Um Trabalho Feito com Alma e Simplicidade

Em entrevistas, Jotavê fala com entusiasmo sobre o significado de “Jotavê In Cena”. Para ele, o projeto é um reflexo autêntico de sua alma, um momento de total entrega em forma de música. Ele explica que a ideia foi criar um trabalho intimista, onde a proximidade com o público e a emoção estejam no centro da experiência.

“Sou eu, minha banda, que é minha segunda família, duas câmeras e uma sala. O foco é na emoção, na interpretação, para que a música flua de peito aberto, do meu coração direto para o do público”, conta. Essa simplicidade, aliada a uma produção cuidadosa, mostra que é possível fazer arte de qualidade sem grandes artifícios, valorizando a conexão verdadeira entre artista e ouvinte.

O cantor destaca ainda que as músicas do projeto contemplam diferentes gostos: “Tem aquela romântica para dançar agarradinho e se declarar, tem a animada que faz o corpo balançar sozinho e tem também aquela batida que sei que todo mundo vai ouvir no paredão”. Essa pluralidade reforça a ideia de que o forró é um ritmo capaz de abraçar múltiplas emoções e estilos.

O Apoio de uma Equipe de Peso

O talento de Jotavê vem acompanhado de uma equipe experiente, fundamental para guiar sua carreira de forma estratégica. Ele faz parte do cast do escritório R10, comandado por Rod Bala, produtor musical e empresário renomado que já trabalhou com grandes nomes do forró e da música nordestina, como Wesley Safadão e Márcia Felipe.

Essa parceria é um diferencial importante para o artista, que tem acesso a uma estrutura profissional e a um time dedicado a ampliar sua presença nos palcos e nas plataformas digitais. A combinação entre talento, carisma e gestão especializada cria as condições ideais para que Jotavê alcance um público ainda maior em todo o Brasil.

Hits que Marcaram o Caminho

Antes de integrar a Sony Music, Jotavê já conquistava espaço com sucessos que viralizaram nas redes e nas rádios do Nordeste. Canções como “Gemidinha” (em parceria com Marcynho Sensação), “No Silêncio da Noite” (com Henry Freitas, Alanzim Coreano e Felipão) e “Patrocinadora” (com Os Barões da Pisadinha) foram decisivas para construir sua base de fãs e estabelecer sua identidade musical.

Esses hits mostram o lado versátil do artista: enquanto “Gemidinha” é marcada por uma pegada mais animada e dançante, “No Silêncio da Noite” traz uma atmosfera mais melódica e romântica, evidenciando sua capacidade de se adaptar a diferentes estilos dentro do universo do forró e da música popular brasileira.

Uma Agenda de Shows Intensa e Uma Base Fiel

Atualmente residindo em Fortaleza, Jotavê mantém uma rotina de shows que impressiona pela frequência e qualidade. Com mais de 17 apresentações por mês, ele está sempre próximo do público, fortalecendo a conexão que considera essencial para sua carreira.

Seu carisma, aliada a uma performance energética e um repertório que mistura sucessos e novidades, garante que ele colecione fãs fiéis, que acompanham seu trabalho nas redes sociais e lotam seus shows.

O Forró que Cresce, o Artista que Encanta

Jotavê representa uma nova geração que entende o forró como uma linguagem viva, que pode dialogar com as tendências atuais sem perder sua raiz cultural. Sua música é a expressão desse equilíbrio: tradicional na essência, moderna na execução, apaixonada na interpretação.

Em um país tão diverso quanto o Brasil, onde a música popular regional ganha cada vez mais espaço e respeito, artistas como Jotavê são fundamentais para manter viva a chama de ritmos como o forró, que contam histórias, celebram sentimentos e unem pessoas.

O Futuro do Forró com Jotavê

Com o respaldo de uma grande gravadora, uma equipe sólida e um público crescente, Jotavê está preparado para ultrapassar fronteiras regionais e conquistar o Brasil inteiro. Seu projeto “Jotavê In Cena” é o início de uma caminhada promissora, que promete ampliar ainda mais o alcance do forró contemporâneo.

Crítica – O Beijo da Mulher-Aranha é um musical visualmente elegante, mas emocionalmente vazio

Publicado por
Esdras Ribeiro
-
0

A nova adaptação de O Beijo da Mulher-Aranha (2025) dialoga com o imaginário dos grandes musicais hollywoodianos da década de 1950, mas tropeça justamente naquilo que deveria sustentar sua potência: a densidade emocional e a complexidade dramática. Embora elegante em sua forma, o filme se perde em explicações excessivas e escolhas narrativas contraditórias que diluem sua força política e afetiva.

Há divergências quanto à principal matriz dessa releitura. Enquanto alguns a veem como uma atualização direta do filme homônimo de 1985, dirigido por Héctor Babenco, outros identificam maior proximidade com o musical da Broadway. Independentemente dessa origem, é evidente que ambas as versões convergem nesta nova encenação comandada por Bill Condon. Conhecido por musicais de forte apelo visual, como Dreamgirls, o diretor demonstra domínio técnico e senso estético refinado, entregando uma fotografia sofisticada e um desenho de produção impecável. No entanto, esse rigor formal não encontra respaldo em um roteiro que opta pela literalidade, pelo didatismo e por uma recusa sistemática à ambiguidade.

Ambientada nos anos 1970, a narrativa se desenrola em meio a um contexto de repressão política e autoritarismo estatal na América Latina, marcado pela perseguição a opositores do regime, pela censura e pela criminalização de corpos dissidentes. É nesse cenário que se encontram Molina, interpretado por Tonatiuh Elizarraraz, um homem gay sensível, afetuoso e profundamente ligado ao cinema, e Valentín, vivido por Diego Luna, um militante político encarcerado por sua atuação revolucionária. Ao dividirem a mesma cela, os dois constroem uma relação atravessada por convivência forçada, escuta mútua e tensões ideológicas, que poderia suscitar reflexões contundentes sobre poder, afeto, preconceito e instrumentalização.

A relação de Molina com o cinema não emerge da fantasia gratuita, mas da memória afetiva. Filho de uma mulher que trabalhava em uma sala de exibição, ele cresceu imerso em filmes e narrativas que moldaram sua forma de sentir e compreender o mundo. É dessa herança emocional que nascem os momentos musicais que atravessam o longa. O vínculo entre Molina e sua mãe, embora pouco explorado, figura entre os elementos mais orgânicos do filme, apontando o cinema como espaço de afeto, refúgio emocional e continuidade simbólica.

É nesse universo de lembranças que surge Aurora, personagem retirada de um dos filmes assistidos por Molina e interpretada por Jennifer Lopez. Longe de ser uma figura abstrata, Aurora habita a memória cinematográfica do protagonista e, ao longo da narrativa, também assume a dimensão simbólica da Mulher-Aranha. Essa sobreposição de sentidos, que envolve personagem fictícia, memória afetiva e alegoria do desejo e da sobrevivência emocional, constitui uma das ideias mais instigantes do filme, ainda que permaneça subdesenvolvida e pouco integrada ao arco dramático.

Uma das decisões mais problemáticas da adaptação está na tentativa de romantizar a relação entre Molina e Valentín. Ao suavizar essa dinâmica, o filme esvazia a ambiguidade ética que sustentava o conflito original. A relação, antes marcada por assimetrias, interesses cruzados e tensões morais, é reconfigurada sob uma chave mais conciliadora, o que enfraquece sua dimensão política e evidencia as hipocrisias sociais que o filme parece querer denunciar.

Na versão de 1985, havia uma honestidade desconfortável na maneira como esse vínculo se estabelecia. O encontro era breve, atravessado por desejo, afeto e também por instrumentalização mútua. Ao abdicar dessa complexidade, o filme de 2025 perde parte de seu caráter provocador e de sua capacidade de inquietar o espectador.

As sequências musicais associadas a Aurora evocam o glamour dos musicais clássicos dos anos 1950 e dialogam com um contexto histórico de silenciamento e repressão das dissidências sexuais e políticas. Ainda assim, o filme demonstra excessiva preocupação em explicar seus símbolos e intenções, subestimando a inteligência do público e comprometendo a fluidez narrativa.

Em comparação com o longa de Babenco, protagonizado por William Hurt, Raúl Juliá e Sônia Braga, esta nova versão carece da mesma força poética e do engajamento político que emergiam com maior naturalidade, sem necessidade de constantes sublinhados narrativos.

Entre as atuações, Jennifer Lopez revela empenho e entrega às personagens que interpreta, mas sua presença em cena carece de impacto emocional duradouro. Assim como o filme em si, suas aparições impressionam visualmente, mas não conseguem gerar envolvimento afetivo. O resultado é uma obra esteticamente bela, porém emocionalmente distante.

Apesar das referências explícitas ao musical clássico e da experiência de Bill Condon com o gênero, O Beijo da Mulher-Aranha se mostra uma obra desequilibrada. Investe na superfície, na estilização e na explicação excessiva, mas falha justamente onde deveria ser mais incisiva: na construção dramática, na ambiguidade moral e na força política que historicamente definiram essa história.

Globo confirma 2ª temporada de Chef de Alto Nível após sucesso de audiência

Publicado por
Esdras Ribeiro
-
0

Quando a Globo anunciou que lançaria uma versão brasileira do Next Level Chef, sucesso da FOX nos Estados Unidos, muitos duvidaram do potencial. Afinal, a grade da emissora já estava repleta de realities culinários e a pergunta era inevitável: será que havia espaço para mais um?

Menos de dois meses após a estreia, a resposta veio em forma de números impressionantes e na adesão calorosa do público. Chef de Alto Nível, comandado por Ana Maria Braga, não apenas encontrou seu espaço no horário nobre, como também se consolidou como fenômeno de audiência — algo cada vez mais raro fora da temporada do Big Brother Brasil. Agora, com a final da primeira temporada marcada para esta quinta-feira (21), a Globo confirma a segunda edição do reality em 2026. O anúncio oficial será feito ao vivo, durante a revelação do grande campeão, com a presença dos jurados Alex Atala, Renata Vanzetto e Jefferson Rueda.

Números que impressionaram

Segundo dados do Kantar Ibope, o programa alcançou média de 14,2 pontos em São Paulo, praça de maior relevância para o mercado publicitário. Em alguns episódios, chegou a bater picos de 16 pontos, consolidando-se como um dos maiores acertos recentes da linha de shows da Globo.

O impacto foi sentido em todo o Brasil. Em 14 das 15 principais regiões metropolitanas medidas, o reality culinário registrou aumento de audiência em comparação à média da faixa horária. Recife, Salvador e Belém foram destaques, com crescimentos de 25%, 23% e 20%, respectivamente. Para um formato estreante, tais resultados reforçam o poder de engajamento e a capacidade de dialogar com diferentes públicos.

O formato que desafiou os competidores

Parte do êxito do reality está em sua estrutura única. Ao contrário de outros programas culinários, o reality coloca os competidores em cozinhas com recursos distintos: uma de alto padrão, moderna e sofisticada; uma intermediária, que exige criatividade; e uma precária, onde o improviso é indispensável.

Essa dinâmica, que faz os participantes subirem ou descerem de nível conforme o desempenho, gera não apenas tensão dramática, mas também uma metáfora clara sobre desigualdade e adaptação. No Brasil, esse contraste ganhou um peso ainda maior, já que muitos telespectadores reconheceram no formato um reflexo do dia a dia — entre a fartura de alguns e a escassez de outros.

Ana Maria Braga: a alma do programa

Aos 76 anos, Ana Maria Braga provou mais uma vez sua relevância como comunicadora. Com sua mistura de firmeza, empatia e humor, ela conseguiu equilibrar a pressão das provas com momentos de leveza. Seu famoso bordão “Acorda, menina!” encontrou novo fôlego no reality, e até Louro Mané fez participações especiais que renderam momentos divertidos.

Além de sua presença carismática, Ana Maria tem autoridade no universo gastronômico. Seja com livros de receitas, programas culinários ou sua trajetória afetiva ligada à comida caseira, ela deu ao reality uma credibilidade que foi fundamental para aproximar o público.

Participantes carismáticos e histórias de vida

A seleção de competidores foi outro grande acerto. Entre os 24 participantes, havia profissionais e amadores, cada um com histórias e sonhos distintos. Muitos buscavam uma segunda chance, outros queriam provar seu valor e alguns sonhavam em abrir o próprio restaurante.

Essa pluralidade de trajetórias garantiu identificação com diferentes perfis de espectadores. Nas redes sociais, expressões engraçadas, reações emocionadas e até gafes viraram memes, ampliando o alcance digital da atração.

O que podemos esperar da 2ª temporada?

Embora os detalhes ainda estejam em sigilo, a previsão é que a nova temporada estreie no segundo semestre de 2026, logo após a Copa do Mundo. A estratégia é aproveitar o aquecimento da audiência em grandes eventos esportivos.

Entre as novidades especuladas, estão a inclusão de desafios com ingredientes regionais brasileiros, a participação de chefs convidados internacionais e maior interação digital, com o público influenciando o andamento de algumas provas. Também se espera que a diversidade de histórias seja ampliada, fortalecendo a representatividade.

Plaza Shopping promove Festival Ilustra Plaza com programação geek e K-pop

Publicado por
Esdras Ribeiro
-
0

Entre os dias 4 e 14 de setembro, o Plaza Shopping se transforma no ponto de encontro de fãs de cultura geek e K-pop com a primeira edição do Festival Ilustra Plaza. O evento, que tem entrada gratuita, será realizado no Jardim do piso L2 e promete oferecer uma experiência completa, reunindo arte, música, gastronomia e atividades para todas as idades.

O festival surge como evolução do projeto Ilustra Plaza, existente desde 2017, e pela primeira vez ganha corpo de evento completo, com estrutura pensada para acolher artistas e público. Mais de 20 artistas independentes de Recife, João Pessoa e Fortaleza estarão presentes, trazendo HQs, prints, action figures e artes originais, em um verdadeiro corredor de artistas.

De acordo com a produtora Bianca Branco, responsável pela curadoria do evento, “a proposta é criar um espaço de interação entre artistas e público, valorizando o talento local e proporcionando o contato direto com diferentes linguagens artísticas.” Bianca ainda assina a curadoria gastronômica do evento, em parceria com Pedro Figueiredo, idealizador de grandes eventos culturais como a Feira Japonesa e o Festival Orgulho Nerd.

Experiência para toda a família

Segundo a gerente de marketing do Plaza Shopping, Carol Seabra, o festival busca oferecer experiências memoráveis para todos. “Investimos na diversificação de eventos, e o Ilustra Plaza ganha agora uma dimensão maior, trazendo elementos geeks e asiáticos. Queremos encantar o público e valorizar a cultura pop local, oferecendo diversão para toda a família”, afirma.

Além do corredor de artistas, o festival contará com uma game zone repleta de fliperamas, karaokê, quizzes interativos sobre doramas e K-pop, momentos de Just Dance e exibições de AMVs de animes e MVs de K-pop. Tudo isso de forma gratuita, garantindo que fãs de diferentes idades e interesses possam aproveitar o evento.

Música e apresentações ao vivo

A programação musical também promete agitar o festival. Entre as atrações confirmadas estão Faster Z (BTS Cover), Banda Izanagi e Rentaiko – Percussão Japonesa. Com apresentações de quinta a domingo, das 15h às 22h, o palco será ponto de encontro para os fãs, criando um clima de celebração e troca cultural.

Além da música, o palco receberá bate-papos com os ilustradores, momentos de performance K-pop e outras atividades que reforçam a interação entre público e artistas.

Cosplays ganham destaque

O Festival Ilustra Plaza também homenageia a tradição dos cosplays. Os interessados poderão participar de um desfile especial no domingo (14), mas precisam se inscrever para uma triagem inicial no sábado (06), onde jurados avaliarão interpretação, poses e qualidade dos figurinos. Os aprovados terão a oportunidade de subir ao palco e mostrar seu talento.

“Os cosplays são uma maneira de os fãs expressarem sua paixão por personagens de animes, mangás e jogos, além de interagirem com outros entusiastas. É um momento de celebração da criatividade e da cultura pop”, explica Bianca Branco.

Gastronomia inspirada na Ásia

Nenhum festival está completo sem boa comida. O Ilustra Plaza trará opções inspiradas na culinária asiática em estilo street food. Entre os destaques estão Wassabi Sushi Store (onigiri), Hakata (lámen, yakisoba e guioza), Pandas (comida coreana), Tokoyaki Brothers (tokoyaki), Kokay (taiyaki, dango e mochi), Takayuki Sushi (donburi oishi e maguro oishi) e Doce Nuvem (algodão doce).

Essa variedade garante que o público tenha uma experiência completa, unindo arte, música, diversão e sabores típicos do universo asiático.

Lojas especializadas e cultura pop

O festival ainda contará com lojas dedicadas à cultura geek e K-pop, como Geek Mundo, Bakamoon, Korea Shop, Sebo do Anderson, Banca Zapp e Top Games, ampliando a experiência de quem deseja conhecer, comprar ou colecionar produtos relacionados a quadrinhos, games e música.

Artistas confirmados

Entre os artistas que participarão do festival estão Mari Ilustra (@mari_ilustra), Sombras do Recife por Roberta Cirne (@sombrasdorecife), Lais Marques (@mm.lais), Draconnasti (@draconnasti), Ushi no Musume (@leticia_hms), Danielle Jaimes (@danielle.jaimes), Andressa Silva (@dessamore), Deborah Barbosa (@illustriere), Mari Petrovana (@mari_petrovana), Carlos Eduardo Cunha (@ceduardocunha), Mei (@meiru.png), André Santana (@andresantanailustra), Hanny (@hanny.cos), Rico Alencastro (@ricoalencastro), Melyssa Melo (@magrelissa), Ricardo Douglas (@necrogeek_oficial), Isekai Cosmaking (@isekaicosmaking), Corvoraz (@inkmadecorvoraz), Mimontero (@mimontero0) e Rafael Cavalcanti (@befoxl).

A diversidade de estilos e técnicas promete encantar tanto quem já acompanha o trabalho desses artistas quanto quem terá o primeiro contato com suas criações, transformando o festival em um verdadeiro espaço de celebração da arte independente.

Acessibilidade e conforto

O Plaza Shopping reforça o compromisso com a inclusão. Haverá abafadores de ruído disponíveis para empréstimo no Balcão de Informações (piso L3) e área exclusiva para pessoas com deficiência (PCDs) próxima ao palco, garantindo que todos os visitantes possam aproveitar o festival de forma segura e confortável.

Como faço para participar?

A entrada é gratuita, e toda a programação pode ser acompanhada no site oficial do shopping e nas redes sociais do festival. Para quem busca um encontro com arte, música e diversão em um só lugar, essa é uma oportunidade imperdível.

O Refúgio Atômico | Novo thriller dos criadores de La Casa de Papel ganha trailer e data de estreia na Netflix

Publicado por
Esdras Ribeiro
-
0

A Netflix acaba de levantar ainda mais expectativas entre os fãs de suspense e dramas sofisticados ao divulgar o primeiro trailer de O Refúgio Atômico, nova série criada por Álex Pina e Esther Martínez Lobato, nomes consagrados por trás de sucessos mundiais como La Casa de Papel, Berlim e Sky Rojo. Com uma premissa que mistura tensão, intrigas e luxo extremo, a produção promete transformar o conceito de isolamento em uma experiência eletrizante para os espectadores. Abaixo, confira o vídeo:

A trama se passa em um futuro próximo marcado por crises globais e um clima de constante instabilidade. Enquanto o mundo exterior enfrenta um colapso iminente, um grupo de bilionários decide se isolar em um bunker de luxo, projetado para oferecer conforto absoluto, segurança máxima e anonimato completo. Mas o que poderia ser um refúgio seguro rapidamente se transforma em uma armadilha emocional e psicológica.

A assinatura de Álex Pina e Esther Martínez Lobato

Álex Pina e Esther Martínez Lobato são nomes que carregam peso dentro do universo das séries espanholas e internacionais. Com La Casa de Papel, eles conquistaram uma audiência global, transformando uma história de assalto em um fenômeno cultural que misturava ação, estratégia e dramas humanos intensos. Já com Berlim e Sky Rojo, exploraram temas de sobrevivência, relações complexas e confrontos extremos entre personagens em situações-limite.

Agora, em O Refúgio Atômico, Pina e Martínez Lobato se propõem a explorar a natureza humana quando confrontada com medo, isolamento e poder. A dupla não apenas assina a criação da série, mas também atuará como showrunners, garantindo que sua visão e assinatura narrativa estejam presentes em cada detalhe da produção.

Um elenco talentoso e diversificado

O elenco reúne uma combinação de atores renomados e talentos em ascensão, capazes de dar vida a personagens multifacetados e emocionalmente complexos. Entre os nomes confirmados estão Miren Ibarguren, conhecida por sua versatilidade em papéis cômicos e dramáticos, trazendo profundidade e carisma à narrativa; Joaquín Furriel, ator argentino que se destaca pela intensidade e nuances em seus personagens; e Natalia Verbeke, cuja experiência em produções espanholas e argentinas promete adicionar camadas de sofisticação à trama.

Além deles, Carlos Santos, Montse Guallar, Pau Simon, Alicia Falcó, Agustina Bisio e Álex Villazán completam o elenco, cada um pronto para construir um universo de personagens onde confiança e traição caminham lado a lado. A escolha do elenco indica que a série vai além do espetáculo visual, priorizando a construção de personagens ricos, capazes de gerar empatia e tensão simultaneamente.

Entre suspense psicológico e intrigas de poder

O grande trunfo da série está na combinação de suspense psicológico com intrigas de poder. Diferente de produções que focam apenas na ação externa, o drama central se desenrola dentro de um espaço fechado – o bunker – onde as limitações físicas ampliam o conflito interno de cada personagem.

O trailer mostra momentos de tensão intensa: discussões acaloradas, segredos revelados, e a constante sensação de que ninguém está realmente seguro. Esse clima de paranoia, aliado a uma direção de fotografia sofisticada, cria um ambiente em que o luxo do isolamento contrasta com o terror emocional que habita os personagens. O resultado é um thriller moderno, que explora as profundezas da psicologia humana em situações extremas.

Quando chega na Netflix?

Para quem não vê a hora de conferir essa nova produção, a boa notícia é que a espera será curta. O Refúgio Atômico estreia em 19 de setembro, exclusivamente na Netflix. Com oito episódios planejados, a série promete entregar uma experiência completa de suspense e drama, mantendo a assinatura dos criadores que conquistaram o público mundial com suas obras anteriores.

“Porta da Esperança” retorna ao Programa Silvio Santos com Patrícia Abravanel deste domingo (27/07)

Publicado por
Esdras Ribeiro
-
0
Foto: Reprodução/ Internet

Há momentos em que a televisão brasileira reencontra suas raízes mais profundas — e emociona como se fosse a primeira vez. É esse o sentimento que tomou conta dos estúdios do SBT e do coração do público neste domingo, com a volta oficial de um dos quadros mais queridos da história da TV: a “Porta da Esperança”. Com nova roupagem, mas sem abrir mão da sua essência solidária, o retorno do clássico quadro marca um resgate da sensibilidade em horário nobre. E, como não poderia deixar de ser, é Patricia Abravanel, filha do apresentador que imortalizou o bordão “atrás da porta pode estar o seu sonho”, quem assume agora essa missão com um carinho visivelmente sincero.

Quando a TV escolhe transformar, e não apenas entreter

Mais do que um momento nostálgico, a volta da “Porta da Esperança” é um gesto simbólico. Ela relembra que o entretenimento pode, sim, carregar propósitos maiores: como ouvir, acolher e mudar vidas. No ar entre 1984 e 1997, o quadro ficou marcado pelas histórias comoventes de pessoas comuns, vindas de todos os cantos do Brasil, que viam ali uma última chance. Em cada episódio, uma carta, um pedido, uma história. E depois, a tão esperada abertura da porta — revelando se o sonho seria, enfim, realizado.

Neste novo ciclo, o formato permanece o mesmo: cartas são lidas com cuidado, famílias são apresentadas com dignidade, e a promessa de uma resposta — que pode ser um reencontro, um presente ou um recomeço — permanece no ar até o último instante. Mas agora há um refinamento sutil no tom: menos espetáculo, mais escuta; menos pressa, mais afeto.

Patricia Abravanel: o coração da nova fase

Desde que assumiu o “Programa Silvio Santos”, Patricia tem equilibrado reverência com inovação. No comando da “Porta da Esperança”, isso se traduz em empatia e respeito. Ao abrir a cortina do novo cenário, ela não apenas apresenta um quadro: ela sustenta uma herança emocional — e faz isso com doçura e segurança, sem imitar o pai, mas honrando sua história.

O clima do estúdio também colabora para esse reencontro afetivo. A trilha sonora original foi mantida, o arco-íris da porta resgatado com fidelidade e a ambientação reforça que, apesar das décadas passadas, o sonho continua sendo a linguagem mais poderosa da televisão.

Três histórias que aqueceram o coração do Brasil

A reestreia da “Porta da Esperança” não economizou emoção. Três casos, distintos e complementares, deram o tom da nova temporada:

O mecânico do Maranhão: Após perder tudo em uma enchente, ele escreveu pedindo ferramentas e ajuda para reabrir sua oficina. O que recebeu, no entanto, foi mais do que equipamentos: foi a chance de recuperar sua autonomia e dignidade.

A mãe e o reencontro: Separada do filho ainda bebê, uma mulher emocionou o Brasil com sua carta repleta de saudade. O momento em que mãe e filho se abraçaram no palco foi de uma beleza rara — e o silêncio que antecedeu esse instante falou mais alto do que qualquer trilha sonora.

A menina que sonha com Daniel: Com uma condição rara e limitante, ela só desejava duas coisas: um abraço do cantor Daniel e uma boneca adaptada às suas necessidades motoras. Ambos os sonhos foram realizados, diante de uma plateia que se levantou em aplauso espontâneo — emocionada com a pureza e a força de uma criança que não perdeu a fé.

Não é apenas sobre abrir uma porta

A nova “Porta da Esperança” traz um conceito que parece simples, mas é poderoso: escuta emocional. Cada história é tratada como única, e o programa resgata o valor da atenção, da espera, do olhar afetuoso. Não há cortes bruscos, nem voyeurismo. O foco está na pessoa, não no problema.

Essa abordagem dá ao programa um ritmo diferente da televisão acelerada que estamos acostumados. Há tempo para o silêncio, para o choro, para o riso. Há tempo para sentir.

E, talvez por isso, a emoção transborde. Não por artifício, mas porque é genuína.

Um domingo recheado de atrações com afeto e identidade

Além da reestreia da “Porta da Esperança”, o “Programa Silvio Santos” deste domingo trouxe uma série de quadros que reforçam o compromisso da atração com a diversidade, o talento e a leveza. Destaque para:

📺 Jogo das 3 Pistas com Leda e Duda Nagle

Um encontro raro entre mãe e filho no palco. Leda, uma das jornalistas mais respeitadas da história da TV, e Duda, ator com trajetória marcante, protagonizaram momentos de ternura e bom humor. As histórias de bastidores, os desafios profissionais e o carinho explícito entre os dois emocionaram.

🎤 Show de Calouros

Num clima descontraído, artistas dos mais variados estilos mostraram seu talento diante de jurados como Aretuza Lovi, Cela, Victor Sarro e Helen Ganzarolli. Um pianista excêntrico, uma cover de Marília Mendonça e até um “Máskara” dançarino encantaram pela criatividade e carisma.

🎩 Henry e Klauss, os Ilusionistas

A dupla brasileira premiada internacionalmente voltou ao palco onde começaram para apresentar um número inédito: Patricia Abravanel levitando em plena televisão ao vivo. O truque, feito com elegância e surpresa, foi celebrado como uma metáfora visual para tudo que o programa representa: a capacidade de elevar esperanças.

💰 Show do Milhão EMS

Com perguntas afiadas e tensão no ar, os participantes disputaram não apenas um prêmio milionário, mas também a chance de escrever um novo capítulo de suas vidas. O quadro mistura emoção, raciocínio e aquela torcida do sofá que todo brasileiro adora.

🎭 Câmeras Escondidas com Ivo Holanda

Ícone do humor popular, Ivo e sua trupe continuam arrancando gargalhadas com pegadinhas que transitam entre o absurdo e o hilário. Em tempos tão sérios, o riso também é um remédio poderoso — e, nesse caso, um elo direto com a memória afetiva do público.

As informações são do SBT.

Terra da Padroeira deste domingo (14) recebe Os Altaneiros, Dany e Diego, Cacique e Pajé e Zé Vitor e Rael

Publicado por
Esdras Ribeiro
-
0

Neste domingo, 14 de dezembro, a partir das 9h, o programa Terra da Padroeira vai ao ar ao vivo com uma edição especial dedicada à riqueza e à diversidade da música sertaneja, reunindo artistas de diferentes gerações e estilos em um mesmo palco. Sob o comando de Kleber Oliveira, Tonho Prado e do carismático Menino da Porteira, a atração reafirma seu papel como um dos principais espaços da televisão brasileira dedicados à valorização da cultura sertaneja. Transmitido diretamente dos estúdios da emissora, em Aparecida, no interior de São Paulo, o programa mantém sua proposta de unir tradição, fé e entretenimento, criando uma conexão direta com o público que acompanha fielmente a atração há anos.

Ao longo da manhã, o “Terra da Padroeira” apresenta um repertório pensado para emocionar, revisitar histórias e celebrar a identidade musical do interior do Brasil. A curadoria artística aposta em encontros que transitam entre a música raiz, o sertanejo romântico e as novas sonoridades que vêm renovando o gênero, sem perder de vista suas origens. A abertura musical fica por conta do grupo Os Altaneiros, uma das revelações da nova cena sertaneja. Formado por Vinicius Henrique, Enzo Franco, Charles e Murilo, o quarteto reúne músicos com trajetórias distintas, mas complementares. O projeto nasceu do desejo de resgatar a essência do sertanejo tradicional, com letras que falam da vida simples, do amor e das experiências do interior, ao mesmo tempo em que dialoga com arranjos contemporâneos e uma linguagem atual.

No palco do programa, Os Altaneiros prometem uma apresentação marcada por harmonias vocais bem construídas e uma sonoridade que respeita o passado, mas olha para o futuro. A expectativa é de conquistar tanto o público mais tradicional quanto os ouvintes que buscam novas referências dentro do gênero. Na sequência, o clima ganha ainda mais emoção com a participação da dupla Dany e Diego. Irmãos e parceiros de palco desde a infância, eles iniciaram a carreira em 1997, influenciados diretamente pelo pai, que teve papel decisivo na formação musical dos dois. Naturais de Santa Bárbara d’Oeste, no interior paulista, Dany e Diego cresceram nos palcos e construíram uma trajetória sólida dentro do sertanejo romântico.

Ao longo dos anos, a dupla emplacou músicas que marcaram presença nas rádios de todo o país, como “Jogando a Toalha”, “Tempo ao Tempo” e “Sempre Fui Eu”. Com uma discografia consistente e passagens por grandes eventos do gênero, como a Festa do Peão de Americana e o rodeio de Barretos, os irmãos levam ao “Terra da Padroeira” canções que falam de amor, saudade e relações humanas com sensibilidade e verdade. Outro momento aguardado da edição é a presença de Cacique e Pajé, nome consagrado da música sertaneja raiz. A história da dupla começou na década de 1970, quando Antônio Borges, o Cacique, e Roque Pereira, o Pajé, deram início a uma carreira que rapidamente conquistou o público do interior. O reconhecimento veio logo no primeiro disco, impulsionado pelo sucesso de “Pescador e Catireiro”, canção que se tornou um clássico do gênero.

Bruno Gadiol canta os pequenos gestos do amor em “Coisas Triviais”, sua nova faixa intimista

Publicado por
Esdras Ribeiro
-
0
Foto: Reprodução/ Internet

Existe um tipo de amor que não precisa de declaração em alto-falante, buquê exagerado ou grandes promessas. Ele aparece aos poucos, no silêncio de quem compartilha um sofá, um café da manhã ou um sorriso espontâneo ao fim do dia. E é justamente esse tipo de sentimento que o cantor, compositor e ator Bruno Gadiol transforma em música em seu novo single, “Coisas Triviais”, que chega às plataformas no dia 31 de julho.

A canção abre caminho para o Ato 3 – Saturno, parte final do álbum Gêmeos em Gêmeos, segundo projeto de estúdio de Bruno que será lançado em agosto. Sensível e generosa em sua simplicidade, a faixa é um convite ao afeto sereno — aquele que floresce fora dos holofotes, no cotidiano compartilhado.

Uma canção que nasce da calma

Com voz suave e letra sincera, Bruno entrega um relato íntimo: a descoberta de um amor tranquilo após desilusões que deixaram marcas. Não é um lamento, mas uma celebração. Ao invés de versos carregados de dor, ele fala sobre acordar ao lado de alguém que traz paz, caminhar pela cidade de mãos dadas, rir das mesmas piadas. “Coisas triviais”, sim — mas que juntas formam o alicerce de algo muito maior.

Mais do que uma faixa romântica, a música é quase uma conversa entre Bruno e ele mesmo. Como se estivesse, enfim, reconhecendo o valor da quietude depois de viver amores barulhentos demais. Há uma maturidade emocional presente, mas sem perder a doçura que sempre marcou suas composições.

Um clipe que é memória viva

Além da música, Bruno também entrega um clipe que é pura verdade. Sem roteiro elaborado, sem atores contratados. Ele mesmo dirigiu, filmou e editou o vídeo com registros reais do seu dia a dia — cenas gravadas ao longo dos últimos meses com seu namorado, inspiração direta da canção.

É como abrir um caderno de lembranças onde cabem pequenos instantes que, vistos em sequência, emocionam: alguém servindo café, um olhar demorado, um abraço depois de um dia comum. Tudo é simples, tudo é sincero — e, por isso mesmo, tudo é profundamente tocante.

Bruno, mais do que cantar sobre o amor, vive o amor em câmera aberta, sem pudor de mostrar sua intimidade, mas sempre com respeito e delicadeza. O clipe é um reflexo disso: uma declaração sem palavras para alguém que fez da vida a melhor melodia.

Entre a Bossa e a MPB, um som que acolhe

Na produção musical, Bruno se uniu ao produtor Zain, nome em ascensão que já colaborou com artistas como Anitta e MC Zaac. Mas aqui, a vibe é outra. Inspirados na leveza da bossa nova e na melodia acolhedora da MPB, os dois criaram uma faixa que mais parece um cobertor musical.

Violões suaves, batidas discretas e um arranjo sem pressa se unem à voz de Bruno como uma conversa entre amigos no fim da tarde. Nada é forçado. Nada grita. A canção respeita o espaço de cada palavra, como quem entende que o amor também precisa de silêncio.

Segundo Bruno, a ideia era criar algo que “soasse como um abraço”. E é exatamente essa sensação que fica: um carinho no peito, uma lembrança boa, um suspiro de quem reconhece o amor verdadeiro nos gestos mais simples.

Um álbum em três atos e mil emoções

A nova canção faz parte de um projeto maior: o álbum Gêmeos em Gêmeos, dividido em três atos — Vênus, Marte e Saturno —, cada um com uma proposta emocional e sonora diferente. O artista define o disco como seu “mapa astral emocional”, e não é difícil entender por quê.

Ele mergulha fundo em fases, sentimentos e descobertas. É um álbum que acompanha os altos e baixos da alma, sem medo de mostrar as falhas, os acertos, os desejos e as dores. Um trabalho autoral no sentido mais completo da palavra, já que todos os clipes são dirigidos por ele mesmo, reforçando sua entrega não apenas como cantor, mas como artista visual.

Ao longo das faixas — são 12 no total — Bruno transita por camadas da sua própria história, abrindo espaço também para colaborações com ZAAC, CLAU e outros artistas que, assim como ele, buscam dizer algo que vá além da superfície.

Uma fase mais leve, mas cheia de profundidade

Gadiol já mostrou que sabe cantar sobre feridas, sobre amores que não deram certo, sobre a dor de se entregar e não ser correspondido. Mas agora, ele parece ter virado uma página. Não que tenha deixado de sentir — ao contrário, sente mais do que nunca. Só que agora sente com calma, com discernimento, com gratidão.

E essa nova fase, mais leve, tem um valor imenso. Porque num mundo tão acelerado, onde todo sentimento precisa ser grandioso para ganhar curtidas, o cantor escolhe cantar sobre o que ninguém vê: os bastidores do amor.

A música é, portanto, uma canção para quem entende que o extraordinário está no ordinário. Que amar é também lavar a louça juntos, esperar o outro dormir, dividir uma sobremesa ou simplesmente caminhar em silêncio sabendo que a companhia basta.

Um convite ao agora

Com lançamento marcado para o dia 31 de julho, Coisas Triviais é o tipo de faixa que pede para ser ouvida com atenção — talvez com os olhos fechados, talvez olhando para alguém querido ao lado. É um lembrete sutil de que a vida está acontecendo agora, entre um gesto e outro. E que o amor, quando verdadeiro, não precisa de cenário ideal: ele se basta com o que há.

1...757677...192Página 76 de 192

almanaque recomenda

NOVIDADES

POPULARES

ASSUNTOS

Av. Costa Azul, 1280 - CEP: 53433-240 - Pau Amarelo, Paulista - PE | Telefone: +55 (81) 99730-6493
© Copyright 2022 - 2026 - Almanaque Geek é uma Marca Registrada | CNPJ: 59.286.446/0001-77