No coração do Teatro Dulcina, no centro do Rio de Janeiro, cortinas se abriram e se fecharam durante semanas não para um espetáculo, mas para um tributo cinematográfico à grande dama do teatro brasileiro. Chegaram ao fim as filmagens de Cacilda Becker em Cena Aberta, novo longa-metragem da Giros Filmes, em coprodução com a As Coisatudo, que se propõe a revisitar, com lirismo e potência, a trajetória de uma das figuras mais revolucionárias da arte cênica nacional.
Dirigido por Julia Moraes e produzido por Bianca Lenti, Belisario Franca e Mauricio Magalhães, o filme vai além da cinebiografia tradicional: mergulha na essência da atriz que desafiou normas e deu voz ao palco como poucas antes dela. Estrelada por Debora Falabella, que entrega uma performance imersiva e multifacetada, a narrativa brinca com o tempo e com a própria linguagem teatral ao mostrar uma Cacilda que se desdobra — cena após cena — em suas personagens mais marcantes. A atriz, aqui, não é apenas representada, mas evocada em uma espécie de ritual cinematográfico de reconstrução da memória.
“Cacilda era muitas em uma só, e quisemos trazer isso para a tela de forma viva, crua e também onírica”, afirma a diretora Julia Moraes. O cenário não poderia ser mais simbólico: o Teatro Dulcina, espaço histórico que já abrigou tantos sonhos e revoluções cênicas, foi palco único para toda a filmagem — como se as paredes do teatro também fossem personagens, cúmplices e testemunhas dessa homenagem.
No elenco, nomes consagrados da dramaturgia brasileira como Mariana Ximenes, Julia Stockler, Augusto Madeira e Rodrigo Bolzan compõem um mosaico de gerações que, direta ou indiretamente, foram impactadas pela presença e pelo legado de Cacilda Becker. Uma mulher que desafiou o machismo estrutural do meio artístico, que exigiu direitos trabalhistas para os atores, e que morreu no palco — literalmente — como quem entrega o último suspiro ao que mais amava.
Bianca Lenti, uma das produtoras do filme, destaca a urgência desse resgate: “Vivemos um tempo em que a memória cultural precisa ser reafirmada. Cacilda foi vanguarda, foi coragem, foi arte pulsante. Esse filme é um manifesto contra o apagamento das mulheres que fizeram história com sua voz e seu corpo em cena.”
A fotografia de Gustavo Hadba promete acentuar ainda mais o tom poético da proposta, emoldurando cada transição da protagonista com luzes e sombras que ecoam as angústias, os desejos e as epifanias de uma mulher à frente de seu tempo. A pós-produção já começou, e o lançamento está previsto para 2026.
Ao final das filmagens, não houve festa tradicional. Em vez disso, elenco e equipe reuniram-se no palco do Dulcina para uma leitura de trechos das peças mais emblemáticas de Cacilda — de Nelson Rodrigues a Jean-Paul Sartre. Em silêncio, a luz de uma ribalta acesa permaneceu sobre uma poltrona vazia. Um gesto simples, porém simbólico, para uma presença que nunca deixou de habitar o teatro brasileiro.
Não é todo dia que um personagem animado completa 25 anos sendo tão amado por tantas gerações. E não é todo dia que ele sai da televisão direto para o guarda-roupa com tanto charme e significado. Para celebrar o aniversário de Bob Esponja Calça-Quadrada, a Malwee e a Malwee Kids se uniram à Paramount para lançar uma coleção cápsula inédita que chega ao e-commerce no dia 15 de julho — e promete aquecer corações com memórias, humor e estilo.
Mais do que uma homenagem, a coleção é uma carta de amor a quem cresceu (e ainda cresce) com o otimismo contagiante do personagem mais excêntrico da Fenda do Biquíni. São apenas seis peças — três adultas e três infantis — que materializam, em tecidos confortáveis e estampas vibrantes, o espírito leve e irreverente que tornou Bob Esponja um ícone cultural.
Um personagem, muitas gerações
Desde que surgiu nas telinhas no final dos anos 1990, o personagem animado não parou de conquistar públicos diversos. O que era desenho de criança virou referência pop, inspirou artistas, virou meme, trilha sonora de vídeos virais e, agora, inspira também moda com alma.
“Bob Esponja tem esse poder raro de conectar gerações. É um personagem que conversa com crianças e adultos com a mesma autenticidade”, diz Greg Reis, Diretor de Marketing do Grupo Malwee. “Para nós, essa coleção é sobre celebrar não só os 25 anos do personagem, mas também as histórias que ele ajudou a criar dentro das famílias. É roupa que abraça memórias.”
Da infância ao streetwear: moda com propósito
A coleção foi pensada para ser simples, versátil e carregada de significado. Para os pequenos, chegam uma camiseta feminina, uma camiseta de manga longa com capuz e um moletom unissex — todas com estampas coloridas e traços inspirados na linguagem visual do desenho. Para os adultos, duas camisetas e um moletom que equilibram nostalgia e estilo urbano, criando looks descomplicados, mas cheios de identidade.
Mais do que ilustrar personagens, cada peça da coleção reflete o jeito otimista e espontâneo de Bob Esponja ver o mundo — sempre com bom humor, amizade e entusiasmo até nas situações mais improváveis.
A curadoria visual bebe diretamente da estética da animação, mas com um toque contemporâneo pensado especialmente para a Geração Z, que cresceu com o personagem, e para os novos fãs que estão chegando agora.
A coleção também é um exemplo de como a moda pode ser uma extensão das histórias que carregamos. E não importa a idade — vestir Bob Esponja, nesse contexto, é como declarar que ainda há espaço para leveza no cotidiano. É um jeito de dizer: “eu me levo a sério, mas não demais”.
Com valores entre R$ 59,90 e R$ 219,90, a cápsula aposta em materiais de qualidade, caimento confortável e um mix de peças pensadas para o dia a dia. A proposta é simples: vestir algo que faça sorrir.
Imagine estar a caminho de um fim de semana tranquilo com sua filha… e, de repente, atropelar um unicórnio. É com esse ponto de partida tão improvável quanto instigante que A Morte de Um Unicórnio nos convida a mergulhar em uma fábula moderna recheada de crítica social, humor sombrio e fantasia. O trailer e o cartaz do filme foram divulgados nesta quinta-feira (17) pela Universal Pictures, que também confirmou a estreia nos cinemas brasileiros para o dia 31 de julho, com versões acessíveis ao público.
O longa é produzido pela A24 — estúdio conhecido por apostar em histórias fora do comum, como O Farol, X e Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo. Com direção e roteiro de Alex Scharfman, o filme estreou em março no festival SXSW e desde então tem chamado atenção pelo tom satírico e visual marcante.
No centro da trama estão Paul Rudd (Homem-Formiga, Bem-vindo aos 40 e Ghostbusters – Mais Além) e Jenna Ortega (Os Fantasmas Ainda se Divertem: Beetlejuice Beetlejuice e X – A Marca da Morte), interpretando pai e filha que se veem em apuros após atropelarem acidentalmente uma criatura mística no meio da estrada. O que poderia ser apenas um incidente bizarro ganha contornos ainda mais insanos quando o chefe bilionário do pai — vivido por Richard E. Grant — decide transformar o unicórnio em um “ativo” corporativo, explorando suas misteriosas propriedades de cura para fins lucrativos.
Completam o elenco nomes como Will Poulter e Téa Leoni, em um roteiro que mistura humor ácido, drama familiar e uma crítica nada sutil ao universo empresarial, ao culto ao lucro e à banalização do extraordinário.
Apesar do tom surreal, o longa-metragem, levanta questões muito reais: até onde a ambição humana é capaz de ir? Qual o custo ético de explorar aquilo que não compreendemos? E o que sobra da conexão entre pais e filhos quando tudo ao redor parece estar em colapso?
A estreia brasileira está marcada para 31 de julho, com cópias legendadas, dubladas e versões acessíveis — incluindo audiodescrição e Libras. Se você gosta de filmes que fogem do óbvio, provocam e ainda divertem, esse lançamento pode ser uma grata (e estranha) surpresa.
No universo onde moda e entretenimento caminham cada vez mais lado a lado, a New Era, maior referência global em bonés e headwear urbano, acaba de firmar uma parceria estratégica com a gigante do streaming Netflix. O resultado? Uma coleção exclusiva e limitada que une o streetwear à cultura pop com bonés inspirados nas séries de sucesso Round 6 e Stranger Things, além de modelos com o tradicional logo da plataforma.
Muito além de uma colaboração estética, a coleção marca um momento significativo no cruzamento entre audiovisual e vestuário, em que os fãs deixam de apenas assistir suas histórias favoritas para literalmente vestirem-nas. Neste lançamento, a moda atua como extensão de identidade e linguagem de pertencimento, especialmente entre jovens adultos que vivem conectados com narrativas que moldam comportamentos, influenciam tendências e inspiram novos códigos visuais.
A coleção está disponível em edição limitada exclusivamente no e-commerce oficial da New Era Brasil, e deve movimentar não apenas os aficionados por bonés de qualidade, mas também uma legião de admiradores das séries mais populares da atualidade.
Uma coleção pensada para vestir narrativas
Criada com foco na fusão entre entretenimento e moda urbana, a coleção New Era x Netflix surge como uma resposta à crescente demanda por produtos que traduzam referências da cultura pop em peças usáveis, colecionáveis e com valor simbólico. Os modelos desenvolvidos trazem bordados, estampas ocultas e elementos gráficos que remetem diretamente a aspectos visuais e narrativos de cada produção.
Os modelos seguem duas silhuetas clássicas da New Era: a 9FORTY, com sua aba curva e fechamento ajustável, e a 59FIFTY, icônica pelo encaixe exato e aba reta, símbolo máximo do lifestyle streetwear.
Os bonés de Round 6, por exemplo, brincam com ícones e símbolos do universo distópico da série sul-coreana — como os famosos triângulo, círculo e quadrado utilizados pelos guardas do jogo mortal — aplicados de maneira discreta e sofisticada. Já os modelos inspirados em Stranger Things mergulham no clima sombrio da série, incorporando detalhes ocultos que remetem ao “mundo invertido”, com bordados internos e elementos gráficos que só os fãs mais atentos reconhecem.
Por fim, os bonés com o logo da Netflix apostam em uma estética minimalista e atemporal, oferecendo opções para os que preferem uma abordagem clean, mas ainda assim conectada ao universo do streaming.
Moda como manifesto cultural
Mais do que simplesmente vestir, os bonés da coleção funcionam como uma declaração de identidade. Em tempos de consumo consciente e busca por autenticidade, peças com apelo emocional, narrativo e simbólico ganham valor — não apenas monetário, mas afetivo.
“Essa coleção representa a forma como o entretenimento está presente na rotina das pessoas. Não é só sobre assistir a uma série, mas sobre se identificar com ela a ponto de querer expressar isso no que se veste”, afirma Tatiana Marques, gerente de marketing da New Era Brasil. “Os fãs de Round 6 e Stranger Things são apaixonados por esses universos, e a parceria com a Netflix nos permitiu materializar esse sentimento em uma coleção que respeita a estética da marca, mas que também conversa com os códigos dessas histórias.”
A intersecção entre moda e cultura pop não é nova, mas vem se intensificando nos últimos anos com colaborações que ultrapassam o conceito de merchandising. A ideia é criar produtos com qualidade, design e storytelling — elementos que transformam simples peças de vestuário em itens de desejo com forte conexão emocional.
A força das séries como linguagem de comportamento
As séries da Netflix funcionam, hoje, como mais do que entretenimento. Elas ditam tendências, criam memes, influenciam debates sociais e, muitas vezes, moldam comportamentos. Round 6, por exemplo, virou um fenômeno global em 2021 ao expor, com uma estética instigante e brutal, as contradições do capitalismo e da desigualdade social, além de trazer uma linguagem visual única.
Já Stranger Things, com seu apelo nostálgico dos anos 80 e enredos entre o suspense e a ficção científica, se transformou em uma das maiores franquias da plataforma, com fãs fiéis ao redor do mundo. Sua estética vintage e ao mesmo tempo sombria fez escola — da música à decoração, passando pela moda e pelas redes sociais.
Nesse contexto, usar um boné inspirado nessas séries vai muito além de estilo: é um gesto de pertencimento. É como fazer parte de um clube de fãs silencioso, reconhecível apenas por aqueles que compartilham da mesma paixão. É um símbolo de conexão com algo maior — um universo imaginário que agora se projeta nas ruas.
A tendência da “moda fandom”
A coleção da New Era com a Netflix também sinaliza uma movimentação mais ampla do mercado de moda: o avanço da chamada moda fandom, ou seja, produtos desenvolvidos a partir de universos ficcionais que despertam um sentimento coletivo em comunidades online e offline.
Consumidores mais jovens, especialmente da Geração Z e dos millennials, são movidos por autenticidade e identificação emocional. E cada vez mais preferem consumir marcas e produtos que expressem valores, paixões e afinidades — seja com uma série, um artista, um jogo ou um universo cinematográfico.
Nesse sentido, colaborações como esta refletem uma estratégia acertada de marketing de experiência. Ao vestir uma peça que remete a Round 6 ou Stranger Things, o consumidor se apropria de um pedaço daquela narrativa, tornando-se um personagem dentro de um universo expandido.
Lançamento exclusivo
Outro ponto que valoriza a coleção é a sua exclusividade. A New Era anunciou que os modelos estão disponíveis apenas em seu site oficial brasileiro, e em quantidades limitadas. Isso significa que, além de visualmente atraentes, os bonés também carregam o status de item raro — algo altamente valorizado dentro do universo streetwear e de cultura sneakerhead.
A escassez programada é uma estratégia comum em colaborações desse tipo, pois aumenta a percepção de valor e o desejo de consumo. E considerando o histórico de outras coleções especiais da marca, a tendência é que os produtos se esgotem rapidamente, tornando-se itens disputados por colecionadores.
Em um mercado cinematográfico cada vez mais competitivo, “Jurassic World: Recomeço” — o mais recente capítulo da longeva franquia Jurassic Park — desponta como um fenômeno de público e bilheteria, acumulando mais de US$ 650 milhões em receitas mundiais poucos dias após sua estreia. As informações são do Omelete.
O sucesso é resultado de uma combinação precisa: uma história que dialoga com os fãs antigos ao mesmo tempo em que conquista uma nova geração, atores reconhecidos e uma produção técnica que alia efeitos visuais sofisticados a cenas de ação envolventes.
O resgate de um legado com um olhar contemporâneo
Dirigido por Gareth Edwards, conhecido pelo equilíbrio entre espetáculo e narrativa em filmes como Godzilla (2014), Recomeço não se limita a repetir fórmulas consagradas. O roteiro assinado por David Koepp, que retorna à franquia após quase três décadas — ele escreveu o original Jurassic Park em 1993 —, explora territórios inexplorados da saga, com referências literárias pouco usadas anteriormente.
A trama parte de um ponto interessante: cinco anos depois dos eventos de Jurassic World Dominion, os dinossauros não são mais uma ameaça global — pelo menos não para todo mundo. Eles se refugiaram em regiões tropicais isoladas, e é exatamente aí que uma equipe de cientistas e agentes secretos é enviada para uma missão crítica: recuperar DNA de espécies pré-históricas que podem salvar vidas humanas.
Esse desafio científico ganha contornos de suspense e ação quando a equipe liderada por Zora Bennett, interpretada com firmeza e sensibilidade por Scarlett Johansson, descobre que a ilha onde operam guarda segredos muito mais sombrios — dinossauros geneticamente alterados, mutantes assustadores e uma luta constante pela sobrevivência.
Além da ação e da ficção científica, o filme investe no desenvolvimento humano dos personagens, permitindo que o público se importe verdadeiramente com suas jornadas. Zora, Duncan (Mahershala Ali) e Dr. Loomis (Jonathan Bailey) trazem camadas de complexidade e humanidade, cada um lidando com seus próprios dilemas enquanto enfrentam as ameaças pré-históricas.
A inclusão da família naufragada — com Manuel Garcia-Rulfo, Luna Blaise e Audrina Miranda — acrescenta um elemento emocional que ajuda a dar ritmo e emoção à narrativa, criando momentos de vulnerabilidade e coragem genuína que ressoam no público.
Essa aposta em personagens reais e multifacetados é uma das razões pelas quais o filme tem sido tão bem recebido pelo público, mesmo diante de críticas mais divididas da imprensa especializada.
Quem são as grandes estrelas do filme?
O elenco é uma combinação rica de talentos que trazem tanto experiência quanto frescor para a tela. No centro da trama está Scarlett Johansson, cuja carreira brilhante inclui performances memoráveis em Lost in Translation, Lucy e Marriage Story, e que aqui empresta sua força e sensibilidade à personagem Zora Bennett, uma especialista em operações secretas com muita determinação. Ao seu lado, Mahershala Ali — vencedor do Oscar por Moonlight e Green Book, e reconhecido por séries como True Detective — dá vida a Duncan Kincaid, o líder calmo e resoluto da equipe, transmitindo uma presença serena que equilibra o caos ao redor. Jonathan Bailey, conhecido do grande público por Bridgerton e pelo drama Broadchurch, interpreta o paleontólogo Henry Loomis, trazendo um toque de humanidade e curiosidade científica ao grupo.
Entre os personagens que trazem a história para um tom mais íntimo, estão Manuel Garcia-Rulfo, que já emocionou em The Lincoln Lawyer e Narcos: México, como o pai protetor Reuben Delgado; Luna Blaise, vista em Fresh Off the Boat, como sua filha Teresa; e David Iacono, com passagens marcantes por How to Get Away with Murder, no papel de Xavier, namorado de Teresa. A presença dos jovens atores ajuda a criar aquela conexão imediata com o público, que sente suas angústias e coragem em meio ao perigo.
Completa o grupo a jovem Audrina Miranda, junto com Philippine Velge, Bechir Sylvain e Ed Skrein — este último conhecido por sua força em Deadpool e Game of Thrones — que encarnam membros da equipe de Zora com dedicação e intensidade, contribuindo para o ritmo pulsante da aventura. Juntos, esses atores não apenas dão vida a personagens em meio a dinossauros aterrorizantes, mas também carregam histórias e emoções que fazem o público torcer, sentir medo e se emocionar a cada cena.
Uma produção global
A grandiosidade de Recomeço é resultado de uma produção que cruzou continentes. As filmagens na Tailândia, Malta e Reino Unido imprimem uma diversidade visual que destaca tanto a beleza exuberante das locações naturais quanto a tensão claustrofóbica das bases científicas e das selvas artificiais.
O cuidado com os efeitos práticos, aliado a tecnologia de ponta em computação gráfica, dá vida a criaturas assustadoras como o Distortus rex, uma versão alienígena e deformada do icônico T. rex, e os Mutadons, híbridos aterradores entre pterossauros e velociraptores. Estes elementos trazem frescor à franquia, que precisava de algo novo sem perder sua essência.
Na trilha sonora, Alexandre Desplat entrega um trabalho que dialoga com a atmosfera do filme, ora exaltando a aventura e o mistério, ora abraçando a emoção dos personagens.
Existe algo de sagrado naquilo que nos moldou. Uma frase, uma imagem, uma voz. Para muitos, nos anos 80 e 90, essa fagulha veio com um grito que rasgava as manhãs diante da TV: “Pelo poder de Grayskull… eu tenho a força!” Mais que slogan de brinquedo, essas palavras se tornaram amuleto emocional de uma geração inteira.
Quarenta anos depois, essa voz retorna — mais madura, mais densa, mais atual. Em 2026, “He-Man e os Mestres do Universo” ganhará seu tão aguardado filme em live-action. Mas o que poderia ser apenas mais uma aposta nostálgica de Hollywood se transformou em algo maior. Com direção de Travis Knight (Kubo, Bumblebee) e produção da Amazon MGM Studios, o projeto resgata não só o mito de He-Man — resgata também um tipo de heroísmo que parecia esquecido: aquele que nasce da vulnerabilidade.
Do Desenho ao Cinema: Uma Jornada de Persistência
É quase poético que um personagem cujo poder vem da fé em si mesmo tenha enfrentado tantos anos de rejeição em Hollywood. Desde os anos 2000, o retorno de He-Man foi anunciado inúmeras vezes — e tantas outras engavetado. Diretores entraram e saíram. Estúdios hesitaram. A Netflix investiu milhões e recuou. A Sony chegou a marcar data. Nada vingou.
Mas, como nas melhores sagas, a força resistiu. Em 2024, a Amazon MGM assumiu as rédeas. E ao invés de tentar capitalizar apenas em cima da nostalgia, a ideia foi construir algo que honrasse os sentimentos de quem cresceu com a série, ao mesmo tempo em que convidasse novos públicos a se emocionar com um herói que, antes de ser forte, precisa se encontrar.
Adam Glenn: Um Príncipe Exilado em Busca de Si Mesmo
Esqueça o herói que já nasce pronto. No novo filme, Adam Glenn, ainda criança, é arrancado de Eternia e lançado à Terra. Cresce sem memória do que foi ou do que poderia ter sido. Quando adulto, interpretado por Nicholas Galitzine (Vermelho, Branco e Sangue Azul), ele se vê dividido entre dois mundos: o real, onde nunca se encaixou, e o mítico, que exige dele uma coragem que ele não sabe se possui. A proposta não é apenas grandiosa — é emocionalmente íntima. He-Man não surge como um semideus. Ele precisa descobrir seu valor, sua origem, suas falhas. É um herói que sangra, que duvida, que carrega ausências. E por isso mesmo, é um herói que importa.
Um Elenco que Respira os Personagens
Para dar vida a essa Eternia renovada, o filme reuniu um elenco que vai além da beleza física ou da fama. Nicholas Galitzine, com sua mistura de vulnerabilidade e carisma, promete um He-Man diferente — menos pose, mais alma. Ao seu lado, Camila Mendes interpreta uma Teela vibrante, questionadora, que representa uma nova força feminina: não à sombra do herói, mas ao seu lado — e muitas vezes à sua frente. O vilão Keldor, que se tornará o temido Esqueleto, é vivido por Jared Leto, numa interpretação que promete fugir do maniqueísmo. Ele não é apenas o mal encarnado. É um homem quebrado, marcado por rejeições, com sede de pertencimento.
Idris Elba traz gravidade e nobreza ao papel de Duncan, o lendário Homem de Armas, enquanto Alison Brie rouba cenas como a manipuladora e magnética Evil-Lyn. Morena Baccarin, Hafthor Bjornsson, James Purefoy e Charlotte Riley completam o elenco com personagens que, mesmo secundários, foram escritos com profundidade, dando ao filme uma densidade rara em blockbusters do gênero.
Grayskull Não É Apenas Um Castelo — É Um Símbolo
As filmagens, encerradas em junho de 2025, aconteceram nos estúdios de Londres e envolveram seis meses de produção intensa. A direção de fotografia de Fabian Wagner (Game of Thrones) imprime ao filme um tom épico, mas contido. Não há excesso visual: há reverência ao mito. O Castelo de Grayskull foi reconstruído com efeitos práticos e digitais, mantendo o equilíbrio entre o antigo e o novo. O design é ancestral, carregado de história, mas também inovador. Um reflexo do próprio filme, que olha para o passado com gratidão e para o futuro com ambição.
Mais do que Batalhas, Um Filme Sobre Pertencimento
Se há algo que diferencia esse He-Man das versões anteriores, é o tom. O roteiro de Chris Butler aposta em diálogos introspectivos, relações quebradas, memórias perdidas. Fala-se de abandono, de paternidade, de sacrifício. He-Man é um épico, sim. Mas é também um drama — e isso é seu maior trunfo. Mattel, co-produtora do filme, entendeu que não se trata de vender bonecos. Trata-se de resgatar valores. E, acima de tudo, reconectar o público com uma ideia que nunca deveria ter saído de moda: o bem é possível. O bem é necessário. O bem é transformador.
Uma Frase Que Nunca Deixou de Fazer Sentido
“Eu tenho a força.” Tantas vezes repetida, tantas vezes transformada em bordão, essa frase ganhou camadas novas no roteiro. Não é mais apenas um grito de guerra. É um grito de identidade. Quando Adam a diz, ele não está apenas convocando poderes místicos. Ele está afirmando quem é. Está aceitando sua jornada, suas dores, sua missão. E é isso que transforma o filme em algo maior do que um produto de entretenimento: transforma em catarse.
Travis Knight
Em entrevistas recentes, Travis Knight compartilhou que assistia ao desenho de He-Man quando criança. E que aquilo moldou seu senso de justiça. “Ele era o cara que sempre acreditava que o bem venceria. Mesmo quando estava sozinho. Mesmo quando parecia impossível. Isso ficou comigo”, disse o diretor. Para ele, o desafio era fazer um filme que fosse visualmente arrebatador, sim — mas que também emocionasse. Que fizesse pais chorarem ao lado de seus filhos, não por nostalgia, mas por se verem ali. E tudo indica que ele conseguiu.
Acostumado a vestir a armadura do herói indestrutível, Sylvester Stallone agora cruza a linha. Em “Blindado“, o ator que virou sinônimo de bravura nas telonas encara um papel sombrio e inusitado: o de vilão implacável. O filme, dirigido por Justin Routt, chega ao catálogo do Telecine no streaming nesta sexta-feira (1º de agosto) e estreia na TV no sábado (2), às 22h, no Telecine Premium.
Pai, filho e um caminhão cheio de tensão
A história acompanha James Brody (Jason Patric), um veterano guarda de segurança de carro-forte, que vê a oportunidade de se reaproximar do filho adolescente, Casey (Josh Wiggins), durante uma missão aparentemente rotineira: transportar uma carga de valor entre bancos. O que era para ser um dia tranquilo vira um jogo brutal de vida ou morte.
Encurralados em uma ponte deserta, eles descobrem que estão carregando milhões em barras de ouro, tornando-se alvos de uma gangue liderada por um criminoso frio e calculista: Rook, interpretado por Stallone. A partir daí, o filme mergulha em um clima de tensão crescente, com reviravoltas e violência visceral.
James e Casey precisam aprender a confiar um no outro no momento mais extremo de suas vidas — e, no processo, descobrem o que realmente significa ser uma família.
Stallone, vilão — e convincente como nunca
Ver Sylvester Stallone no papel de um vilão não é só inusitado. É perturbador — e, em certo ponto, brilhante. Famoso por interpretar heróis com códigos morais quase inflexíveis, o ator agora incorpora Rook, um bandido impiedoso, sem empatia, que coloca pai e filho contra a parede.
O que mais chama atenção é como Stallone abraça essa nova faceta com convicção. Rook não grita, não exagera, não tem uma risada maligna. Ele é metódico, silencioso e letal. O tipo de cara que não hesita em ameaçar a vida de um adolescente se isso significar conseguir o que quer. O resultado é desconcertante: um vilão com peso dramático, interpretado por alguém que sempre esteve do outro lado da trincheira.
Essa guinada narrativa é o grande trunfo de Blindado, que, mesmo com uma estrutura clássica de ação, ganha camadas graças a essa escolha de elenco ousada.
Drama familiar em ritmo de ação
Embora tenha cenas de tiroteio, perseguições e explosões na medida certa, Blindado não é apenas um espetáculo de pólvora. O longa investe pesado na relação entre pai e filho — e é aí que mora seu coração.
Jason Patric entrega um James Brody contido, mas cheio de rachaduras emocionais. Um homem marcado por ausências, que tenta recuperar o tempo perdido com o filho no momento mais inapropriado possível: quando suas vidas estão em risco. Já Josh Wiggins, como Casey, representa a juventude que ainda busca um lugar no mundo — e que, de repente, se vê forçada a amadurecer às pressas.
A química entre os dois carrega boa parte da narrativa. E mesmo nas cenas mais silenciosas — um olhar, um gesto, um pedido de desculpas mal formulado —, o roteiro encontra espaço para construir tensão com humanidade.
Um cenário, um inferno
Grande parte do filme se passa em uma única locação: uma ponte fechada ao tráfego, onde o caminhão blindado é cercado. E isso é um mérito, não uma limitação. A direção de Justin Routt sabe explorar ao máximo esse confinamento, criando uma sensação constante de claustrofobia.
A ponte vira uma arena. Não há para onde correr. Os tiros ressoam com mais força. Os diálogos se tornam mais íntimos. Cada decisão parece pesar mais. O isolamento amplifica o desespero e transforma o espaço limitado em campo fértil para o suspense.
Bastidores polêmicos
Mas nem tudo em Blindado correu de forma tranquila fora das câmeras. O filme foi rodado em setembro de 2023 no Mississippi, durante o auge da greve da SAG-AFTRA, que paralisou boa parte de Hollywood. A produção obteve acordos especiais para continuar filmando — e mesmo assim, foi envolvida em disputas internas.
Integrantes da equipe técnica alegam que Justin Routt, o diretor creditado, não comandou efetivamente o set. Segundo declarações do assistente de adereços Michael Castro, Randall Emmett, conhecido por atuar como produtor em outras produções controversas, teria dirigido diversas cenas de forma não oficial. “Ele (Routt) só fingia que estava dirigindo. Randall coordenava tudo nos bastidores, mas não aparecia”, afirmou Castro em entrevista.
Até o momento, os produtores não comentaram publicamente a acusação. Mas os bastidores turbulentos acabaram ofuscando um pouco a recepção do longa.
Da frieza da crítica ao calor do público
Lançado nos EUA e em outros países no final de 2024, Armor foi recebido com indiferença pela crítica especializada. No site Rotten Tomatoes, o filme amarga um 0% de aprovação entre os críticos (com base em 25 resenhas), com nota média de 3,4/10. Os principais alvos de crítica foram a direção pouco inspirada, o roteiro previsível e a falta de profundidade narrativa.
Mas o público parece ter outra opinião. No boca a boca, o filme conquistou uma base fiel de admiradores — muitos deles atraídos pela curiosidade de ver Stallone como antagonista. Em fóruns e redes sociais, o filme é descrito como “subestimado”, “intenso” e até mesmo “um retorno à velha ação tensa dos anos 90”.
Relacionamentos deveriam ser refúgios de afeto, cuidado e crescimento mútuo. Mas e quando o amor se transforma em armadilha? É com esse olhar sensível, mas firme, que a série documental Amores Tóxicos estreia no canal ID no dia 7 de agosto, às 22h10, e já está com todos os episódios disponíveis na HBO Max. Com apresentação da atriz e repórter Elizabeth Chambers (Grand Cayman: Festa no Paraíso, Bottom Feeders e O Quarto Oculto), a produção em seis episódios se aprofunda em histórias reais de relacionamentos marcados por abusos emocionais, manipulações, mentiras — e, em muitos casos, tragédias irreversíveis.
A série é um convite ao enfrentamento de temas ainda envoltos em tabus, como violência psicológica, gaslighting, isolamento e ciclos de dependência emocional. Mas o faz com tato, escuta ativa e, sobretudo, humanidade. Elizabeth Chambers, que também assina como produtora executiva, se posiciona mais como ouvinte do que como narradora, permitindo que vítimas, familiares e especialistas conduzam os episódios com suas vozes e vivências.
A cada episódio, o documentário apresenta um novo caso ocorrido nos Estados Unidos, sempre com elementos distintos: há histórias de casais aparentemente perfeitos cujas máscaras caem com o tempo; outras, de relacionamentos intensos que se tornam possessivos e perigosos; e também casos em que o abuso é silencioso, sutil, mas profundamente corrosivo.
Em comum, os relatos revelam como a ideia do “amor romântico” — frequentemente idealizada em nossa cultura — pode servir de véu para justificar comportamentos inaceitáveis. A série não poupa os fatos, mas também não se rende ao sensacionalismo. É um retrato honesto, necessário e respeitoso das dores vividas por quem amou e foi ferido no processo.
Elizabeth Chambers conduz as entrevistas com empatia e escuta. Conhecida por seu trabalho como atriz e repórter, ela assume um novo papel nesta produção: o de jornalista investigativa, determinada a entender não apenas os fatos dos casos, mas as camadas emocionais e psicológicas por trás de cada história.
Sua abordagem vai além da superfície. Chambers conversa com sobreviventes e seus familiares, mergulha em documentos, registros policiais, diários, mensagens de texto, e traz à tona padrões que, muitas vezes, se repetem — o isolamento gradual da vítima, a perda da autonomia, o medo travestido de amor, e a dependência que se instala mesmo após a violência.
A série também apresenta depoimentos de especialistas em saúde mental, advogados, policiais e jornalistas investigativos como Allen Salkin, que participa de dois episódios. Essas contribuições ajudam o público a compreender os aspectos legais, sociais e psicológicos desses relacionamentos destrutivos.
Mais do que reconstituir crimes, a trama quer gerar reflexão. Cada episódio termina com um sentimento de alerta, mas também de esperança. Muitos dos sobreviventes, ao compartilharem suas histórias, relatam que esse gesto é também uma forma de reconstrução. “Se minha dor puder evitar que outra pessoa passe pelo que eu passei, então já valeu”, afirma uma das entrevistadas.
É essa perspectiva de empoderamento que a série carrega com firmeza. Os episódios não giram apenas em torno das tragédias, mas também do que acontece depois: o processo de cura, o apoio das redes de acolhimento, o fortalecimento da autoestima e o enfrentamento das consequências — muitas vezes duradouras — do trauma.
Uma equipe por trás das câmeras
Produzida pela Breaklight Pictures, braço da Pantheon Media Group, a série reúne um time extenso de profissionais experientes em documentários true crime e narrativas investigativas. Entre os produtores executivos estão Kevin Brennecke, Pamela Deutsch, Jodi Flynn, Kelley Harrison, Dan Johnstone, Elizabeth Chambers e Steven Michaels — todos com sólida trajetória em conteúdos de impacto.
A parte visual e sonora também recebe atenção especial: com direção de arte assinada por Courtney Voss, trilha sonora complementar de Dave Kropf e uma edição delicada sob o comando de profissionais como Olivia Becker e Salman Syed, a série constrói uma atmosfera imersiva sem recorrer a artifícios dramáticos ou estéticos exagerados. O foco é na escuta, na dor contida nos detalhes, nas pausas, nos olhares.
Reflexos sociais e urgência do tema
Lançada em um momento em que o debate sobre relacionamentos abusivos ganha força nas redes sociais, nas escolas e nos lares, a série chega com o peso de uma denúncia e o calor de uma conversa necessária. Não é uma série apenas sobre crimes — é sobre como eles se constroem no cotidiano, às vezes sob o disfarce de gestos românticos.
As histórias contadas não são distantes. Elas podem ecoar nas vidas de amigas, vizinhas, irmãos, colegas de trabalho. E é justamente por isso que a série tem potencial para gerar identificação e — mais importante — conscientização. Ao iluminar o ciclo do abuso, ela mostra caminhos de prevenção e reação. Ao dar nome às violências invisíveis, ajuda a romper o silêncio.
Maratona disponível
Enquanto o canal ID exibe um episódio por semana, às quartas-feiras, às 22h10, a temporada completa está disponível para maratona na HBO Max, plataforma de streaming que tem se destacado por seu investimento em produções true crime e documentários sociais.
Nesta sexta-feira, 8 de agosto, os fãs de terror foram surpreendidos por um anúncio que já movimenta as redes: a franquia Premonição terá um novo filme, o sétimo da saga. E para os que acompanham a série, a notícia ainda mais animadora é o retorno de Lori Evans Taylor, roteirista de Laços de Sangue, que estará à frente do roteiro desta nova produção. As informações são do Omelete.
Se você cresceu assustado com as mortes mirabolantes e cheias de suspense da série, sabe que isso é um motivo para comemorar. Afinal, Premonição não é um terror comum, daqueles que dependem só de fantasmas ou psicopatas. A protagonista aqui é a própria Morte, uma força invisível e impiedosa que vai atrás daqueles que tentaram enganá-la — e que não vai sossegar até recuperar o que é seu.
Vamos combinar: poucos filmes de terror conseguem ser tão criativos e tensos quanto Premonição. A ideia nasceu de uma história real que inspirou Jeffrey Reddick, o criador da série — uma história sobre uma mãe que teve um pressentimento ruim e avisou a filha para não embarcar num voo, que depois caiu. Dessa semente, nasceu uma narrativa que transforma um medo universal, o da morte, em algo concreto e palpável, mas ao mesmo tempo invisível.
Desde o primeiro filme, lançado em 2000, a franquia vem conquistando o público ao mostrar que não é preciso um assassino de rosto coberto ou uma criatura sobrenatural para causar medo. A Morte aqui é uma força silenciosa, que manipula o ambiente para alcançar quem escapou dela — e faz isso com uma criatividade assustadora.
O que faz a franquia ser diferente?
O charme — ou melhor, o terror — da série está nas suas sequências de mortes. Elas não são só acidentes, mas uma espécie de dominó de eventos, em que um pequeno detalhe desencadeia uma reação em cadeia até a fatalidade acontecer. E o mais impressionante é que essas cenas são tão bem planejadas que fazem o público prender a respiração e pensar: “como isso vai acontecer?”.
A franquia também ganhou fama por seu roteiro que mistura suspense com uma dose de drama — afinal, não é só matar os personagens, mas mostrar suas emoções, seus medos, seus laços com outras pessoas. No sexto filme, essa humanização ficou ainda mais evidente, com Lori Evans Taylor colocando seu toque especial para fazer a história ser mais do que uma série de sustos: uma experiência emocional.
O que podemos esperar do novo filme?
Embora ainda não saibamos quem vai dirigir ou quais atores vão entrar para o elenco, a volta de Lori Evans Taylor é uma ótima notícia para quem quer ver um roteiro bem trabalhado, que respeite a tradição da franquia e que ao mesmo tempo traga frescor para o público atual.
Com a evolução dos efeitos especiais e a experiência acumulada em seis filmes, dá para imaginar que Premonição 7 terá cenas ainda mais elaboradas e assustadoras. E é provável que a narrativa explore novas formas de abordar a inevitabilidade da morte, trazendo personagens mais complexos e talvez até algumas surpresas para quem acompanha a saga.
Uma franquia que vai além dos filmes
Pouca gente sabe, mas a franquia também ganhou histórias em quadrinhos e livros, que ampliaram o universo da série. Entre 2005 e 2006, foram lançadas novelizações que aprofundaram a trama dos filmes, e em 2006 e 2007 vieram HQs que exploraram outros personagens e cenários.
Isso mostra que o interesse pelo tema é forte e duradouro — afinal, o medo da morte é algo que acompanha a humanidade desde sempre, e ver essa força invisível personificada em histórias tão criativas é um convite para refletir, mesmo quando estamos nos assustando no escuro.
E a bilheteria, deu lucro?
Quando pensamos em franquias de terror que marcaram gerações, Premonição ocupa um lugar especial. Desde o seu lançamento em 2000, essa série vem conquistando fãs ao redor do mundo, não só pelo seu enredo único, mas também pelo sucesso que faz nas bilheterias, prova de que o medo é um sentimento universal — e que o público continua ávido por histórias que mexem com ele de forma inteligente.
A franquia já acumulou cerca de 667 milhões de dólares em bilheteria global, um número impressionante para filmes que, apesar de terem orçamentos modestos quando comparados a grandes blockbusters, conquistaram espaço cativo na preferência dos fãs de terror. Só nos Estados Unidos, quando ajustada a inflação até 2011, a história figura entre as dez maiores franquias de terror, com quase 350 milhões arrecadados.
Cada filme conseguiu, de alguma forma, manter a chama acesa e ampliar o interesse do público. O primeiro filme, que começou tudo, custou 23 milhões de dólares e arrecadou mais de 112 milhões no mundo todo. Foi como uma prova de que aquela ideia diferente — a morte como uma força invisível e inevitável — tinha um apelo que ia muito além do esperado.
Depois vieram as continuações, cada uma trazendo sua dose de suspense e sequências criativas que fizeram os espectadores prenderem a respiração no cinema. O segundo filme, lançado em 2003, bateu quase 91 milhões, e o terceiro, em 2006, chegou a quase 119 milhões de dólares — sinais claros de que a franquia estava conquistando mais fãs a cada lançamento.
O quarto filme, lançado em 2009, trouxe o maior salto, com uma bilheteria mundial superior a 186 milhões, confirmando que Premonição tinha se tornado uma marca consolidada no gênero. Já o quinto filme, apesar de uma leve queda na bilheteria doméstica, continuou forte no mercado internacional, acumulando quase 158 milhões.
E então, em 2025, Laços de Sangue bateu seu próprio recorde, arrecadando 187 milhões de dólares globalmente, mostrando que o interesse pela franquia segue vivo e pulsante, mesmo depois de mais de 20 anos.
Por que a gente se importa tanto?
Talvez você se pergunte por que essa franquia toca tantas pessoas, mesmo depois de tantos anos e vários filmes. A resposta está no medo universal que ela explora — e na nossa própria relação com a vida e a morte.
Quem nunca teve um pressentimento, uma sensação estranha de que algo ruim ia acontecer? Quem nunca tentou fugir de uma situação perigosa, mesmo que por um triz? Esses sentimentos são universais, e a franquia transforma isso em um suspense que faz sentido.
Além disso, ao humanizar seus personagens — mostrando seus dramas, suas esperanças e seus erros —, o público acaba se vendo neles. E isso torna cada morte na tela muito mais impactante.
O que está por vir?
Ainda há muitas perguntas no ar: qual será o desastre que desencadeará o sétimo filme? Como a morte vai caçar os sobreviventes dessa vez? Que surpresas o roteiro de Lori Evans Taylor preparou?
E claro, quem serão os novos rostos que vão tentar driblar o destino?
A A24, estúdio que há anos se consolidou como sinônimo de inovação e qualidade cinematográfica, acaba de divulgar o primeiro trailer de Marty Supreme, produção que promete ser um marco em sua história. Dirigido por Josh Safdie, conhecido por trabalhos como Joias Brutas, o longa traz Timothée Chalamet no papel principal e já desperta grande expectativa, tanto pela qualidade do elenco quanto pelo investimento histórico do estúdio, estimado em impressionantes US$ 70 milhões. Abaixo, veja o trailer:
O filme acompanha a trajetória fictícia de Marty Mauser, um jovem talentoso no pingue-pongue, esporte muitas vezes subestimado, que encontra na determinação e na coragem a chave para realizar seus sonhos. Apesar de ter inspiração em Marty Reisman, jogador profissional de tênis de mesa, Marty Supreme não se configura como uma biografia. A narrativa, cuidadosamente construída pelo roteiro de Ronald Bronstein — colaborador frequente de Safdie —, mistura ficção, comédia e aventura esportiva, criando um universo próprio, leve e ao mesmo tempo emocionante.
Para Chalamet, o novo filme representa um novo desafio em sua carreira. Após a vitória no SAG Awards e a indicação ao Oscar por sua interpretação de Bob Dylan em Um Completo Desconhecido, o ator retorna às telonas em um papel que exige não apenas presença dramática, mas também habilidades físicas aprimoradas.
“Josh me encorajou a realizar algumas das minhas próprias acrobacias, o que tornou a experiência incrivelmente imersiva”, revelou Chalamet em entrevista recente. Além disso, o ator precisou adaptar sua visão para algumas cenas: o diretor optou por fazê-lo usar óculos de grau com lentes de contato por baixo, criando um efeito visual que deixava seus olhos aparentarem menores — algo que, segundo Chalamet, atrapalhou temporariamente sua visão, mas acrescentou autenticidade ao personagem.
O comprometimento do ator foi intenso. Durante meses, ele treinou rigorosamente com ex-jogadores de tênis de mesa Diego Schaaf e Wei Wang, aperfeiçoando reflexos, movimentos e a precisão necessária para tornar as partidas de pingue-pongue críveis nas telonas. O resultado, visível no trailer, promete impressionar não apenas fãs de cinema, mas também apreciadores de esportes.
O longa ainda conta com Gwyneth Paltrow no papel de Carol Dunne, interesse amoroso de Marty, além de Odessa A’Zion, Kevin O’Leary, Tyler Okonma, Abel Ferrara e Fran Drescher, que interpreta a mãe de Marty, a Sra. Mauser. A presença de atores veteranos como Fran Drescher e nomes inusitados, como o artista francês Philippe Petit, demonstra a ousadia da produção em mesclar diferentes universos artísticos.
Segundo Safdie, a escolha de um elenco diversificado foi intencional. “Queríamos criar uma tapeçaria de personagens que refletisse a riqueza do mundo ao redor do nosso protagonista. Cada presença traz algo inesperado, seja humor, tensão ou emoção”, explicou o diretor.
Conhecido por seu estilo único de direção, Josh Safdie assina Marty Supreme com a experiência adquirida em longas como Joias Brutas, Bom Comportamento e Amor, Drogas e Nova York. O diretor mantém sua assinatura, mas agora em um projeto que combina comédia, drama e aventura esportiva, criando uma experiência cinematográfica inédita para o público.
A fotografia de Darius Khondji, filmada em 35 mm, reforça a proposta visual do filme. Khondji, que acumula experiência em projetos como Se7en e O Grande Gatsby, trouxe textura, profundidade e cores que valorizam tanto as cenas intimistas quanto as partidas de pingue-pongue, transformando cada ponto em um espetáculo visual. O veterano designer de produção Jack Fisk colaborou para criar cenários que equilibram realismo e fantasia, com locais que remetem à Nova York clássica e espaços inesperados do mundo do esporte.
Além da fotografia e do design, Safdie integrou cerca de 140 não-atores ao elenco, trazendo uma autenticidade crua e espontânea às cenas cotidianas. Essa escolha aproxima o público da realidade do protagonista, tornando cada vitória e cada desafio ainda mais palpáveis.
A história gira em torno de Marty Mauser, um jovem determinado a se destacar em um esporte tradicionalmente ignorado: o pingue-pongue. Enquanto lida com a pressão da competição, Marty inicia um romance com Carol Dunne, uma estrela de cinema interpretada por Gwyneth Paltrow. A trama combina momentos de humor, romance e tensão esportiva, explorando temas como perseverança, paixão e autodescoberta.
Embora inspirado em Marty Reisman, o roteiro evita se prender a fatos biográficos, optando por criar uma narrativa que mistura realidade e ficção. “Queríamos capturar a essência da coragem e do talento, sem nos limitar à cronologia de um atleta real”, explicou Ronald Bronstein, co-roteirista.
O filme também destaca a jornada pessoal de Marty, suas inseguranças e desafios familiares, incluindo a relação com a mãe, Sra. Mauser, interpretada por Fran Drescher. A dinâmica familiar e as relações afetivas são tão importantes quanto os jogos em si, criando um enredo rico em emoções e nuances.
Produção: história e desafios
O projeto foi anunciado em dezembro de 2023, quando Timothée Chalamet revelou que seu próximo trabalho seria um filme envolvendo pingue-pongue. No ano seguinte, a Variety confirmou que Josh Safdie dirigiria Marty Supreme, marcando seu primeiro projeto solo desde The Pleasure of Being Robbed (2008).
O orçamento de US$ 70 milhões torna o filme o mais caro da história da A24, superando Guerra Civil (2024). Essa cifra reflete não apenas o investimento em elenco e cenários, mas também a ambição de criar um filme que seja visualmente impressionante e narrativamente envolvente.
A fotografia principal começou em Nova York, em 23 de setembro de 2024, e se estendeu até 5 de dezembro do mesmo ano. Filmagens adicionais ocorreram no Japão, em fevereiro de 2025, garantindo diversidade de cenários e autenticidade em cenas que envolvem competições internacionais.
Expectativa e lançamento
A data de estreia nos Estados Unidos está marcada para 25 de dezembro de 2025, período estratégico que visa aproveitar o fluxo de público durante as festas de fim de ano. Além disso, a A24 contou com a Nordisk Film para cuidar da distribuição nos países nórdicos, incluindo Finlândia, Noruega, Dinamarca e Suécia.
O primeiro trailer revela um filme que combina ritmo acelerado, humor afiado e emoção intensa. Desde o treinamento rigoroso de Chalamet até as interações familiares e românticas, o filme promete se destacar como uma experiência cinematográfica completa, capaz de atrair tanto amantes de esportes quanto fãs de dramas humanos e comédias sofisticadas.
O impacto da A24 e a aposta em Marty Supreme
A A24 construiu sua reputação ao longo dos anos com produções inovadoras e cultuadas, como Hereditário, Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo e Moonlight. Cada filme do estúdio carrega a marca de ousadia narrativa, estética diferenciada e, muitas vezes, orçamentos modestos.
Mart Supreme, com seu investimento recorde, mostra que a A24 está pronta para expandir seus horizontes, mesclando a ousadia artística de sempre com um projeto ambicioso e comercialmente mais robusto. Essa produção pode marcar uma nova fase do estúdio, consolidando seu nome não apenas no circuito de festivais, mas também no mercado mainstream.
