Neste domingo (13), o Marvel Studios agitou as redes sociais ao lançar um novo trailer de Quarteto Fantástico: Primeiros Passos, um dos lançamentos mais aguardados do MCU para 2025. Com estreia prevista para o dia 24 de julho, o filme traz uma abordagem fresca da icônica equipe da Marvel — mas o que realmente roubou a cena foi a aparição da enigmática Surfista Prateada, vivida pela talentosa Julia Garner, em uma interpretação que promete mexer com as expectativas dos fãs.
O vídeo, que pode ser visto logo acima, mostra a Surfista Prateada de forma diferente do que muitos conhecem dos quadrinhos. Julia Garner dá vida a uma personagem profunda e solitária, carregada de uma melancolia que vai além do visual futurista. Seu olhar transmite não só o peso de universos percorridos, mas também um misto de desconfiança e esperança, deixando claro que sua história será muito mais do que a de uma mera mensageira cósmica.
A origem da lenda
Baseado na clássica HQ de 1961, criada por Stan Lee e Jack Kirby, o filme dirigido por Matt Shakman (WandaVision) e escrito por Josh Friedman e Jeff Kaplan promete renovar o olhar sobre Reed Richards, Susan Storm, Johnny Storm e Ben Grimm. Após uma missão espacial interrompida por uma tempestade de raios cósmicos, eles retornam à Terra transformados, cada um com habilidades extraordinárias: Reed estica seu corpo; Susan torna-se invisível; Johnny controla o fogo e voa; e Ben se transforma em uma poderosa criatura rochosa.
A prévia divulga cenas que ressaltam a luta interna de cada personagem para aceitar suas mudanças, enquanto se preparam para enfrentar ameaças que desafiarão seus limites — tudo isso embalado por uma estética que mistura o charme retrô dos anos 60 com o futurismo da ficção científica moderna.
Uma nova dimensão para a Surfista Prateada
A presença de Julia Garner como Surfista Prateada é a cereja do bolo do trailer. Diferente da versão clássica, em que o personagem é Norrin Radd, aqui a Marvel dá um passo ousado ao trazer uma mulher para o papel, abrindo caminho para novas interpretações e camadas emocionais. A personagem surge deslizando por nebulosas e estrelas, com uma voz que parece carregar segredos e avisos, deixando os fãs ansiosos para descobrir seu verdadeiro papel dentro da narrativa.
Este olhar mais introspectivo pode indicar que o filme vai explorar não só batalhas épicas, mas também dilemas existenciais e questões filosóficas sobre destino e sacrifício — temas que se encaixam perfeitamente na proposta de renovar a mitologia do Quarteto Fantástico.
Preparando o terreno para o futuro do MCU
Embora o trailer mantenha o mistério sobre quem será o antagonista principal, a aparição da Surfista Prateada já sugere que o filme será a porta de entrada para eventos cósmicos mais amplos dentro do Universo Marvel. É fácil imaginar conexões com ameaças que se estendem para além da Terra, preparando o público para a próxima fase do MCU, possivelmente alinhando o Quarteto Fantástico com os futuros desdobramentos de Guerras Secretas.
Mais do que uma simples reinvenção, Quarteto Fantástico: Primeiros Passos parece ter a ambição de colocar a equipe no centro das discussões emocionais e científicas do universo Marvel, com uma narrativa que vai explorar a transformação pessoal e coletiva desses heróis.
Ela correu atrás do Cebolinha, enfrentou o preconceito, virou símbolo de força e, agora, encara mais um desafio — sobre rodas. A Mônica dos anos 70, com seus traços clássicos e olhar determinado, é a estrela da primeira collab da Tupode, marca brasileira de streetwear que estreia em grande estilo ao lado da MSP Estúdios. A coleção, anunciada nesta semana, traduz o espírito do skate para um lugar onde a infância e a rebeldia conversam com liberdade criativa e verdade emocional.
É a dona da rua de uma geração ganhando fôlego novo — agora empunhando um shape e estampando moletons, camisetas, bonés e jaquetas que equilibram o lúdico com o urbano. “Se fosse para fazer a primeira collab da marca, tinha que ser com algo que realmente conversasse com a nossa essência”, conta Cleverson Maniglia, fundador da Tupode. “Crescemos lendo a Turma da Mônica. Trazer esse universo para o nosso foi natural. A conexão entre os dois mundos — o dos quadrinhos mais brasileiros de todos os tempos e o da cultura skate — nasce da valorização do que é feito com verdade e pertencimento.”
Ícone dos gibis, símbolo das ruas
A escolha da versão vintage da Mônica não foi por acaso. A personagem dos anos 70 representa não só um resgate afetivo, mas também um tempo em que o traço era mais simples e as histórias, carregadas de ingenuidade e resistência. Ao inseri-la nesse novo contexto, a collab reinventa sem apagar o passado. O azul clássico do Sansão, por exemplo, agora aparece como elemento gráfico nos shapes e detalhes das peças — um símbolo que conecta gerações.
“Ver o universo da Turma da Mônica se conectando ao universo da moda urbana e do skate é emocionante”, afirma Marcos Saraiva, diretor executivo da MSP Estúdios. “É mais uma forma de mostrar como nossos personagens atravessam o tempo e continuam inspirando diferentes formas de expressão cultural.”
Peças para vestir com memória
A coleção é feita para andar — mas também para lembrar. São jaquetas jeans utilitárias com cortes retos, moletons encorpados, camisetas com estampas exclusivas, calças baggy e uma linha completa de acessórios, como bonés, gorros, meias e bags. Os shapes de skate, feitos em maple canadense, reforçam o compromisso com qualidade e performance. Tudo com bordados de alta definição e cores que misturam o universo da Turma da Mônica com referências visuais da década de 70.
Onde está disponível?
Os preços vão de R$ 59,90 a R$ 699,90. E a regra é clara: edição limitada, sem reposições. A coleção já está disponível no site oficial da Tupode e em lojas parceiras. E como toda boa história em quadrinhos… essa também pode acabar rápido.
Trinta anos após dividirem os holofotes em O Paciente Inglês (1996), Ralph Fiennes e Juliette Binoche voltam a contracenar no cinema em “O Retorno”, drama histórico dirigido por Uberto Pasolini que chega aos cinemas brasileiros no dia 4 de setembro, com distribuição da O2 Play. Inspirado nos cantos finais da Odisseia, de Homero, o longa propõe uma abordagem realista e profundamente emocional da clássica história do retorno de Ulisses à Ítaca, deixando de lado os elementos mitológicos para mergulhar nas cicatrizes humanas da guerra e do tempo.
Foto: Reprodução/ Internet
Com estreia mundial no Festival Internacional de Cinema de Toronto (TIFF), em 2024, o filme acompanha o herói Odisseu (nome latino: Ulisses), interpretado por Ralph Fiennes, na etapa mais silenciosa e desafiadora de sua jornada: o reencontro com sua terra, sua esposa e seu filho, após duas décadas de ausência. Longe da grandiosidade das aventuras épicas, o filme foca no impacto psicológico e físico de uma vida consumida por batalhas. Abatido, envelhecido e irreconhecível, Odisseu encontra seu reino em ruínas e sua identidade desfigurada.
Juliette Binoche dá vida a Penélope, figura central da resistência em Ítaca. Durante os vinte anos de ausência do marido, ela mantém a esperança viva enquanto lida com pretendentes ambiciosos que, além de desejarem sua mão, disputam o trono. A atuação de Binoche, que recebeu o Oscar por O Paciente Inglês e é reconhecida por filmes como A Liberdade é Azul e Camille Claudel 1915, imprime à personagem uma força silenciosa e obstinada. Já o jovem Charlie Plummer (Lean on Pete, Todo Dia) interpreta Telêmaco, o filho do casal, que agora é alvo de conspirações daqueles que almejam o poder na ausência do pai.
O roteiro, escrito por John Collee (Hotel Mumbai, Master and Commander) em parceria com Edward Bond, opta por uma leitura mais sóbria e humanista da lenda grega. Ao retirar figuras mitológicas e divinas da narrativa, a obra revela uma Ítaca marcada por conflitos políticos, desconfiança e desintegração familiar. Odisseu não é mais um herói infalível, mas um homem ferido, com memórias traumáticas, lidando com o estranhamento de retornar a um lar que já não reconhece.
A proposta estética de Pasolini — também responsável por Nowhere Special — investe em planos contemplativos e no uso de paisagens áridas e silenciosas como metáfora do estado emocional de seus personagens. Em vez de cenas de ação, há tensão contida e diálogos pontuados por silêncios que dizem muito. A construção narrativa reflete a opção do diretor por um cinema que valoriza a interioridade dos personagens e os conflitos morais do pós-guerra.
Neste sábado, 19 de julho de 2025, o Pequenas Empresas & Grandes Negócios (PEGN) estreia uma edição especial que celebra não apenas o ato de empreender, mas o impacto real que negócios com propósito causam em comunidades, vidas e trajetórias pessoais. Das montanhas mineiras ao sertão nordestino, passando pelos centros urbanos e pelas batidas da periferia, a edição mergulha em histórias inspiradoras que provam: inovar também é cuidar.
Da caneta para o incenso: um novo começo em Carrancas
Carrancas, no sul de Minas, se tornou sinônimo de paz para quem cruza seus caminhos em busca de mais do que férias. Deborah Morato mostra como um ex-escrevente do Fórum, hoje conhecido como Palash, largou o terno e a gravata para construir uma pousada onde espiritualidade e acolhimento andam de mãos dadas.
O projeto, erguido com base em princípios ecológicos, inclui chalés construídos com materiais sustentáveis, trilhas de contemplação e um salão de meditação em formato de pirâmide. Durante julho, a ocupação dispara. Mas não se trata apenas de hospedagem: é um convite à introspecção, à reconexão e ao cuidado com o corpo e com a alma — uma resposta ao ritmo frenético das grandes cidades.
Algodão que brota resistência no Sertão do Seridó
No sertão do Rio Grande do Norte, o solo castigado pelo sol voltou a florescer com a força de um casal que decidiu transformar a aridez em oportunidade. Maria Azevedo e José Orly deixaram o cultivo convencional e abraçaram o algodão orgânico, redescobrindo saberes antigos e práticas agroecológicas que valorizam o meio ambiente e a saúde.
O impacto não se limita ao campo. Ao agregarem valor à produção com doces, compotas e uma rede de distribuição inteligente, conectam a tradição do campo aos interesses de mercados urbanos, cada vez mais atentos à procedência e à sustentabilidade. É o sertão que ensina: quando há propósito, não há seca que impeça o florescer.
A lealdade que sustenta negócios
Marcelo Baccarini traz uma reflexão essencial para o empreendedor moderno: fidelizar é mais estratégico do que perseguir novos clientes a qualquer custo. E, ainda que muitos pensem o contrário, conquistar a confiança de quem já comprou é o verdadeiro ouro do crescimento sustentável.
A matéria não só reforça o valor do pós-venda como aponta ferramentas simples que fazem toda a diferença — da escuta ativa ao relacionamento contínuo. É mais do que marketing: é respeito ao cliente, à jornada dele e à importância de cada laço construído ao longo do caminho.
Um bolo, uma novela, uma reviravolta
Na zona norte do Rio de Janeiro, um gesto paternal virou um negócio de luxo. Ao preparar o bolo de mesversário da filha, Antonio Maciel não imaginava que ali começava uma virada de vida. Anos depois, ele assinaria o bolo de casamento de uma cena da novela Vale Tudo, e não pararia mais.
Hoje, seus bolos são verdadeiras obras de arte feitas sob encomenda, com valores que chegam a R$ 7 mil. Mas mais do que cifras, sua história carrega emoção: é sobre transformar afeto em ofício, talento em referência, e fazer da confeitaria uma linguagem que emociona, encanta e sustenta.
Ritmo e transformação: o som que muda destinos
A batida do Ripaton ecoa longe. Criado pelo músico Tony Daniel a partir de materiais reciclados, o instrumento virou símbolo de um projeto que une música, sustentabilidade e transformação social. Em 2020, Tony fundou um instituto em uma comunidade do Rio, onde jovens aprendem mais que acordes: descobrem possibilidades, autoconfiança e futuro.
Em 2024, o projeto ganha força com a abertura de uma fábrica, que emprega ex-alunos e produz 90 instrumentos por mês. Com faturamento de R$ 50 mil, o negócio alia impacto social e saúde financeira, mostrando que criatividade e comprometimento são uma combinação poderosa — especialmente quando colocados a serviço de quem precisa de uma chance real.
No domingo, 20 de julho de 2025, o Brasil vai dormir mais silencioso. O país perdeu uma de suas artistas mais espontâneas, combativas e amorosas: Preta Gil. A cantora, atriz, apresentadora e empresária faleceu aos 50 anos, em Nova York, após uma longa e corajosa batalha contra o câncer no intestino. A notícia foi confirmada por seu pai, Gilberto Gil, através de uma nota emocionada publicada nas redes sociais. A família agora se mobiliza para trazer o corpo de volta ao Brasil, onde será velada e homenageada com o afeto que ela sempre ofereceu ao mundo.
A despedida de Preta não é apenas o adeus a uma artista. É a perda de uma mulher que nunca teve medo de ser quem era. Uma figura que transformava vulnerabilidades em força, dor em arte, e escândalo em acolhimento. Uma voz que rompeu tabus, ampliou conversas e jamais se escondeu. O luto é nacional — e pessoal para milhares que se viam refletidos nela.
Uma guerreira diante da doença
Desde o diagnóstico de câncer no intestino em janeiro de 2023, Preta enfrentou a doença com uma transparência rara, mas sem perder a ternura. Compartilhou parte do tratamento nas redes sociais, entre sessões de quimioterapia e radioterapia, dividindo também momentos de introspecção e fé. Em agosto de 2024, passou por uma cirurgia delicada para remoção de tumores. O procedimento trouxe esperança, mas o câncer retornou, mais agressivo e em outras partes do corpo.
No início de 2025, Preta decidiu buscar um tratamento experimental nos Estados Unidos. Instalou-se em Nova York, onde ficou sob os cuidados de uma equipe especializada, realizando protocolos de terapia em Washington. Ela manteve o sigilo sobre os detalhes, mas sempre recebia manifestações de carinho, inclusive de fãs que organizavam orações e correntes de energia positiva. Foi uma luta digna, silenciosa e cercada de amor — como tudo o que ela fazia.
A voz que não queria pedir licença
Preta Maria Gadelha Gil Moreira nasceu no Rio de Janeiro em 8 de agosto de 1974. Filha de Gilberto Gil e da empresária Sandra Gadelha, já nasceu cercada de música, cultura e um nome que carregava cor e ancestralidade. Seu batismo gerou polêmica no cartório: o funcionário se recusou a registrar apenas “Preta”, obrigando os pais a adicionarem o “Maria”. Gil transformou o episódio em canção e bandeira. A filha, mais tarde, faria o mesmo com sua própria trajetória.
Demorou a se lançar profissionalmente na música. Seu primeiro álbum, Prêt-à-Porter, foi lançado em 2003, quando ela já tinha quase 30 anos. A capa do disco, com Preta nua, causou frisson na imprensa. Mais do que sensualidade, era um grito de independência — uma mulher fora dos padrões estéticos impostos pela indústria mostrando o corpo com orgulho. Mas o conservadorismo reagiu mal. “Me chamavam para entrevistas mais por causa do meu corpo do que da minha voz”, disse ela, anos depois, à Forbes Brasil.
Apesar das críticas e reduções, Preta seguiu em frente. Ampliou sua atuação como atriz — esteve no elenco da novela Agora É Que São Elas — e também como apresentadora. Em Caixa Preta, na Band, abriu espaço para debates sobre identidade, sexualidade, autoestima e representatividade.
No teatro, brilhou em 2006 com o espetáculo Um Homem Chamado Lee, em que interpretava uma travesti apaixonada por Rita Lee. Era provocação e afeto ao mesmo tempo. Música, performance, humor e denúncia. A síntese perfeita de tudo o que ela acreditava.
Uma artista que se fazia plural
Seu segundo álbum, Preta (2005), seguiu mostrando sua versatilidade. Mas foi com a turnê Noite Preta, em 2008, que ela fincou os pés no pop nacional. Os shows, sempre lotados, misturavam axé, funk, samba, tecnobrega e covers improváveis, como “Like a Virgin”, de Madonna. Ela subia ao palco de collant, salto e brilho, afirmando com o corpo e a música que ser quem se é pode — e deve — ser celebrado.
O DVD da turnê, gravado em 2009 no The Week Rio, é considerado um marco. Era o retrato de uma artista madura, com público cativo e muito mais a dizer do que se ouvia nas rádios.
Rainha do Carnaval e do amor livre
Se havia um lugar onde Preta Gil reinava absoluta, esse lugar era o Carnaval. O Bloco da Preta, criado por ela em 2009, virou um dos maiores do Rio de Janeiro. Em seus desfiles, a rua era tomada por diversidade, afeto, brilho e liberdade. Milhões de pessoas foram às ruas para dançar, cantar e se libertar ao som de sua voz.
Em 2013, o DVD comemorativo de 10 anos de carreira trouxe participações especiais de artistas como Ivete Sangalo, Anitta, Lulu Santos e Thiaguinho. Era um tributo à sua trajetória — e também um reflexo do quanto era querida por seus pares.
Preta sempre defendeu o direito de amar sem rótulos. Falava abertamente sobre sua bissexualidade e, mais tarde, pansexualidade. Era uma das poucas figuras públicas que abordavam essas questões sem medo, com empatia e escuta. Tornou-se porta-voz informal da comunidade LGBTQIA+, abrindo caminhos com palavras e ações.
Intensidade no palco e na vida
Na vida pessoal, Preta foi generosa e intensa. Casou-se três vezes, sendo mãe de Francisco — nascido em 1995, fruto do relacionamento com o ator Otávio Müller. Depois, viveu casamentos com Carlos Henrique Lima e Rodrigo Godoy. Em 2015, ganhou sua neta, Sol de Maria, e mergulhou em uma nova fase: a de avó moderna, divertida e amorosa.
Teve relacionamentos com Caio Blat, Paulo Vilhena, Marcos Mion — mas nunca permitiu que sua vida íntima se tornasse espetáculo. Sabia proteger seus afetos, sem abrir mão da verdade. Era amiga fiel, conselheira firme, e presença constante nas festas e nas dores de quem amava.
Muito além do microfone: a empresária visionária
Nos últimos anos, Preta também se destacou como uma figura de bastidor. Fundadora da Music2Mynd, empresa de agenciamento artístico e marketing de influência, ela foi mentora e ponte para uma nova geração de artistas.
Ajudou a construir carreiras, lapidar talentos e transformar digital em presença real. Sabia ler o momento cultural como poucas, e entendia que autenticidade era o diferencial. Acreditava em narrativas com propósito — e é isso que fazia brilhar seu trabalho com influenciadores, músicos e comunicadores.
Uma despedida que ecoa em milhões de corações
Com a confirmação da morte, o Brasil se cobriu de homenagens. Figuras como Ivete Sangalo, Caetano Veloso, Pabllo Vittar, Anitta, Gilberto Gil e fãs anônimos usaram as redes para agradecer a Preta pela coragem, generosidade e arte. A comoção não é apenas pela ausência, mas pelo reconhecimento da grandeza de alguém que transformou sua existência em farol para os outros.
O Ministério da Cultura emitiu nota oficial exaltando sua contribuição à cultura brasileira. Nas ruas do Rio, o Bloco da Preta deve se transformar em cortejo-homenagem em 2026. A despedida será pública, como sempre foi sua entrega: coletiva, vibrante, emocionada.
Preta para sempre: uma mulher que não cabia em moldes
Preta Gil não era só filha de Gilberto. Não era só a cantora do bloco. Nem só a empresária por trás das câmeras. Ela era tudo isso — e muito mais. Uma mulher que viveu de peito aberto, com erros e acertos, com dores e conquistas, com arte e afeto.
Seu legado é um convite: a viver sem pedir desculpas. A amar sem rótulo. A ocupar o espaço com o corpo que se tem. A transformar traumas em potência. A rir alto. A chorar junto. A dançar até o fim.
Na sua última entrevista antes de viajar para os EUA, ela deixou uma frase que hoje soa como testamento: “Se eu for embora amanhã, que saibam que eu fui muito amada. E que amei também. Muito. Com tudo que eu tinha.”
Você foi, Preta. Você é. E sempre será.
Obrigado, Preta Gil, por tudo que foi — e por tudo que nos ensinou a ser.
Na televisão, ele está sempre sorrindo, ensinando receitas, dividindo momentos leves com o público. Mas, por trás das câmeras, Edu Guedes viveu nos últimos meses uma batalha que mudou completamente sua forma de ver a vida. Nesta terça-feira (22), o apresentador abre o coração em uma entrevista inédita e tocante a Sonia Abrão, no programa “A Tarde é Sua”, da RedeTV!.
Ao lado da companheira, Ana Hickmann, ele compartilha detalhes da cirurgia delicada que enfrentou para remover um tumor no pâncreas — e como, mesmo depois de voltar para casa, a rotina ainda gira em torno de cuidados, adaptações e um novo olhar sobre o que realmente importa. Alguns trechos da conversa foram divulgados pelo portal Splash, do UOL.
“Vim para casa, mas eu falo quatro vezes por dia com o médico. Ele quer saber como estou. Tive que fazer adaptações para comer e não posso comer açúcar ou gordura”, conta Edu, com a serenidade de quem aprendeu a respeitar os próprios limites. Mas o tom calmo não esconde o que foi – e ainda é – um caminho cheio de medo, choro e fé.
“A gente chorou junto antes da cirurgia”
Edu não tenta parecer invulnerável. Muito pelo contrário. Em sua fala, há uma honestidade rara na televisão: o medo é nomeado, a dor é exposta, as lágrimas são assumidas. Ele relembra o momento de se despedir de Ana antes de entrar na sala de cirurgia. “Desde que aconteceu tudo, eu tenho que pensar na minha filha, na Ana, na nossa família… e tenho que pensar positivo. É lógico que dá medo. A gente chorou junto antes de ir para a cirurgia. E quando eu voltei… choramos de novo. Em alguns momentos, choramos de felicidade”, diz, com a voz embargada.
É impossível não se comover com a entrega emocional de Edu. Quem já enfrentou uma internação, quem já recebeu um diagnóstico difícil, sabe o peso das palavras dele. Mas sabe também o quanto elas são necessárias. Porque é nesse lugar – onde o medo e o amor se cruzam – que muitas histórias de superação começam a nascer.
Ana Hickmann: amor, força e cuidado em cada gesto
Ao lado de Edu durante todo o processo, Ana Hickmann também revela como foi acompanhar a luta do companheiro. Não apenas como esposa, mas como uma verdadeira ponte entre o carinho do mundo e o homem que, no hospital, precisava acreditar que tudo iria ficar bem.
“Fui mostrando aos poucos para ele as mensagens que chegavam. Vi que aquilo fazia bem. Falei: ‘Edu, está todo mundo junto com você. Todo mundo orando, mandando muito carinho, então você tem que ficar bom logo’”, conta Ana, em um tom calmo, mas firme.
O gesto dela vai além de palavras bonitas. Ana foi presença, foi coragem, foi âncora. Enquanto o mundo seguia seu curso, ela esteve ali, inteira. Lendo cada mensagem, filtrando a energia boa, oferecendo esperança em pequenas doses – como se soubesse que, às vezes, é isso que impede alguém de desabar por completo.
Mais que uma entrevista: um abraço coletivo
A conversa com Sonia Abrão, que vai ao ar às 15h, é mais do que uma entrevista. É um espaço de acolhimento. Sonia, com sua escuta afetuosa e jeito único de conduzir histórias de vida, permite que Edu e Ana falem sem pressa, sem máscaras. Eles não representam personagens: são gente, são casal, são sobreviventes de uma dor que ainda pulsa, mas que já começa a cicatrizar.
E talvez seja esse o grande presente da entrevista: mostrar que ninguém precisa enfrentar nada sozinho. Que há beleza na vulnerabilidade. Que o amor, quando é de verdade, se manifesta no cuidado com a comida, no silêncio respeitado, no choro compartilhado.
Hoje, Edu segue sua vida com restrições alimentares, adaptações e acompanhamento médico diário. Mas também com mais gratidão. Mais presença. E mais vontade de viver por inteiro.
Ele não fala sobre vitória como um troféu. Fala como quem entendeu que o tempo é valioso demais para ser desperdiçado com pressa, cobrança ou orgulho. “Penso na minha filha, na Ana, na nossa família… e sigo. Pensando positivo. Um dia de cada vez.”
📺 Não perca: “A Tarde é Sua” com Sonia Abrão 🗓 Terça-feira, 22 de julho 🕒 Às 15h, na RedeTV! 🎙 Entrevista completa com Edu Guedes e Ana Hickmann
Charles Aznavour não foi apenas um cantor. Foi um contador de histórias. Um poeta da fragilidade. Um homem que, sem ter nascido com o que muitos chamariam de uma “voz poderosa”, conquistou o mundo com sua autenticidade e capacidade ímpar de emocionar. Agora, em 2025, esse legado ganha uma nova forma de pulsar: nas salas de cinema. O longa-metragem “Monsieur Aznavour”, dirigido com sensibilidade por Mehdi Idir e Grand Corps Malade, estreia nos cinemas brasileiros, prometendo não apenas emocionar os fãs do artista francês, mas também apresentar sua humanidade tocante a uma nova geração.
A História Por Trás do Ícone
Charles Aznavour nasceu Shahnour Vaghinag Aznavourian, em Paris, em 1924, filho de imigrantes armênios que fugiram do genocídio. Desde cedo, sua vida foi marcada por deslocamentos — não apenas geográficos, mas emocionais. Vindo de uma família pobre e enfrentando discriminação, o jovem Aznavour desde muito cedo teve que aprender a se fazer ouvir num mundo que o ignorava.
Ele não tinha a “voz perfeita”. Pelo contrário: rouca, nasal e nada convencional. Ainda assim, foi justamente essa diferença que se transformou em sua maior força. Aznavour fez da sua vulnerabilidade um recurso poético. Compôs mais de 1.200 canções, gravou em nove idiomas, vendeu mais de 180 milhões de discos e foi aplaudido em palcos do mundo inteiro. Sua música foi espelho, abraço, confissão.
E é esse homem que o filme “Monsieur Aznavour” busca revelar — não apenas o astro, mas o ser humano por trás da fama.
Um Filme de Emoções Verdadeiras
Mais do que uma cinebiografia, “Monsieur Aznavour” é um retrato íntimo de um artista em permanente conflito consigo mesmo e com o mundo ao redor. Interpretado com intensidade por Tahar Rahim (conhecido por “O Profeta” e “Gladiador 2”), o cantor ganha vida nas telas em uma narrativa que passeia por seus altos e baixos, com foco especial em sua juventude, sua relação com a família e os dilemas existenciais que permeavam sua alma inquieta.
O filme não tenta glorificar Aznavour com clichês. Em vez disso, o apresenta como um homem feito de contradições: tímido e ousado, inseguro e determinado, romântico e desencantado. Essa complexidade, captada em cenas silenciosas, diálogos econômicos e atuações emocionantes, é o que torna “Monsieur Aznavour” tão envolvente.
A direção acerta ao evitar uma abordagem linear. A narrativa avança e recua no tempo, como se fosse uma canção do próprio Aznavour. Somos levados da infância difícil aos primeiros fracassos, das dúvidas sobre sua identidade até o momento em que sua arte começa a encontrar ressonância nos corações do público.
O Poder da Palavra e da Canção
Ao contrário de outros artistas da chanson française, Aznavour não dependia de metáforas rebuscadas ou grandes orquestrações. Sua força vinha da crueza. Ele falava de amor, solidão, morte, desejo e arrependimento de forma direta, porém arrebatadora. E o filme incorpora isso à sua linguagem visual.
Em diversas cenas, o espectador é convidado a mergulhar nas letras de suas canções, que surgem quase como monólogos internos do personagem. Músicas como “La Bohème”, “Hier Encore” e “She” não são apenas trilha sonora, mas elementos narrativos que conduzem a jornada emocional.
Essa escolha revela um profundo respeito dos diretores pelo legado do artista, tratando sua obra não apenas como pano de fundo, mas como a alma do filme.
Performance de Tahar Rahim: Uma Entrega Completa
A escolha de Tahar Rahim para o papel principal foi certeira. O ator francês de origem argelina traz uma vulnerabilidade rara à tela, sem jamais cair na caricatura. Seu olhar, muitas vezes melancólico, carrega uma história inteira mesmo quando não há palavras. É uma performance contida, mas profundamente tocante — que ecoa a própria essência de Aznavour.
Rahim não tenta imitar a voz do cantor. Ele o interpreta de dentro para fora, priorizando os gestos, os silêncios, as hesitações. E, assim como o homenageado, conquista não por grandiloquência, mas por verdade.
Não é a primeira vez que Charles Aznavour aparece nas telas. Ele próprio atuou em mais de 60 filmes, incluindo obras de diretores como François Truffaut (“Atirem no Pianista”) e Volker Schlöndorff. Aznavour sempre foi um artista multimídia, cuja presença transcendia o palco.
Mas esta é a primeira vez que sua história é contada de forma tão intimista, e por um olhar contemporâneo. O longa recebeu quatro indicações ao César, o mais importante prêmio do cinema francês, e já é considerado um dos retratos biográficos mais sensíveis do ano.
A estreia de “Monsieur Aznavour” chega ao Brasil em um momento em que a arte se faz mais necessária do que nunca. Num tempo de ruídos constantes, o silêncio poético de Aznavour se torna um refúgio. O filme está em cartaz em salas selecionadas pelo país, com destaque para cinemas de curadoria mais autoral, como o Reserva Cultural, o Espaço Petrobras de Cinema, o REAG Belas Artes, entre outros.
Em cidades como São Paulo, Rio de Janeiro, Belo Horizonte, Curitiba, Porto Alegre, Recife, Salvador, Niterói, Brasília e São José dos Campos, o público terá a chance de assistir ao longa em exibições que privilegiam a imersão e a experiência sensorial.
As distribuidoras apostam também em sessões comentadas, debates e ações especiais voltadas a fãs da música francesa, estudantes de cinema e amantes da chanson.
Na noite deste domingo, 27 de julho, o Cinemaço da TV Globo traz um thriller sul-coreano de tirar o fôlego: “Golpe de Mestre” (Master), um filme que mescla ação, drama e investigação em uma trama complexa sobre redes de corrupção, poder e manipulação. Lançado originalmente em 2016, o longa dirigido por Jo Ui-seok conquistou o público coreano e se espalhou para mais de 30 países, consolidando-se como um dos maiores sucessos do cinema asiático recente. As informações são do AdoroCinema.
O filme será exibido logo após o Domingo Maior, e promete uma madrugada de tensão e reviravoltas para os amantes de histórias de crime corporativo e investigações implacáveis.
Foto: Reprodução/ Internet
Uma teia de poder, fraudes e perseguições
A história gira em torno de Jin Hyun-pil, interpretado com frieza cirúrgica por Lee Byung-hun (conhecido por filmes como “G.I. Joe” e “O Contratado”). Jin é o CEO da One Network Inc., uma empresa de fachada que, sob o pretexto de ser um negócio multinível promissor, funciona como um esquema bilionário de fraude financeira envolvendo empresários influentes, políticos e membros do alto escalão coreano.
Do outro lado da lei, temos o incansável detetive Kim Jae-myung (vivido por Gang Dong-won), chefe da unidade de crimes intelectuais da polícia, que suspeita das operações da One Network. O que começa como uma investigação silenciosa, logo se transforma em um jogo perigoso de espionagem corporativa, manipulação digital e caçadas internacionais.
O ponto de virada ocorre com a entrada de Park Jang-gun (Kim Woo-bin), o cérebro da arquitetura digital da empresa. Jovem, brilhante e levemente arrogante, Park é convencido a colaborar com Kim em troca de um acordo judicial. Mas ele tem seus próprios planos: trair Jin, roubar o fundo secreto da empresa e desaparecer com uma fortuna.
A partir daí, “Golpe de Mestre” se torna uma batalha de estratégias onde ninguém é exatamente o que parece — e cada movimento pode ser fatal.
Elenco afiado e direção precisa
Parte do charme de “Golpe de Mestre” está na atuação estelar de seu trio principal. Lee Byung-hun oferece um vilão carismático e ameaçador, que mistura charme empresarial com brutalidade silenciosa. Gang Dong-won incorpora o investigador com seriedade e empatia, equilibrando a rigidez do cargo com convicções morais fortes. Já Kim Woo-bin brilha como o hacker duplo, ambíguo e essencial para o desenrolar da trama.
A direção de Jo Ui-seok é dinâmica, elegante e muitas vezes surpreendente. Conhecido por seu trabalho em “Cold Eyes” (2013), Ui-seok constrói o filme com tensão crescente, bons planos de câmera e cortes que mantêm o espectador preso. A montagem é rápida sem ser confusa, e os momentos de ação são bem coreografados, sem perder o tom realista.
Impacto internacional e sucesso de bilheteria
O sucesso de “Golpe de Mestre” não se restringiu à Coreia do Sul. Antes mesmo da estreia nos cinemas coreanos, o longa já havia sido vendido para 31 países durante o American Film Market de 2016 — o que mostra o crescente interesse global por thrillers asiáticos com alto nível de produção.
Logo no lançamento, o filme ocupou 1.448 salas e liderou as bilheteiras com quase 400 mil ingressos vendidos no primeiro dia. Ao longo das semanas, “Golpe de Mestre” atingiu mais de 7 milhões de ingressos vendidos e arrecadou quase 50 milhões de dólares, entrando para o top 15 dos maiores sucessos coreanos daquele ano.
Um suspense que espelha realidades
O roteiro de “Golpe de Mestre” é mais do que entretenimento. Ele dialoga diretamente com escândalos políticos e financeiros que têm assolado governos e empresas em todo o mundo — inclusive no Brasil. Ao mostrar como uma empresa fraudulenta se infiltra no poder político, manipula a mídia e intimida seus opositores, o filme coloca o espectador diante de um espelho social incômodo.
A tensão aumenta quando percebemos que a justiça, mesmo quando bem-intencionada, enfrenta uma máquina muito mais bem equipada, rica e articulada. A figura do detetive Kim Jae-myung se torna quase simbólica: um herói realista, movido mais pela persistência do que pela força bruta.
Um desfecho imprevisível
Sem dar spoilers, vale dizer que o final de “Golpe de Mestre” quebra expectativas e adiciona uma camada extra à complexidade da história. O que parecia resolvido se transforma novamente — num gesto que honra os grandes thrillers políticos, onde a verdade é muitas vezes mais ambígua do que se deseja.
O espectador é levado a refletir sobre os limites da justiça, a facilidade com que o dinheiro compra silêncio e a fragilidade das instituições diante do crime de colarinho branco.
Por que assistir hoje no Cinemaço?
Para quem gosta de thrillers inteligentes, “Golpe de Mestre” é uma verdadeira aula de como contar uma história envolvente com temas atuais, personagens bem construídos e um ritmo alucinante. A exibição na TV Globo é uma ótima oportunidade para conhecer (ou rever) um dos maiores acertos do cinema coreano moderno — numa madrugada que promete prender até os mais sonolentos.
Se você estava esperando por mais pistas sobre “A Hora do Mal“, novo filme de terror do diretor Zach Cregger (Noites Brutais, Acompanhante Perfeita e Noite de Abertura), pode comemorar (ou se preparar para arrepiar os cabelos): uma nova cena foi divulgada e, além de deixar o clima ainda mais sinistro, traz Julia Garner, Josh Brolin e Benedict Wong no centro de um momento tenso, perturbador e inesperado.
A sequência inédita mostra Julia e Josh debatendo sobre o sumiço das crianças da trama — até que tudo muda. Sem aviso, Benedict Wong aparece do nada, correndo de forma descompassada, com o olhar perdido e o corpo completamente entregue a alguma força desconhecida. Sim, do mesmo jeitinho assustador que as crianças já tinham aparecido em outros teasers, quase como se fossem marionetes de algo maior.
Wong parte pra cima de Julia Garner, num ataque bruto e descontrolado. Mas Brolin intervém a tempo, interrompendo o que parecia ser um surto — ou uma possessão? A cena termina no auge da tensão, sem explicações, deixando só perguntas no ar. E a sensação de que o pior ainda está por vir.
First clip from Zach Cregger’s ‘WEAPONS’
The film follows a classroom of children who get out of their beds and disappear one night without a trace. pic.twitter.com/YN6XIHTvMr
Uma cidade, 17 crianças e um mistério sem respostas
A trama do longa-metragem é daquelas que grudam na mente e fazem a gente dormir de luz acesa. Tudo começa com o desaparecimento de 17 crianças de uma mesma sala de aula, em uma noite comum. Elas simplesmente fogem de casa na calada da madrugada, sem deixar qualquer sinal de sequestro, invasão ou violência. Apenas uma criança permanece. Por quê? Ninguém sabe.
A cidade, uma comunidade pequena e tradicional da Flórida, entra em colapso. Os pais se desesperam. As autoridades tateiam no escuro. E a cada dia que passa, os acontecimentos ganham contornos mais estranhos. Algo está profundamente errado — mas ninguém consegue apontar o quê.
Muito além de sustos: rituais, trauma e crítica social
O que A Hora do Mal promete entregar vai bem além de cenas assustadoras. O próprio diretor e roteirista Zach Cregger já deixou claro que o longa mergulha em múltiplas tramas interligadas, conectando o sumiço das crianças a temas espinhosos como corrupção policial, bruxaria, rituais de sangue, abusos religiosos e traumas geracionais.
Ou seja: o medo aqui não vem só do que está escondido no escuro, mas do que já está entranhado na sociedade — e dentro das pessoas.
Não por acaso, Cregger cita “Magnólia” (1999), de Paul Thomas Anderson, como inspiração. Um filme que costura diferentes histórias, cheias de dor, humanidade e esquisitices — mas todas fazendo sentido juntas. Pode esperar um terror que não subestima o espectador.
Elenco de peso no centro do caos
O elenco do filme é daqueles que não passam despercebidos. Se o roteiro já chamava atenção, o time de atores só confirma que esse é um dos projetos mais ambiciosos do terror recente. Josh Brolin, por exemplo, entra em cena no lugar de Pedro Pascal e traz no currículo sucessos como Onde os Fracos Não Têm Vez, Sicario, Deadpool 2 e o icônico Thanos da saga Vingadores. Julia Garner, que conquistou a crítica com Ozark e Inventando Anna, também brilhou em The Assistant e Maniac.
Já Alden Ehrenreich, além de viver o jovem Han Solo em Solo: Uma História Star Wars, chamou atenção em Ave, César! e mais recentemente em Oppenheimer. Benedict Wong, sempre carismático, mostrou versatilidade em Doutor Estranho, Aniquilação, Marco Polo e A Fundação. Austin Abrams, conhecido por Euphoria e Dash & Lily, também passou por This Is Us e Chemical Hearts. E pra fechar, o time ainda conta com a veterana Amy Madigan (Campo dos Sonhos, Gone Baby Gone), a versátil June Diane Raphael (Grace and Frankie, The Disaster Artist) e o jovem promissor Cary Christopher, visto em Days of Our Lives. Ou seja, é uma mistura poderosa de talentos veteranos, estrelas em ascensão e queridinhos do público indie — todos jogados no meio de uma história onde o caos reina e ninguém parece estar seguro.
A produção que todo mundo queria
A briga por esse roteiro foi real e acirrada. Em janeiro de 2023, quando Weapons ainda era só uma ideia no papel, o texto de Cregger causou um verdadeiro leilão entre gigantes como Netflix, Universal Pictures, TriStar e New Line Cinema.
No fim, a New Line levou a melhor, garantindo um contrato dos bons: Cregger ganhou corte final garantido, um baita salário de oito dígitos e o compromisso de que o filme teria lançamento exclusivo nos cinemas. Ou seja: vem coisa grande por aí.
Vale lembrar que o diretor já tinha feito barulho com o ótimo Barbarian (2022), um dos terrores mais elogiados daquele ano — e que virou cult instantâneo. Agora, ele parece pronto pra ir além.
Estreia marcada (e ansiedade lá no alto)
O longa-metragem estreia nos cinemas dos Estados Unidos no dia 8 de agosto de 2025, com distribuição da Warner Bros. Pictures. Ainda não há data confirmada para o Brasil, mas a expectativa é que o lançamento por aqui aconteça na mesma semana — ou muito próximo disso. Até lá, os fãs de terror seguem de olho em cada teaser, pôster e pedacinho divulgado. A nova cena, inclusive, reforça a aposta de que o filme vai brincar com terror psicológico, elementos sobrenaturais e um mistério que se estende até os limites da loucura.
O que esperar?
Se for pra arriscar um palpite, a produção tem tudo pra ser um dos grandes filmes de terror de 2025. Não só pelo talento envolvido, mas pela forma como a história parece querer dialogar com algo maior: o medo coletivo, os traumas da infância, as instituições em colapso e o peso do que a gente não consegue explicar.
Não vai ser só mais um filme de susto — e isso, num mercado saturado de fórmulas, já é um alívio.
Tem gente que joga. Tem gente que transmite. E tem gente que transforma o competitivo em espetáculo, em emoção de verdade. Bruno “Nobru” Goes é esse último tipo. Durante a Esports World Cup 2025, realizada em julho, o fundador do Fluxo mostrou mais uma vez por que é um dos nomes mais carismáticos e influentes do cenário gamer brasileiro. Com carisma, entrega e muito amor pelo que faz, ele atraiu mais de 375 mil espectadores únicos ao longo de suas transmissões ao vivo — números que impressionam, mas não surpreendem quem já acompanha sua trajetória.
Ao todo, foram 16 horas de conteúdo, transmitidas com a intensidade de quem sente cada jogada na pele. A audiência bateu um pico de 19 mil pessoas simultâneas justamente durante a grande final do campeonato, mesmo com a equipe brasileira não ocupando as primeiras colocações. Essa fidelidade do público, que vai além dos resultados, mostra a força do elo criado por Nobru com sua comunidade.
Entre tropeços e reações: o Fluxo no mundial
A jornada do Fluxo na competição internacional teve de tudo: expectativa, tensão, recuperação e frustração. No primeiro dia da fase decisiva, em 16 de julho, o time teve um começo difícil, somando apenas 1 ponto e ficando na última posição do grupo. Mas como em toda boa história de superação, o dia seguinte trouxe uma reviravolta: 106 pontos e uma honrosa quarta colocação reacenderam a chama da torcida.
A caminhada, no entanto, voltou a ficar turbulenta. O terceiro dia trouxe nova estagnação no placar, e na etapa seguinte, o grupo ficou com o oitavo lugar. Na grande final, o resultado não foi dos melhores — décima colocação, com 84 pontos. Mas quem acompanhou as transmissões viu muito mais do que um time tentando vencer. Viu uma comunidade vibrando com cada queda, cada eliminação, cada tentativa de reerguida.
Um streamer que vai além do jogo
Enquanto o Fluxo batalhava dentro do servidor, Nobru segurava as pontas fora dele. Mais do que simplesmente transmitir as partidas, ele criou um ambiente de acolhimento e empolgação nas lives. Com comentários autênticos, interação direta com os fãs e até momentos de descontração em meio à tensão, Bruno fez do campeonato um grande encontro — daqueles que a gente sente falta quando acaba.
E isso se reflete nos 140 mil espectadores recorrentes que acompanharam seus conteúdos mesmo nos momentos de queda. Isso porque ele não estava ali apenas pelo troféu. Estava — e está sempre — pela conexão. A cada live, reforça que jogar também é partilhar, criar memórias, rir junto, lamentar e, principalmente, continuar mesmo quando os números não favorecem.
Campeões do torneio e o respeito do público
Quem levantou o troféu nesta edição foi a equipe asiática EVOS Esports, que brilhou com uma campanha sólida e levou pra casa o prêmio de US$ 300 mil (cerca de R$ 1,67 milhão). Mas, se no placar quem venceu foi a EVOS, no coração da comunidade brasileira não há dúvida: o verdadeiro destaque foi Nobru.
Porque no mundo dos games, nem sempre o mais aplaudido é quem sobe no pódio. Muitas vezes, é quem mostra resiliência, dá voz à torcida, e, mesmo sem o ouro, oferece algo ainda mais valioso: presença.
Mais que um número, uma história
A trajetória de Nobru não se mede apenas por estatísticas. De garoto sonhador da zona leste de São Paulo a ícone do cenário gamer, ele conquistou cada espaço com muito suor, talento e empatia. Fundou sua própria organização, se tornou um dos rostos mais conhecidos do Free Fire e segue firme como referência de representatividade e inspiração.
A participação na Esports World Cup deste ano foi mais uma página nesse livro em constante construção. Uma prova de que, mesmo nos dias difíceis, há força no coletivo. Há valor em manter o público junto, mesmo quando o placar aperta. E há beleza em se mostrar vulnerável, sem perder o brilho.
